لطالما كانت حدود الأنواع السينمائية غير واضحة، وقد جعلت سينما القرن الجديد الأمر أكثر غموضًا. نادرًا ما تكون الأفلام شيئًا واحدًا محددًا، ولكن كل نوع يأتي مع تقاليده وتوقعاته الخاصة.
الرعب هو بشكل متناقض واحد من أكثر الأنواع صرامة وواحد من الأكثر مرونة. يتوقع الجمهور الإثارة؛ في الوقت نفسه، فإن ميل النوع إلى الملتوي والمنحرف يوفر أيضًا بوابة للتجريب والتعاطف الجذري. ونتيجة لذلك – وبسبب قابليته للتسويق – يجذب الرعب صانعي الأفلام والمعجبين من جميع الأطياف، ويتسلل إلى قصص ذات مكانة أكبر بكثير.
في العقد الأول من القرن 2000، أصبحت خطوط الرعب أكثر غموضًا. كانت الإثارة والغموض والخيال العلمي لفترة طويلة مرتبطة بالرعب – أفلام مثل Silence of the Lambs وSeven لا تزال مواضيع نقاش حول ما يؤهل كفيلم رعب – وتستعير الأنواع الأخرى بشكل متزايد من الرعب لبناء التوتر أو إضافة لمسة أكثر حيوية إلى أحداثها الواقعية.
وهذا يطرح السؤال: هل الرعب نوع، أم أسلوب، أم مزيج من العوامل التي تتحد لتشكيل تجربة؟ هذه القائمة تستعرض أفضل الأفلام القريبة من الرعب في الربع الأول من هذا القرن (2000-2024). الأفلام هنا مؤثرة، سخيفة، جدية، ومجنونة تمامًا. إنها ليست رعبًا بالكامل، ولكن الحمض النووي للنوع قد تم دمجه بما يكفي ولكن ليس تمامًا.
30. Battle Royale (2000)
بعد ربع قرن، من السهل أن ننسى مدى شهرة Battle Royale. كانت عنفها الشديد وصورها للأطفال في المدارس الذين يصطادون بعضهم البعض صدمة للنظام وهجومًا على ما كان يُعتبر ذوقًا جيدًا. عند النظر إلى الوراء، كان الفيلم الأخير لكينجي فوكاساكو تحذيرًا بقدر ما كان أغنية وداع. بعد خمسة وعشرين عامًا، أطلق Battle Royale – أو على الأقل شعّب – نوعًا فرعيًا كاملًا، مما أعاد إحياء تقليد The Most Dangerous Game كحكاية اجتماعية، كابوس ديستوبيا، وتنبيه إخباري.
تتمثل فرضية Battle Royale ببساطة في أنها مادة رعب. قررت حكومة استبدادية محاربة الجريمة بين الأحداث من خلال جعل فصل دراسي من المدرسة الإعدادية يتنافس في قتال حتى الموت على جزيرة نائية حتى يبقى واحد فقط. ينتقل الفيلم إلى منطقة الإثارة، لكن نغماته الأولية مخيفة. مشاهدة الفصل وهو يتعرض للغاز ويتحول ضد بعضه البعض تدفع الأحداث إلى منطقة مظلمة، والطرق المختلفة التي يتمسك بها الطلاب باليأس مثيرة للقلق. بالنظر إلى المزاج والرعب الصريح في الفصل الأول، من الصعب عدم الشعور بخيبة الأمل عندما يتحول Battle Royale بعيدًا عن الرعب ويصبح أكثر توجهاً نحو الحركة. ومع ذلك، فإن فيلم فوكاساكو لا يتراجع أبدًا. قد يتنقل بين الأنواع، لكنه نادرًا ما يتراجع.
29. The Platform (2020)
قليل من الأنواع تتناسب مع التعليق الاجتماعي مثل الرعب، لكن الخيال العلمي مناسب بنفس القدر. إن ابتعاد هذا النوع عن الأعراف والواقع المعاصر يجعله مناسبًا تمامًا، إن لم يكن أكثر، للتعليق على أوقاتنا. The Platform – هو بالتأكيد استعارة حرفية لعدم المساواة في الدخل – يدمج بينهما. هذا فيلم خيال علمي ديستوبيا يتسلل بشكل دوري إلى الرعب الصريح.
The Platform هو واحد من أعظم الأفلام الحديثة ذات الموقع الواحد، حتى لو كان أكثر تعقيدًا من معظم الأنواع الفرعية. يسير على خطى Cube، يتبع هذا الفيلم رجلًا يُدعى غورينغ الذي يستيقظ في زنزانة في الطابق 48. زميله في الزنزانة، ترميغاسي غير المستقر، يشرح له: مرة واحدة في اليوم، تبدأ منصة تحمل الطعام من الطابق 0 وتتحرك للأسفل. كل طابق يحصل على دقيقتين قبل أن تتحرك المنصة للأسفل. كل شهر، يتغير السجناء الطابق، مما يعني أن كل شهر يجلب وعدًا بالوليمة أو المجاعة أو أسوأ.
الفرضية غير دقيقة، لكن المخرج غالدر غازتيليو-أوروتيا والكتّاب ديفيد ديسولا وبدرو ريفيرو يفهمون جاذبيتها. خلال معظم الفيلم، يختبر الجمهور السجن المكون من المنصات في جميع جوانبه الملتوية. يعطي نداء للعمل في وقت متأخر من الفيلم غورينغ شعورًا بالهدف، لكن زميله في الزنزانة ترميغاسي هو الذي يطارد الفيلم. من الإضاءة المظلمة للبرج إلى تطرف سكانه، يحتوي The Platform على أهوال جديدة في كل مستوى.
28. You Won’t Be Alone (2022)
You Won’t Be Alone هو فيلم غريب، تمرين حقيقي في السرد الوثني الذي سيكون عرضًا مزدوجًا رائعًا مع The VVitch لروبرت إيجرز أو I Saw the TV Glow لجين شونبرون. إنه فيلم مدروس، تأملي حول الهوية والطبيعة وعلاقة المرء بجسده، يُروى بنعومة وصبر.
فيلم غوران ستولفسكي هو مزيج فريد من نوعه من الرعب والدراما. إنتاج مشترك أسترالي/مقدوني، تدور القصة حول الفتاة القروية نيفينا وماريا، الساحرة التي تسعى للتحكم في مصيرها. منذ ولادتها، تم ربط حياة نيفينا بالساحرة، لكن هذا يسمح لنيفينا بالمرور عبر العالم الطبيعي متخلية عن الهويات.
You Won’t Be Alone يتبنى نظرة فريدة، حيث نرى نيفينا تفهم عالمًا غريبًا كفتاة شابة وككيان روحي. هذا العام، حصلنا على سينما من منظور الشخص الأول من عيون شبح (Presence لستيفن سودربيرغ) وكلب (Good Boy لبن ليونبرغ)، لكن ستولفسكي وصل إلى هناك مبكرًا، وفيلمه هو تمرين جميل، حزين، ومراقب في الخيال الذي غالبًا ما يغوص في الرعب بينما يحافظ على روحه الدرامية.
27. Visitor Q (2001) & The Happiness of the Katakuris (2001)
لا يمكن أن تكتمل أي دراسة للرعب أو الأفلام القريبة من الرعب في القرن بدون ذكر تاكيشي ميكي. كان المخرج الغزير الإنتاج بشكل لا يصدق نشطًا بشكل خاص في العقد الأول من القرن 2000، وهذان الفيلمان من بين الأكثر غرابة التي صنعها هو أو أي مخرج آخر. إن حقيقة أنه قدمهما كلاهما، وليس بعد فترة طويلة من الكلاسيكيات الشهيرة الأخرى Audition وIchi the Killer، هي شهادة على سجله الحافل.
Visitor Q هو فيلم غريب بشكل مستحيل، يقاوم التفسير ويحتوي على عدد من الأفعال النفسية المشوهة. يبدو أنه قصة عائلة مكسورة من قبل المجتمع تتزعزع بسبب ظهور غريب غامض، الزائر الذي يقوم بتصويرهم باستمرار، وكل ما يحدث تقريبًا مزعج ومناهض اجتماعي، لكن ميكي يصور كل ذلك ككوميديا. متجاوز، محظور بشكل عدواني، وغريب، Visitor Q هو دليل على أن النوع يتحدد بقدر ما يتحدد بالأسلوب كما هو بالمحتوى.
الدليل الإضافي هو The Happiness of the Katakuris، وهو فيلم موسيقي كوميدي رعب سريالي يتضمن أحيانًا Claymation. كما في Visitor Q، يركز الفيلم على عائلة أخرى غريبة ومضطهدة. تنتقل هذه العائلة إلى الريف لإدارة فندق حب، لكن ضيفًا يظهر ميتًا وتتبعه المزيد من الجثث. هناك لغز، رومانسية، أرقام موسيقية، وأكثر. يلعب هذا الفيلم أكثر كفارس من كونه رعبًا صريحًا، لكنه يلقي تقريبًا كل شيء على الحائط لدمج التوتر مع الجنون الشديد. أفلام مثل The Greasy Strangler ستلتقط حيث تركت، لكن الكثير من المتعة هنا هي رؤية مدى جنون القصة.
26. Swallow (2020)
تلتقي الطبقية والصدمات مع رعب الجسم في فيلم كارلو ميرانبيلا-ديفيس الذي يضم هايلي بينيت. Swallow هو انعكاس للرعب في العالم الحقيقي. تلعب بينيت دور هانتر كونراد، امرأة من خلفية متواضعة تزوجت من عائلة ثرية. عائلتها الجديدة تتجاهلها وتظهر ازدراءً علنيًا تجاهها، حتى بعد أن تعلن أنها حامل. منسحبة وقلقة، تجد هانتر وسيلة للتكيف: ابتلاع أشياء غير قابلة للأكل. تشخيصها بالبيكا يجعل العائلة الثرية تغلق صفوفها. يراقبونها، ساعين للتحكم في عقلها وجسدها بينما تفقد السيطرة.
Swallow هو دمج بارع بين الرعب والدراما. عنصر رعب الجسم – والتصوير النادر للبيكا الذي لا يُلعب من أجل الضحك أو الاشمئزاز – مزعج حقًا ومثير للقلق. تصوير بينيت لامرأة ضائعة في شقوق الأعراف الاجتماعية وتكافح من أجل أي شعور بالتحكم هو مشهد مؤلم في تصميمها الغائب عن الذهن. إن تفانيها الخالي من التعبير في تدمير الذات هو أمر مروع ومزعج بينما يصور ديفيس بألوان جميلة، مشوشة، وحيوية تتدفق عبر الشاشة. تُكشف الأسرار والرعب الحقيقي، لكن التباين بين محاولات العائلة المفرطة للتحكم في هانتر وأفعالها اليائسة والمتمردة لاستعادة السيطرة هو ما يربط الفيلم بالتوتر والصراع والعمق العاطفي.
25. Mandy (2018)
عادةً ما يُوصف Mandy كفيلم رعب، لكنه أغرب من ذلك. عناصر الرعب فيه مزعجة حقًا، لكن من Cheese Goblin إلى معركة المنشار، هذا الفيلم أكثر سريالية، مليء بالإثارة، ومخدر ليتم تصنيفه في نوع واحد فقط.
يقدم بانوس كوسماتوس بشكل كبير ولا يرضى بالأسلوب التقليدي. يلعب نيكولاس كيج دور الحطاب ريد الذي يعيش حياة مثالية مع زوجته ماندي، التي تلعب دورها أندريا رايزبرغ. تجذب ماندي انتباه زعيم الطائفة جيريميا ساندي الذي يلعب دوره لينوس روتش، الذي يرسل أتباعه وراءها. أولاً، يشعر كيج بالدمار. ثم، يغضب. ثم، يصبح الأمر جنونيًا.
Mandy هو واحد من أكثر الأفلام غرابة في عقده وأيضًا واحد من أجملها. مشبع بألوان سريالية زاهية، إنه جهد مجنون يتنقل من التأمل إلى الحسية. بينما ينحدر كيج إلى انتقام غاضب، يوجه كوسماتوس الفيلم من الحلم إلى منطقة الخيال الهلوسية. حتى مع تحول الواقع، لا تتراجع العنف والغضب على الشاشة. Mandy أحيانًا مرعب، لكنه دائمًا مكثف ومجنون.
24. The Father (2020)
قد لا يبدو أن التكيف الحائز على جائزة الأوسكار لمسرحية ما هو منطقة قريبة من الرعب، لكن The Father هو تجربة مرعبة. فيلم فلوريان زيلر من مسرحيته الخاصة يربك ويشوش الجمهور بينما يسعى لمحاكاة بداية الخرف. The Father حزين، مؤثر، ومرعب.
جزء مما يجعل فيلم زيلر فعالًا للغاية هو بطله. فاز أنتوني هوبكنز بجائزة أوسكار ثانية عن عمله هنا، وهي أداء لا يمكن إنكاره لدرجة أنه تفوق على فوز ما بعد الوفاة لتشادويك بوسمان. ضائع في الزمن، يصور هوبكنز رجلًا يتأرجح بين الثقة والارتباك والضعف المروع. إنها تصوير معقد وتعاطفي للخرف ينقل رعب الحالة بطريقة لم تفعلها العديد من الأفلام.
الجزء الآخر مما يجعل The Father فعالًا جدًا، ويدفعه إلى منطقة قريبة من الرعب، هو التحرير. ما كان سيكون دراما مباشرة يصبح رعبًا من خلال قدرة صانعي الأفلام على إعادة إنشاء المنظور المجزأ والمفكك لشخصية هوبكنز. إنها تمرين جميل في التعاطف الذي يكون مزعجًا للغاية بسبب انتباهه، واستخدامه، للحرفة.
23. Come to Daddy (2020)
Come to Daddy هو كوميديا سوداء تدعونا للاحتفال بالصمت المحرج لشخصياته الغريبة. يلعب إليجاه وود دور شخص متعجرف ومفرط في الامتياز يجذب إلى منزل والده الغريب. بمجرد وصوله، يتحول الأب بريان من الترحيب إلى خيبة الأمل إلى الازدراء الصريح. مشاهدة الرجلين وهما يتلاعبان بأناسهما يصبح تمرينًا في التوتر نفسه، لكن، بالطبع، يصبح الفيلم أغرب.
Come to Daddy ممتع بالطريقة التي يضع بها شخصين مختلفين تمامًا ولكن يائسين بجانب بعضهما البعض. يبدأ كنسخة مستقلة محرجة جدًا من برنامج واقع واسع قبل أن يتطور إلى منطقة الإثارة. لكن دعابته السوداء تبقيه متجذرًا في الرعب، مما يجعله كوميديا عائلية مشوهة تسكنها أشخاص ليسوا جيدين بشكل خاص أو مهتمين بأن يكونوا جزءًا من عائلة. الأسرار المخزنة تلعب دورًا ثانويًا أمام الحزن الداخلي واليأس المؤسف الذي يقدمه شخصية وود بينما يصبح أكثر عمقًا.
22. Jesus Camp (2006) & The Road to Guantanamo (2006)
عادةً ما لا نفكر في الأفلام الوثائقية كأفلام رعب، لكن هذان مثالان على ما يحدث عندما تقوم بتصوير وتحرير فيلمك كواحد. تتدفق هذان الوثائقيان إلى نوع الرعب ليس فقط بسبب موضوعهما ولكن أيضًا – والأكثر – بسبب كيفية تصويرهما لما هو على الشاشة.
Jesus Camp، الذي صنعته هايدي إيوينغ وراشيل غرايدي، يندمج في معسكر صيفي مسيحي إنجيلي يسعى علنًا لتلقين الأطفال في الأصولية. تترك إيوينغ وغرايدي كاميراتهما تقوم بالعمل الشاق بينما يتحدث الممارسون بألسنة، ويهاجمون العلمانيين، وينددون بالحريات الدينية. تم تصويره بألوان صارخة بينما يعبر موضوعه عن خطابات مليئة بالكراهية تؤكد تفوقهم الأخلاقي، Jesus Camp هو نظرة من خلف الكواليس على الموجة الراديكالية التي ستجتاح الولايات المتحدة. لقطة الفيلم النهائية، مشهد غير مقطع للقس المخلوع تيد هاغارد يدعو إلى عمل راديكالي لسلوك سيظهر لاحقًا أنه يشارك فيه، هو مشهد مؤلم بعزيمته الثابتة وكراهيته الخالية من التعبير.
The Road to Guantanamo يتبع نهجًا مختلفًا. إنه دراما وثائقية تمزج بين رؤوس المتحدثين من الضحايا الحقيقيين مع إعادة تمثيل تشمل ممثلين محترفين (بما في ذلك ريز أحمد الشاب). يجب أن يزيل هذا الواقع من الأحداث، خاصةً لأننا نعرف مصير الثلاثة من تيبتون. لكنه لا يفعل. عندما يعيد الفيلم تمثيل التعذيب “المعزز” الذي عاناه هؤلاء الرجال (الذين أطلق سراحهم في النهاية دون توجيه تهم)، فإنه يقدم نظرة مرعبة على الحرب على الإرهاب. هناك حتمية مؤلمة بينما نشاهد رجالًا أبرياء ينزلقون إلى نظام يزدهر على الجهل، والهجوم المضيء الذي قدمه هذا الفيلم أصبح أكثر رعبًا من أي جزء من Saw أو Hostel ببساطة لأنه حقيقي.
21. Krazy House (2024)
Krazy House هو في الأساس رعب بمعنى أنه مجنون. في الغالب، هو كوميديا أكشن تسخر من المسلسلات الأمريكية العائلية السخيفة والصالحة في التسعينيات، لكن جنونها المطلق وانتهاكها الغريب للجدار الرابع يمنح كل الحدث طاقة مجنونة وتهديدية تهدد بإسقاط الأحداث إلى فيلم قتل في أي لحظة.
يتم عرض الفيلم بالكامل كمسلسل كوميدي من التسعينيات يركز على عائلة صالحة يقودها نيك فروست الديني، المتعجرف، والغير كفء كبرني وزوجته العملية، المعيلة. يكافح برني للتواصل مع ابنه المهووس بالعلوم وابنته المهووسة بالأولاد، ولتذكير زوجته المهووسة بالعمل بأن ما يهم حقًا هو يسوع والعائلة، بهذا الترتيب.
Krazy House ليست مهتمة بالتلويح للكاميرا. الكثير من حدتها – التي تكون مزعجة ومربكة – تأتي من الشعور بأننا نشاهد فيلم دعاية من أمريكا في كون بديل. الحبكة التي تتشكل – تسرب مياه وفريق إصلاح روسي يأتي لإصلاحه – تعكس أيضًا التقاليد والمواضيع المعاصرة في لوحة مزعجة وسخيفة تهدد بالتسرب من الشاشة وفي النهاية تفعل. النتيجة النهائية غير عادية. التزامها أحيانًا مضحك، لكن جمالية وجهها الميتة حلوة بشكل مفرط ومنافقة، ستجعلك بحاجة إلى دش نظيف.
20. Krisha (2015)
دراما عائلية تُلعب كفيلم رعب، قد تكون Krisha أفضل تجسيد لأسلوب تري إدوارد شولتس النيو-مالكي. إنها انتصار للرعب الحسي. الرهانات منخفضة، لكن القلق لا يرحم. بينما سيواصل شولتس تقديم المزيد من العروض الصريحة للرعب (مثل It Comes at Night المثير للجدل، وHurry Up Tomorrow المؤسف)، فإن فيلمه الأول Krisha هو الأكثر رعبًا بشكل صريح، إلى حد كبير لأنه قابل للتواصل.
تذهب Krisha لحضور عيد الشكر العائلي. لقد أصرت حتى على طهي الوجبة الاحتفالية. الدراما وتاريخ عائلتها المضطرب قد تبعها، ومحاولاتها للحفاظ على تماسكها والتواصل مع ابنها البالغ تضعها على حافة الهاوية. تتكشف Krisha بصبر في دوامات من الأصوات والحواس، لكن توترها ملموس. هذا هو الرعب في أبسط صوره، القابل للتواصل، واليائس بينما نشاهد شخصًا يكافح ضد أسوأ شياطينه ويواجه خيارات تقوده إلى مصير حزين ومرعب.
19. The Devil’s Backbone (2001)
تُعتبر حكاية غيليرمو ديل تورو القوطية التي تدور أحداثها خلال الحرب الأهلية الإسبانية دراما رعب، وإثارة خارقة، وأكثر من ذلك. كانت مثالًا مبكرًا على اعتقاد ديل تورو بأن قصص الأشباح لا يجب أن تكون رعبًا بطبيعتها، وهناك شعور بأن المخرج المحب للنوع يشعر بالقلق من أن يتم تصنيف هذا الفيلم ضمن النوع.
يصل الشاب كارلوس إلى دار الأيتام خلال السنة الأخيرة من الحرب الأهلية، قبل أن تنزلق البلاد تحت حكم فاشي دام لعقود. يكشف تدريجيًا عن أسرار دار الأيتام، من ميولها السياسية السرية إلى الرؤى الغريبة التي تطارد سكانها. عند صدوره، تم الإشادة بقصة ديل تورو بسبب الطريقة التي دمج بها الرعب مع الدراما والسرد التاريخي، فضلاً عن كتابته القوية وحرفته. The Devil’s Backbone هي قصة شبح بأكثر من طريقة، واحدة عميقة التعاطف تستكشف القمع والجشع والصدمات بينما تُظهر كيف تمزق الحرب البراءة، وفي النهاية، كل إنسانية تجرؤ على مقاومتها.
18. Contagion (2011)
من كان يظن أنه، بعد أكثر من عقد، سيتبين أن فيلم الكارثة الوبائية Contagion لستيفن سودربيرغ سيكون في الواقع ساذجًا ومتفائلًا؟ كتب سكوت ز. بيرنز، Contagion هو فيلم وحش حديث عن انتشار فيروس شديد العدوى والطرق التي تتعامل بها الحكومات والأفراد المختلفون معه.
بعد كوفيد، هناك الكثير مما أصاب Contagion في الصميم – الحجر الصحي، شراء الذعر، نظريات المؤامرة – لكن، عند النظر إلى الوراء، فإنه أيضًا قد بالغ في تقدير مرونة الإنسانية وقدرة الحكومات على تجنب التسييس لمعالجة الاستجابات من أجل الصالح العام. بعيدًا عن التعليق الاجتماعي، يضع سودربيرغ وبيرنز الفيروس كعدو غير مرئي يعيد توجيه الحياة. يبدأ الفيلم بشكل جريء، مع غوينيث بالترو تتعرض لهجوم وحشي. تُعرض آثار الفيروس بوضوح، ورعب بالترو الواسع العين بينما تكافح من أجل التنفس يبيع لنا ما هو على المحك.
Contagion هو انتصار لنوع الارتباط الذي كان شائعًا في أوائل العقد الأول من القرن 2000. كان نوعًا ساعد في إحياء مسيرة سودربيرغ مثل Traffic، وهنا يستخدمه إلى أقصى حد بينما يروي قصة تجوب العالم حول موضوع سيصبح أكثر أهمية. ممزق من الواقع، مخاوفه وقلقه حقيقية، واللحظات التي يختار إبرازها قوية، لكن عندما يدرك شخصيات مختلفة أنهم يتم استبعادهم من المجتمع، نشعر حقًا بالرعب.
17. Compliance (2012)
يقنع متصل مزعج مطعم وجبات سريعة باستجواب موظف شاب بريء. هذه هي فرضية Compliance، فيلم مزعج للغاية زاد من قلقه لأنه حقيقي. القصة، ومعظم الأحداث فيها، حدثت بالفعل. لم تكن حتى حادثة معزولة.
بينما تميل معظم الأفلام المستندة إلى، أو “المستوحاة من”، قصص حقيقية إلى المبالغة، فإن Compliance مزعج للغاية بسبب الطريقة الإجرائية والواقعية التي تتكشف بها الأحداث. ومع ذلك، فإن Compliance ليس مزعجًا فقط بسبب أساسه في الواقع. يبني فيلم كريغ زوبيل التوتر بينما يحث متصل غامض يدعي أنه من إنفاذ القانون الأشخاص العاديين على التوجه ضد أحد زملائهم، محبوسين ويعاملونهم بشك في أقرب فرصة.
جزء من الرعب هو الطريقة التي يمكن بها للأصدقاء وزملاء العمل أن يتم التلاعب بهم بسهولة، وتقدم آن داود، كالمراة المختارة لتكون أداة التعذيب، أداءً يستحق الجوائز بينما تتحول ترددها إلى شعور بالاستحقاق. ساعدت هذه الدور في دفعها إلى أدوار أكثر شهرة في Hereditary وThe Handmaid’s Tale، وهنا نراها تعرض بشكل فعال تفاهة الشر. لقد افترضت العديد من الأفلام في هذه القائمة صدى أعلى مع مرور الوقت، لكن القليل منها مثل Compliance. إن تصويرها للامتثال الأعمى لتأكيدات عشوائية للسلطة حقيقي للغاية.
16. La Llorona (2020)
كان لدى جاييرو بوستامانتي حظًا غير سعيد بإصدار La Llorona في نفس الوقت تقريبًا مع فيلم يحمل عنوانًا وموضوعًا مشابهًا اتخذ نهجًا مختلفًا تمامًا (أي أسوأ). للتوضيح، هذا هو الفيلم الذي يجب مشاهدته – فيلم La Llorona عن الإبادة الجماعية للمايا في الثمانينيات من غواتيمالا الذي كان تقديم البلاد الرسمي للأوسكار، وعُرض في مهرجان فينيسيا، وحصل على إصدار خاص به في مجموعة كرايتريون.
حتى مع تلك العلامات المرموقة جانبًا، فإن فيلم بوستامانتي هو إثارة اجتماعية تكاد تكون رعبًا مباشرًا عندما لا يكون دراما سريالية عن الإبادة الجماعية، والشعور بالذنب، وأشباح الماضي. عندما يتم إلغاء إدانة الديكتاتور السابق إنريكي مونتيفيردي بتدبير الإبادة الجماعية للسكان الأصليين، يفر هو وعائلته إلى قصرهم بينما يحتج الجمهور على القرار. يحبسهم الحكم في عقارهم المريح، ويظهر خادمة جديدة بعد أن استقال موظفو المنزل من الاشمئزاز. تتزامن وصولها بشكل طبيعي مع رؤى غريبة وضوضاء في الليل.
La Llorona هي واحدة من أفضل الأمثلة على الرعب الاجتماعي كاستعارة. تستكشف الفظائع التي غالبًا ما يتم تجاهلها من التاريخ الحديث من خلال التاريخ الشعبي ورعب الشعب. يقدم بوستامانتي خيالًا مؤلمًا للعدالة حول الوحشية التي تدعم السلطة، حيث يتم افتراس الوحوش من قبل الذاكرة الجماعية. جميلة، مؤلمة، هلوسة، وللأسف لا تزال ذات صلة، La Llorona هي نداء حزين للعدالة المنكرة.
15. Donnie Darko (2001)
يمتلك Donnie Darko الكثير من الأحداث لدرجة أن عناصر الرعب تميل إلى الاندماج في الغرابة العامة. فيلم ريتشارد كيلي الأول هو مزيج مدهش من الأنواع، والنغمة، والأفكار التي تستخدم الرعب كخيط واحد في نسيجها المهلوس.
يأتي الكثير من الرعب في شكل فرانك الأرنب، الصورة المخيفة والمشوهة لأرنب تظهر بشكل دوري في رأس دوني وتتحدث إليه، لكن Donnie Darko يطارد بطرق أخرى. الجدة الموت، مفارقة الزمن، المتحدث التحفيزي النظيف، الأصوات التي يسمعها دوني – يملأ كيلي بيئته الضاحية بتهديدات لينش، ونفاق، وخطر مخفي وراء المروج المشذبة والواجهات المنسقة، بالإضافة إلى تقاليد الرعب المعروفة.
قد يكون Donnie Darko أقرب شيء إلى تكملة Jacob’s Ladder التي سنحصل عليها على الإطلاق. كلاهما أفلام سريالية ومذهلة تتجاوز مفاجآتها. الطريقة التي تتكشف بها Donnie Darko تلون الفيلم بألوان مختلفة. إنها تدعو إلى مشاهد متعددة وتفسيرات، وكل إعادة نظر تبرز الرعب – والمأساة الكامنة فيه – أقرب إلى السطح.
14. The Skin I Live In (2011)
The Skin I Live In هو على الأرجح أقرب ما سيصل إليه بيدرو ألمودوفار لصنع فيلم رعب، وحتى لو وصف المؤلف ذلك بأنه “قصة رعب بدون صرخات أو مخاوف”، فإنه لا يزال مزعجًا للغاية.
يبدأ The Skin I Live In بعملية اقتحام من نوع ما، حيث يتم إقناع الخادمة في عقار منعزل وواسع بفتح الأبواب. هذا يمهد الطريق لقصة ملتوية، متعرجة تلعب كفرانكشتاين حسي نفسي للعصر الحديث. يلعب أنطونيو بانديراس دور طبيب يستمر في التعامل مع سلسلة من المآسي العائلية. بطبيعة الحال، نظرًا لأن هذا هو ألمودوفار، فإن المظاهر ليست كما تبدو.
بالنسبة لصانع أفلام يكتب عادةً أعماله الخاصة، فإن The Skin I Live In ملحوظ لكونه الجهد النادر الذي قام فيه ألمودوفار بتكييف عمل شخص آخر، في هذه الحالة رواية تيري جونكيه Tarantula. من المحتمل أن تضيف مجموعة الحساسيات إلى الفيلم القوطي، المؤلم الذي ينتج. The Skin I Live In هو فيلم مؤلم، جميل، ومؤسف، جماليته متوافقة تمامًا مع رؤى شخصياته المضطربة لدرجة أننا نشعر بوزن الجدران المزخرفة الجميلة وهي تضيق علينا.
13. Time of the Wolf (2003)
مع Time of the Wolf، طبق مايكل هانيكه أسلوبه القاسي والمجرد على نوع ما بعد الكارثة. كفيلم، إنه واحد من أفضل أفلام عصره، تحفة أخرى لهانيكه. كفيلم رعب، هو دراما أولاً وأفضل لذلك. إن عدم اهتمامه بتقاليد النوع يجعلها أكثر رعبًا ورعبًا بينما يحدث الفوضى الحقيقية في خلفية هذه القصة العائلية.
قليل من أفلام ما بعد الكارثة نجحت في إدخالنا إلى العالم والحفاظ على هذا المنظور. تستيقظ عائلة من الطبقة المتوسطة على انهيار المجتمع، وتكون العواقب فورية وصادمة. تتجول العائلة في Time of the Wolf في الريف وتلتقي بالناجين الآخرين، الذين لا يعرفون جميعًا ما الذي عطل عالمهم وما يمكنهم توقعه في المستقبل.
وفاءً لشكلها، تجد هانيكه الرعب في الطبيعة البشرية، وقليل من أفلام الديستوبيا تكون مزعجة مثل كونها واقعية. هنا، الشائعات، النبوءات، وعدم اليقين هم المعذبون، الملح في جرح الفقدان والألم الذي لا يمكن تصوره. إنها نظرة صارخة على شكل عالم ما بعد الإنسانية.
12. New Order (2020)
أصبح ميشيل فرانكو بهدوء واحدًا من أكثر صانعي الأفلام حيوية، متجاوزة، ومراقبة في العالم اليوم. قد يكون New Order هو أفضل أعماله، الأكثر إنجازًا تقنيًا. إنه أيضًا الأكثر صلة والذي من المحتمل أن يبقى في الذاكرة.
يمكن القول إن New Order هو أكثر تصوير مباشر، واضح، وحيوي لحرب الطبقات في السينما. أثار فرانكو غضبًا بسبب الدلالات العنصرية لاختياره، وتلك المحادثة بالتأكيد لها ما يبررها، لكن تم تجاهل New Order بسبب كونه مرعبًا للغاية. على الرغم من فوزه بجائزة أفضل مخرج في فينيسيا، كانت العديد من المراجعات نقدية، تقارن بشكل غير عادل بينه وبين Parasite وJoker مشيرة إلى نقصه النسبي في الفكاهة والعاطفة. فات هؤلاء النقاد النقطة، إن “وحشية New Order بلا رحمة ونظرتها غير المركزة” هي ما يجعلها مرعبة للغاية لأنها واقعية جدًا.
يبدأ الفيلم بحفل زفاف، حفل زفاف من الطبقة العليا يتم قطعه بشكل وحشي عندما ترتفع المظاهرات والمجموعات المسلحة. العائلة نفسها ممزقة حول كيفية التفاوض مع هذه الواقع الجديد، مرتبكة تمامًا بسبب عدم قدرة أموالهم على حل مشاكلهم. ما يتبع لا يتوافق مع أي تقاليد سينمائية ولكن يتبع المسار المعتاد للثورة: الفوضى، الابتزاز، التعذيب، وإلغاء كل مسؤولية. New Order ليست ساخرة، إنها فقط كانت تراقب.
11. One Cut of the Dead (2017)
فيلم Shin’ichirō Ueda One Cut of the Dead هو خدعة سحرية رائعة، فيلم يفاجئ ويمتع بنفس القدر. يجب على أولئك الذين لم يشاهدوه و/أو ليسوا على دراية بطبيعته التوقف عن القراءة ومشاهدته الآن دون التحقق من صفحاته على ويكيبيديا أو IMDB. من المحتمل أن يعرف الجميع الآخرون بالفعل سحر وتغيرات انتصار Ueda المقطوع.
تم تصويره على مدى ثمانية أيام وتم تحريره في أربعة أشهر، يعد Ueda’s zombie riff تفاعلًا سائلًا وماهرًا مع توقعات الجمهور. من المشهد الافتتاحي، يأخذ One Cut of the Dead نغمة مرتفعة ومتحركة ويدفع نفسه بتفاصيل تتماشى مع تقدم الفيلم. لقد صنع Ueda فيلمًا يتحدث عن العمل الجماعي والإبداع بقدر ما يتحدث عن الزومبي والانهيار الاجتماعي. إنه مبتكر بشكل ملهم حيث يزدهر في خندق محفور بقوة بين الرعب والكوميديا. لقد تم إعادة صنعه بالفعل (في فرنسا) ومن المحتمل أن يتم تقليده جيدًا في المستقبل، لكن هذا الفيلم هو مجرد قطع واحدة فوق البقية.
10. Red Rooms (2023)
يجد Red Rooms الرعب في هوس المجتمع بجرائم الحقيقة، مشيرًا بالكاميرا إلى المشاهد وهوسنا الحديث بالعنف. يركز الفيلم على كيلي-آن (جولييت غاريبي)، عارضة أزياء تقضي وقتها بين القمار عبر الإنترنت وحضور محاكمة قاتل متسلسل مشتبه به. مثل بطلتها، الفيلم بارد، بعيد، وغامض، لكن رعبه – الذي يتم التواصل به بشكل أساسي من خلال تصميم الصوت ونظرات فارغة وباردة – هادئ ومجمع.
تدور دائرة الإعلام التي تدفع الفيلم وهوس كيلي-آن حول قضية وحشية. يُتهم رجل يُدعى لودوفيك شيفالييه بقتل الفتيات المراهقات وبث اللقطات. تحضر كيلي-آن المحاكمة بشكل ديني وتبحث في الويب المظلم بحثًا عن عمله. في المحاكمة، تتعرف على أحد مؤيدي شيفالييه، امرأة شابة قابلة للتأثر. يثير هوسهما المشترك ردود فعل مختلفة، وجزء من فعالية Red Rooms هو كيف تبقى بطلتها علامة استفهام، واحدة مزعجة تهدد نفسها بالتحول إلى عنف.
إذا لم يقدم الكاتب/المخرج باسكال بلانت دائمًا إجابات واضحة، فذلك لأن ما هو على الشاشة مزعج بما فيه الكفاية. بالمثل، فإن أداء غاريبي الهادئ يقول أكثر عن الشخصية وطبيعة الفضاءات عبر الإنترنت المدفوعة بالدم. لا يهتم بلانت وRed Rooms بالتوجيه الأخلاقي. الحقيقة مزعجة بما فيه الكفاية.
9. Detroit (2017)
كان فيلم كاثرين بيغلو Detroit فشلًا موثقًا. كان فشلًا عندما تم طرحه بشكل غير رسمي في شباك التذاكر في أغسطس، ووجد النقاد أنه غير سار ومكثف. تلاشى Detroit كطعم أوسكار لأنه فيلم رعب بارد، لا يرحم، متنكر كدراما تاريخية. إنها رسالة من زمن سابق، تم تجاهلها بشكل مؤسف، وصُورت كفيلم حربي، حول الاستبداد الأمريكي وكيف يظهر عن قرب.
يركز الفيلم على أعمال الشغب في ديترويت عام 1967، ويفتتح برؤية دوارة للتوترات ويقدم شخصياته – حارس أمن لطيف، مجموعة طموحة من RnB، شرطي عنصري، جنود الحرس الوطني المترددين – قبل دفعهم جميعًا معًا في مواجهة وحشية مشددة تبرز كيف يمكن للسلطة أن تنخرط في الصغائر والسادية دون محاسبة في أوقات عدم الاستقرار.
قد يكون جزء من الاستجابة القاسية لـ Detroit هو رد الفعل على الجهد الأخير لبيغلو وكاتب السيناريو مارك بوال، Zero Dark Thirty المثير للجدل، الذي تعرض، على الأقل إلى حد ما، للانتقاد بشكل صحيح لتبييض روايات وزارة الخارجية الأمريكية. هنا يقدمون نوعًا من التصحيح من خلال تقديم رؤية للسلطة الأمريكية التي خرجت عن السيطرة على مواطنيها. Detroit مرعب ومكثف مثل أي فيلم تعذيب من حقبة 2000.
8. We Need to Talk About Kevin (2011)
We Need to Talk About Kevin يبدأ بفلاش باك إلى مهرجان لا توماتينا في إسبانيا ثم يغمرنا في رحلات عقيمة، قاحلة من أمريكا الوسطى المليئة بالمآسي. تتدفق بقعة حمراء إلى أخرى عبر أوسموز الذاكرة.
كان لدى دراما النفس لين رامزي تمييز الخروج خلال فترة انتقالية في التاريخ الأمريكي، منطقة وسطى عندما أصبحت عمليات إطلاق النار في المدارس مشكلة بلا شك ولكن قبل أن تكشف شدتها المستمرة عن استعداد جماعي لقبول القضية. استنادًا إلى رواية للينون شرايفر، We Need to Talk About Kevin هو تكييف فني لقصة تُعرف بمأساة مركزية، تفاصيلها لا تتضح إلا مع تقدم الفيلم، وتنتهي بلكمة في المعدة. ومع ذلك، فإن الرعب الحقيقي هنا هو في استكشاف ما يحدث عندما يرفض الأطفال والآباء بعضهم البعض.
يستند فيلم رامزي إلى أدائين. ككيفن المضطرب، يكون إيزرا ميلر مزعجًا بشكل فعال، ساخرًا، حاقدًا، وشريرًا، بعيدًا عن الذرة المفرطة في عمله كsuperhero أو الجنون المتأخر الذي غرق مسيرتها. لكن الدور المركزي لتيلدا سوينتون – إنسانية عارية، مشاعر متقشرة في غفوة باهتة – هو ما يدفع الرعب. في نظرتها المتعبة والخالية من التعبير، نرى تكلفة كل المحادثات التي لا يمكننا أن نكون معنيين بها.
7. The Killing of a Sacred Deer (2017)
نظرًا لأن يورغوس لانثيموس يتاجر في العبث كثيرًا، ولأنه صنع مسيرة من تشويش الخط الفاصل بين السخافة والصدق، يبدو أن العديد من أفلامه تحمل طابعًا مزعجًا و/أو غريبًا بشكل غير عادي. لكن The Killing of a Sacred Deer، في تحديثه الظاهر للتراجيديا اليونانية، هو الأقرب إلى الرعب حتى الآن.
وهذا لا يعني أن الرعب في The Killing of a Sacred Deer ليس حقيقيًا. إنه، في الواقع، حرفيًا، ولا يرحم. يتلقى الطبيب اللطيف ستيفن (كولين فاريل) زيارات من شاب يُدعى مارتن (باري كيوغان) لديه ماضٍ غير مُعلن معه. طبيعة تفاعلاتهم الغريبة تخفي بعض المشاعر المؤلمة، ومارتن حريص بشكل خاص على التأكد من أن وجهة نظره تصل.
لا تدوم محاولات ستيفن لحماية عائلته والحفاظ على خصوصيته طويلاً. يعيد لانثيموس مزج تقاليد الرعب من صديق المتعقب إلى لعنة العائلة في مزيج غريب، مجرد، ومخيف بشكل مهلوس. يتكشف كما لو كان جزءًا من حالة من التنويم المغناطيسي. بمجرد أن يشرح مارتن نفسه خلال واحدة من أكثر عشاء السباغيتي رعبًا التي تم تصويرها على الشاشة، ليس لدى The Killing of a Sacred Deer خيار آخر سوى الوفاء بنبوءته. إنه مزعج للغاية.
6. Requiem for a Dream (2000)
اقترب دارين أرونوفسكي من Requiem for a Dream كفيلم وحش، بدلاً من كونه فيلمًا عن إدمان المخدرات، وهذا يظهر. كتب بالتعاون مع هوبيرت سيلبي جونيور، الذي كتب الرواية الأصلية، هذا هو الفيلم الثاني لأرونوفسكي ومن المحتمل أن يكون أفضل أعماله. فيلم شعور سيء تقريبًا على الفور يضم أداءً عظيمًا على مر العصور من إلين بورستين ولحظة حزينة مروعة تلو الأخرى.
بعد عقد ونصف، من السهل أن ننسى مدى تأثير Requiem for a Dream في البداية. كانت موسيقاه موجودة في كل مكان. أصبحت طريقة تحريره وتصويره – خاصةً لقطة بؤبؤ العين المتسع – مختصرًا للثقافة الشعبية. لم تتمكن خطاب بورستين حول الفستان الأحمر من الحصول على الأوسكار لكنها تستمر في مطاردتنا في يأسها وحزنها. Requiem for a Dream يتعلق كثيرًا بالعرض، بدلاً من الإخبار. الإدمان هو الوحش هنا، والانحدار سريع.
يحمّل أرونوفسكي فيلمه الثاني بالكثير من الأسلوب، والتقنية، والحرفة لدرجة أنه لم يتفوق على نفسه أبدًا. كل جانب من جوانب Requiem for a Dream يتسرب من التلاشي، والانحلال، وفقدان البراءة الذي يتدفق من كل إطار. هذا الانحدار التدريجي، الذي لا يرحم، إلى انحلال الإدمان هو ما هو حقًا رعب. لقد تم انتقاده على أنه أحادي النغمة، لامع، ومرعب، لكن لا يوجد توجيه أخلاقي هنا، فقط رحلة عبر نوع من الجحيم على الأرض.
5. Cache (2005)
“أردت أن تكون حاضرًا”، يقول أحد الشخصيات للآخر في Cache لمايكل هانيكه، تحفة حديثة شهدت أو توقعت القرن الذي يتكشف أمامها. تتلقى عائلة برجوازية أشرطة فيديو مجهولة من شرفتها الأمامية. شخص ما يراقبهم، أو على الأقل واجهاتهم. إن عدم وجود تفسير مرتب هو أمر محبط. بالنسبة للأب جورج، الذي يلعب دوره دانيال أوتويل، تشير هذه الهدايا إلى نشأته.
يستكشف هانيكه مواضيع الشعور بالذنب، والتواطؤ، والندوب المتبقية من الاستعمار، مركزًا عينه على شريحة من الطبقات الاجتماعية التي تشعر بالرضا التام للانتقال دون قول الكثير من أي شيء. Cache هو فيلم متعمد الغموض، حيث إن عدم وجود إجابات هو بقدر ما هو نقطة – من الفيلم ورعبه – مثل العمل أو الإثارة التي تتكشف على الشاشة.
في نهجه الغامض، يعزز Cache المخاوف بشأن المراقبة، والنسيان الجماعي، ومخاطر تجاهل التاريخ. يطارد الاستعمار والتعاون النازي شوارع هانيكه الباريسية، لكن الشيء الأكثر رعبًا هنا هو نظرتنا، الخالية من التعبير، المعقمة، وغير القادرة على تمييز الذكريات من الفيلم.
4. Holy Spider (2022)
يحقق صحفي في قضية قاتل متسلسل يستهدف العاملات في مجال الجنس ويجد شبكة من التواطؤ في Holy Spider. استنادًا إلى القصة الحقيقية لـ “قاتل العنكبوت” الشهير في إيران، الذي ادعى أنه في مهمة أخلاقية لتنظيف شوارع مشهد، يتشبع Holy Spider بالأجواء، مستعيرًا الألوان الداكنة من الإجراءات القانونية في التسعينيات بينما يتجول عبر الشوارع المظلمة.
بصفتها الصحفية الخيالية التي تحقق في القضية الحقيقية، تعمل زار أمير إبراهييمي كوكيل ذو عيون حديدية للجمهور بينما ننزل إلى قاع مشهد. يتم لعب القاتل المتسلسل بشكل غير كافٍ من قبل مهدي باجستاني، الذي يسخر من الصحفيين ويستخدم الدين كغطاء لساديته. يترك المخرج علي عباسي التحقيق وموجة القاتل تسير جنبًا إلى جنب، موضحًا كيف مكنت الأعراف الاجتماعية والوصمات قاتلًا.
يحتل Holy Spider معظم وقته في البحث عن قاتله المتسلسل، لكنه أيضًا نظرة على الإكراه الاجتماعي وكيف يزرع أصغر وأدنى جوانب الطبيعة البشرية، وخاصة الذكورة. يشهد النهاية تجربة العنكبوت شكلًا مشابهًا من العدالة المشوهة التي تخون قيمه، لكن اللقطة النهائية تضرب بقوة، بشكل مباشر ومؤلم، علم الأمراض الذي جعل القاتل يتحول إلى شخص شعبي متشدد.
3. Pan’s Labyrinth (2006)
Pan’s Labyrinth هو حكاية غيليرمو ديل تورو المنحرفة، والرؤية الفريدة التي رسخت له كقديس الوحوش في السينما الحديثة. إنها خيال مظلم غارق في تقاليد الرعب التي تلتقط حيث ترك The Devil’s Backbone.
إنها عام 1944، وإسبانيا تحت حكم فرانكو. والد أفيليا ميت، ووالدتها حامل، وزوج والدتها فاشي قاسي. بينما تسافر هي ووالدتها إلى منزل رب الأسرة الجديد في الريف، تواجه أفيليا نباتات وحيوانات غريبة تقودها إلى متاهة وفي النهاية إلى غزال لديه مهمة لها. سواء كانت أفيليا هي الأميرة المتجسدة التي يبحثون عنها غير واضح، لكن حاجة أفيليا للهروب من واقعها القاسي تتعارض مع متطلبات عالمها الخيالي.
Pan’s Labyrinth هو تحفة تظل مثيرة للقلق وغير مريحة. بينما يتصادم الخيال المظلم مع الإثارة التاريخية، يرتفع الرعب الكامن في الإعداد إلى المقدمة. أفيليا يتيمة في عالمها وعالم الخيال الذي تسكنه، وتكشف حكاية ديل تورو عن فظائع تلك القسوة وصغر الرجال الذين يعتمدون عليها. في النهاية، إنها انتصار للخيال يتألق في إنتاجه القوطي، المروع ورفضه التام لقيود النوع.
2. Irreversible (2003)
Irreversible مشهور: معروف بإثارة الانسحابات وللمشاهدتين من العنف الرسومي والمزعج – واحدة منها طويلة جدًا – التي تميز النصف الأول. لقد تم انتقاده باعتباره استفزازًا عميقًا، تقنيًا مثيرًا للاهتمام يستخدم العنف بشكل صريح لتأكيد مانترا “الزمن يدمر كل شيء”.
لكن هناك شيء آخر يجب مراعاته حول Irreversible، وجزء مما يجعله قريبًا من الرعب. في عصر ما بعد 11 سبتمبر، حيث كانت وسائل الإعلام السائدة والأمريكية تتعامل مع العنف بنظرة متزايدة من التلصص، كانت عنف Irreversible صادمة، مشوهة، وغير جذابة تمامًا. Irreversible هو فيلم رعب تم إزالة نبضات الرعب منه. العنف مُقدم بشكل مكثف. تتكشف الحبكة بترتيب زمني عكسي. يتم تقديم العنف خارج السياق، وتصبح تداعياته واضحة فقط في الاتجاه المعاكس. الساعة الثانية هي حلم لطيف لفيلم، رقيق وحسي ثم مؤلم في حميميته.
مثل Funny Games (1997 & 2008)، يقوم Irreversible بتقويض توقعات الجمهور حول العنف ونظرة الجمهور. بحلول الوقت الذي نصل فيه إلى نهاية Irreversible، التي هي بداية قصته، نفهم ما تم تحطيمه وفقدانه. لقد تجاوزت مسيرة نوé غالبًا حدود السينما في محاولات لالتقاط ونقل ما هو غير سينمائي – المتطرف، والعادي، وغير الملموس. لقد صنع نوé منذ ذلك الحين أفلام رعب أكثر وضوحًا، لكن مع Irreversible كتب مأساة عن جمال الحياة وكيف يمكن أن تتحطم بسهولة إلى قطع.
1. Mulholland Drive (2001)
لقد تم الإشادة بفيلم ديفيد لينش كتحفة منذ فترة طويلة كواحدة من أعظم الإنجازات السينمائية في عقده والقرن حتى الآن، ولا يمكن تجاهل عظام الرعب فيه.
هناك مشهد العشاء، مع التوتر الذي يتصاعد وينفجر بينما ننتقل خلف حاوية القمامة. هناك نادي سيلينسيو، الذي يظل مروعًا وجميلًا في غموضه وتناقضه. هناك رعاة البقر، الذي يستدعي ويتحدث بتهديد. قد يجادل عشاق السينما والباحثون حول نوع Mulholland Drive – هل هو رعب؟ إثارة؟ دراما؟ نوار؟ شيء آخر؟ شيء في المنتصف؟ – لكنه يحتوي على واحدة من أعظم قفزات الرعب في تاريخ السينما. Mulholland Drive مليء بالمشاهد، والتعليقات، والتفاصيل الخلفية التي تُعلم العالم الغامض الذي نتنقل فيه في وضع حلمي.
إنه ذلك الوضع الحلمي، الهلوسة الذي يجعل Mulholland Drive واحدًا من أكثر الأفلام غير الرعب رعبًا. كما لو كنا عالقين في نوبة من شلل النوم، تعبر الصور الغريبة الشاشة بينما تتردد موسيقى، والأكثر ominously، تظل static قصيرة على الشاشة. تعمل المرأتان في مركز Mulholland Drive، بيتي الساذجة وريتا التي تعاني من فقدان الذاكرة، كبديل للجمهور بينما نغوص في هوليوود الضبابية والمظلمة. إن ارتباكهن المشترك أثناء التنقل في عالم مألوف وغريب في آن واحد معدي. هناك شعور بأن أي شيء ممكن، وبالتالي يمكن أن تنزلق الأحداث إلى الرعب في أي لحظة. قد لا يهتم Mulholland Drive بالخوف، لكنه يلتقط تمامًا شعور الخوف.
