تحتل السينما مكانة رفيعة في ثقافتنا لقدرتها على إثارة مجموعة واسعة من المشاعر. نحن نتفاعل مع الأفلام بطرق مختلفة بناءً على ما نستخلصه منها وكيفية رؤيتنا لها.
بعض الأفلام تتسم بالـ “روعة” ببساطة. فهي تمتلك أسلوباً وثقةً في ذاتها؛ تهدف إلى ترفيه الجمهور وإضحاكهم. أحياناً، تحاول الأفلام جاهدة أن تكون شيئاً لا تمثله، وغالباً ما تكون النتيجة أسوأ بسبب ذلك.
الأفلام الأكثر روعة تجعل عملية صناعة الأفلام تبدو سهلة؛ فهي تتجنب التكلف وغالباً لا تحمل عمقاً كبيراً، ومع ذلك فهي جزء أساسي من السينما، لأننا لا نذهب دائماً لمشاهدة أعمال فنية عظيمة؛ قد نرغب فقط في قضاء ساعتين من المرح والاسترخاء، وهذه الأفلام تثير الشهية عندما يكون الأمر كذلك.
10. House of Flying Daggers
هناك جمال في عنف فيلم House of Flying Daggers (2004) لدرجة أن مشاهد الحركة تبدو كأنها فقرات رقص من الأفلام الموسيقية الكلاسيكية. تبدو الشخصيات وكأنها تطفو من مكان لآخر، وحركتها تضاهي رشاقة راقصة الباليه.
يصاحب ذلك إحساس بالأسلوب والثقة في الإخراج، حيث يمكن التعبير عن الكثير بالأفعال لا بالكلمات. يجمع أحد المشاهد بين فقرة رقص ومحاولة اغتيال بمستوى مذهل، حيث يتم سرد حبكة فرعية كاملة دون كلمات تقريباً. سطح الفيلم مذهل بصرياً، وهناك عمق مُرضٍ في العلاقة بين الشخصيات الثلاث الرئيسية.
تشع كل شخصية من الشخصيات الثلاث -مي، وجين، وليو- بالثقة بطريقتها الخاصة، سواء كانت ثقة “مي” الصامتة بنفسها أو غطرسة “ليو” المتعجرفة في قدراته، ومشاهدة هذه الأنا الثلاث العظيمة تتصارع فيما بينها لا تقل روعة عن مشاهدة معارك الفيلم.
9. Kill Bill: Vol 1
قد يكون كوينتن تارانتينو كاتب سيناريو مرموقاً، لكن تأثيرات تاريخ السينما التي يحملها في قلبه هي التي تقود الأسلوب البصري لأفلامه. فيلم Kill Bill: Vol 1 هو مثال على نجاح تارانتينو في هذا المزيج؛ حيث يبلغ حبه للسينما الآسيوية وأفلام الاستغلال ذروته هنا، مجهزاً العروس (أوما ثورمان) ببدلة صفراء تذكرنا بزي بروس لي الشهير.
يقدم الجزء الأول من Kill Bill عالماً يفيض بالأسلوب والعبث، حيث يُسمح للناس بحمل السيوف على متن الطائرات، وتنزف الشخصيات كميات لا نهائية من الدماء عند القضاء عليها. إن سخافة الأحداث تجعل التجربة أكثر متعة، ويتمتع Kill Bill: Vol 1 بجمالية بصرية أفضل من معظم أفلام تارانتينو، وثقته في وضع العروس ضد عصابة Crazy 88 أثمرت عن تسلسل مذهل.
لطالما كان تارانتينو مخرجاً ملهماً باختياراته الموسيقية، وهذا لا يختلف هنا. كان Kill Bill أول أفلامه الذي يركز على الحركة أكثر من الحوار، وقد نجح الأمر بامتياز مع تسارع الإيقاع، ولم يقلل مشهد الفلاش باك المتحرك من حدة الدراما، وشعرت أن مدة الفيلم مرت كلمح البصر. في النهاية، كان الجزء الثاني من Kill Bill مملاً ورتيباً مما قلل من تأثير الأول، لكن هذا لا ينبغي أن يقلل من جودة الجزء الأول.
8. T2: Trainspotting
قد يبدو وصف T2: Trainspotting (2017) بالروعة أمراً مبالغاً فيه؛ فالفيلم تأمل في التقدم في العمر والتغيرات التي تطرأ على الناس. السرد المركزي الذي يتضمن إدمان سبود المستمر على الهيروين والعزلة الناتجة عن ذلك هو أمر مفطر للقلب.
يوازن داني بويل بين عملية الشيخوخة وتذكارات الشباب بأسلوب يشبه جرعة الأدرينالين الصافية. كان مفتاح نجاح Trainspotting هو شعورك بأن الفيلم نفسه تحت تأثير المخدرات، رحلة تنطلق بطاقة هائلة ولا تنتهي إلا بعد زوال مفعولها.
يحتوي T2: Trainspotting على مشاهد تذكر الشخصيات والجمهور بتلك الأيام. المشهد الافتتاحي مع رينتون على جهاز الجري، ومطاردة بيغبي في الملهى الليلي، وتأملات رينتون وسيك بوي، كلها أُخرجت بطريقة تعكس الفيلم الأصلي ولكن بحساسية القرن الحادي والعشرين. لا أحد يرغب في أن يكون مثل شخصيات Trainspotting، لكن لا يمكن إنكار أنه رغم الظلام الكامن، فإن مشاهدة الفيلم تجربة ممتعة.
7. The Man From UNCLE
يضع غاي ريتشي أهوال ما بعد الحرب في ألمانيا الشرقية جانباً ليقدم نسخة من التاريخ تتخلص من الظلام وتركز على الأسلوب البراق. الأسلوب البصري يقدم لقطات مذهلة من الأعلى لأوروبا في الحرب الباردة؛ ولحسن الحظ، لم يشارك ريتشي في كتابة السيناريو، لذا غابت “فكاهة الشباب” المعتادة عنه.
كان اختيار هنري كافيل وأرمي هامر ضربة معلم، حيث يشكل الاثنان تحالفاً غير مريح، بينما تضفي أليسيا فيكاندر حضوراً قوياً كامرأة بينهما، حيث يطغى التوتر بينهما على أي احتمالات لـ “الفتاة في محنة” التي قد يفرضها السرد.
يجب أيضاً الإشادة بـ دانيال بيمبرتون، الذي تجاهل أجواء الخمسينيات وجلب أسلوباً موسيقياً معاصراً، حيث تذكرنا اللحظات الهادئة بموسيقى جيمس بوند الأولى، بينما تمزج مشاهد الحركة بين الناي وموسيقى الروك أند رول لخلق شعور بالمرح يجعلك تتجاوز عيوب الحبكة لصالح الترفيه الخالص.
6. Kung Fu Hustle
يضفي فيلم ستيفن تشو، الذي جاء بعد Shaolin Soccer، شعوراً بالخفة على النوع السينمائي لفنون القتال. الفيلم يرتدي تأثيراته الغربية بوضوح، غالباً لأغراض كوميدية. يدور الفيلم حول عصابات طموحة في هونغ كونغ تبدأ حرباً غير مقصودة مع أساتذة كونغ فو متخفين.
يقدم مصمم الرقصات يوين وو-بينغ، الذي تشمل أعماله The Matrix، قتالاً مذهلاً وكوميديا تهريجية تؤدي إلى ضحكات عالية. سكان “Pig Sty Alley” الأكبر سناً، الذين يحاولون عيش حياة طبيعية، يتفاعلون مع مخاوف دنيوية بطريقة مبالغ فيها تجعلهم يبدون مثيرين للشفقة ولكن متعاطفاً معهم. بمجرد مواجهتهم لتهديد، يكشفون عن مهارات تتجاوز شخصياتهم؛ نصف متعة الفيلم تكمن في تعليق التصديق والسماح للجنون بأن يغمرك.
5. Thor: Ragnarok
تكمن متعة مشاهدة Thor: Ragnarok في أن المخرج تايكا وايتيتي حصل على الضوء الأخضر من مارفل لجلب أسلوبه في الفكاهة النيوزيلندية الجافة إلى فيلم ضخم. يبدو الهدف المركزي للفيلم هو السماح لمارفل بالوقوع ضحية للنكات الذاتية التي يلقيها وايتيتي وطاقمه. تم التخلص من الطبيعة الجادة لأفلام القصص المصورة لصالح فيلم يجب اعتباره الكوميديا ذات الميزانية الأعلى في تاريخ السينما.
تجريد ثور من مطرقته -مصدر قوته- وتركه في عالم غريب تحت رحمة “غراند ماستر” (جيف غولدبلوم) يجعل ثور على مستوى أكثر قابلية للارتباط. إنه سجين في نظام فاسد، في عالم نابض بالحياة مليء بأنواع مختلفة وشخصيات غريبة الأطوار. هذا يسمح للفيلم بالتركيز على الكوميديا الارتجالية التي تتيح للممثلين إبراز جوانب من شخصياتهم لم تكن مرئية من قبل.
يركز تايكا وايتيتي معظم الكوميديا في Thor: Ragnarok على شخصيتين تجلسان في غرفة تتحدثان عن أكثر ميزات الحياة دنيوية. من أبرز المشاهد حديث ثور وهالك عن المشاعر بعد قتال، بطريقة قد يشرح بها أب لطفله لماذا كان ما فعله خطأ.
لطالما حملت أفلام مارفل شعوراً بالمرح، لكن وايتيتي يدفع الحدود إلى أقصى مدى، ومع الظلام الكئيب الذي يصاحب سينما DC، يعد Thor: Ragnarok دليلاً على أن مارفل تدرك تماماً أن سينما الأبطال الخارقين عبثية. من المنعش رؤيتهم يسمحون لمخرج معروف بالسينما المستقلة بكشف نقاط ضعف نوعهم السينمائي والاستمتاع بذلك.
4. John Wick
بعد فترة من الأداءات الضعيفة، استعاد كيانو ريفز مكانته كبطل حركة في دور John Wick، القاتل المتقاعد المعروف بـ “البعبع”. تنتهي فترة حداد ويك على وفاة زوجته بسبب تواصل حياته القديمة معه، مما يبدأ ملحمة انتقام هي سلسلة من مشاهد الوحشية الجميلة بلا شك.
يظهر ويك كبطل كئيب جداً. يركز الفصل الأول من الفيلم على عملية الحزن بشكل أدائي وتقني؛ ورغم الادعاء بأن ريفز لا يستطيع تحمل الثقل العاطفي لشخصية أكثر جدية، إلا أنه يؤدي هذا الجزء من الدور بقناعة كبيرة.
بمجرد عودة John Wick إلى العالم السفلي، يزداد الفيلم ثقة؛ يتم تنفيذ المشاهد ببراعة، ويتم التخلص من إدمان هوليوود على لقطات الكاميرا المهتزة لصالح لقطات ثابتة تعرض الحركة بطريقة تجعل الجمهور على دراية واضحة بما يحدث. يضيف مشهد الملهى الليلي أسلوباً مضيئاً بالنيون إلى شجار شرس، متناقضاً مع موسيقى تصويرية هادئة تضفي رهبة على الجمهور.
يركز الفيلم على عالم سفلي ذكوري للغاية، يهيمن عليه رجال يسعون لمصالحهم الخاصة، ومع ذلك يفهمون جميعاً قواعد عالمهم، وعواقب افتقارهم للسلوك داخل أخويتهم.
3. Baby Driver
يأخذ فيلم إدغار رايت الموسيقي عن السطو إثارة الاستماع إلى قائمة تشغيل عشوائية إلى المستوى التالي، في فيلم يجمع أقوى عناصر أعماله السابقة، ويبدو كأنه مجموعة “أفضل أعمال” لمسيرته المهنية حتى الآن. Baby Driver هو، بكل المقاصد والأغراض، فيلم روائي طويل من مشهد “Don’t Stop Me Now” في Shaun of the Dead، مع كل مطاردة سيارات، ومحادثة، وحركة مصممة بدقة لتتناسب مع الموسيقى التصويرية.
ميزة إضافية لنجاح Baby Driver هي أن طاقم العمل يستمتع تماماً بالفوضى المنظمة؛ “بيبي” (أنسيل إلغورت) شاب هادئ، ومع ذلك يوفر إلغورت السحر والحماس لتصوير بطل يفيض بالروعة والكاريزما، رغم تردده في تقديم أي عمق للشخصيات المحيطة به. يضيف جيمي فوكس وجون هام جرعات من الجنون كشركاء يهددون بالخروج عن السيطرة في أي لحظة.
نجم الفيلم، مع ذلك، هو إدغار رايت، الذي يضمن إخراجه الجديد بقاءنا مذهولين طوال مدة Baby Driver. القصة حكاية قديمة تم تجديدها بحيوية تجعلها متعة للمشاهدة، بينما تعني الموسيقى التصويرية أن مشاهد الحركة تبدو خيالية تقريباً، مما يعيد إلى الأذهان شعور المشي في الشارع، والاستماع إلى الموسيقى، والغرق في عالمك الخاص.
2. School of Rock
في خريف 2003، سيطر The Lord of the Rings: Return of the King و Love Actually على شباك التذاكر، وكان الفيلم المفاجئ الذي وصل وحصد جزءاً كبيراً من المجد هو School of Rock للمخرج ريتشارد لينكليتر، مع أداء استعراضي لجاك بلاك في دور نجم الروك الطموح ديوي فين الذي ينشئ فرقة بينما يتظاهر بأنه مدرس.
يحتضن الفيلم “الخاسرين”؛ مثل العديد من الأفلام التي تشعرك بالرضا، يستكشف School of Rock أولئك الذين يعتقدون في سن مبكرة أنهم ليسوا جيدين بما يكفي ويقررون الانزواء في الخلفية، ليتم تحفيزهم من قبل بطل غريب الأطوار.
ليس من المستغرب أن دور ديوي فين كُتب لجاك بلاك، وهو يهاجم الدور دون خوف من الإذلال أو السخرية. بالطبع، من الممكن أن تجد فين مزعجاً، ولكن بالنسبة لأولئك الذين ينسجمون معه، فإن School of Rock مليء بالمتع التي لا تنتهي، ليس أقلها طاقم الممثلين الشباب، الذين يتفوقون جميعاً دون الوقوع في فخ الظهور بمظهر مزعج للغاية.
يغلف لينكليتر الفيلم بموسيقى تصويرية مليئة بموسيقى الروك الكلاسيكية، مما يضيف إلى تعليم الشخصيات الشابة وتذكير الجمهور بأنهم “لم يعودوا يصنعون أفلاماً كهذه”. مونولوج فين حول “مواجهة النظام” أكثر أهمية الآن من أي وقت مضى، ولكن الأهم من ذلك أن School of Rock هو الفيلم الأمثل للشعور بالرضا، حول منبوذين يجدون روعتهم الداخلية ويعبرون عن أنفسهم بطريقة فريدة وملهمة.
1. Drive
أصبح Drive بالفعل فيلماً “يجب اقتناؤه” لأي محب للسينما، الفيلم الذي دفع رايان غوسلينغ إلى النجومية وأعاد إحياء حب الجمهور للمدن المضاءة بالنيون والمحادثات الصامتة التي تعبر عن الكثير. يبدو من السطحي الحديث عن حبكة الفيلم، نظراً لشعبيته؛ يكفي القول إنها حالة من الأسلوب على حساب المضمون حيث لا يصبح نقص عمق الشخصية مشكلة بسبب الجمال الخالص لما يظهر على الشاشة.
يمزج المخرج نيكولاس ويندينغ ريفن بين هدوء المدينة ليلاً وشخصية مركزية تفيض بالأسلوب. ثقة السائق الهادئة وشخصيته الصامتة هي السمات المثالية لتقديم الناس إلى مدينة لا يبدو فيها أحد على حقيقته. الاهتمام بالتفاصيل في ملابس الشخصيات والإيماءات الوجهية يجعلنا نعرف عن السائق ما يكفي للتعاطف معه، دون معرفة أي شيء مهم عن خلفيته الدرامية.
الموسيقى التصويرية للفيلم هي مزيج لطيف من موسيقى السينث والبوب التي ترافق الصور على الشاشة، والمحررة لخلق شعور بالإلحاح متناقض مع الصبر. يتمتع Drive بأسلوب لا يذهب إلى أي مكان على عجل، ولكنه يسمح للجمهور بمشاهدة الفيلم والاستمتاع بالمرئيات المذهلة قبل أن تتحرك الحبكة إلى الأمام.
