على الرغم من تعارض ذلك مع الحدس البسيط، إلا أن الأنظمة القمعية غالباً ما تولد أكثر التعبيرات الفنية عمقاً، ربما تحديداً بسبب طبيعتها القمعية التي تجبر صناع الأفلام على استخدام الفكاهة، والبراعة، والرمزية لتقديم رؤيتهم ونقد المجتمع.
لم تكن ديكتاتورية فرانسيسكو فرانكو التي استمرت 36 عاماً في إسبانيا استثناءً. في ظل نظامه الذي مارس رقابة شديدة على صناعة السينما، برزت موجة من المخرجين، بمن فيهم لويس غارسيا بيرلانغا، وخوان أنطونيو بارديم، وكارلوس ساورا، وأسسوا “السينما الإسبانية الجديدة”. لقد أحدثوا ثورة في المشهد السينمائي، مقدمين مجموعة من الكوميديا السوداء، وأفلام الفن والتجربة، والدراما الشعرية لصناعة كانت تعاني من الركود والاعتماد على الميلودراما النمطية المتكررة.
تُعتبر جميع الأفلام في هذه القائمة تقريباً روائع كلاسيكية للسينما الإسبانية، وقد وضعت الأساس لأي فيلم إسباني صُنع بعد تلك الفترة، مما يجعل كل عمل من الأعمال التالية يستحق المشاهدة، حتى لو اضطررت لاستخدام الترجمة. كما سيسعد المطلعون على السينما الإسبانية في ذلك الوقت برؤية خوسيه لويس لوبيز فاسكيز، الممثل الذي غالباً ما استُخدم كنموذج للرجل الإسباني العادي، يظهر ثلاث مرات في هذه القائمة ومرتين إضافيتين في التنويهات الشرفية.
10. Mi querida señorita/My Dearest Señorita (1972, Jaime de Armiñán)
صدر فيلم My Dearest Señorita عام 1972، وهو العام نفسه الذي تساوت فيه حقوق المرأة في التصويت مع الرجل في إسبانيا، ويعد أول فيلم إسباني يركز على التوجه الجنسي. تعاون أرمينيان، الذي تمتلئ فيلموغرافياه بشخصيات تعيش على هامش المجتمع ويهدف عمله إلى تطبيع الحياة الجنسية، مع الكاتب خوسيه لويس بوراو لإنشاء هذه الكوميديا السوداء حول امرأة مسنة غير متزوجة تدعى أديلا تنتقل إلى مدريد وتتبنى الهوية الذكورية باسم خوان.
بسبب موضوع الفيلم وحقيقة أنه كان من المحرمات في إسبانيا الفرانكوية، قال خوسيه لويس لوبيز فاسكيز، نجم الفيلم، إن My Dearest Señorita كان أخطر عمل قام به على الإطلاق. ولهذا السبب تحديداً، يعد الفيلم استثنائياً. دفعت الطبيعة الحساسة لمحتواه فاسكيز لتقديم أداء بارع ودقيق، وتنعكس التحديات العديدة التي واجهها أرمينيان لصنع الفيلم في نقود اجتماعية ذكية.
مثل معظم الأفلام التي صُنعت في ظل حكومات قمعية، يقدم My Dearest Señorita شيئاً جديداً في كل مرة تشاهده فيها. لا يكتفي الفيلم بتقديم نقد لأدوار الجنسين الصارمة وكيف تهدد المجتمعات القائمة على الثنائيات الفردية، بل يتعمق أيضاً في موضوعات الوحدة، وقضايا الاندماج في الحداثة، والتحديات المختلفة بين الحياة في المقاطعات والمدينة، وانهيار يقينيات الفرانكوية.
في النهاية، يدور الفيلم حول الهوية؛ الهويات التي تم إخفاؤها خلال الديكتاتورية، والتحول وربما محو الهويات، وما أسماه فوكو “الليمبو السعيد لعدم الهوية”.
9. La tía Tula/Aunt Tula (1964, Miguel Picazo)
يعد فيلم Aunt Tula، وهو أول فيلم روائي طويل لميغيل بيكازو، أشهر أعماله وأكثرها تقديراً خلال مسيرته المهنية التي امتدت لأربعة عقود. استناداً إلى رواية قصيرة صدرت عام 1921 لميغيل دي أونامونو، يقدم Aunt Tula حبكة درامية بسيطة نسبياً، لكن إخراج بيكازو الدقيق، وأداء أورورا باوتيستا المقنع تماماً في دور تولا، وتصوير الفيلم المتواضع للعادات الصارمة المألوفة في الثقافة الإسبانية، يقدم لمحة كاشفة عن المجتمع الإسباني.
يتابع الفيلم امرأة تبلغ من العمر 31 عاماً تتحمل مسؤولية رعاية أطفال أختها المتوفاة حديثاً وزوجها راميرو. وبينما تظهر حباً كاملاً تجاه الأطفال وعطفاً تجاه صهرها، تظهر تولا ازدراءً بارداً وعدائية تجاه راميرو عندما يلمسها ويبدي رغبة في الزواج منها.
تعكس كبت تولا معتقداتها الدينية والتقاليد الاجتماعية الصارمة المحيطة بها في ذلك الوقت. بينما قد يتوقع المشاهد الأمريكي العادي أن تستسلم تولا لرغبات راميرو وتمنح الجمهور نهاية متوقعة، لا يرضخ بيكازو لهذا النمط. بدلاً من ذلك، يقدم نهاية أكثر مفاجأة ويترك تولا في الأساس حيث بدأت؛ مستسلمة لحياتها كعزباء.
على الرغم من أنه ليس المخرج الأكثر شهرة في هذه القائمة، إلا أن فيلم بيكازو الكلاسيكي يستحق المشاهدة، ويمكنك أيضاً رؤيته في دور صغير جداً كطبيب في فيلم The Spirit of the Beehive، الذي يظهر لاحقاً في هذه القائمة.
8. El extraño viaje/Strange Voyage (1964, Fernando Fernan Gomez)
بعد أن كان فشلاً تجارياً في الأصل، يُعتبر فيلم “العبادة” Strange Voyage الآن واحداً من أفضل الأفلام الإسبانية على الإطلاق. أخرج فرناندو فيرنان غوميز، المعروف بلا شك كممثل غزير الإنتاج امتدت مسيرته لأكثر من ستة عقود، هذا الفيلم الذي يمزج بين جوانب الإثارة، والتشويق، والكوميديا السوداء، والفيلم الأسود لإنتاج حكاية عبثية ومريضة عن ثلاثة أشقاء يواجهون نهايات مأساوية.
كان عنوان الفيلم في الأصل “جريمة مازارون”، في إشارة إلى أحداث حقيقية في القرية الصغيرة؛ ومع ذلك، لم يسمح رقابة فرانكو بهذا الإشارة المباشرة. ومع ذلك، ينقل غوميز القصة تحت العنوان الغامض Strange Voyage وينجح في نقد المجتمع المنافق في ظل إسبانيا الفرانكوية.
باستخدام ذكي للسخرية، والفكاهة، والفلاش باك، وطاقم تمثيل ملون، ينجح غوميز في التفكير في الطبيعة القمعية لشخصياته والمجتمع في ذلك الوقت. مستلهماً من محادثة مع كارلوس ساورا وبالتعاون مع لويس غارسيا بيرلانغا، يستعين غوميز بعقول عظيمة لخلق هذا الانتصار المفاجئ للفيلم.
7. La Caza/The Hunt (1966, Carlos Saura)
أول نجاح دولي لكارلوس ساورا، The Hunt، يقع على الحدود بين فيلم صيد بسيط وفيلم عن الحرب الأهلية الإسبانية؛ ومع ذلك، في جوهره، الفيلم هو إثارة نفسية لمكان وأشخاص تسكنهم أشباح الماضي. تتبع القصة ثلاثة من قدامى المحاربين في الحرب الأهلية في منتصف العمر – خوسيه وباكو ولويس – وقريب مراهق لباكو وهم يصطادون الأرانب في سيسينيا، وهي مقاطعة صغيرة في توليدو. يدخل كل رجل رحلة الصيد العادية بدوافعه الخاصة للقاء وقضاياه الشخصية، والتي تتكشف ببطء طوال عملية الصيد.
في وقت صدوره، بدأت إسبانيا في فتح حدودها ودخول فترة من التحسن الاقتصادي، لكن فيلم ساورا المصور بدقة والبطيء الإيقاع يثبت أن الحرب الأهلية، أو على الأقل ذكراها، لم يتم التغلب عليها في الستينيات. إيقاع الفيلم جنباً إلى جنب مع إعداده – وتحديداً حقل عقيم كان مسرحاً لمذبحة كبيرة خلال الحرب الأهلية – يضفي جواً خانقاً وقمعياً يساعد في تصوير التدهور العقلي للرجال.
مشهد واحد، على وجه الخصوص، يبقى مع المشاهد حتى نهاية الفيلم: أثناء الصيد، يستخدم الرجال نمساً لمطاردة الأرانب خارج نفق. ينسج النمس عبر المنعطفات والشقوق مما يعكس كيف يستكشف الفيلم الزوايا العميقة لعقول الرجال. ثم، عندما يطارد النمس الأرنب أخيراً خارج النفق، يطلق باكو النار على كلا الحيوانين عن طريق الخطأ، مما ينذر بموت الصيادين بأيديهم.
مثل ألفريد هيتشكوك، ساورا هو سيد التشويق في The Hunt ويفصل بدقة التدهور النفسي للرجال إلى النقطة التي يصبح فيها الصيد صيداً عكسياً. مع تصاعد التوترات والمخاوف وتجليها في قتال بدم بارد، يصبح الصياد هو الفريسة، مما يترك المشاهد بنهاية صادمة وحاجة للتفكير.
6. La cabina/The Telephone Box (1972, Antonio Mercero)
صُنع هذا الفيلم القصير للتلفزيون العام، ومدته 35 دقيقة فقط ولا يكاد يحتوي على حوار، قد يبدو للوهلة الأولى كأنه لا شيء مميز؛ ومع ذلك، يستطيع ميرسيرو نقل معنى أكثر في نصف ساعة مما يفعله الكثيرون في ساعتين. بتمويل من الدولة، كان المقصود من The Telephone Box في الأصل تثقيف إسبانيا المتغيرة، حيث تم إصدار هذا الفيلم بالقرب من نهاية نظام فرانكو. على الرغم من أن الفيلم يصور حياة المدينة الحديثة والنمو الاقتصادي في إسبانيا، إلا أنه يوضح أيضاً الجانب المظلم للبلاد.
بطولة The Telephone Box هي للنجم الشهير خوسيه لويس لوبيز فاسكيز، الذي يقدم أداءً جسدياً مقنعاً في هذه القصة لرجل عادي يرتدي بدلة ويصبح محاصراً داخل كشك هاتف. على الرغم من وجود العديد من المحاولات، لا يستطيع أي مار مساعدة الرجل، ويصبح الكشك الذي يبدو غير ضار كابوساً مروعاً.
يقدم ميرسيرو قصته الموجزة في ثلاثة أجزاء فضفاضة: الأول يقدم الفيلم ككوميديا ونقد اجتماعي للمجتمع الإسباني حيث يجد الرجل نفسه في الموقف العبثي مع كشك الهاتف؛ والثاني يكشف عن التوتر الدرامي والتشويق حيث يدرك أنه لا يستطيع الهروب؛ والثالث يحول الفيلم إلى رعب مؤرق حيث يدرك الرجل – والجمهور – أخيراً نهايته المأساوية.
سيشهد أي مشاهد لـ The Telephone Box بطبيعته التي لا تمحى والمربكة والمؤثرة. ربما، لأن الفيلم يردد قصة شائعة عن الاختفاء القسري خلال الديكتاتورية أو لأنه يكشف عن إسبانيا كمجتمع بونيولي: بلد يضحك على سوء حظ الآخرين، ومجتمع يستغل جاره، وحي غير مبال بمصير رجل قاس.
5. Muerte de un ciclista/Death of a Cyclist (1955, Juan Antonio Bardem)
خوان أنطونيو بارديم، الشيوعي المخلص والمدافع القوي عن المزيد من التجريب والنقد الاجتماعي والمضمون الفكري في السينما الإسبانية، يعبر عن معتقداته وانتقاداته لنظام فرانكو بكل إخلاص في هذه الدراما الواقعية الاجتماعية التي تشبه في الوقت نفسه لغز جريمة قتل وفيلم نوار كلاسيكي.
في الدقائق القليلة الأولى من Death of a Cyclist، يتم تنفيذ العنوان بالكامل: خوان، أستاذ رياضيات، وماريا خوسيه، امرأة ثرية من المجتمع الراقي، يصدمان راكب دراجة في طريق عودتهما من علاقة زنا. بعد التفكير لفترة وجيزة في خطوتهما التالية، يتركان الضحية على جانب الطريق ليموت لضمان سرية علاقتهما. يكشف بقية الفيلم عن الآثار النفسية لأفعالهما وكيف ينمو خوفهما وشعورهما بالذنب إلى جنون ارتياب لا يمكن السيطرة عليه.
على الرغم من أن الفيلم يبدأ برومانسية محرمة، إلا أن Death of a Cyclist ليس قصة مثلث حب. إنه استكشاف لمثلث من عدم الثقة بين خوان وماريا خوسيه ورافا، ناقد فني وضيف في حفلات خوان. مدفوعين بسوء الفهم بأن رافا ربما شهد أفعال الزوجين غير المشروعة على الطريق، يزداد قلق خوان وماريا خوسيه؛ ومع ذلك، فإنه يتجلى بشكل مختلف في الاثنين – مما ينشط وعي خوان الأخلاقي والاجتماعي بينما يزيد من انفصال ماريا خوسيه عن المجتمع.
يقدم بارديم ببراعة التبادلات بين الثلاثة بالسخرية والتشويق والتهكم والدراما والشك. هذا جنباً إلى جنب مع الميزة الأسلوبية الأكثر وضوحاً لبارديم، وهي استخدامه الاستثنائي – وإن كان مربكاً أحياناً – للقطع السريع والتلاشي، يضع بشكل فعال بيئات اجتماعية للبرجوازية والطبقة العاملة جنباً إلى جنب. من خلال القيام بذلك، ينتقد مجتمعاً إسبانياً يكون فيه الأغنياء فوق القانون ولا يسعى البرجوازيون إلا إلى الأسرار من أجل استغلال الأغنياء.
يقدم Death of a Cyclist طبقات لا حصر لها للتحليل، ويثبت الفيلم باستمرار أنه تصوير مثير للتفاعل بين المعرفة والقوة وبين العدالة والظلم. إذا كان الفيلم يحتاج إلى أي عوامل جذب أخرى، فسيكون عشاق السينما مهتمين بشكل خاص بمعرفة أن الممثلة الإيطالية لوسيا بوسي، التي تلعب دور ماريا خوسيه، تمت دبلجة صوتها في النسخة الإسبانية الأصلية للفيلم وأن المخرج خوان أنطونيو بارديم هو عم الممثل الشهير عالمياً خافيير بارديم.
4. El Verdugo/The Executioner (1963, Luis García Berlanga)
يمكن القول إن لويس غارسيا بيرلانغا، أحد أكثر صناع الأفلام تأثيراً وغزارة في الإنتاج خلال إسبانيا الفرانكوية، يكسب مكانين في هذه القائمة، حيث يعد The Executioner أولهما، وواحداً في التنويهات الشرفية. جنباً إلى جنب مع خوان أنطونيو بارديم، يعتبر بيرلانغا أحد رواد السينما الإسبانية الجديدة في فترة ما بعد الحرب، وغالباً ما تحقق أفلامه مكانة تراثية كروائع للتاريخ الإسباني.
بالتعاون مع شريكه في كتابة السيناريو منذ فترة طويلة رافائيل أزكونا، تمكن بيرلانغا من مراوغة رقابة فرانكو وإنشاء هذه الكوميديا السوداء التي تتبع قصة أماديو، جلاد متقاعد يجعل خوسيه لويس، موظف جنازات، يتزوج ابنته ويتولى وظيفته لكي يتمكن من الاحتفاظ بشقة مدعومة من الدولة. مثل العديد من أفلام بيرلانغا، يعتمد The Executioner على نكتة واحدة رئيسية لكنه يصل إلى ذروتها من خلال حكاية فكاهية مليئة بالسخرية وحوار متداخل ببراعة يقدمه طاقم تمثيل حيوي.
الذروة في هذه الحالة هي أن خوسيه لويس يتولى دور الجلاد مع وعد بأنه لن يضطر إلى إكمال أي عمليات إعدام، لكن المشهد الأخير يظهره وهو يُسحب رغماً عنه إلى المقصلة لإكمال واجبه. تستند النهاية جزئياً إلى القصة الحقيقية لخوسيه مونيرو، جلاد خلال عهد فرانكو لم يرغب في تنفيذ وظيفته. في النهاية أعدم شخصاً واحداً فقط، هاينز تشيز، خلال فترة عمله ثم ترك المنصب شاغراً.
ينجح بيرلانغا في الوصول إلى الذروة بقوة كبيرة، لكن الطبيعة الجادة للموضوع والتسليم الكئيب هي التي تجعلها أكثر فعالية. في ختامه، يعد The Executioner نقداً لعقوبة الإعدام وكذلك للقيم الاجتماعية لإسبانيا الفرانكوية والفخاخ الأخلاقية التي يمكن للمجتمع أن يفرضها علينا بسهولة.
3. El espíritu de la colmena/The Spirit of the Beehive (1973, Víctor Erice)
فيلم The Spirit of the Beehive، أول فيلم لفيكتور إريثي وواحد من ثلاثة أعمال روائية فقط في مسيرته المهنية بأكملها، ليس أقل من تحفة فنية وسيتركك تتساءل عما كان يمكن للمخرج أن ينتجه أيضاً. تدور أحداث الفيلم في عام 1940، بعد هزيمة جيش فرانكو للجمهوريين في الحرب الأهلية الإسبانية، ويتبع الفيلم آنا، فتاة صغيرة تصبح مهووسة بفيلم فرانكشتاين لجيمس ويل عام 1931 عندما يجلبه مسرح متنقل إلى بلدتها الصغيرة.
على الرغم من صدوره في السنوات الأخيرة من نظام فرانكو، إلا أن الفيلم لا يزال يعاني من قيود ورقابة؛ ومع ذلك، تحول هذا إلى فائدة من خلال إجبار إريثي على تقديم انتقاداته الاجتماعية بدقة ورمزية فنية. يمكن لناقد سينمائي أو مؤرخ لإسبانيا خلال هذا الوقت قضاء ساعات في مناقشة وجدل المعنى وراء هذه الرمزية، ولكن حتى المشاهد العادي يمكنه فهم الطبيعة الشعرية لعمل إريثي.
أجبر القمع الجمهوري في ظل فرانكو العديد من المواطنين على العيش في صمت، وهو ما يبرزه الحوار البسيط والمناظر الطبيعية الكئيبة في الفيلم. ومع ذلك، في ظل هذا الصمت، يمكن للشعب الإسباني استخدام السرية كسلاح لمقاومة النظام. إن هذه السرية – وقدرتها على عزل الأفراد وفصل العائلات والمجتمعات – هي التي يستكشفها إريثي حيث تقود خيالات آنا عن وحشها الخيالي إلى المتاعب بينما تساعد جندياً جمهورياً جريحاً يختبئ في حظيرة قريبة.
يشبه الفيلم الطبيعة الشعرية والمذهلة بصرياً لأعمال عباس كيارستمي وأندريه تاركوفسكي، ولا شك في سبب إلهام هذه القطعة الجميلة من السينما الفوقية لصناع أفلام مثل غييرمو ديل تورو، الذي لديه أفلام متعددة تستكشف موضوعات مماثلة، مثل خيال الأطفال خلال الحرب الأهلية الإسبانية وفترة ما بعد الحرب.
2. Viridiana (1961, Luis Buñuel)
سيتعرف أي شخص مطلع على تاريخ السينما على الفور على لويس بونويل لفيلمه القصير السريالي الشهير، Un chien andalou، الذي تم إنتاجه بالتعاون مع سلفادور دالي. استمر إرث بونويل لعقود بعد تقديمه في عصر السينما الصامتة، وعمل عبر أنواع وبلدان متعددة، بما في ذلك إسبانيا والمكسيك وفرنسا.
كان صعود فرانكو في إسبانيا هو المحفز لبونويل للفرار من البلاد ليصبح مواطناً مكسيكياً، ولم يعد من منفاه الذي دام 29 عاماً إلا مع صنع فيلم Viridiana بمساعدة شركة إنتاج خوان أنطونيو بارديم، UNINCI. السبب الحقيقي لعودة بونويل غير معروف – ولكن كذلك طبيعة السيد السريالي – وكان فيلمه قصير العمر في إسبانيا، ولم يُسمح له بالعودة إلى البلاد إلا بعد وفاة فرانكو.
بونويل هو بلا شك أصلي حقيقي، ويعرض Viridiana عبقريته وأسلوبه الذي لا يمكن التعرف عليه على الفور والذي لا يعتذر عنه. استناداً جزئياً إلى رواية بينيتو بيريز غالدوس عام 1895 Halma، تركز السخرية الدينية على فيريديانا، مبتدئة شابة على وشك أداء نذورها ودخول حياة منعزلة في الدير حتى تشجعها رئيستها على زيارة عمها المحتضر دون خايمي. تزور فيريديانا بدافع الخير، ومع ذلك، عندما تصل، يدرك دون خايمي أنها تشبه تماماً زوجته الراحلة، ثم تأخذ سخرية بونويل الكلاسيكية والفكاهة المظلمة والتهكم زمام المبادرة وتتكشف في حكاية فاضحة.
بصفته ملك السخرية، لا يبتعد بونويل عن التصوير الموحي أو المناهض لرجال الدين؛ ومع ذلك، فإنه يمتنع عن اتخاذ أي موقف مباشر. تأتي لقطاته المخطط لها مسبقاً بذوق، وتستمتع حبكته الملتوية بالفكاهة المريرة، مما يترك المشاهد بفيلم بونويل بامتياز.
إذا كنت بالفعل من محبي Viridiana، تحقق من تحفة بونويل أخرى، The Exterminating Angel، في التنويهات الشرفية.
1. ¡Bienvenido, Mister Marshall!/Welcome Mr. Marshall! (1953, Luis García Berlanga)
Welcome Mr. Marshall! هو أقدم فيلم في هذه القائمة وثاني فيلم مدرج للمخرج والكاتب الموقر لويس غارسيا بيرلانغا. بتكليف أصلي من الدولة لجعل مغنية الفلامنكو لوليتا سيفيا نجمة كوميدية، تعاون بيرلانغا مع رائد السينما الإسبانية الجديدة خوان أنطونيو بارديم، لكن الاثنين قررا إعطاء الفيلم معنى أكثر من تفويضهما الأصلي. والنتيجة هي سخرية بارعة ويمكن القول إنها أول فيلم إسباني عظيم في هذا العصر الجديد.
مع كون العنوان إشارة مباشرة إلى خطة مارشال، يوضح Welcome Mr. Marshall! قصة قرية قشتالية صغيرة فقيرة تلعب على الصور النمطية الإسبانية النموذجية من أجل الحصول على المال من برنامج المساعدات الأمريكي لما بعد الحرب. يستأجر أهل البلدة مغنية فلامنكو شهيرة، ويرتدون ملابس تقليدية على الطراز الأندلسي، ويعيدون تزيين البلدة لأنهم يعتقدون أن هذا سيجعل قريتهم أكثر جاذبية للأمريكيين الزائرين.
تتميز تقنيتان بارزتان في الفيلم: استخدام بيرلانغا للرواية وإدراجه لتسلسل حلم. في حين أن الرواية ليست شيئاً أصلياً بحد ذاته، فإن المشهد الأول لبيرلانغا يكشف أن استخدامه لها سيكون فريداً. يفتتح الفيلم بالراوي الذي يصف البلدة ثم يوقف الفيلم لاحقاً ويزيل كل الناس من الشاشة، فقط لتقديمهم واحداً تلو الآخر لاحقاً. فيما يتعلق بتسلسل الحلم، يستخدمه بيرلانغا لعرض الطرف الآخر من الصور النمطية، تلك التي يراها الإسبان كالثقافة الأمريكية. والأكثر إثارة للاهتمام، يحلم العمدة الأصم بأنه راعي بقر في الغرب المتوحش ويتحدث بحوار غير مفهوم.
على الرغم من أن Welcome Mr. Marshall! هو أول فيلم روائي طويل يخرجه بيرلانغا بمفرده، إلا أن أسلوبه واضح بحواره المتداخل، والسخرية الكوميدية، وطاقم التمثيل القوي. ينتهي الفيلم أيضاً بنكتة بيرلانغا الكلاسيكية – في يوم وصول الأمريكيين، يقودون عبر البلدة دون حتى التوقف، مما يعكس استبعاد إسبانيا الفعلي من خطة مارشال. الفيلم هو حقاً نقد للصور النمطية بين الثقافتين وما تم تبسيط إسبانيا إليه خلال عهد فرانكو.
يمكن لأي من أفلام بيرلانغا أن يجعل هذه القائمة بسهولة، لكنه فيلمه الأول الذي يستحق هذا المكان ويحافظ على أكبر قدر من الاعتراف الدولي حتى يومنا هذا. إنه يجب مشاهدته لأي شخص يبحث في تاريخ السينما الإسبانية.
تنويهات شرفية: Plácido (1961, Luis García Berlanga), Surcos/Furrows (1951, Jose Antonio Nieves Conde), Furtivos/Poachers (1975, José Luis Borau), Peppermint Frappé (1967, Carlos Saura), El ángel exterminador/The Exterminating Angel (1962, Luis Buñuel)
