تُعد اليابان واحدة من أعظم الأمم السينمائية، حيث تمتلك واحدة من أقدم وأغنى الصناعات السينمائية في التاريخ. من الأفلام الصامتة في فترة ما قبل الحرب، إلى العصر الذهبي في الخمسينيات، وطفرة الأنمي في الثمانينيات، وصولاً إلى موجة رعب “جي-هورور” في أواخر التسعينيات، تتسم السينما اليابانية بتنوعها الكبير وجاذبيتها الدائمة. هناك عدد لا يحصى من الكلاسيكيات في تاريخ السينما اليابانية، لكن هذه القائمة ستسلط الضوء على عشرة أعمال غير مطروقة، تمتد من الثلاثينيات وحتى العقد الثاني من القرن الحادي والعشرين.
ملاحظة: توافر الأفلام على منصات البث يعتمد على وقت نشر هذا المقال.
1. Dragnet Girl (1933, dir. Yasujirō Ozu)
ياسوجيرو أوزو هو المراقب السينمائي الأبرز للعائلة اليابانية. تُعد روائعه Tokyo Story (1953) و Late Spring (1949) كلاسيكيات أساسية في السينما اليابانية. تدور أفلامه الشهيرة بالكامل تقريباً حول العائلة اليابانية — ديناميكياتها المتغيرة التي يشكلها التاريخ والزمن والظروف — وعادة ما تكون من الطبقة الوسطى. أسلوبه يمكن التعرف عليه فوراً: كاميرا ثابتة موضوعة على مستوى منخفض (ما يعرف بلقطة التاتامي)، وممثلون ينظرون مباشرة إلى الكاميرا أثناء الحوار، وغياب الموسيقى التصويرية المباشرة.
فيلم Dragnet Girl، وهو فيلم صامت مبكر، يبتعد عن كل الخصائص التي اشتهر بها أوزو تقريباً. تتحرك الكاميرا في هذا الفيلم أكثر مما تحركت في جميع أفلامه الملونة مجتمعة. إنه فيلم من نوع سينمائي مكثف، يتبع رجل عصابات صغير (جوجي أوكا) وصديقته المحتالة (كينويو تاناكا، الممثلة والمخرجة الأسطورية، التي شاركت في Ugetsu و Sansho the Bailiff و Love Under the Crucifix). عندما يحاول صبي صغير الانضمام إلى العصابة، تطلب شقيقة الصبي من رجل العصابات إبعاده عن حياة الجريمة.
هناك احتضان صريح للثقافة الغربية في Dragnet Girl، وهو ما يتناقض مع موضوع متكرر في أعمال أوزو اللاحقة: زحف التغريب في اليابان وكيف يغير الثقافة اليابانية. الفيلم مشبع بأسلوب أفلام العصابات في هوليوود في الثلاثينيات؛ حيث يرتدي الرجال البدلات مع قبعات “فيدورا” مائلة، وتتألق النساء بفساتين الحرير الأبيض. يتردد الشخصيات على نوادي الجاز المليئة بالدخان وصالات الملاكمة، كما تظهر ملصقات أفلام مثل The Champ للمخرج كينغ فيدور و All Quiet on the Western Front للمخرج لويس مايلستون في الخلفية.
رغم كل هذا الأسلوب، تكمن المعضلة الدرامية الأساسية للفيلم في التخلي عن حياة الجريمة. فبينما يقع رجل العصابات في حب شقيقة الصبي، يبدأ هو وصديقته في رؤية قيمة العودة إلى الطريق المستقيم. تبدأ جاذبية الغرف المليئة بالدخان والفساتين المخملية في التلاشي. وبينما يظهر حب أوزو لسينما هوليوود في Dragnet Girl، فإن خوفه من التغريب الزاحف يظل حاضراً بجانبه. شقيقة الصبي، التي تمثل رمز البراءة في الفيلم، هي الشخصية الوحيدة التي ترتدي الكيمونو.
فيلم Dragnet Girl متاح للمشاهدة على منصة Criterion Channel ومجاناً على يوتيوب.
2. Genius Party (2007, dir. Atsuko Fukushima, Shoji Kawamori, Shinji Kimura, Yoji Fukuyama, Hideki Futamura, Masaaki Yuasa, Shinichiro Watanabe)
Genius Party هو فيلم أنمي مختارات يتكون من سبعة أفلام قصيرة لسبعة مخرجين، أبرزهم ماساكي يواسا، صانع فيلم Mind Game (2004) و The Night is Short, Walk on Girl (2017). إنه مدخل رائع للمبتدئين في عالم الأنمي وجوهرة خفية للمخضرمين. الأفلام متنوعة للغاية، وتختلف في أسلوب التحريك والسرد.
يبدأ الفيلم بشكل تجريدي. يصور الفيلم القصير الافتتاحي لأتسوكو فوكوشيما كائناً بشرياً يشبه الطائر يتغذى على قلوب مخلوقات صخرية صغيرة في أرض قاحلة. ينتج أحد المخلوقات الصخرية زهرة بلازما خضراء عملاقة في السماء، مما يطلق شرارات برق بين العديد من المخلوقات الصخرية، لتتحول إلى خلية عملاقة تتنفس. يقود هذا مباشرة إلى الفيلم التالي، مما يمهد الطريق بشكل مثالي. ورغم أن القصة غامضة، فإن أبرز ما في الفيلم القصير (والأفلام القادمة) هو التحريك الساحر.
الفيلم القصير التالي، “تنين شنغهاي”، مباشر بقدر ما يمكن أن تكون عليه هذه الأفلام. صبي صغير يتعرض للتنمر من زملائه، يجد قلماً كريستالياً يمنحه القدرة على إحياء أي شيء يتخيله. ثم تهاجم روبوتات عملاقة المدينة، ويصبح على الصبي وصديقه وعميلين سيبرانيين من المستقبل إنقاذ العالم. إنها فرضية كلاسيكية، نُفذت بمشاهد حركة مثيرة ونهاية دافئة. ومن هناك، تتغير الأفلام القصيرة بشكل كبير في النغمة والموضوع، وتتنوع من تأمل تجريدي حول الهوية إلى قصائد بصرية تجريبية.
يختلف التحريك بشكل كبير أيضاً. “Deathtic 4″، الفيلم القصير الثاني، يبني نوعاً مختلفاً تماماً من العالم، باستخدام الرسوم الحاسوبية (CG) ومزج بيئات ثنائية الأبعاد مع شخصيات ثلاثية الأبعاد. يستخدم “Doorbell” أسلوباً مرسوماً يدوياً واقعياً، بينما يعد “Limit Cycle”، تلك القصيدة البصرية التجريبية المذكورة سابقاً، انفجاراً من الأساليب والأفكار المختلفة. فيلم ماساكي يواسا القصير ليس صاخباً مثل Mind Game، فهو يتخلى عن تركيزه على المجتمع الحديث، ويستخدم بدلاً من ذلك إطاراً خيالياً للتأمل في الولادة والحياة والموت: أسئلته الكبرى المعتادة.
فيلم Genius Party متاح للمشاهدة مجاناً على يوتيوب.
3. A Snake of June (2002, dir. Shinya Tsukamoto)
A Snake of June هو فيلم إثارة إيروتيكي من إخراج أحد المتمردين العظماء في السينما اليابانية: شينيا تسوكاموتو. اشتهر تسوكاموتو بروائع مجنونة مثل Tetsuo: The Iron Man (1989)، وقد رسخ نهجه التصويري الجريء والمتجاوز وعالي الأسلوب مكانته كأحد كبار المؤلفين السينمائيين المعاصرين في اليابان. وكما هو الحال في العديد من أفلامه، يحتوي A Snake of June على عناصر رعب، دون أن يغرق تماماً في هذا النوع السينمائي. في هذه الحالة، يستكشف تسوكاموتو إثارة النفسية الجنسية.
صدر الفيلم عام 2002، ويحتل مكانة مثيرة للاهتمام في موجة رعب “جي-هورور” التي كانت تظهر في ذلك الوقت. من ناحية التصوير السينمائي، فإن الصبغة الأحادية اللون الزرقاء للفيلم تضعه بقوة في العقد الأول من القرن الحادي والعشرين، بينما تخرجه في الوقت نفسه من إطار الزمن. تستحضر هذه الصبغة عمليات الألوان في الأفلام الصامتة المبكرة، لكن المونتاج الإهليلجي يدفع الفيلم نحو الأسلوب السينمائي الحديث، وكذلك لقطات القطع السريع، وحركة الكاميرا اليدوية، وموضوعات جنون الارتياب والتعفن المنزلي.
يتبع الفيلم رينكو، عاملة في خط ساخن للصحة النفسية تعيش مع زوجها. في أحد الأيام، تتلقى صوراً لها وهي تمارس العادة السرية في المنزل من مرسل مجهول. سرعان ما يتصل بها المرسل، كاشفاً عن نفسه كمتصل سابق بالخط الساخن، كانت رينكو قد أنقذته من الانتحار. بابتزازها بالصور، يجبر المتصل رينكو على ارتداء ملابس مثيرة جنسياً وممارسة العادة السرية في الأماكن العامة. الفرضية معيارية إلى حد ما لأفلام الإثارة من هذا النوع، رغم أن تنفيذ تسوكاموتو صريح وأنيق ومنحرف، كما هي حال أفلامه العظيمة.
تخلق الصبغة الزرقاء الأحادية المقترنة بالمطر المستمر عالماً كئيباً ومرهقاً في A Snake of June. المياه التي تتجمع حول مصارف الاستحمام المسدودة ومياه الأمطار التي تتدفق بعنف عبر قنوات الشوارع هي صور موضوعية شائعة تكتسب معنى مشحوناً جنسياً مع تكشف الحبكة وتصاعد الانحراف. إنه فيلم إثارة إيروتيكي مفاجئ وأصلي تماماً لا يمكن أن يأتي إلا من تسوكاموتو.
فيلم A Snake of June متاح للمشاهدة مجاناً على يوتيوب.
4. Extreme Private Eros: Love Song 1974 (1974, dir. Kazuo Hara)
على الرغم من أن السينما اليابانية لا تشتهر في المقام الأول بالأفلام الوثائقية، إلا أنها تقدم العديد من الجواهر في هذا المجال. Tokyo Olympiad و Antonio Gaudí و The Kingdom of Dreams and Madness كلها أفلام رائعة. وإلى جانب هذه الكلاسيكيات، تقف أعمال كازو هارا، صانع الأفلام الوثائقية الأبرز في اليابان. فيلمه الأساسي، The Emperor’s Naked Army Marches On، يتناول الهوية اليابانية بعد الحرب العالمية الثانية. أما فيلم Extreme Private Eros: Love Song 1974، اختيارنا لهذه القائمة، فيضيق تركيزه ليشمل هارا نفسه.
يعد Extreme Private Eros واحداً من أكثر الأفلام الوثائقية حميمية على الإطلاق، وهو فيلم يدور ظاهرياً حول زوجة هارا السابقة، ميوكي تاكيدا. يصرح هارا نفسه بالقرب من البداية أن الفيلم هو ذريعة ليكون معها. يغادر هارا شقته في طوكيو ليصور ميوكي، التي أخذت طفلهما إلى أوكيناوا، حيث تتنقل من علاقة إلى أخرى. تتجادل ميوكي مع صديقة، وتندب علاقتها الفاشلة مع هارا، وتتحدث بزهو عن الاختلافات بين الرجال والنساء، وتصبح في النهاية حاملاً من رجل أمريكي أسود يُدعى بول. تستمر علاقتهما ثلاثة أسابيع.
تتكون الدقائق الثلاثون الأخيرة من مشهدي ولادة صريحين. الأول هو ولادة ميوكي للطفل من عرق مختلط، والثاني هو ولادة ساتشيكو كوباياشي، عشيقة هارا وشريكته في الفيلم. طوال الفيلم، تجري ساتشيكو مقابلات مع ميوكي. يناقشان علاقاتهما الخاصة مع هارا، ومع بعضهما البعض، بكل صراحة لا تلين.
في Extreme Private Eros، يعد كازو هارا في الوقت نفسه مراقباً وموضوعاً للفيلم. حياة ميوكي كما يصورها الفيلم مرتبطة ارتباطاً وثيقاً بهارا. إنه يذكرنا بالأفلام الوثائقية ذاتية الانعكاس لروس ماكإلوي وجون ويلسون، ولكن مع غياب شبه كامل للوعي الذاتي. إنه فيلم خام وشخصي بقدر ما يمكن لأي فيلم أن يكون.
فيلم Extreme Private Eros: Love Song 1974 متاح للمشاهدة على منصة Criterion Channel.
5. Welcome Back, Mr. McDonald (1997, dir. Koki Mitani)
Welcome Back, Mr. McDonald هو الخيار الوحيد في هذه القائمة الذي يحظى بشعبية حقيقية، وإن كان ذلك في اليابان فقط. لقد كان نجاحاً نقدياً وتجارياً، حيث فاز بثلاث جوائز أكاديمية يابانية. ومع ذلك، فقد ضاع الفيلم دولياً. نادراً ما يظهر الفيلم ومخرجه، كوكي ميتاني، في القوائم أو في النقاشات حول السينما اليابانية العظيمة في التسعينيات. يكمن الانتشار الدولي لصناع أفلام مثل هيروكازو كوري-إيدا، وكيوشي كوروساوا، وتاكيشي كيتانو بشكل أساسي في أوساط السينما الفنية والجمهور النخبوي. أفلام ميتاني ليست متجاوزة أو صعبة بنفس الطريقة التي قد تكون عليها أفلام هؤلاء المخرجين، لكنها ليست أقل تميزاً، وخاصة Welcome Back, Mr. McDonald.
يتبع الفيلم طاقم عمل دراما إذاعية يستعدون لبث مباشر لمسرحية جديدة. تطالب الممثلة الرئيسية بتغيير اسم شخصيتها، مما يؤدي إلى سلسلة من التغييرات في السيناريو، مهددة بانهيار المشروع ككل. إنه فيلم لطيف ومضحك مع طاقم تمثيل جماعي متميز. يبدأ الفيلم بلقطة واحدة واثقة (تذكرنا بفيلم The Player) تقدم ببراعة كل شخصية، والإطار، والمخاطر. إنه نوع من الجرأة السينمائية التي يستخدمها المؤلفون السينمائيون في الأفلام الملحمية والجادّة: مثل Children of Men، و Touch of Evil، و Goodfellas، ومؤخراً، فيلم Resurrection الضخم للمخرج بي غان. في Mr. McDonald، تم تنفيذ اللقطة بسهولة وهدوء؛ مما يضفي نغمة مرحة وصبورة على الفيلم.
كمتخصص في المسرح، يستخدم ميتاني لقطات طويلة بشكل متكرر طوال الفيلم. إطاراته واسعة، حيث يدخل العديد من الممثلين ويخرجون من الكادر. الأداء مدروس ودقيق، ويدعم الفكاهة الهادئة للفيلم بسهولة واقعية. إنه نوع خاص من الترفيه المريح الذي يتمتع في الوقت نفسه بحرفية رائعة؛ مما يذكرنا بالدراما الأمريكية العظيمة ذات الميزانية المتوسطة في التسعينيات. لا تفوتوه.
فيلم Welcome Back, Mr. McDonald متاح للمشاهدة مجاناً على يوتيوب.
6. Gate of Flesh (1964, dir. Seijun Suzuki)
بعد نهاية الحرب العالمية الثانية، دخلت اليابان عصرها الذهبي في السينما. شهدت الخمسينيات صعود الأعمال الأسطورية لمخرجين وممثلين مثل أكيرا كوروساوا، وسيتسوكو هارا، وكينجي ميزوغوتشي، والقائمة تطول. ازدهرت الاستوديوهات التي تقف وراء هذه الأفلام: توهو، وشوتشيكو، وتوي، وبالإضافة إلى ذلك، استوديو نيكاكاتسو. طوال الخمسينيات والستينيات، سيطرت نيكاكاتسو كأبرز مزود لأفلام الدرجة الثانية: أفلام الياكوزا، وأفلام الحركة، والكوميديا، والأفلام الموجهة للشباب. كان من أبرز المخرجين في هذا المجال شوهي إيمامورا (Pigs and Battleships) ومحور هذا الاختيار: سيجون سوزوكي.
اشتهر سوزوكي كشخصية عبادة لأفلام العصابات الغريبة في الستينيات مثل Tokyo Drifter و Branded to Kill، وقد اكتسب أهمية لنهجه الفني والمبهر بصرياً في أفلام الدرجة الثانية. وكما كان لأكيرا كوروساوا علاقة عمل شهيرة مع توشيرو ميفوني (وأوزو مع سيتسوكو هارا)، يشتهر سوزوكي بتعاوناته مع الممثل الغريب الأطوار جو شيشيدو. الجوهرة المتألقة لتلك التعاونات (ولاستوديو نيكاكاتسو ككل) هي Gate of Flesh.
تدور أحداث Gate of Flesh في حي فقير في طوكيو، حيث لا تزال جمرات الحرب العالمية الثانية مشتعلة. تكافح مجموعة من المومسات من أجل البقاء، ويعشن في مبنى مهجور نصف مدمر. اتفاق المجموعة هو عدم تطوير مشاعر رومانسية تجاه الرجال الذين يمارسون الجنس معهم مقابل المال. يتعقد هذا الأمر بوصول جندي سابق مصاب يؤدي دوره جو شيشيدو. وبينما تعتني الفتيات به حتى يستعيد عافيته، يتحول الفيلم إلى واحدة من أعظم الدراما النفسية الجنسية في القرن العشرين.
تصميم الإنتاج في الفيلم مبهر. تمنح اصطناعية ديكورات استوديو نيكاكاتسو الفيلم جودة تعبيرية. تجعل المباني المدمرة والأنقاض المظلمة حي طوكيو الفقير يبدو كالجحيم. أزياء الممثلات مرمزة بالألوان، وبعض الديكورات مطلية لتتناسب معها. الأداء واسع العينين ومبالغ فيه. Gate of Flesh فيلم مثير ومفعم بالحيوية ينجح في الترفيه والأسر بينما يعكس فترة صعبة للغاية في التاريخ الياباني.
فيلم Gate of Flesh متاح للمشاهدة على منصة Criterion Channel.
7. After the Storm (2016, dir. Hirokazu Kore-eda)
هيروكازو كوري-إيدا هو المؤلف السينمائي المعاصر الأبرز في اليابان، حيث بنى اعترافاً دولياً على مدار مسيرة مهنية امتدت لأكثر من 30 عاماً. أصبح فيلما After Life و Nobody Knows كلاسيكيات حديثة. أما فيلمه Still Walking، الذي صدر عام 2009، فقد رسخ مكانة كوري-إيدا كأوزو العصر الحديث. هذه المقارنات مستحقة؛ فتصويره المؤثر لديناميكيات الأسرة والحياة اليومية، وأسلوبه الإخراجي الصبور، وإعادة استخدامه للممثلين، كلها تستحضر أوزو. بمرور الوقت، شق كوري-إيدا طريقه الخاص، غير خائف من تبني النوع السينمائي في أفلام مثل Monster و The Third Murder و After Life.
فيلم After the Storm، الذي صدر قبل عامين من نجاحه الدولي Shoplifters، يلامس النوع السينمائي مع الحفاظ على نمطه الدرامي الأساسي. يتبع الفيلم ريوتا، مؤلف يكافح يعمل كمحقق خاص. إدمانه على القمار يبقيه على حافة الانهيار المالي، غير قادر على دفع نفقة طفله وزوجته السابقة. يستغل والدته وأخته وعملاءه بينما يتصالح مع وفاة والده: الذي كان أيضاً مقامراً سيئ السمعة. خط قصة المحقق الخاص هو أقرب ما يصل إليه الفيلم من النوع السينمائي، لكن الفيلم يقرأ كثيراً مثل Still Walking.
الفيلم مخفي نوعاً ما بين العديد من أفلام كوري-إيدا العظيمة، لكنه يضاهي أفضلها. ريوتا رجل لا يستطيع تجاوز عيوبه، ويستكشف كوري-إيدا بدقة التناقضات والأشياء الجميلة فيه. يستكشف الفيلم السمات الجيدة والسيئة التي يحتفظ بها الناس من عائلاتهم، ومدى صعوبة التعامل معها. يحمل الفيلم مأساة وجمال الحياة في يدين متقاربتين. يحتوي After the Storm على تلك القوة التراكمية الثمينة التي نراها في روائع مثل Yi Yi و Tokyo Story و Still Walking.
فيلم After the Storm متاح للمشاهدة على منصتي MUBI و Kanopy.
8. Yearning (1964, dir. Mikio Naruse)
ميكيو ناروسي، رغم أنه ربما غير معروف للأجانب، هو عنصر أساسي في السينما اليابانية. غالباً ما يُقارن بناروسي، وتركز أفلامه على العائلة اليابانية وديناميكياتها المتغيرة باستمرار، خاصة في العقود التي تلت الحرب العالمية الثانية. كلاهما يصنع الميلودراما، ولكن بأساليب مختلفة. أفلام ناروسي أكثر حدة، والكاميرا أكثر حركية، والأداء أكثر صخباً. عادة ما تُعرض أفلام أوزو بنسبة عرض 4:3، وينعكس التصوير السينمائي على ذلك؛ إطارات داخل إطارات، ومشاهد حوار بأسلوب وجهة نظر الشخصية، وكاميرا ثابتة.
فيلم Yearning، وهو فيلم من فترة متأخرة لناروسي، تم تصويره بتقنية TohoScope، وهي عملية تصوير سينمائي عريضة بنسبة عرض 2.35:1. يجسد الفيلم العديد من السمات الأسلوبية الفريدة لناروسي بينما يستكشف ببراعة الموضوع المركزي الذي يتشاركه مع أوزو.
يتمحور الفيلم حول شخصيتين: ريكو وكوجي. تدير ريكو متجراً صغيراً للبقالة تملكه عائلة زوجها السابق، الذي قُتل في المعركة خلال الحرب العالمية الثانية. تشعر بالتفاني تجاه العائلة، حتى عندما يقترح البعض عليها الزواج مرة أخرى. تفتح متاجر سوبر ماركت كبيرة في المدينة وتبدأ في سرقة الأعمال من العائلة وأصحاب الأعمال الآخرين في الحي. كوجي، الأخ الأصغر للزوج الميت، هو خريج جامعي بلا هدف يحمل حباً سرياً لريكو. بينما يهدد السوبر ماركت العمل، تتآمر العائلة لطرد ريكو وتحويل متجرهم إلى سوبر ماركت، مع كون كوجي الوحيد الذي يدافع عنها.
الفيلم قصة حب مأساوية تشبه أعمال دوغلاس سيرك. بقدر ما هو ممتع الفيلم لمجرد ميلودراميته، يعمل Yearning كاستكشاف مدروس للثقافة اليابانية في أوائل الستينيات. يرثي الفيلم التغريب الزاحف لأنه يؤذي المجتمع الياباني، والعائلة اليابانية، والروح اليابانية. من بين العديد من الأفلام العظيمة التي صنعها ناروسي، يقع Yearning مع أفضلها.
فيلم Yearning متاح للمشاهدة على منصة Criterion Channel.
9. Survive Style 5+ (2004, dir. Gen Sekiguchi)
وفقاً لطبيعة الفيلم، يقع Survive Style 5+ في جيب غريب من تاريخ السينما اليابانية. صدر الفيلم عام 2004، ويرفض الاتفاقيات الأسلوبية الشائعة في ذلك اليوم. إنه يفتقر إلى النزوة المتحركة لاستوديو جيبلي، والنغمة الكئيبة لفيلم رعب “جي-هورور”، والجدية الرصينة لفيلم مستقل يشبه أعمال كوري-إيدا. قد يكون أقرب أقاربه هو Ichi the Killer، لكن Survive Style 5+ أكثر خفة في القلب بشكل ملحوظ، وغير مهتم بالعنف المفرط والعدمية المتجاوزة. يقع Survive Style 5+ في مكان ما بين Pulp Fiction و Cat in the Hat.
النتيجة النهائية هي فيلم جريمة مختارات مع قتلة ولصوص، وكوميديا عائلية عن أب تم تنويمه مغناطيسياً للاعتقاد بأنه طائر، وكوميديا سوداء سريالية عن قتل الزوج، ودراسة شخصية لمدير إعلانات، وكلها مرشوشة بالسحر وجوهر الغرابة. من الناحية الشكلية، الفيلم ليس مرناً مثل أعمال تسوكاموتو أو ميكي؛ فصناعة الأفلام مباشرة، باستثناء العديد من محاكاة الإعلانات السريالية ولقطات الحركة البطيئة. كل شيء داخل الإطار غريب جداً. يصرخ تصميم الإنتاج بواقعية البوب في الألفية الجديدة: تباين عالٍ، ألوان أساسية. ملابس ملونة وفضفاضة، حتى أن إحدى الشخصيات ترتدي مسجل شريط مزيناً. العالم الذي استحضره جين سيكيجوتشي يذكرنا بمقاطع الفيديو الموسيقية لفرقة Smash Mouth وأفلام Spy Kids الثلاثة الأولى.
وهذا ما يجعل الفيلم ممتعاً للغاية. القصص الخمس المترابطة تتنوع بشكل كبير، لكنها جميعاً تستمتع بغرابة مثيرة. يلعب فيني جونز دور قاتل بريطاني في اليابان من أجل وظيفة، ومترجمه الودود دائماً بجانبه. يسأل كل شخصية يقابلها نفس السؤال: “ما هي وظيفتك؟” وبغض النظر عن الرد، ينفجر كل من فيني جونز والمترجم في غضب، وأحياناً يقتلان موضوع السؤال. في إحدى الحالات، يقتل فيني جونز أوياما (الذي يلعب دوره هيروشي آبي من فيلم After the Storm)، وهو منوم مغناطيسي مشهور بعروضه الباذخة. قبل القتل مباشرة، يقوم أوياما بتنويم رجل أعمال مغناطيسياً للاعتقاد بأنه طائر. طوال الوقت، يقتحم ثلاثة لصوص منزل عائلة رجل الأعمال لسرقة الأشياء الثمينة، بينما يتصاعد توتر جنسي غريب بين اثنين من اللصوص. إنه فيلم غريب ومبهج، ويجب رؤيته ليتم تصديقه.
فيلم Survive Style 5+ متاح للمشاهدة مجاناً على يوتيوب.
10. Dream Island Girl (1974, dir. Shoichiro Sasaki)
يمثل الاختيار الأخير في هذه القائمة السينما اليابانية في أكثر حالاتها تجريداً وشاعرية. Dream Island Girl، وهو فيلم تلفزيوني من منتصف السبعينيات، هو الاختيار الأكثر غموضاً في المجموعة، لكن من الصعب إنكار تأثيره. عند مشاهدة الفيلم، يستحضر أسلوب “السينما الحقيقية” (verité) وحركة الكاميرا اليدوية أعمال هيدياكي أنو، وشونجي إيواي، وشينيا تسوكاموتو. يبدو أن أفلاماً مثل Love & Pop و Hana and Alice و Suzhou River وحتى A Snake of June في حوار مع Dream Island Girl.
مع القليل من الحوار والحبكة المفهومة، والكثير من الأجواء والنغمة، يعد Dream Island Girl دفعة قصيرة من التسامي. يبدأ الفيلم بفتاة ترتدي فستاناً أحمر، جرفتها الأمواج إلى شاطئ نهر حضري. يجدها رجل، ويحملها إلى شقته، ويعتني بها حتى تستعيد عافيتها. من هناك، تتفكك الحبكة، حيث تتدفق خيالات وأحلام كلتا الشخصيتين بين بعضهما البعض. صور صناعة الدمى، ومسارات القطارات الصدئة، ومكبات النفايات تتقاطع مع مشاهد لطيفة للفتاة وهي تزور جدتها، بالإضافة إلى الفتاة التي تسلم نفسها لرجل أعمال مسيء. يكافئ Dream Island Girl المشاهد الصبور بنوع التسامي الموجود في أفلام أندريه تاركوفسكي وتيرنس ماليك.
فيلم Dream Island Girl متاح للمشاهدة مجاناً على يوتيوب.
