منذ ظهور السينما، تبادل صناع الأفلام المفاهيم، بدءاً من هياكل السرد وصولاً إلى الأساليب البصرية وتقنيات التصوير، وطبقوها في إبداعاتهم الخاصة لدرجة أنه من المستحيل فهم السينما دون طبيعتها التبادلية. بطريقة ما، تشكل كل مخرج من خلال الأفلام التي شاهدها طوال حياته، وبدورهم ألهم أعظمهم جيلاً جديداً بالكامل قام بمحاكاة أعمالهم.
لطالما سارعت هوليوود إلى استغلال النجاحات الرائدة والأفكار المبتكرة من الخارج وتبنيها، وغالباً ما تصل إلى جمهور أكبر بكثير من العمل الأصلي، حتى لو كان ذلك يعني التضحية بجودة الفيلم. كان التبادل الثقافي نعمة للسينما على المدى الطويل، مما ساعدها على التقدم لتصل إلى ما هي عليه اليوم. وبفضل تمتعهم بحرية إبداعية أكبر بعيداً عن قيود الاستوديوهات المتجنبة للمخاطر والصناعة التجارية، ابتكر المؤلفون السينمائيون الأجانب أفكاراً كانت بمثابة الإلهام الرئيسي لبعض أكثر الإصدارات شعبية في أمريكا، وأبرزها الأفلام العشرة التالية.
Paprika (2007) – Inception (2010)
يدين فيلم الإثارة الكلاسيكي للمخرج كريستوفر نولان بالكثير لساتوشي كون، الذي يُعتبر على نطاق واسع أحد أكثر مخرجي الأنمي تأثيراً وعبقرية على الإطلاق. يوظف فيلمه السريالي Paprika مفهوم الأحلام والعقل اللاواعي، ويتميز بأجهزة متطورة تمكن المستخدمين من الوصول إلى أحلام الآخرين مع اتباع قوانين وفيزياء مشابهة لما نراه في Inception.
في Paprika، صُمم هذا الجهاز في الأصل لعلاج ومساعدة المرضى النفسيين، ولكن يُسرق نموذج أولي غير مكتمل، والذي إذا أسيء استخدامه، قد يمكن مستخدمه من تغيير شخصية الآخرين بشكل لا رجعة فيه عن طريق اختراق عقولهم الباطنة. هذا يطلق مطاردة بوليسية مخدرة للقبض على الجاني، بينما فرضية Inception هي عملية سرقة أكثر مباشرة حيث يتعين على الأبطال زرع ذاكرة مزيفة عن طريق دخول “مستويات أحلام” أعمق. بعض الصور في فيلم نولان مستعارة مباشرة من فيلم كون، مثل استخدام المرايا المحطمة لتمثيل انهيار الحلم وتسرب الوعي الحقيقي، أو مشهد في ممر طويل حيث تتغير الجاذبية في منتصف القتال.
The Hidden Fortress (1958) – Star Wars (1977)
جورج لوكاس معجب منذ فترة طويلة بأكيرا كوروساوا، المخرج الياباني الأسطوري الذي أصبح من أوائل المخرجين الذين نالوا شعبية واسعة في الغرب. فيلم Star Wars ليس بأي حال من الأحوال النسخة الوحيدة لأعماله في الغرب، وهي قائمة تتضمن أفلاماً مثل A Fistful of Dollars وThe Magnificent Seven، مع العلم أن كوروساوا نفسه استلهم أعماله من أمثال جون فورد وويليام شكسبير.
ليس سراً أن فرضية ملحمة لوكاس الفضائية مأخوذة من إحدى ملاحم الساموراي الخاصة به. يتابع فيلم The Hidden Fortress تهريب أميرة متنكرة عبر خطوط العدو، وهي مهمة ينفذها فلاحان غريبان وساموراي مخضرم ومخلص. التوازي الأكثر وضوحاً هو كيفية سرد القصة من وجهة نظر الثنائي البسيط والغريب بدلاً من الأبطال التقليديين، بطريقة مشابهة لكيفية افتتاح Star Wars بـ C3P0 وR2D2. تثبت الأميرة ليا والأميرة يوكي أنهما واثقتان من نفسيهما وتهتمان بشعبهما بعمق، مما يقلب استعارة “الفتاة في محنة” المبتذلة. دور أوبي وان كينوبي كمرشد ومفهوم فارس الجيداي الحكيم والمتحفظ مشتق جداً من الساموراي، حتى في أرديتهم وأسلوب قتالهم بالسيوف (تصميم خوذة فيدر يعتمد أيضاً على محارب الكابوتو التقليدي). انتقالات المسح التي ترتبط عالمياً تقريباً بملحمة لوكاس اليوم يمكن العثور عليها أيضاً في The Hidden Fortress.
Lady Snowblood (1973) – Kill Bill (2003)
لطالما اعترف كوينتن تارانتينو بأسلوبه المشتق ومراجعه، وكان صريحاً جداً بشأن حبه غير المشروط للسينما الآسيوية. فيلم Kill Bill هو تكريمه النهائي لنوع الغريندهاوس والووشيا (البذلة الصفراء الأيقونية للعروس هي إشارة مباشرة لبذلة بروس لي في Game of Death). ولكن إذا كان هناك فيلم واحد يمكنه المطالبة بأكبر تأثير على الإطلاق فهو Lady Snowblood، فيلم الإثارة للمخرج توشيا فوجيتا عام 1973.
من الناحية الأسلوبية، يشترك الفيلمان في نفس النهج، مع عنف منمق للغاية ولا نقص في المبارزات المليئة بالدماء. إيقاعات القصة متشابهة جداً، حيث تتبع بطلة تحمل سيفاً في رحلة انتقام بعد تعرضها للتعذيب من قبل عصابة، واستخدام ذكريات الماضي غير الخطية لتسليط الضوء على خلفيتها الدرامية. تدور أحداث Lady Snowblood في اليابان في القرن التاسع عشر وتتميز بإيحاءات سياسية أثقل، بينما نسخة تارانتينو هي إعادة سرد أمريكية أكثر مباشرة تركز على الشخصيات. فستان أورين الأبيض مأخوذ مباشرة من فستان يوكي، وتحدث مبارزة في الثلج لتكون بمثابة الذروة النهائية لكلا الفيلمين.
Infernal Affairs (2002) – The Departed (2006)
حصد مارتن سكورسيزي جائزة الأوسكار لأفضل فيلم وأفضل مخرج في عام 2006 عن فيلم The Departed. يُعتبر فيلم الجريمة المثير هذا الذي يقوم ببطولته ليوناردو دي كابريو وجاك نيكلسون ومات ديمون أحد ذروة مسيرته المهنية المتأخرة. سكورسيزي ليس غريباً على اقتباس المواد، سواء كانت كتباً (Goodfellas) أو أفلاماً قديمة (Cape Fear)، لذا ليس من المستغرب أن The Departed هو إعادة تصور لفيلم الإثارة والحركة من هونج كونج عام 2002 من إخراج أندرو لاو وآلان ماك.
يعكس كلا الفيلمين حياة عضوين من قوة الشرطة والمافيا المحلية أثناء اختراقهما لمنظمة بعضهما البعض كمخبرين سريين. إلى جانب تغيير المكان (استبدال شوارع هونج كونج ببوسطن وعصابة الثالوث بعائلة كوستيلو الإجرامية)، تدمج نسخة سكورسيزي اهتمامين عاطفيين في شخصية فيرا فارميجا، مستغلة وقت التشغيل الإضافي البالغ 50 دقيقة لتعميق خطوط قصصية معينة وإضافة شخصيات إضافية مثل شخصية مارك والبيرج إلى المزيج.
Perfect Blue (1997) – Black Swan (2010)
فيلمان رائعان من أفلام الإثارة النفسية يركزان على عبء التوقعات والهوس لدى شابات مضطربات يعانين من اضطرابات الهوية المزدوجة، وكلاهما يتميز برواة غير موثوقين وخط غير واضح بين الواقع والخيال. يتابع فيلم Perfect Blue لساتوشي كون حياة مغنية شابة شهيرة تحولت إلى ممثلة (ميما) تكافح لترك حياتها القديمة خلفها. تدور نسخة دارين أرونوفسكي أيضاً حول شابة ذهانية تعاني من اضطراب الهوية الانفصامي. تفشل شخصية بورتمان في تبني شخصية “البجعة السوداء” الخاصة بها حقاً لتصبح راقصة باليه جديرة، بينما تبدأ ميما في إعادة النظر في مهنتها المحمومة الجديدة على الشاشة، وكلاهما يعاني بشكل متكرر من هلوسات لأناهم البديلة مع تدهور صحتهم العقلية.
اشترى أرونوفسكي حقوق Perfect Blue قبل صنع Black Swan، وسرق بعض لقطاته الأكثر شهرة مثل مشهد حوض الاستحمام في فيلمه Requiem for a Dream وصور متشابهة بشكل مخيف في Black Swan، لكنه لم يعترف علناً بأي تأثير.
Battle Royale (2000) – The Hunger Games (2012)
خلق مفهوم Battle Royale الذي تم تقديمه في هذا الفيلم الياباني عام 2000 نوعاً سينمائياً جديداً بالكامل وأنتج عدداً لا يحصى من الأفلام وألعاب الفيديو والروايات، بما في ذلك سلسلة سوزان كولينز الضخمة. يتمتع فيلم كينجي فوكاساكو الحشوي، المستند إلى رواية تحمل نفس الاسم عام 1999، بإعداد متطابق تقريباً مع ديستوبيا The Hunger Games. يتم اختيار مجموعة من زملاء الدراسة في المدرسة المتوسطة بالصدفة للتنافس في مسابقة قتل مروعة على جزيرة نائية، كجزء من مخطط سياسي لمنع جنوح الأحداث والتمرد. يُعطى كل طالب أسلحة وأجهزة تتبع مميتة مع ثلاثة أيام للقتال حتى الموت حتى يظهر فائز.
في كلا الفيلمين، تنشأ التحالفات والخيانة والاهتمامات العاطفية وسط المذبحة، حيث تتفوق الشخصيتان الرئيسيتان على منافسيهما وترفضان في النهاية اتباع الأوامر في عمل تمرد مفتوح ضد السلطات. في The Hunger Games، يهدد بيتا وكاتنيس بالانتحار بالتوت السام وهو ما يأتي كمفاجأة كبيرة للكابيتول، بينما في Battle Royale، يتمكن شويا ونوريكو من مغادرة الجزيرة كهاربين بعد شق طريقهما للخروج.
Ghost in the Shell (1995) – The Matrix (1999)
أصبح اقتباس المانجا هذا عنصراً أساسياً في نوع السايبربانك (مع استلهام أفكار من Blade Runner وAkira نفسه). يتعامل كلا الفيلمين مع موضوعات فلسفية متشابهة في إعدادات مستقبلية، مما يثير تساؤلات تتعلق بالوعي والهوية، معتبراً الجسد المادي مجرد أداة لجزء أكبر من أنفسنا (روح).
يتابع Ghost in the Shell الرائد موتوكو كوساناجي، وهو سايبورغ شرطي في مطاردة لهاكر مهدد يحاول إفساد عقول الآلاف من “الأصداف” أو الأجساد لمصلحته السياسية. يستلهم The Matrix الكثير من حيث الأسلوب، من ترميز الكمبيوتر الأخضر الأيقوني الآن إلى تصميم رقصات الفنون القتالية في تسلسلاته المليئة بالحركة. استشهد الأخوان واتشوسكي عن جدارة بفيلم أوشي كأحد أكبر التأثيرات في إنشاء فيلمهما الخاص.
Solaris (1972) – Interstellar (2014)
هز كريستوفر نولان عقول الجماهير بمغامرة الخيال العلمي الطموحة هذه، والتي تتميز مرة أخرى بموضوعاته المتكررة عن الوقت والحب في رحلة ملحمية بين المجرات. يسارع الكثير من الناس إلى ذكر تحفة ستانلي كوبريك عام 1968 2001: A Space Odyssey كإلهام رئيسي لها وغالباً ما تُستخدم كمقياس كلما طُرح نقاش “أعظم فيلم خيال علمي” عبر الإنترنت. على الرغم من اعتباره أحد أفلام نولان المفضلة على الإطلاق، إلا أن فيلم Solaris لأندريه تاركوفسكي هو الأكثر تشابهاً مع ملحمته الفضائية الخاصة. بالنظر إلى Interstellar كفيلم عالي المفهوم قبل كل شيء، لا يوجد فيلم يقترب من أفكاره الميتافيزيقية المذهلة تماماً مثل هذا الإنتاج السوفيتي عام 1972.
تُرى كلتا القصتين من خلال عيون رائد فضاء أرمل حديثاً أُرسل في مهمة عالية المخاطر إلى كوكب بعيد (أحدهما طبيب نفساني والآخر فيزيائي). تأتي حالة حدادهم لتحدد أفعالهم بدرجات متفاوتة طوال القصة بأكملها. بالإضافة إلى ذلك، في كلا الفيلمين، يعد الماء رمزاً بارزاً لمرور الوقت وشكله وحركته تعكس حياة الإنسان نفسها.
Princess Mononoke (1997) – Avatar (2009)
جلب Princess Mononoke الرسام العبقري هاياو ميازاكي واستوديوهات جيبلي إلى النجومية العالمية، بناءً على نجاحاته المبكرة في الثمانينيات مثل My Neighbor Totoro وKiki’s Delivery Service. يركز ميازاكي، وهو داعية سلام وبيئي منذ فترة طويلة كان قد عرض بالفعل موضوعات بيئية في أفلام سابقة، على المصالح المتضاربة الدورية بين الإنسان والطبيعة. Mononoke هي ملحمة خيالية تتميز بمخلوقات أسطورية وأمراء وأشجار مقدسة وأرواح الغابة.
تماماً كما في فيلم كاميرون ذو الميزانية الضخمة، يجد شاب نفسه في وسط صراع واسع النطاق في بيئة غير مألوفة، ويتعلم الطرق من محاربة جذابة وينضم في النهاية إلى قضيتها ويساعد في إنقاذ غابة إلهية من الهجمات الأجنبية. في Avatar، يتم تدمير قمر باندورا لحصاد معدن لا يقدر بثمن يسمى أونوبتانيوم يقع تحت شجرة الأرواح المقدسة، بينما في Mononoke، تسرق مستوطنة إيرونتاون القريبة موارد غابة الأرز المقدسة لدعم إنتاجها العسكري. يتخذ كاميرون نهجاً أكثر تبسيطاً مع أشرار مبتذلين لا يملكون أي صفات فدائية تقريباً، بينما حقق ميازاكي تصويراً أكثر غموضاً للنفعية، مما منح شريرته دوافع أكثر تصديقاً تجعلك تتعاطف مع قضيتها إلى حد معين، حتى لو لم يكن من المفترض في النهاية أن تقف إلى جانبها.
In the Mood for Love (2000) – Lost in Translation (2003)
وونغ كار واي هو ملك الرومانسية الكئيبة، ويعتمد بشدة على أسلوبه الفريد ومزاجه وموسيقاه بدلاً من السرد التقليدي لترسيخ أفلامه. يحكي In the Mood for Love قصة جارين متزوجين يعيشان في هونج كونج في الستينيات ويقعان في الحب بينما يقيم أزواجهما علاقة غرامية مع بعضهما البعض. تماماً مثل فيلم صوفيا كوبولا عام 2003، تجد الشخصيتان الرئيسيتان العزاء في صحبة بعضهما البعض، وتكتشفان اتصالاً غير متوقع يثبت أنه علاجي لوحدتهما.
ذكرت كوبولا مراراً وتكراراً وونغ كار واي كأحد أكبر تأثيراتها الأسلوبية وLost in Translation غارق في مخططاته. في كلا الفيلمين، ينمو الرابط بين الشخصيات الرئيسية تدريجياً في لعبة من ضبط النفس والمغازلة حيث لا الشهوة بل اللطف الحقيقي هو ما يثير علاقتهما، ولا يكتمل أبداً بطريقة جسدية مع افتراق كل منهما في النهاية. ينقل كلا الفيلمين مشاعر أكبر من خلال الموسيقى والصور، وغالباً ما يتميزان بمقاطع طويلة خالية من أي نوع من الحوار. العلاقة بين فيلم كوبولا وفيلم وونغ هي موضوعية أكثر منها سردية، وتتطور إلى استكشافين مختلفين للعزلة والشوق في ظروف ميؤوس منها.
