كان ينبغي في الواقع أن تحمل هذه القائمة عنوان “7 أفلام رائعة من الثمانينيات لا يتحدث عنها أحد، بالإضافة إلى 3 أفلام تتمتع بمكانة كلاسيكية وظهرت بالفعل في مقالات Taste of Cinema مرة واحدة على الأقل”، لكن هذا العنوان سيكون طويلاً بعض الشيء، أليس كذلك؟
بعيداً عن المزاح، الأفلام العشرة المدرجة هنا متنوعة للغاية لدرجة أنني ككاتب اضطررت لفرك عينيّ من عدم التصديق بعد تجميعها. إن عقداً من الزمن أنتج ما يسمى بأفلام “Brat Pack”، والعديد من أفلام الرعب البارزة (والأفلام من الفئة ب)، بالإضافة إلى وفرة من أفلام الحركة التي لا تزال تحظى بشعبية كبيرة اليوم، يُنظر إليه من منظور مشوه قليلاً، حيث يمثل كل عام فيلماً واحداً، كما هو الحال مع نظيره في التسعينيات.
1. Altered States (Ken Russell, 1980) / USA
استناداً إلى رواية بادي تشايفسكي الذي كتب السيناريو أيضاً (وتبرأ منه) تحت اسم مستعار هو سيدني آرون، يُعد فيلم “Altered States” أول فيلم أمريكي للمخرج كين راسل وواحداً من أكثر أعماله سهولة في التناول، رغم أن هذا لا يعني الكثير. يتفوق الفيلم بمراحل على غالبية إنتاجات هوليوود آنذاك والآن، ويقدم مزيجاً غنياً وغريباً وجذرياً وفريداً وخالداً من الخيال العلمي والرعب والإثارة والرومانسية (التي تخفف من حدته).
من بطولة الممثل الرائع ويليام هيرت في أول دور سينمائي كبير له، يستكشف هذا المزيج السريالي من الأنواع السينمائية موضوعات الوجود، والتأمل الذاتي، وغياب الإله، والأصول البشرية، والهواجس غير الصحية، وكما يشير العنوان، حالات الوعي المتغيرة. بطل الفيلم الجريء، الدكتور إيدي جيسوب، هو باحث محترم في جامعة هارفارد يدفع حدود البحث النفسي بنفس الطريقة التي يدفع بها المخرج حدود السينما.
من خلال استهلاك فطر غير مجرب يُستخدم في الطقوس المكسيكية الغامضة، يستمر إيدي في عزل نفسه في خزان الحرمان الحسي، مما يسمح لراسل، المخرج المشاكس غريب الأطوار، بالانغماس في الهلوسة الغريبة والملونة والبشعة والمبهجة والمتمردة التي يختبرها بطله. إن “جنون” هذين الرجلين يلهمنا للحفر بشكل أعمق والنظر بعيداً في المجهول، بعيداً عن معرفتنا المحدودة وتصوراتنا المسبقة عن الحياة. ربما تكون هناك حقيقة مطلقة تختبئ هناك، وربما لا يوجد شيء على الإطلاق.
إعادة اتصال إيدي بذاته القديمة الداخلية لها آثار جانبية تشبه “دكتور جيكل ومستر هايد”، قبل التحول إلى النمط الميتافيزيقي. رحلاته الذهنية المذهلة وحدها (خاصة تلك التي تحدث في كهف مكسيكي) سبب كافٍ لمشاهدة “Altered States”.
2. Diva (Jean-Jacques Beineix, 1981) / France
اللون الأزرق ليس فقط اللون الأكثر دفئاً، بل هو أيضاً اللون الأكثر غرابة وأناقة في فيلم الإثارة الأول للمخرج جان جاك بينيكس “Diva”. يتواجد هذا اللون في كل لقطة تقريباً، سواء كان ذلك من خلال الإضاءة المحددة أو تفاصيل الديكور الداخلي أو شيء آخر، مثل إبريق الشاي، وهو يشمل معاني متعددة ويحدد المزاج الغريب للفيلم.
إنه أيضاً لون الزي الذي يرتديه ساعي بريد شاب ومحب للأوبرا، جول (فريديريك أندريه)، الذي نلتقي به وهو يتسلل بجهاز تسجيل ضخم إلى مسرح حيث توشك مغنية السوبرانو الأمريكية، سينثيا هوكينز (التي تلعب دورها مغنية السوبرانو الحقيقية ويلهيلمينا فرنانديز)، على الأداء. لم تكن لتوافق على التسجيل غير القانوني، بالنظر إلى أنها تعارض بشدة تسليع فنها (أو أي فن في هذا الصدد).
ومع ذلك، يمتلك جول الجرأة ليس فقط لسرقة صوتها، بل فستانها الأنيق أيضاً، وهو ما سيرفعه لاحقاً من حالة المعجب المتحمس إلى اهتمام عاطفي لسينثيا. علاوة على ذلك، سيتورط عن غير قصد مع زوج من العملاء المشؤومين من تايوان، ولصة وقحة تدعى ألبا (ثوي آن لو)، ورفيقها في السكن (ومعلمها؟) الفيلسوف غريب الأطوار، غوروديش (ريتشارد بورينجر)، واثنين من رجال العصابات (جيرار دارمون ودومينيك بينون) وصاحب عملهم – مفوض فاسد (جاك فابري).
كل الشخصيات المذكورة أعلاه متشابكة في شبكة سردية معقدة ليست بالتأكيد الجاذبية الرئيسية لفيلم “Diva”، على الرغم من أن بينيكس بارع جداً في نسجها. يتم توجيه الأضواء نحو الإخراج المشهدي المتميز والمتنوع الذي يعكس التناقضات بين البطل وإلهته، وأضواء باريس وظلام عالمها السفلي، إلخ. غرفة فندق سينثيا الفاخرة، وشقة غوروديش البسيطة، ومسكن جول الذي يجمع بين الكيتش ونفايات السيارات، كلها أمثلة جيدة على الاستخدام الذكي لتصميم الديكور.
3. The Last Unicorn (Jules Bass & Arthur Rankin Jr, 1982) / USA | UK | Japan | West Germany | France
“سوف تتذكر قلبك عندما يصبح الرجال حكايات خرافية في كتب كتبها الأرانب.”
فيلم “The Last Unicorn” هو ثاني اقتباس أدبي في القائمة كتبه المؤلف الأصلي – في هذه الحالة، بيتر إس بيجل الذي تعاون سابقاً مع رالف باكشي في فيلمه “The Lord of the Rings” الذي لم يكتب له النجاح. إنه فيلم خيالي أكبر من الحياة، وأكثر قتامة بكثير مما قد يتوقعه المرء من فيلم أطفال، ولكن لهذا السبب بالذات يمكن أن يجذب الجمهور الأكبر سناً بسهولة.
بصوت ميا فارو الأثيري، تتحدى البطلة التي تحمل اسم الفيلم الصور النمطية، وليس فقط لأنها حيوان أسطوري تحول إلى فتاة جميلة خلال النصف الثاني من الفيلم. مثل بقية الشخصيات، الأبطال والخصوم على حد سواء، هي مخلوق معيب تجعلها عيوبها أكثر إثارة للاهتمام، بل وأكثر واقعية من شخصيات ديزني المثالية العادية.
قصتها – وهي بحث أناني قليلاً عن وحيد القرن الآخر الذي يُزعم أنه مات – مشبعة بنوع من الكآبة التي تنعكس في التصميم الغريب، ولوحة الألوان الكئيبة إلى حد ما، وكذلك في الحوار والموسيقى التصويرية لجيمي ويب التي تبدو في بعض الأحيان (اقرأ: خلال الفواصل الموسيقية التي تؤديها فرقة أمريكا) عاطفية بشكل مفرط.
شعور بالحزن المتأمل يغمر أيضاً رفاق وحيد القرن – ساحر طيب القلب ولكنه غير متمرس، شيندريك (آلان أركين) وامرأة في منتصف العمر خائبة الأمل، مولي جرو (تامي غرايمز) – ولا يرحم الشرير المأساوي، الملك هاجارد (كريستوفر لي) وابنه بالتبني، الأمير لير (جيف بريدجز) أيضاً. يمكن للجميع التعاطف معهم.
من الناحية الجمالية، يتميز “The Last Unicorn” برسوم متحركة أنيقة للغاية تظهر بعض علامات التآكل، لكنها لا تزال تبدو رائعة. جذابة بشكل خاص هي الخلفيات فائقة الأسلوب للغابة المسحورة.
4. The Beautiful Prisoner (Alain Robbe-Grillet, 1983) / France
يبدأ فيلم “The Beautiful Prisoner (La belle captive)” بامرأة سمراء جذابة ترتدي قميصاً أبيض مكشكشاً وسترة جلدية سوداء، ويستعير عنوانه من لوحة رينيه ماغريت ويلخص بشكل مثالي تقريباً أسلوب آلان روب غرييه “الظاهراتي”. هناك نساء رائعات وغامضات، وبطل ذكر محتار، واستفزازات (نفسية) جنسية، وأدلة مضللة، وسرد متقطع، واستخدام بارز للون الأحمر، ومن الصعب معرفة ما هو حقيقي وما هو غير ذلك، أو بالأحرى، هل هناك أي شيء حقيقي على الإطلاق.
الفتاة المذكورة سابقاً هي سارة زيتجيست (سيريل كلير) – زعيمة منظمة غامضة. تكلف أفضل (أو ربما الوحيد؟) عملائها والتر (دانيال ميسغيتش) بتسليم رسالة مهمة إلى سيناتور، هنري دي كورينث، في نفس الليلة التي يلتقي فيها بشقراء جميلة (غابرييل لازور) التي “فقدت اسمها” والتي “لا وجود للزمن بالنسبة لها”، على حلبة رقص في ملهى ليلي.
ومع ذلك، يتم إحباط مهمته بلقاء صدفة آخر مع الشقراء الساحرة – مقيدة ومذهولة وتنزف في منتصف الطريق. ينتهي بهما المطاف في فيلا حيث تقام حفلة غريبة للرجال وحيث يقضيان ليلة من الحب، ومصاصي الدماء الزائفين (؟) ورؤى على طريقة ماغريت. في صباح اليوم التالي، تختفي وتصبح الفيلا متهالكة.
من تلك اللحظة فصاعداً، يستمر الغموض الزائف في التعمق ويبدو أن والتر عالق في نوع من الحلم المتكرر داخل كابوس داخل حلم من نوع النوار الجديد المثير، والذي غالباً ما يقاطعه مفتش الشرطة اللطيف بشكل مخيف فرانسيس (دانيال إيميلفورك). يتم تسهيل حل اللغز غير القابل للحل والتعامل مع حيل روب غرييه السريالية من خلال التصوير السينمائي الرائع لهنري أليكان الذي تكمله المناظر الصوتية المزاجية.
5. Streets of Fire (Walter Hill, 1984) / USA
يُعد فيلم “Streets of Fire” خليفة روحياً وأكثر جرأة وأسلوباً لفيلم “The Warriors”، ويُوصف بأنه “خرافة روك آند رول” تدور أحداثها في “زمان آخر، ومكان آخر”. وهو ببساطة رائع في بساطته!
تم تصوره كـ “فيلم كتاب هزلي بدون أن تكون المادة المصدر في الواقع كتاباً هزلياً”، على حد تعبير كاتب السيناريو المشارك لاري غروس، وهو يأخذ المشاهد إلى كون موازٍ ومفارقة تاريخية توقظ مراهقنا الداخلي. مليء بـ “هواجس” هيل، مثل “السيارات المخصصة، والتقبيل تحت المطر، والنيون، والقطارات في الليل، والمطاردات عالية السرعة، والمشاجرات، ونجوم الروك، والدراجات النارية، والنكات في المواقف الصعبة، والسترات الجلدية ومسائل الشرف” (بالإضافة إلى العديد من الانفجارات!)، إنه تقطير خالص لفيلم بوب نهائي.
لا يأخذ فيلم “Streets of Fire” نفسه على محمل الجد أبداً، ولكنه دائماً ممتع كما يمكن أن تكون حكاية خرافية حضرية، وله قلب محترق ضخم ينبض بإيقاع موسيقى رائعة. إنه مزيج متعدد الأنواع موجه ديناميكياً من الحركة والدراما والموسيقى والكوميديا والنوار الزائف الذي يتميز بمشاهد لا تُنسى وأداء رائع ومبالغ فيه من قبل طاقم العمل بأكمله.
يقوم مايكل باري بدور الفارس الحديث في درع لامع – جندي ثروة شرس، توم كودي، الذي يعود إلى المنزل ويقبل المهمة المحفوفة بالمخاطر لإنقاذ حبيبته السابقة، إلين إيم، التي تلعب دورها ديان لين. الفتاة في محنة هي مغنية مشهورة اختطفتها عصابة دراجات نارية يقودها رافين شادوك (ويليم دافو) – وغد يشبه مصاصي الدماء يرتدي قصة شعر جريسر. يساعد توم صديق إلين ومدير أعمالها بيلي فيش (ريك مورانيس، كوميدي كعادته) وميكانيكية السيارات المسترجلة، مكوي (إيمي مادايجان).
على الرغم من كونها ثنائية الأبعاد، تبدو هذه الشخصيات متعاطفة للغاية، ويرجع ذلك في الغالب إلى أهوائها، وهي تعمل كنماذج أولية للعديد من أفلام الحركة من الفئة ب والأنمي، وألعاب الفيديو في أواخر الثمانينيات والتسعينيات. ليس هناك شك في أن لعبة “Streets of Rage” من سيجا هي جزء من إرث الفيلم، وهناك أيضاً جزء تالٍ غير رسمي (اقرأ: خيال المعجبين) يسمى “Road to Hell (2008)”.
6. The Legend of Suram Fortress (Sergei Parajanov & Dodo Abashidze, 1985) / Soviet Union
“The Legend of Suram Fortress (Ambavi Suramis tsikhitsa)” هو أول فيلم لسيرجي باراجانوف بعد 15 عاماً من الرقابة السوفيتية الصارمة والاضطهاد الحكومي. من الناحية الأسلوبية، هو قريب من تحفته الفنية “The Color of Pomegranates (Sayat Nova)”، ويمكن وصفه بسهولة في ثلاث كلمات فقط – سحر سينمائي خالص.
اقتباس من أسطورة شعبية جورجية قديمة سجلها دانيال تشونكادزه في القرن التاسع عشر، يروي قصة بسيطة ومثيرة للحب والأسر والتضحية والالتزام وطرق القدر المتقلبة التي تدور أحداثها في أوقات مضطربة ويتم سردها في المقام الأول عبر المشاهد الحية الآسرة. السرد الشعري، الذي تقطعه عدة استطرادات مرتبطة بأحداث و/أو شخصيات معينة، هو “استعارة شخصية عميقة لسجن باراجانوف الروحي، ونفيه، واستشهاده” كما يصفه أكواريلو في مراجعة Strictly Film School.
بمبادرة من ملك في العصور الوسطى يخشى هجوم العدو، يثبت بناء القلعة التي تحمل اسم الفيلم أنها مهمة مستحيلة، لأن الجدران – التي يمسكها “جص” غريب من القش والبيض – تستمر في الانهيار. كما نتعلم لاحقاً من العرافة مكسورة القلب، فاردو، يجب أن يتم بناء شاب أزرق العينين حياً طوعاً لكي تصمد القلعة، ويتبين أنه زوراب ابن حبيبها السابق دورميش خان.
تتكشف المأساة في جو حلو ومر من عدم اليقين، في مساحات مفتوحة مشرقة وواسعة تتناقض مع التصميمات الداخلية المظلمة والمغلقة لكنيسة ومنزل العرافة.
تضع التكوينات الجميلة والمتماثلة غالباً ذات الجودة الحالمة والصوفية البشر والحيوانات والتحف المختلفة جنباً إلى جنب بطريقة طقسية تقريباً، تشبه نسيجاً تقليدياً مع الكثير من التفاصيل الغامضة المنسوجة فيه. ما لم تكن على دراية جيدة بالفولكلور الجورجي، فمن المحتمل أن تضيع في هذا الخيال الغريب، لكن لا تقلق – فأنت على وشك تجربة فريدة حقاً.
7. In a Glass Cage (Agustín Villaronga, 1986) / Spain
بالإضافة إلى كونه واحداً من أكثر دراما الرعب إثارة للقلق التي تم عرضها على الشاشة على الإطلاق، فإن “In a Glass Cage (Tras el cristal)” هو أيضاً واحد من أقوى الأفلام الأولى. لا يتوانى أغوستين فيلارونجا في إحياء قصة مظلمة لطبيب نازي سابق ومتحرش بالأطفال، كلاوس (غونتر ميسنر في دور معاق)، وضحيتة الناجية التي تحولت إلى مريض نفسي، أنجيلو (الأداء الاستثنائي الأول لديفيد سوست الذي سيعود في فيلم “Moon Child” لفيلارونجا ويختفي من المشهد بعد عام 1990).
المقدمة المزعجة التي تحدد مزاج بقية الفيلم ترى كلاوس يحاول الانتحار بعد قتل صبي عارٍ ومصاب ومعلق وربما تعرض للاغتصاب وبالكاد واعي في القبو، غير مدرك للعيون المتطفلة. بعد عدة سنوات، يصاب بالشلل ويُحبس في رئة حديدية ذات جوانب زجاجية وتعتني به زوجته المضطربة غريزيلدا (التي تلعب دورها “فتاة ألمودوفار” ماريسا باريديس) وابنتهما المراهقة رينا (جيزيل إيتشيفاريا).
في أحد الأيام، يصل أنجيلو إلى منزلهما (البعيد) في إسبانيا ويبتز كلاوس ليقبله كممرض، على الرغم من عداء غريزيلدا الفوري (أو بالأحرى الغريزي) تجاه الشاب. تدريجياً، يتضح أن خطة أنجيلو الملتوية تتضمن شيئاً أسوأ بكثير من الانتقام…
فيلم “In a Glass Cage” ليس صريحاً تماماً مثل بعض أفلام تعذيب البورنو أو فيلم “Salò” لباسوليني الذي غالباً ما يُقارن به، ومع ذلك فإن تصوير فيلارونجا للشر البشري والانحطاط، وكذلك الهبوط إلى الجنون، كئيب ومروع ومكثف نفسياً لدرجة أنك تريد الصراخ من الرعب. إن وصفه بالكابوسي و/أو المغلق سيكون بخساً، حيث تدور أحداثه في الغالب في فيلا كلاوس ذات الظلال العميقة والنغمات الزرقاء الجليدية التي تجعل الإجراءات المثيرة للجدل أكثر غرابة وخنقاً.
8. Tales from the Gimli Hospital (Guy Maddin, 1988) / Canada
تم تصويره بتنسيق 4:3 المربع ويُعرض كتقاطع غريب بين فيلم صامت وفيلم ناطق مبكر، ويُعد أول فيلم طويل للمخرج غاي مادين بالتأكيد واحداً من أقل أعماله حديثاً عنها. بامتلاكه لجميع السمات الأسلوبية التي اشتهر بها مبدعه على الفور في السنوات التي تلت ذلك، فإن “Tales from the Gimli Hospital” هو الإدخال الأكثر تطرفاً ولا يضاهى في القائمة.
في المؤسسة التي تحمل اسم الفيلم، يتم استدعاء طفلين إلى فراش موت والدتهما وتخبرهما جدتهما الأيسلندية بقصة غريبة، عن صياد وحيد، إينار، وأرمل، غونار، يلتقيان في جيملي القديمة (التي تعمل كإسطبل وحظيرة دجاج أيضاً). بين الرجلين اللذين تم قبولهما بسبب مرض غير محدد، تولد منافسة، لأن غونار محبوب لدى الممرضات، بينما يتم تجاهل إينار باستمرار. تتشابك قصصهما الخاصة بأكثر الطرق سريالية ممكنة، مما يتركك تحك رأسك.
في وابل لا يتوقف من الصور الآسرة والمؤلفة بشكل جميل، نشهد مجموعة واسعة من الأحداث الغريبة، مثل حريق تم إطفاؤه بحليب طازج أو تدخل طبي بمنجل كبديل للمشرط، أثناء عرض دمى بدلاً من مخدر. بينما يتم علاج الجروح بنوارس ميتة ويتم حل المناوشات من خلال المصارعة الأيسلندية التقليدية، نغرق أكثر فأكثر في رؤى مادين الحالمة والمضحكة بشكل مظلم.
تكمل التداخلات الموسيقية الرجعية والتعليقات الصوتية غير المتزامنة عمداً الصور الحالمة (والكابوسية) التي تنتقل من الأبيض والأسود إلى اللون الوردي المتدرج لتسلسل الأوبرا لهلوسة غونار. لا حاجة لأي مونتاج بمقص سنوفريذور الخاص لهذه الجوهرة الصغيرة.
9. My Twentieth Century (Ildikó Enyedi, 1989) / Hungary | West Germany | Cuba
ليس الأفضل، ولكن تم حفظه للأخير هو فيلم أول آخر، هذه المرة للمخرجة المجرية إيلديكو إينيدي. “My Twentieth Century (Az én XX. századom)” هو قصيدة غريبة للسينما والتقدم التكنولوجي من بداية القرن الماضي.
يركز هذا الفيلم الدرامي الكوميدي الغامض والسريالي قليلاً على التوأم، دورا وليلي (دوروتا سيغدا الجميلة في أول أداء مغناطيسي لها بدور مزدوج)، ويبدأ في عام 1880 في نيوجيرسي، عشية كشف إديسون عن المصباح الكهربائي الذي يتزامن مع ولادة الفتيات. بعد عدة سنوات، نراهما كنسختين من بطلة إتش سي أندرسن المأساوية مع أعواد الثقاب.
أثناء نومهما في الشارع المغطى بالثلوج وتحلم بوالدتهما الراحلة وحمار، يتم تبنيهما من قبل اثنين من الأرستقراطيين. في 31 ديسمبر 1900، تسافر الأخوات بقطار الشرق السريع، مفصولتين بالطبقة والموقف – دورا كعاهرة باحثة عن المتعة وليلي كثورية نسوية متزمتة. هل ستتقاطع مساراتهما بعد لقاء كل منهما برجل غامض، زد (أوليغ يانكوفسكي)، والأهم من ذلك، إلى أين ستأخذهما مساراتهما؟
من خلال تشابك خيطين سرديين في كل متملص وغير منطقي والسخرية من الذكورية، بالإضافة إلى تمكين المرأة، تظهر إينيدي حسها الفكاهي الغريب وعينها الثاقبة للمرئيات المقنعة. يعكس التصوير بالأبيض والأسود عالي التباين تباين الأخوات والطريقة التي يقترب بها المؤلف المرح من كل واحدة منهما.
ولكن ما معنى القمر المرتد من المقدمة الأنيقة، أو اعتراف الشمبانزي أو النجوم التي تتحدث وتغني وتعرض فيلماً لكلب يهرب من مختبر تجريبي؟ هل يهم ذلك عندما يكون ما رأيته، ببساطة، مبهجاً؟
10. Neo Tokyo (Rintarō, Yoshiaki Kawajiri & Katsuhiro Ōtomo, 1987) / Japan
على الرغم من أن مدته أقل من خمسين دقيقة، إلا أن “Neo Tokyo (في الأصل، Meikyū Monogatari الذي يُترجم حرفياً إلى حكايات المتاهة)” يترك انطباعاً دائماً لدى المشاهد. يُعتبر هذا الفيلم الأنثولوجي للخيال العلمي – وهو اقتباس لقصص قصيرة من تأليف تاكو مايومورا – عرضاً للإبداع غير المقيد لمؤلفيه، ويُعتبر مشاهدة أساسية من قبل العديد من خبراء الأنمي.
الجزء الأول، “المتاهة”، هو واحد من أكثر الأعمال تجريبية للمخرج رينتارو الذي يبدو غير منزعج تماماً من الإطار الزمني المحدود. لعبة الغميضة بين فتاة، ساتشي، وقطتها، سيسيرون (وهو مصطلح قديم لمرشد المتاحف والمعارض، بالمناسبة)، تأخذ الثنائي إلى أرض عجائب كئيبة، بعد أن تمر عبر مدخل سري خلف ساعة جد.
توجد هناك غرائب خارقة للطبيعة وشخصيات غريبة، مثل أطفال الأشباح، والمواطنين من الطبقة العاملة الذين يتحولون إلى سائل أسود أو قطار يقوده شبح متوهج، تم تصويرها بشكل رائع في أعمال أتسوكو فوكوشيما الفنية غير العادية والرسوم المتحركة الحيوية المصحوبة بالموسيقى التصويرية الانتقائية التي تتراوح من الكلاسيكية إلى الطنانة. جزء تكريم للفيلم الصامت وجزء خيال سريالي، تنتهي “المتاهة” برابط “مبتكر” للجزء (الأجزاء) التالية.
تم تصميم “The Running Man” (لا يجب الخلط بينه وبين الفيلم الحي الذي يحمل نفس الاسم من بطولة أرنولد شوارزنيجر) وتحريكه وإخراجه وكتابته للشاشة بواسطة يوشياكي كاواجيري الذي سيبرز مع “Wicked City” و “Ninja Scroll”. يُفترض أنه مستوحى من “Death Race 2000″، وهو سلف روحي لفيلم “Redline” لتاكيشي كويكي ومزيج لا يُنسى من الناحية الجمالية من السايبربانك، وفيلم السباق، والإثارة الخارقة للطبيعة.
بطل الفيلم (المضاد) زاك هيو هو البطل غير المهزوم لما يسمى بسيرك الموت – حدث سباق مستقبلي يشهده الآلاف من المتفرجين الذين يراهنون على حياة المتسابقين. جنباً إلى جنب مع مراسل يشبه النوار والراوي، بوب ستون، الذي يتم إرساله لمقابلة البطل، نتعلم عن قدرات زاك في التحريك الذهني ونشاهد “أدائه” الأخير الذي يتحدى الموت، حيث تجذب مرئيات كاواجيري المفصلة والعنيفة انتباهنا. على الرغم من عمره، لا يزال هذا الفيلم القصير صامداً جيداً اليوم.
والجزء الأخير، الأكثر كلاماً والأطول من الفيلم الشامل هو أول إخراج لكاتسوهيرو أوتومو “Construction Cancellation Order” – حكاية تحذيرية وساخرة إلى حد ما عن اعتماد الإنسان المفرط على التكنولوجيا. يتبع موظفاً أبيض الياقة متوتراً ومتعجرفاً، تسوتومو سوجيوكا، الذي يتم إرساله إلى دولة أمريكا الجنوبية الخيالية جمهورية ألوانا لإيقاف البناء الآلي بالكامل للمنشأة 444. ما يجده هناك يمكن وصفه بأنه جحيم يحكمه الروبوتات للمهندسين المدنيين.
يتميز هذا الفيلم برسوم متحركة مذهلة ويحمل علامات أسلوب الرسم العدواني لأوتومو، هذا الجحيم من الآلات الفولاذية وخطوط الأنابيب المعقدة والكابلات المتشابكة يلهث باستمرار ويزيد من انزعاج تسوتومو. يتم استخدام لوحة الألوان الزاهية و”Morning Mood” المهدئة لغريغ لتأثير ساخر رائع.
في الخاتمة الكرنفالية، نحصل على المزيد من خيال رينتارو وفوكوشيما الجامح المغروس في الصور المجنونة.
