كل نهاية تمنح بداية جديدة. لقد وصلت الحقبة الكلاسيكية للسينما الفنية الأوروبية إلى نهايتها الكاملة في الثمانينيات مع وفاة و/أو تقاعد معظم الشخصيات الرئيسية في ذلك الوقت، ومع التغيرات التكنولوجية التي حكمت على دور العرض الفنية التقليدية بالفشل كتجربة سينمائية للكثيرين. ومع ذلك، شهدت التسعينيات ولادة جديدة بطرق أخرى.
رحل الأساتذة القدامى لكن فن السينما استمر، وظهر العديد من صناع الأفلام الجدد بأفكار جديدة. كما أن التكنولوجيا ذاتها التي ساعدت في إنهاء حقبة ما، سهلت فتح حقبة أخرى، حيث أن الأساليب الأحدث والأكثر كفاءة من حيث التكلفة لإنشاء فيلم تعني أن العديد من الأصوات الجديدة يمكنها الآن تحمل تكلفة استخدام الفيلم كوسيلة قابلة للتطبيق للتعبير الفني.
ساعدت الأسواق الجديدة للفيديو المنزلي وتلفزيون الكابل أيضًا في جعل مثل هذه الإنتاجات مربحة محتملة. كما لم يضر أن صعود سوق الأفلام المستقلة في الولايات المتحدة ساعد أيضًا في إفساح المجال للإنتاجات الأجنبية ليتم تضمينها في ما يضعه العديد من المشاهدين الراغبين في تجاوز الأفلام التجارية التقليدية في قائمة “يجب مشاهدتها”.
ستحاول القائمة التالية إظهار مدى حيوية سينما أوروبا في ذلك العقد. لم يكن من الممكن تضمين جميع الأفلام الرائعة لتلك الحقبة، لذا نعتذر مسبقًا عن أي سهو.
1. The Match Factory Girl (1990)
خارج السويد، لم تكن السينما الاسكندنافية معروفة جيدًا بشكل عام في نصف الكرة الغربي. ومن الاستثناءات الملحوظة بين محبي أفلام النوع الفني هو صانع الأفلام الفنلندي Aki Kaurismaki.
إذا كان لا بد من المقارنة، يجد الكثيرون أنه مشابه للمخرج المستقل الأمريكي Jim Jarmusch. كلاهما لديه أساليب جافة وباردة للغاية تبدو وكأنها تراقب بعض الشخصيات والأحداث الفظيعة بطريقة كوميدية سوداء، لكن الفرق هو أنه بينما يبدو Jarmusch راضيًا عن ترك الأمر عند هذا الحد، يبدو أن Kaurismaki يفهم أن حتى أولئك الذين قد يعتبرون غريبي الأطوار لديهم جانبهم الخاص الذي يجب مراعاته.
تم تمييز Kausismaki كشخص يجب مراقبته في مشهد الأفلام الفنلندي منذ وقت ظهوره الأول بفيلم Crime and Punishment عام 1983، واكتسب قاعدة جماهيرية مخلصة مع أفلام Leningrad Cowboy (بدءًا من Leningrad Cowboys go America في 1989).
ومع ذلك، كانت الأفلام التي لاحظها النقاد أكثر من غيرها هي تلك الموجودة فيما يعرف الآن بثلاثية البروليتاريا الخاصة به. كانت هذه الأفلام هي Shadows in Paradise عام 1986، وAriel عام 1988، والفيلم قيد النظر، The Match Factory Girl، مع كون الأخير، بشكل غريب بما فيه الكفاية، هو الاختراق الذي أدى إلى إعادة فحص الأفلام السابقة. كلها تتعلق بالحياة الرتيبة للطبقة العاملة الفنلندية وكيف يمكن لنمط الحياة القمعي هذا أن يؤدي إلى بعض السلوكيات المتطرفة.
الشخصية الرئيسية، Iris (Kati Outlinen) تعاني من وضع سيء. العمل في المؤسسة التي تحمل الاسم نفسه ممل في أحسن الأحوال، ولا يضاهيه سوى الحياة في المنزل مع الأم وزوج الأم، وهما شخصان قبيحان وضيقان في مساحة قبيحة وضيقة.
في يوم الدفع، بدلاً من إعطائهم كل أموالها لامتيازات المعيشة كالمعتاد، تنفق بعضها على فستان لتجعل نفسها أخيرًا مقبولة للرجال في قاعة الرقص حيث تقضي وقتها دون أن يلاحظها أحد تمامًا.
في فيلم هوليوودي، كانت ستلتقي بفتى غني وسيم وينتهي بها المطاف في مكان جميل. هذا ليس ذلك الفيلم. يتم ملاحظتها ولكن الألم سيتعمق فقط بفضل الاستخدام، والإساءة، والرفض، والمضاعفات غير المتوقعة التي تؤدي إلى خاتمة مضحكة للغاية ومظلمة.
الممثلة الرئيسية ممتازة والمخرج يجسد الجو الرهيب بشكل جيد للغاية مع الحفاظ على النغمة الصعبة التحقيق ببراعة. Since then Kaurismaki has won greater acclaim with the Oscar nominated The Man Without a Past (2002); and his last to date Le Havre (2011) ولكن هذا هو الفيلم الذي وضعه على الخريطة الدولية.
2. La Belle Noiseuse (1991)
هناك حجة قوية لصالح Jacques Rivette الفرنسي لكونه آخر صانعي أفلام الموجة الجديدة، حرفيًا ومجازيًا. نعم، مع وفاته الأخيرة عن عمر يناهز 87 عامًا، عاش أطول من معظم معاصريه (لا يزال Jean-Luc Godard على قيد الحياة ولكنه لم يعد يبدو نشطًا). ومع ذلك، على عكس الكثيرين منهم، ظل مخلصًا لمثل وأسلوب الموجة الجديدة حتى النهاية. كان مهتمًا دائمًا بكيفية إنشاء الكيانات الفنية، ولو كخلفية لقصة الفيلم الرئيسية.
في ضوء هذه الحقيقة، لم يفاجئ أحد على الإطلاق عندما أنتج تحفته المتأخرة، La Belle Noiseuse (التي تترجم إلى “المشاكسة الجميلة”). هذا العنصر غير المتوقع هو حقيقة أن هذا الفيلم يتعلق بفنان واحد (على عكس مجموعة فنية) وأن ذلك الفنان هو رسام، وليس فنانًا دراميًا. الفنان في مركز الفيلم هو رسام راسخ ومشهور منذ فترة طويلة (يلعب دوره النجم الفرنسي المخضرم Michel Piccoli)، والذي لم يرسم منذ سنوات.
يأتي مريد للزيارة مصطحبًا صديقة (Emmanuelle Beart) ليس لديها معرفة حقيقية أو اهتمام بالرسام ولكنها تنتهي بإيقاظ ملهمته الخاملة منذ فترة طويلة. الجزء الأكبر من الفيلم، الذي يمتد إلى ما يقرب من أربع ساعات، يتعامل مع جلساتهم بالتفصيل الدقيق (ولقطات الرسم تتميز بأيدي رسام حقيقي يبدع).
لا يمكن للمشاهد العادي حقًا التعامل مع هذا الفيلم ولكن أولئك الذين يمكنهم منح أنفسهم له سيجدون كيانًا غنيًا وكاشفًا يستكشف أسرار الإبداع الفني. الممثلون الرئيسيون، وJane Birkin كزوجة الرسام المتسامحة والمتفهمة، رائعون على الرغم من أن هذا الفيلم لم يكن ليصبح إلا من إبداع فنان سينمائي عظيم واحد. في سن كان فيه العديد من المخرجين ينهون مسيرتهم، كان Rivette لا يزال في كامل قدراته.
3. The Double Life of Veronique (1991)
على الرغم من أن Krysztof Kieslowski كان قد أنتج بالفعل عددًا من الأفلام الرائعة في موطنه بولندا (بما في ذلك تحفته التلفزيونية The Decalog)، إلا أن دخوله إلى صناعة الأفلام الدولية كان الإنتاج الفرنسي/البولندي، The Double Life of Veronique.
في هذه الحالة، التضاعف هو لامرأتين، كلاهما تدعى Veronique (وكلاهما تلعب دورها الممثلة الفرنسية الرائعة Irene Jacob)، واحدة تعيش في فرنسا، والأخرى في بولندا. كلاهما لديهما موهبة صوتية وتتوقان لتصبحا مغنيتين، لكن Veronique في بولندا، على الرغم من تفانيها، تعاني من اعتلال الصحة بينما تسمح الأخرى في فرنسا للرومانسية بتشتيتها عن فنها. وجد الكثيرون الفيلم حالمًا ومن الصعب عدم العثور على الكثير من المخرج/الكاتب في الفيلم.
مثل Veronique البولندية، كان لدى Kieslowski حالة قلبية (للأسف، سبب وفاته بعد بضع سنوات) مما جعله محدودًا في آفاق منظوره. ربما كان يعلم أنه لن يحصل أبدًا على نوع المهنة التي كانت لدى Veronique الفرنسية في متناول يدها.
هذا، في الواقع، سؤال فني أبدي: ماذا كان يمكن للفنان أن يحقق لو كانت الأمور مختلفة وخالية من القيود (أو هل تساعد تلك الأشياء في صنع الفنان؟). يظهر هذا الفيلم كم كان لدى صانعه ليقدمه لعالم السينما. أم كان لديه؟
4. Zentropa (Europa)(1991)
بشكل عام، انتهى عصر الغضب السينمائي. كان هناك وقت كانت فيه الأفلام المثيرة للجدل في كل مكان وكان الكثيرون يعبرون عن استياء شديد من وجود أفلام تدفع الحدود.
إما أن أولئك الذين يعبرون عن مثل هذا الغضب قد رحلوا عن عالم الفناء، أو أن المجتمع اعتاد على المواد الموجهة للبالغين، أو أن الأفلام الجريئة توقفت عن الإنشاء إلى حد كبير بسبب اعتبارات تجارية (R و NC-17 تعني أنه لن يدفع الأطفال لمشاهدتها) أو مزيج من كل ما سبق.
ومع ذلك، طالما أن رجلاً واحدًا يعيش ويصنع الأفلام، فسيظل هناك جمرة من ذلك الوقت الساخن. اسمه Lars Von Trier وهو أحد أصوات الدنمارك السينمائية العظيمة وواحد من أكثرها ترويعًا. كان فيلمه الدولي الأول هو هذا الفيلم، بعنوان Europa في أسواق أخرى غير الولايات المتحدة (بفضل الفيلم التالي في القائمة).
في هذا الفيلم السريالي، يحصل شاب (Jon-Marc Barr) على وظيفة مرغوبة للغاية كموصل في عربة ترام في ألمانيا ما بعد الحرب. ومع ذلك، سرعان ما يتضح أن الترام، والشاب، والطريق الذي تسلكه المركبة تعني أكثر بكثير من مجرد انتقال الناس من مكان إلى آخر.
يقوم المخرج والكاتب بإنشاء حكاية رمزية عن أوروبا التي تخرج من رماد صدمة كبيرة ولكنها لا تزال تحتفظ بمثل مهزومة مفترضة. تظهر Barbara Sukowa، المعتادة في أفلام Fassbinder، كابنة المغناطيس الذي يمتلك عربات الترام والتي، جنبًا إلى جنب مع والدها، قد لا تزال نازية (وهو ما ادعى المخرج أنه هو نفسه، من بين أمور أخرى).
مع قصصه الكارهة للبشر ومعاملته لممثلاته وآرائه السياسية المستقطبة (بما في ذلك كراهية لا تخجل للولايات المتحدة، التي لم يزرها قط)، قد يكون من السهل الكتابة عن Von Trier لولا حقيقة أنه مصمم أزياء رائع وفريد تمامًا وأصلي وغير متوقع دائمًا.
5. Europa, Europa (1991)
يبدو أن أكاديمية فنون وعلوم الصور المتحركة تحصل على نصيبها من الانتقادات كل عام، وفي عام 1991 كان موضع الخلاف هو حقيقة أن الفيلم الأجنبي الأكثر إشادة في ذلك العام، الفيلم البولندي Europa, Europa (1991)، قد تم تجاهله في فئة أفضل فيلم أجنبي (ومثل هذه الأحداث لم تكن نادرة في تاريخ الأكاديمية).
تم ترشيح الفيلم في فئة أفضل سيناريو أصلي، وهو تكريم للمخرجة Agneiszka Holland، التي كتبت السيناريو أيضًا. ومع ذلك، فقد فاز الفيلم بأوسكار الزمن، وهو تكريم أعظم بكثير.
يروي الفيلم واحدة من تلك القصص التي لا تصدق لدرجة أنها يجب أن تكون حقيقية. الشاب Solomon Perel (Marco Hofsneider)، الذي كان يهوديًا وألمانيًا ويعيش خلال سنوات الاستيلاء النازي على بلاده، يهرب إلى بولندا بعد غارة على منزله تقتل أفرادًا من عائلته. ينتهي به المطاف في دار أيتام ومن خلال مجموعة جامحة من الظروف ينتهي به المطاف أيضًا بتصنيفه كـ “ألماني عرقي” ويتحول إلى عضو واعد في شباب هتلر!
مرتديًا أي قناع يحتاجه للبقاء على قيد الحياة، يتماشى Perel مع خصومه ولكنه يجب أن يكون حذرًا إلى الأبد من الاضطرار إلى إظهار علامته المميزة على يهوديته، عضوه الذكري المختون (ومن المدهش حقًا عدد المرات التي تظهر فيها القضية بالنسبة له).
على الرغم من أن القصة مكثفة حقًا، إلا أن المخرجة والكاتبة ترى الفكاهة السوداء في العدد الكبير من لحظات الخلاص التي تحققها الشخصية. هناك لحظة معبرة في الختام عندما يلتقي الشخصية الرئيسية بشقيقه الصادق، الذي نجا من معسكرات الموت (ويظهر Solomon Perel الحقيقي لفترة وجيزة).
لم تحقق المخرجة نجاحًا كبيرًا منذ ذلك الحين لكنها خلقت مهنة ناجحة بشكل ملحوظ، وأصبحت الممثلة المساعدة Julie Delphy، التي تظهر كشابة جميلة تحب النازيين والبطل بقدر ما تكره اليهود، نجمة في السنوات التي تلت ذلك. لا يزال Europa, Europa (1991) يمثل وثيقة جيدة لتاريخ أوروبا في منتصف القرن العشرين.
6. Naked (1993)
واحدة من عجائب السينما البريطانية الحديثة هي المخرج والكاتب Mike Leigh، وهو رجل يمكن اعتباره تجسيدًا لروح الفيلم المستقل. على الرغم من أنه كان يعمل في صناعة السينما البريطانية لفترة طويلة بحلول التسعينيات، إلا أن ذلك كان العقد الذي بدا فيه أنه حقق ذاته حقًا.
العديد من أفلامه في تلك الحقبة ستكسب مكانًا في قائمة مثل هذه، وعمق إبداعه مذهل حيث تأرجح من دراما “حوض المطبخ” التي تصور حياة المحبطين في إنجلترا في عهد تاتشر إلى قطع فترة أكثر رقيًا دون أن يفقد أبدًا صفات الواقعية التي كانت دائمًا علامته التجارية الأكبر.
الفيلم المختار هو واحد من أكثر أفلامه صدقًا… وأكثرها إزعاجًا. Johnny (David Thewlis، في أداء وضعه على الخريطة الفنية) هو، حسنًا، متشرد. ليس لديه وظيفة، ولا يعيش في مكان ثابت، ويرتكب العنف، سواء جسديًا أو عقليًا و/أو لفظيًا على أي شخص لديه سوء الحظ في القدوم في طريقه، وينجح في استخدام وإساءة/التخلص من عدد مدهش من النساء… والفيلم يغطي يومًا واحدًا فقط!
الشيء في كل هذا هو أن Johnny يبدو أيضًا ذكيًا جدًا وكان من الممكن أن يفعل شيئًا بحياته لو تم تقديم نوع من المساعدة الهادفة له. كما هو الحال، هو عبء ميت، إن لم يكن ضررًا، على المجتمع.
اليوم الذي يفحصه الفيلم يبدأ بالاغتصاب ويمر بتجربة سيارة مسروقة من أجل العثور على صديقة قديمة غير مهتمة مع الكثير من التوقفات السيئة على طول الطريق (بما في ذلك فترة مع حارس ليلي حيث يطلق Johnny بعض الحقائق العلمية التي كانت تجعل الكثيرين في ذلك الوقت يعتقدون أن نهاية العالم بين المجرات قادمة مع الألفية الجديدة).
كان من الممكن أن يكون هذا الفيلم لا يطاق لولا صدق المخرج، ولمسات الفكاهة السوداء وطريقته مع الممثلين التي تجعله بدلاً من ذلك كبسولة زمنية جيدة لوقت ليس جيدًا في تاريخ إنجلترا.
7. Blue/White/Red (1993-1995)
ألوان عنوان الأفلام الثلاثة في هذه الثلاثية المذهلة هي الألوان المستخدمة في علم الولايات المتحدة… وإلى نقطة هذه الأفلام، فرنسا، حيث ترمز إلى الحرية والمساواة والأخوة. تمامًا كما فعل مع سلسلة أفلامه التلفزيونية التي لا تنسى The Decalog، يستخدم Krystof Kieslowyski الموضوعات الأساسية لهذه الألوان كتأمل لما تعنيه تلك المفاهيم في العالم الحديث. ومع ذلك، بدلاً من تقديم تعليمي للخرافات الأخلاقية، فإن القصص التي تحتوي عليها الأفلام إنسانية وثاقبة للغاية.
في الفيلم الأول، Blue، تُترك امرأة (Juliette Binoche، في أداء بارع) بلا أطفال وأرملة بسبب حادث سيارة لكنها تتعلم أن مواجهة بعض الحقائق المدمرة ستحررها لتعيش مرة أخرى.
في الثاني، يُترك رجل أخلاقي (Zbigniew Zamachowski) بلا شيء بعد هجر زوجته عديمة القلب (Julie Delphy) حتى يسمح له مخطط قاسٍ خاص به باستخلاص انتقام أجوف.
في الثالث، تجد عارضة أزياء شابة (Irene Jacob) حياتها تتقاطع مع قاضٍ متقاعد (Jean-Louis Triganant) بفضل كلب مصاب ويؤدي لقاؤهما إلى مواقف عاطفية معقدة بشكل مذهل لكليهما.
كما هو الحال مع The Decalog، تتقاطع القصص والشخصيات لفترة وجيزة قبل أن تربط حلقة بالقرب من نهاية Red كل شيء معًا بشكل مذهل. بالنظر إلى هذه الأفلام التي تم إنشاؤها ببراعة، يتضح تمامًا مكانة المخرج والكاتب كربما سيد الأخلاق السينمائي في عصره. لم يكن واعظًا أخلاقيًا ولكنه كان يستطيع مراقبة نقاط ضعف الآخرين دون كراهية أو ازدراء وأدرك أن الناس أحيانًا يمكن أن يكونوا أقسى قضاتهم.
على الرغم من أنه كان لديه خطط لثلاثية مماثلة (مكتوبة إلى حد كبير في وقت وفاته المفاجئة)، فإن هذه الأفلام، آثاره، ستمثل نهايته. تم الإشادة بـ Blue، واعتبر White رابطًا ضعيفًا نسبيًا، وRed تحفة فنية، على الرغم من أن الأكاديمية قالت لا لإيماءة أفضل فيلم أجنبي بسبب صراع يتعلق ببلد منشأ الفيلم ولكن تم الاعتراف بالفيلم في فئات أخرى بما في ذلك ترشيحات المخرج والكتابة لـ Kieslowski. تحول هذا إلى تكريم مناسب لصانع أفلام بدأ للتو في الصعود إلى العظمة.
8. Before the Rain (1994)
مع اقتراب القرن العشرين من نهايته، كانت أوروبا تعاني من الاضطرابات. تمنى الكثيرون منذ فترة طويلة سقوط “الستار الحديدي” للشيوعية ولكن عندما سقط، عادت العديد من الاختلافات الإقليمية والعرقية التي أبقتها تحت السيطرة لعقود إلى الواجهة. من بين التطورات المفاجئة كانت إحياء دولة مقدونيا القديمة، على الرغم من أن هذا التكرار كان ممزقًا بالصراع الداخلي بين الفصائل العرقية.
مفهومًا، لم يكن صنع الأفلام اعتبارًا رئيسيًا ولكن فيلمًا واحدًا، قدم تعليقًا معبرًا على الوضع، كان الفيلم المرشح للأكاديمية Before the Rain (1994). من إنتاج مخرج الأفلام الروائية لأول مرة Milcho Manchevski (الذي كان قد هاجر بالفعل إلى مدينة نيويورك لبدء حياته المهنية)، يفصل الفيلم ثلاث قصص مترابطة تتمحور حول الصراع في مقدونيا، على الرغم من أن إحداها تدور أحداثها في لندن وتتميز بشخصيات شهدت الفظائع.
أحد العناصر المميزة هو أن الأحداث في القصص التي يتم ملاحظتها من خلال منشور عدسات القصص المختلفة تتغير بشكل كبير من حلقة إلى أخرى.
النقطة هي أن التفاصيل لا تهم، في النهاية، لأن المأساة الساحقة للوضع تحتوي على تنويعات لا حصر لها من البؤس والشفقة. لم يجعل الإنتاج المؤثر للقلب أحدًا نجومًا (حتى المخرج صنع ثلاثة أفلام فقط منذ ذلك الحين، بتأثير أقل) لكن هذا الفيلم يقف كوثيقة رئيسية للحظة مضطربة ومهمة للغاية في التاريخ الأوروبي.
9. Leon the Professional (1994)
هناك حجة لصالح المخرج الفرنسي Luc Bresson لكونه Claude Chabrol في حقبته السينمائية. كلاهما غزير الإنتاج، خاصة بمعايير السينما الحديثة، ويتفوقان في قطع النوع السينمائي بينما يغامران أيضًا في مشاريع سينمائية “جادة” تقليديًا. ومن المفارقات أن أحد أكثر أفلامه إشادة وحصولًا على جوائز كان فيلم إثارة جريمة/دراسة شخصية خبير لا يزال له مكان في مجمع النوع السينمائي اليوم.
المحترف في العنوان، Leon (Jean Reno) خبير في القتل، وهي مهنته، يعمل لصالح زعيم محلي (Danny Aiello) في Little Italy في نيويورك. إنه فعال وغير عاطفي (على عكس كونه قاسيًا) لكنه يواجه نده عندما يواجه فتاة تبلغ من العمر اثني عشر عامًا نجت من مذبحة عائلتها على يد عميل DEA مارق (Gary Oldman) بعد أن قرر والدها الاحتفاظ لنفسه بجزء من مخبأ الكوكايين الذي كان من المفترض أن يحميه.
الفتاة، التي كانت تحضر مدرسة حصرية للشابات الذكيات والمضطربات، تأتي تحت حماية Leon ولكنها تتعلم أيضًا مهنته حيث ينتقمون لعائلتها على أيدي أعداء Leon أنفسهم. الحرفة في هذا الفيلم لا تشوبها شائبة ولكن طاقم العمل يجعله مميزًا حقًا.
الممثلة التي تلعب دور الفتاة الصغيرة، ومع ذلك، هي المكون السحري حيث يتم تصويرها من قبل Natalie Portman في أول ظهور لها، لتبدأ مسيرتها المهنية الحائزة على الأوسكار كواحدة من أفضل الممثلات السينمائيات في جيلها. أي شخص يدعي أنه يستطيع رؤية ذلك في أدائها في هذا الفيلم لن يكون إلا يذكر الواضح لأنها كانت تظهر بالفعل الصفات والموهبة التي ستجعلها محترفة من الطراز الأول في حد ذاتها.
10. Il Postino (1994)
في الصباح الذي تم فيه الإعلان عن ترشيحات جوائز الأوسكار لعام 1994، تلقى مراقبو الأوسكار صدمة كبيرة. كان الجميع تقريبًا يتوقعون أن يكون آخر مرشح أبجدي في قائمة أفضل ممثل هو John Travolta (Get Shorty) ولكن بدلاً من ذلك كان الاسم والصورة التي ظهرت على شاشة المرشحين هو Massimo Troisi، ممثل وكاتب إيطالي، عن الفيلم الفني Il Postino. مفاجأة أخرى كانت أن الترشيح كان بعد الوفاة، وهي ندرة في الأكاديمية.
القصة وراء الفيلم ووفاته كانت أكثر دراماتيكية حيث اعتبر Troisi، الذي شارك في كتابة الفيلم، أنه استراحته الدولية الكبيرة وأجل جراحة القلب التي كان في أمس الحاجة إليها من أجل صنع الفيلم… وعاش ليوم واحد بعد اكتماله. الفيلم نفسه، مأخوذ من رواية معروفة جيدًا في إيطاليا، يروي قصة Mario (Troisi)، شاب يتظاهر بأنه يصبح شيوعيًا من أجل الحصول على وظيفة كساعي بريد في قريته الصغيرة (حيث تعتبر الشيوعية مختلفة تمامًا عما هي عليه في الولايات المتحدة).
يتم تعيينه لتسليم البريد إلى الشاعر التشيلي المنفي Pablo Neruda (النجم الفرنسي المخضرم Phillippe Noiret)، الذي، على الرغم من كونه منعزلاً، يصادق الشاب غير المتعلم ولكنه دافئ القلب وينصحه في شؤون القلب والإثراء الشخصي والسياسي. (كان Neruda شخصًا حقيقيًا ولكن هذه ليست قصة حقيقية.)
الفيلم مؤثر ومضحك ومحزن في النهاية (بالنسبة للنجم، قلدت الحياة الفن بطريقة مؤرقة). كان المخرج هو المخرج البريطاني من أصل هندي Michael Radford، الذي لم يحظ بمسيرة دولية رائعة لكنه ونجمه الكاتب المأساوي حظيا بلحظة واحدة مذهلة في الشمس السينمائية.
11. Wild Reeds (1994)
Though his international career may not be quite as illustrious as some of his New Wave compatriots, Andre Techine has had a quite respectable output in his native France and has also had international art house success, notably Ma Saison Preferee (1993); La Ceremonie (1995); La Haine (1995); Breaking the Waves (1996); Kolya (1996); Open Your Eyes (1997); Beau Travail (1999); Delicatessen (1991); The Long Day Closes (1992); Irma Vep (1996); Underground (1995); All About My Mother (1999); Burnt by the Sun (1996); Eternity and a Day (1998); Insomnia (1997); Satantango (1994); Trainspotting (1996); Run Lola Run (1998); Funny Games (1997) وأكثر أفلامه حصولًا على جوائز، Wild Reeds. تدور أحداث الفيلم خلال الصراع الجزائري الفرنسي في أوائل الستينيات، وهو أيضًا قصة بلوغ عاطفية عميقة (جنسيًا وغير ذلك).
Francois (Gael Morel) هو صبي من ظروف متواضعة لكنه يحب الأشياء الجميلة مثل الأدب والسينما ويريد التقدم للأعلى، لا سيما الحصول على شهادة الثانوية العامة (أسهل قولًا من الفعل في ذلك الوقت والمكان). Maite (Elodie Bouchez)، ابنة معلم اللغة الفرنسية الخاص به هي كاتمة أسراره وشريكته الفكرية في السجال وتود أن تكون أكثر من ذلك لكن شيئًا ما يعيق العلاقة.
ذلك الشيء يتبلور في شكل Serge (Stephane Rideau) الوسيم والحسي، الذي يصبح موضوع حب لـ Francois، على الرغم من أن الشعور ليس متبادلاً، حيث يجد Serge أن لديه انجذابًا لـ Maite. يضيف إلى هذا الجمود الرومانسي المتشابك وصول Henri (Frederic Gorny)، لاجئ من الصراع الجزائري الذي تركت تجاربه القاسية لديه ضميرًا سياسيًا متزايدًا وصبرًا قليلًا مع المزيج المهذب الذي وقع فيه.
هذا فيلم مرضٍ للغاية يروي قصة إنسانية عالمية بينما يقدم صورة مفصلة بدقة لحقبة مشحونة للغاية في فرنسا، والتي توفر سياقًا معبرًا للقصة. على الرغم من أن الأكاديمية رفضت الفيلم مرة أخرى، إلا أن الفيلم حصل على جوائز غنية في القارة الأوروبية.
12. La Ceremonie (1995)
بينما قد لا يكون Claude Chabrol، أحد أعمدة الموجة الجديدة الفرنسية، لا يزال مواكبًا للعصر بحلول التسعينيات، إلا أنه كان لا يزال موجودًا في عالم السينما وقادرًا على تقديم بعض الأعمال الجيدة ولم يكن أي منها أفضل من فيلم الإثارة المظلم هذا.
توظف عائلة Lelievres (بقيادة الأم Catherine، التي تلعب دورها النجمة الفرنسية البريطانية Jacqueline Bisset) Sophie (Sandrine Bonnaire) المزاجية كخادمتهم الجديدة. المرأة المتجهمة والمنغلقة تخفي سرًا حزينًا ومحرجًا لا تنوي مشاركته.
ومع ذلك، فإن حالتها المستمرة (بالإضافة إلى عنصر مقلق من ماضيها البعيد) تجعلها عرضة لمكائد Jeanne (Isabelle Huppert)، ساعية البريد المحلية السامة التي يبدو أن لديها ضغينة خاصة بها (وربما، فقط داخل رأسها) ضد العائلة. يشكل الاثنان معًا شراكة غير صحية لا يمكن أن تعني أي خير للعائلة أو لبعضهما البعض. ينتهي الأمر بجميع الأطراف في مسار تصادمي لن يخرج منه أي منهم دون أذى تمامًا.
كان Chabrol دائمًا صانعًا بارعًا لأفلام التشويق التي تحتوي على بعد إضافي من الشخصية والموضوع، وهذا الفيلم، الذي تم تسليط الضوء عليه بواحد من أفضل طاقم عمله (خاصة السيدتين الرائدتين، من بين أفضل الممثلات في جيلهن من السينما الفرنسية)، كان من بين أفضل أعماله… وآخر نجاح له تقريبًا. على الرغم من أنه سيستمر في صنع الأفلام حتى وفاته في عام 2010، إلا أن هذا سيكون آخر انتصار عظيم له ووداع خريفي رائع.
13. La Haine (1995)
غالبًا ما يفكر السذج والرومانسيون في الدول الأجنبية بمصطلحات مبتذلة ورومانسية. قد يعتقد هؤلاء الأشخاص أن فرنسا مكان يتناول فيه الأشخاص ذوو الملابس الجميلة الطعام في مطاعم أنيقة تواجه برج إيفل أو يشربون الشمبانيا أثناء الطفو في منطاد هواء ساخن فوق بلد النبيذ في بروفانس، لكن فرنسا، مثل أي بلد، وخاصة الدول الحديثة، لديها نصيبها العادل من المشاكل والأماكن غير الجميلة.
تنبع العديد من هذه المشاكل من حقبة ما بعد الحرب العالمية الثانية عندما استوردت البلاد، مع تدمير سكانها الذكور بشكل كبير بسبب الحرب، عمالًا ذكورًا من مستعمراتها في العالم الثالث في إفريقيا وآسيا، ولم تسمح لعائلاتهم بالانضمام إليهم إلا بعد وقت طويل. بقيت تلك العائلات في البلاد وكان لديها أحفاد ولكن يبدو دائمًا أنه يُنظر إليهم على أنهم “آخرون”.
يوفر هذا الوضع المتشابك الخلفية لواحد من أقوى الأفلام الفرنسية في التسعينيات، La Haine (الكراهية). من إنتاج الكاتب والمخرج Mathieu Kassovitz (الذي يمثل ويحرر وينتج أيضًا)، تدور أحداث الفيلم في مشروع إسكان فرنسي أصبح حيًا عرقيًا بحكم الأمر الواقع.
يغطي الجدول الزمني تسع عشرة ساعة من الوقت المتوتر بعد أن تمزقت المنطقة بسبب أعمال شغب عرقية. ينصب التركيز على ثلاثة شبان، أصدقاء على الرغم من أنهم من خلفيات مختلفة. Vinz (Vincent Cassel) المضطرب والمليء بالغضب، وهو يهودي، يرى نفسه كرجل عصابات حديث وعرضة للعنف. Hubert (Hubert Kounde)، من أصل أفريقي، يتاجر بالمخدرات لكنه كان يأمل في أن يصبح قانونيًا من خلال إنشاء صالة ألعاب رياضية، فقدت للأسف في حريق أثناء أعمال الشغب. الصديق الذي يسكن في المنطقة العاطفية بين صديق متطرف وآخر هو Said (Said Taghmaoui) الفرنسي الجزائري المتقبل بحزن.
تتسبب وفاة صديق متعلقة بالشرطة أثناء أعمال الشغب في قيام Vinz بتحقيق خياله في قتل شرطي. سيضع هذا جميع المعنيين في مسار تصادمي نحو المأساة. النقطة في كل هذا هي أن الكراهية تولد الكراهية وأن الأفعال السيئة تؤدي إلى أخرى وأخرى دون نهاية في الأفق.
انتشرت موجة الإشادة عبر أوروبا وإلى الولايات المتحدة، وفي وقت مبكر من حياته المهنية، رفعت الكاتب والمخرج إلى الدوريات الكبرى. للأسف، لم يبتكر أي شيء آخر يقترب من مستوى هذا الفيلم لكنه لا يزال صامدًا كوثيقة اجتماعية متفوقة.
14. Breaking the Waves (1996)
بعد النجاح النقدي لـ Zentropa، حقق Lars Von Trier نجاحًا كبيرًا بفيلمه التالي، وهو حكاية واقعية ومثيرة للدهشة بشكل غريب عن الإيمان والتضحية والفداء.
Bess (الوافدة الجديدة الرائعة Emily Watson) هي فتاة بسيطة وساذجة نشأت في مجتمع ديني صارم للغاية في قرية نائية على الساحل الاسكتلندي. تجد الشجاعة للوقوع في الحب والزواج من غريب، Jan (Stellan Skarsgard)، عامل خشن ولكنه شغوف على منصة نفط، لا يشارك تلك القيم الدينية على الإطلاق. Bess سعيدة حتى يتركها حادث Jan مشلولة رباعيًا.
الأكثر إزعاجًا، يبلغها Jan أن الشيء الوحيد الذي سيجعل حياته محتملة هو أن تبدأ Bess في الخروج وممارسة الجنس الفاحش والعودة لتخبره عن تجاربها بشكل مستمر… وهو ما تفعله، كونها زوجة صالحة! ينقلب مجتمعها عليها بضراوة مما يؤدي إلى مأساة ولكن، بشكل مذهل، يمهد الطريق أيضًا لمعجزة.
كان هذا الفيلم مثالًا على حركة سينمائية أوروبية تسمى Dogma 95، والتي كان Von Trier مهندسًا مؤسسًا لها. سعت الحركة جاهدة لإيجاد الواقعية من خلال التخلص من المكياج، والإضاءة الاصطناعية، وخدع الكاميرا والموسيقى لزيادة المشاعر… باختصار لالتقاط الحياة بطريقة غير مزينة (وحاولت الأفلام المتشددة في هذا الأسلوب أيضًا سرد القصة في الوقت الفعلي). على الرغم من أن قصة Breaking the Waves قد لا تبدو واقعية، إلا أن المعالجة بالتأكيد كذلك والتأثير النهائي لا يبدو قسريًا أو مصطنعًا ولكنه حقيقي بشكل مدمر.
أحد العوامل الكبيرة في ذلك هو Watson، التي قدمت واحدة من أعظم بدايات الظهور في تاريخ السينما (بعد أن انسحبت Helena Bonham-Carter لأسباب مختلفة). كان من الممكن بسهولة أن تظهر Bess كغبية ماسوشية (ويبدو أن Von Trier يؤطر جميع شخصياته النسائية الرائدة بطريقة مماثلة) لكن Watson تجعل المشاهد يهتم بامرأة تحب كثيرًا وتعرف القليل جدًا. تبين أنه رصيد ميمون لجميع المعنيين (وحصلت Watson على ترشيح للأوسكار).
15. Kolya (1996)
تغير عميق آخر حدث بعد سقوط الستار الحديدي كان نهاية دولة تشيكوسلوفاكيا، التي انقسمت إلى سلوفاكيا والدولة الوطنية التشيكية، والأخيرة هي القسم الأكثر تصنيعًا وعالمية. على الرغم من أن الدولة السابقة كانت قد عرفت بعض اللحظات السينمائية الرائعة خلال “ربيع براغ” في الستينيات، إلا أن ذلك الوقت بدا بعيدًا جدًا بحلول التسعينيات.
في ضوء ذلك، كان ظهور Kolya، وهو فيلم مؤثر وحائز على جائزة الأكاديمية في النهاية، مفاجأة بعض الشيء. كان مخرج الفيلم، Jan Sverak، قد صنع فيلمًا أجنبيًا مرشحًا بفيلم The Elementary School عام 1991، والذي لم يكن نجاحًا فنيًا (كما فاز بجائزة الأكاديمية للطلاب). Kolya كان فيلمًا صادقًا يتعلق بعلاقة أب وابن والقصة وراء الفيلم هي أن Sverak اختار والده، Zdenek، الذي كتب الفيلم، في الدور الرئيسي.
يلعب Sverak الأكبر دور عازف تشيلو في حفلات موسيقية مر بأوقات عصيبة بسبب خطأ سياسي. كان قد قضى حياته في أوقات سابقة وأكثر سعادة في مطاردة النساء وتجنب المسؤولية. بشكل غريب بما فيه الكفاية، يصبح عرضة لعرض للمشاركة في زواج صوري مع امرأة روسية ترغب في أن تصبح مواطنة تشيكية من أجل الهجرة إلى ألمانيا الغربية والرجل الذي تحبه حقًا.
هناك أموال في كل ذلك للزوج الصوري ولكن تبين أن المرأة تأتي مع ابن صغير، Kolya، وكما تبين أيضًا، يجب عليها ترك الطفل في رعاية الرجل عندما تغادر. بشكل متوقع، تتشكل رابطة ولكن السياسة ستنتهي بلعب دور رئيسي في القصة للأفضل والأسوأ. في النهاية، هذا هو التاريخ كما يراه الناس العاديون الذين وقعوا في أحداث خارجة عن سيطرتهم، على الرغم من أن الأحداث في هذه الحالة كانت استثنائية وإيجابية (في الوقت الحالي، على أي حال).
يقوم Sverak الأب والابن بعمل جيد في وضع وجه إنساني على هذه الحركة من الأحداث التي تحدث مرة واحدة في العمر. لسوء الحظ، لم يرق أي شيء في مهنة الأب أو الابن منذ ذلك الوقت إلى مستوى هذا الفيلم ولكن، مرة أخرى، مثل الآخرين في ذلك اليوم، كان لديهم لحظة رائعة.
16. Open Your Eyes (1997)
على الرغم من أن أوروبا الشرقية كان عليها انتظار التغيير السياسي حتى وقت لاحق، إلا أن إسبانيا تمكنت من التخلص من قيود الفاشية في السبعينيات مع وفاة الديكتاتور طويل الأمد Francisco Franco. فتح هذا إسبانيا بطرق عديدة، ليس أقلها صناعة السينما في إسبانيا، التي أصبحت حيوية بالفعل.
أحد أكثر المواهب الواعدة التي ظهرت في حقبة ما بعد Franco كان Alejandro Amenebar. على الرغم من أنه لن يحقق ذاته بالكامل حتى القرن الحادي والعشرين، إلا أن اختراقه جاء بفيلم حالم كان له تاريخ حالم خاص به.
Open Your Eyes هي حكاية يرويها رجل مسجون (Eduardo Noriega) بقناع اصطناعي. القصة التي يرويها تتضمن الأيام التي كان فيها وسيمًا ومرغوبًا ووقع في حب امرأة (Penelope Cruz) بينما كانت تحبه بشكل مهووس امرأة أخرى مضطربة للغاية (Najwa Nimri).
مسار الحكاية يتضمن التشويه، والانتحار، والقتل، والهويات التي تتحول سحريًا، والتجميد. على الرغم من أنه قد يطلق عليه خيال علمي، إلا أن هذا الفيلم كان أيضًا في التقليد السريالي لـ David Lynch (ويحمل تشابهًا ملحوظًا مع فيلم Lynch المفقود Lost Highway).
لا ينبغي أن تكون مفاجأة كبيرة أن هوليوود قررت إعادة إنتاجه. المفاجأة، مع ذلك، هي أنه تم تجنيد Cruz لتكرار دورها (الذي وضعها على مسار مهني دولي ناجح) وطُلب من Amenebar المساعدة في تكييف نسخته الأصلية لإعادة إنتاج المخرج والكاتب Cameron Crowe، Vanilla Sky عام 2001، بطولة Tom Cruise وCameron Diaz. لم يكن الفيلم مخزيًا أو لا يستحق، لكنه لم يكن ناجحًا أيضًا، وأشار إلى “صواب” الفيلم الأصلي.
17. Beau Travail (1999)
واحدة من أرقى وأصلي الأصوات السينمائية في السينما الفرنسية الحديثة هي Claire Denis. كأستاذة جامعية وصانعة أفلام، من بين مواهب عديدة، أحدثت Denis ضجة منذ وقت ظهورها الأول عام 1988، الفيلم شبه السيرة الذاتية Chocolat.
بالنسبة للكثيرين، ومع ذلك، كانت ساعتها الأفضل هي Beau Travail، تحديث حديث فضفاض لرواية المؤلف الأمريكي الشهير Herman Melville، Billy Budd. تتعلق الحبكة بضابط الفيلق الأجنبي الفرنسي السابق Sentain (Denis Lavant)، الذي هو على وشك الانتحار وينظر إلى الوراء في وقته في صحراء شمال إفريقيا.
كان الروتين اليومي صعبًا وقاسيًا وكان قد حافظ على انضباط صارم ولكن مجندًا جديدًا يدعى Gilles (Gregorie Colin)، مخلوق متفوق في المظهر والذكاء والقدرة، دفع المجموعة والقائد إلى وضع مضطرب (والمشاعر المكبوتة يتم تقديمها بالتأكيد كاحتمال). يحاول Sentain المضطرب تدمير Gilles فقط ليجعل القدر يقلب الحبكة عليه.
إذا لم يكن المرء يعرف أن امرأة أخرجت هذا الفيلم الهزيل والعضلي والدقيق والمبتكر (المشهد الأخير مذهل)، فلن يكون واضحًا لأن هذا ليس ما يعتبر تقليديًا “فيلم نسائي”. في الواقع، كانت Denis دائمًا محترفة يجب أن تكون أعمالها فوق مثل هذه الاعتبارات وهذا العمل جوهرة.
18. Delicatessen (1991)
عنصر سعيد متأصل في العالم السينمائي هو حقيقة أنه يبدو دائمًا أن هناك بعض الفنانين الغريبي الأطوار والأصليين الذين ينجحون في سماع أصواتهم ورؤية رؤيتهم في أفلام لا تنسى لا يمكن أن تنتمي إلا لذلك الفنان. في حالة هذا الإدخال، لا يمكن الخلط بين عمل المخرج المشارك (مع Marc Caro) Jean-Pierre Jeunet وأي أعمال أخرى.
فيلم Jeunet يشبه رسم Rube Goldberg من حيث أنه يحتوي على العديد من الأجزاء المعقدة التي تعمل معًا بطرق ستجعل الجهاز يعمل لذاته بشكل مثالي. غالبًا ما تكون الحبكات مثل حكايات خرافية مظلمة للبالغين، ولكن يتم سردها بأسلوب ساخر بخفة ومبهج بشكل مدهش ربما لا يمكن إلا لحساسية فرنسية/غاليكية إتقانه.
تحتوي الحبكة بصراحة على إيماءة لملحمة المخرج الأمريكي Terry Gilliam لعام 1985 البائسة Brazil (وكان ذلك المخرج هو الأب الروحي للفيلم في أمريكا الشمالية، مما ساعده في الحصول على إصدار في ذلك الجزء من العالم). لقد جاءت نهاية العالم وذهبت والعالم في حالة غريبة بجدية. في الواقع، السلعة العظيمة في ذلك اليوم هي الطعام ولا أحد يهتم كثيرًا بالمصدر.
الإعداد الرئيسي هو مبنى سكني في باريس حيث يبدو أن المستأجرين يستمرون في “المغادرة”. قد يكون لهذا علاقة بوجود الجزار المحلي Caplet (JeanClaude Dreyfuss). في هذا الوضع يأتي مهرج السيرك Louison (Dominique Pinon)، الذي يقع في حب ابنة Caplet، Julie (Marie-Laure Dougnac)، ومن خلالها، يتم تجنيده لمساعدة والدها.
غني عن القول، عملهم يتضمن تحويل المستأجرين الآخرين إلى طعام. يخطط Caplet لإبقاء Louison يعمل لفترة قصيرة فقط حتى يحين دوره للذهاب ولكن الشاب وJulie لديهما أفكار أخرى ويشركان طائفة من حرب العصابات النباتية تحت الأرض.
الفيلم مظلم وجامح، حاد ومضحك وعلاج لمحبي الخيال العلمي من نوع أقل جدية ومحبي الكوميديا من نوع أكثر جدية. لقد مهد الطريق لانتصارات المخرج الأكثر شهرة.
19. The Long Day Closes (1992)
إنه شيء محزن عندما يجب أن ينتهي شيء جيد حقًا (ويبدو أن معظم الأشياء الجيدة حقًا يجب أن تنتهي عاجلاً وليس آجلاً). لعدة سنوات في نهاية القرن العشرين، دعمت الحكومة البريطانية، من خلال مجلس حكومة BFI، الفنانين السينمائيين الناشئين بمنح.
ربما لم يكن العديد من هؤلاء الفنانين ليحصلوا على فرصة لوضع أي شيء على السليلويد لولا هذا البرنامج (وخسارته في بداية القرن الجديد دمرت صناعة السينما البريطانية وأوقفت عددًا من الأفلام في مساراتها).
خريج النجمة الذهبية لهذا البرنامج كان Terrance Davies المولود في ليفربول. لقد نشأ في منزل من الطبقة العاملة في الخمسينيات وعرف منذ سن مبكرة أنه مقدر له أن يكون “مختلفًا”، أي مثلي الجنس. كان خارج النغمة تمامًا مع محيطه وأحب بعض الأشياء (أم دافئة ومتقبلة) وكره البعض الآخر (أب وحشي وغير متنازل).
أُجبر على نوع تقليدي من الوظائف وتمكن من الدخول في صناعة الأفلام من خلال البرنامج وجذب انتباه الصناعة لأول مرة بسلسلة من الأفلام القصيرة التي فازت بالعديد من جوائز الطلاب. كان اختراقه الروائي هو Distant Voices, Still Lives عام 1988 ومتابعته The Long Day Closes. معًا، هذه الأفلام، ببساطة، تروي قصة حياة Davies المبكرة.
هذه ليست أفلام “قصة” ولكنها، بدلاً من ذلك، أفلام صامتة ومتباعدة ترسم نسخة انطباعية من الوقت والمكان والأشخاص والمشاعر التي جربها Davies الشاب. الأسلوب التصويري محكوم ورسمي للغاية واستخدام الأغاني الشعبية على الموسيقى التصويرية، التي تحل محل الحوار بشكل متكرر، يثير المزاج والشعور بتأثير مذهل.
سيكون من المبالغة توقع أن تكون هذه الأفلام ناجحة مع أي شخص سوى النقاد أو المميزين ولم تكن كذلك، لكن القليل ممن شاهدوها سينسونها. Davies لا يتنازل أبدًا وكان إنتاجه محدودًا (على الرغم من أن فيلمًا جديدًا في طريقه في عام 2016!). ومع ذلك، مثل صانع الأفلام الأمريكي المماثل Terrence Malick، فإن فيلم Davies الجديد يستحق الانتظار والبحث.
20. Irma Vep (1996)
لطالما بدا أن الثقافة الأوروبية تولي اهتمامًا أكبر للوسيط السينمائي وتاريخه ومبدعيه مما أظهرته هوليوود على مر السنين. دفع العديد من الأفلام الأوروبية الجزية والتقدير لتاريخ الوسيط وواحد من أكثرها حيوية هو هذا الفيلم، نتاج أحد أضواء السينما الفرنسية في عصره، Olivier Assayas.
أولئك الذين يعرفون تاريخ السينما الفرنسية سيتعرفون على الاسم في العنوان كاسم الشرير الرئيسي للمسلسل 1915-1916 Les Vampires، من المبدع Louis Feuillade. (هذا العمل، في الواقع، لم يتم إنقاذه إلا بفضل معجزة التوقيت وأولئك الذين اهتموا بما يكفي لانتزاعه من شاحنة القمامة التي كانت قادمة لأخذه بعيدًا.)
في هذا الفيلم، قرر مخرج في منتصف العمر (النجم المخضرم Jean-Pierre Leaud، فيما يبدو كاستمرار لدوره في كلاسيكية السبعينيات Day For Night)، أنه سيخلق نسخة محدثة جديدة من المسلسل. (أي شخص يرى النسخة الأصلية، المهمة بلا شك في تاريخ السينما في البلاد، سيعتبر الفكرة بعيدة المنال حقًا.) يختار الممثلة من هونغ كونغ Maggie Cheung (التي تلعب دور نفسها ظاهريًا) لتصوير الشخصية النسائية الرئيسية (التي لعبت دورها في الأصل ممثلة تُعرف باسم Musidora، التي كانت بدائية بعض الشيء كـ femme fatale ولكنها فعالة في ذلك الوقت).
الممثلة محترفة للغاية وتنجح في الحفاظ على كرامتها على الرغم من قضاء الكثير من التصوير في بدلة قطة من اللاتكس كاملة مع قناع ذي طابع منحرف (ليس في النسخة الأصلية). كما أنها تأخذ على عاتقها الدفاع عن المخرج المضطرب إلى حد ما أمام طاقم عمل وصحافة متشككين.
على الرغم من أن الفيلم يشير إلى الماضي، إلا أنه يتعلق أيضًا بصناعة السينما الفرنسية في ذلك اليوم وكيف يتم صنع فيلم (وعلى الرغم من أن Assayas أحب Day For Night، إلا أنه وجده غير واقعي وصمم هذا الفيلم للواقعية).
الحركة جامحة وكوميدية ولكنها أيضًا تحترم العمل. تلخيصًا لهذا هو حقيقة أن Assayas وCheung وقعا في الحب وتزوجا في الحياة الواقعية… لمدة عامين، لكنهما استمرا في شراكتهما المهنية الأكثر نجاحًا. لا يزال المخرج في ذروته كصانع أفلام، حيث فاز بالعديد من الجوائز ويواصل إنتاج أفلام بارزة.
21. Underground (1995)
يبدو أن الفرح يستمر لفترة قصيرة جدًا في هذا العالم ولم يكن ينبغي أن يكون مفاجأة كبيرة أن الفرح الذي استقبل السقوط المفاجئ للستار الحديدي تحول بسرعة إلى ارتباك وفوضى في أماكن معينة. لم تكن تلك الحقيقة أكثر وضوحًا في أي مكان مما كانت عليه في البلد الذي كان يُعرف سابقًا باسم يوغوسلافيا.
بقيادة الديكتاتور القوي General Tito، سمحت نهاية الشيوعية للعديد من الانقسامات العرقية المكبوتة منذ فترة طويلة بالظهور إلى الواجهة وكانت النتائج مؤلمة حقًا. في ضوء ذلك، يبدو من المناسب أن تكون ربما أفضل وثيقة سينمائية تتعلق بالمكان وقضاياه مثيرة للجدل حتى يومنا هذا.
أحد أفضل صانعي الأفلام في المنطقة، Emir Kusturica (المعروف بأفضل أعماله When Father Was Away on Business عام 1985 وTime of the Gypsies عام 1988) أنشأ مسلسلًا قصيرًا للتلفزيون الصربي يفصل تاريخ الأرض من بداية الحرب العالمية الثانية خلال الثمانينيات كما يراه صديقان مشاكسان، أحدهما يصبح مقاتل مقاومة (ولا يدرك حتى متى تنتهي الحرب) من خلال الذهاب إلى نظام القناة تحت الأرض الضخم في البلاد. إنها مأساة وكوميديا سوداء وحرفة سينمائية بارعة جدًا.
النسخة التي رآها العالم خارج صربيا تمتد لأكثر من ساعتين ونصف واعترض المخرج بمرارة على عرضها في أي شيء سوى تنسيق الفيلم الكامل متعدد الساعات الذي أنشأه في الأصل. أيضًا، أثارت المحتويات عادة انقسامًا عميقًا بين الناس في المنطقة، اعتمادًا على الانتماء السياسي. أحب النقاد الغربيون الفيلم ولكن، كما هو الحال دائمًا، قالت الأكاديمية لا. للأسف، لم يحظ Kusturica بفيلم دولي كبير منذ ذلك الحين لكن هذا الفيلم يبدو أنه سيظل كلاسيكيًا.
22. All About My Mother (1999)
بالنسبة للعديد من محبي الأفلام حول العالم، تم تبرير وتمجيد صناعة السينما الإسبانية في حقبة ما بعد Franco بوجود صانع أفلام واحد، إن لم يكن بأي شيء آخر. سيكون هذا Pedro Almodovar، مخرج وكاتب أفلامه كانت مبهجة بشكل متزايد منذ ظهوره الأول عام 1980. كانت أفلامه المبكرة تشبه إلى حد كبير أعمال أسطورة الأفلام المستقلة الأمريكية John Waters، منحرفة جنسيًا وجامحة (كلاهما مثليان علنًا) ويستمتعان بصدمة المجتمع التقليدي.
ومع ذلك، حيث بقي Waters متعمدًا خشنًا وسطحيًا بعض الشيء، اكتسب Almadovar عمقًا وفهمًا مع مرور السنين دون التضحية بروحه المناهضة (كما أنه يظهر الكثير من حيث التقنية الماهرة أكثر من نظيره).
تمامًا كما انتقل صانع أفلام كوميدي أمريكي آخر، Woody Allen، فجأة إلى عمل أكثر نضجًا بعد عدد من الأفلام الساذجة شبابيًا، بدا أن Almadovar قد بلغ سن السينما فجأة مع هذا الفيلم. Almadovar، مثل Waters، يحب ميلودراما العصر الكلاسيكي لهوليوود، وخاصة الأعمال المحمومة عمدًا لـ Douglas Sirk وهذا الفيلم، كما هو معتاد في عمله، يتم في نسخة محدثة من ذلك الأسلوب.
تدور الحبكة حول ممرضة (Cecilia Roth)، وهي أيضًا أم عزباء لابن شاب رائع. للأسف الشديد، يُقتل الابن في حادث أثناء ركضه للحاق بسيارة ممثلة يعجب بها ويرغب في الحصول على توقيع منها. تسافر المرأة المكلومة للعثور على الأب غير الموجود أبدًا، الذي كان مخنثًا.
خلال رحلتها تجد عاهرات، وسحاقيات، ومرضى الزهايمر، ومدمني مخدرات، وراهبة شابة حامل ومصابة بفيروس نقص المناعة البشرية… من والد الابن! يبدو الأمر شائنًا وعلى بعض المستويات هو كذلك ولكن خلال الفيلم تتحول الشخصيات الجامحة والكرتونية إلى أشخاص حقيقيين يعانون من معاناة حقيقية وتنحدر الأحداث إلى مأساة حقيقية… ولكن أيضًا أمل بحلول النهاية، وهي سمة من سمات Almadovar.
يسلط الضوء على هذه الصورة أول ظهور لـ Penelope Cruz في فيلم Almadovar كراهبة شابة والتي أصبحت منذ ذلك الحين مؤدية منتظمة في أفلام المخرج وقدمت بعض أفضل أدائها تحت إدارته. كان الفيلم هو الذي أرضى الأكاديمية أخيرًا وفاز بجائزة أفضل فيلم أجنبي، مما مهد الطريق لأفضل سنوات صانع الأفلام.
23. Burnt by the Sun (1996)
مع هبوب رياح التغيير السياسي على أوروبا، لم يكن الاتحاد السوفيتي السابق معفى بالتأكيد من تلك التيارات. قرر صانع الأفلام والممثل المخضرم Nikita Mikhalkov، الذي كان قوة قوية في دوائر السينما الحكومية لفترة طويلة، أن تلك اللحظة الزمنية كانت نقطة مناسبة لفحص الماضي. تحقيقًا لهذه الغاية، أنشأ Burnt by the Sun، دراما تدور أحداثها خلال عمليات التطهير المروعة التي رعاها Stalin في الثلاثينيات (في هذه الحالة يوم واحد في عام 1936).
على الرغم من أنها ليست قصة حقيقية حرفيًا، إلا أن الفيلم كان مستوحى من أحداث تاريخية، وهي قضية ضابط جيش، بطل الثورة الروسية، الذي قاده أعداء قدامى إلى الخراب والموت. للأسف، كان للأعداء سبب وجيه لأفعالهم لأن الضابط لم يكن ضحية بريئة.
يلعب المخرج دور الضابط، وهو رجل استخدم سلطته السياسية للتخلص من منافس رومانسي، فقط ليعود الرجل بعد سنوات عديدة كبيدق لمنافسي الضابط. تؤدي النتائج إلى تدمير غالبية الشخصيات الرئيسية.
ثم تكشف خاتمة الفيلم أن الأحداث أُعلنت لاحقًا أنها ظلم كامل… بعد فوات الأوان للاستفادة من الضحايا. من غير المعقول أن فيلمًا ينتقد حتى الأنظمة الروسية السابقة كان من الممكن صنعه في أي حقبة أقل تقييدًا من تلك التي أنتجت هذا الفيلم.
فاز الفيلم بجائزة الأكاديمية وPalm D’Or في Cannes وبدا أنه يمهد الطريق لـ Mikhalkov للتحليق إلى ارتفاعات أعظم. بدلاً من ذلك، استخدم النجاح لتنظيم ملحمة تاريخية كبرى للاستهلاك المحلي ساعدت في تعزيز سلطته داخل صناعة السينما السوفيتية. بشكل غريب بما فيه الكفاية، أنشأ في النهاية جزءًا تاليًا لهذا الفيلم، والذي بدا مستحيلًا لأولئك الذين شاهدوا الفيلم الأصلي والذي ظل ساعة مشرقة.
24. Eternity and a Day (1998)
بعض الناس كثيرون جدًا على الغرفة إلى الأبد. من بين تلك المجموعة بالتأكيد الراحل Theo Angelopoulous، الذي يمكن القول إنه أعظم صانع أفلام في اليونان (ونعم، هذا يشمل المخرج ذو الطابع السياسي Costa-Gavras، الذي غالبًا ما تكون نواياه أفضل من نتائجه). عقلي، بارع، وفردي، لم يكن مقدرًا لـ Angelopoulous أبدًا أن يكون نكهة الشهر.
حتى يومنا هذا، حتى الأشخاص الذين لديهم معرفة بالسينما ويسعون للحصول على أفضل ما يقدمه الوسيط لديهم معرفة قليلة أو معدومة بهذا الفنان. مثل العديد من أفضل صانعي الأفلام ذوي النوايا الجادة، فيلم Angelopoulous مهيب، مركب، غير متسرع وخالٍ من الإثارة. سيحتوي الجهد النموذجي على عدد صغير بشكل مذهل من إعدادات الكاميرا ولكن كل لقطة سيتم تكوينها بشكل معقد وتصميم الحركة بداخلها بعناية.
من بين فيلموغرافيا صغيرة ولكن ممتازة، قد تكون لحظة مسيرته العظيمة هي الفيلم الحائز على جوائز Eternity and a Day. فاز بكل من Palme D’Or وجائزة أفضل فيلم أخلاقي في Cannes والعديد من جوائز السينما اليونانية ولكن، كالعادة، بالكاد أحدث تموجًا في الغرب. (علق العديد من المراجعين بسخرية أن العنوان لا يمكن أن يكون أكثر دقة.)
تتعلق الحبكة بشاعر ناجح (الممثل الألماني العظيم Bruno Ganz)، الذي يحتضر بسبب مرض عضال. بينما يحاول إنهاء الأعمال القديمة وتلخيص العلاقات، يجد أن حياته قد انتهت إلى حد ما بالفعل ولكنه يواجه أيضًا صبيًا صغيرًا في وضع صعب أيضًا. يحاول مساعدة الصبي لكنه يرى مدى محدودية قوة الفرد في النهاية.
هذا فيلم مدروس ومؤثر ولكنه ليس سهلاً. يمكن أن تكون هذه المادة عاطفية بسهولة ولكن هذا ليس ما يحاول الفيلم تحقيقه. بالنسبة للمشاهد المستعد للحفر، فإنه يضرب عصبًا أعمق.
25. Insomnia (1997)
شيء واحد عميق كان على النقاد والجماهير الأمريكية تعلمه إلى حد كبير من الثقافة السينمائية الأوروبية هو تقدير سينما النوع.
بينما اعتقد الكثيرون في الولايات المتحدة أن مثل هذه الأفلام هي خردة بنكهة الفشار لعقود، كان لدى الأوروبيين احترام لجهود النوع التي أظهرت إحساسًا بالحرفة واستخدمت أنواعًا مختلفة كمركبات من أجل استكشاف الحالة الإنسانية في ظروف متطرفة. مثال ممتاز على ذلك هو فيلم الإثارة النرويجي Insomnia، الذي يعمل أيضًا كدراسة خبيرة لشخصية تتفكك عقليًا وعاطفيًا.
الفيلم، الذي كتبه وأخرجه Erik Skjoldbjærg، يفصل كيف أن محقق شرطة سويدي مخزي (Stellan Skarsgard، في بداية مسيرته الدولية ويظهر لماذا كان قادرًا على القيام بالخطوة الكبيرة)، يحاول التعافي من سلسلة أحداث سيئة، يسافر إلى بلدة ريفية صغيرة جدًا خارج الدائرة القطبية الشمالية، حيث وقع القتل الوحشي لفتاة صغيرة.
سرعان ما يتضح أن القاتل هو شخصية محلية كبيرة، لكنه يبدو خارج نطاق القانون. أثناء محاولة كمين، يقتل المحقق عن طريق الخطأ شريكه الذي يقترب من التقاعد، وهو ما يحاول التستر عليه. لبقية الفيلم، يكافح الرجل لتحقيق العدالة للقاتل بينما يتجنبها لنفسه.
كان من الممكن أن يكون هذا قصة جريمة بسيطة ولكن النظرة داخل عقل البطل المضطرب (الذي يشير أرقّه في أرض شمس منتصف الليل التي لا تنام إلى انحلاله الأخلاقي) تجعله مميزًا. لا يذهب الفيلم للحصول على إجابات سهلة أو نهاية مرتبة.
تباين معبر هو مقارنة بإعادة إنتاج هوليوود عام 2002 من إخراج Christopher Nolan وبطولة ثلاثة فائزين بالأوسكار، Al Pacino، Hillary Swank (في دور بطولي تم سكّه لتلك النسخة) وRobin Williams. لم يكن سيئًا أو ضئيلًا (وقد حقق أداءً جيدًا بما يكفي مع النقاد وفي شباك التذاكر) لكنه كان تقليديًا ومرتبًا، وليس حادًا ومزعجًا، مثل النسخة الأصلية. للأسف لم يفتح هذا الباب الدولي لصانع الأفلام لكنه لا يزال يمثل لحظة رائعة بالنسبة له.
26. Satantango (1994)
الانضمام إلى Theo Angelopoulous في مجمع أولئك الذين هم كثيرون جدًا على الغرفة سيكون Bela Tarr من المجر. اذكر اسمه حتى بين أولئك الذين يزعمون أنهم يحبون السينما الدولية العظيمة ومن المحتمل جدًا أن تظهر نظرة مذهولة.
أقرب ما وصل إليه من اختراق دولي كان The Turin Horse عام 2011، آخر فيلم له حتى الآن، ووفقًا له، على الإطلاق. مثل نظيره اليوناني، أفلامه عقلية، تستكشف الأجزاء المظلمة من الروح والنفس البشرية وتأخذ وقتها الحلو في القيام بذلك. كما أنه لم يرضِ أبدًا الذوق العام. (ما لم يغير رأيه، فإن فيلموغرافيا الخاصة به تشمل تسعة أفلام فقط.)
بالنسبة للكثيرين، تحفته الفنية هي Satantango، دراسته الملحمية التي استمرت سبع ساعات عن السلطة والعدمية وانتشار الفوضى الأخلاقية في الروح البشرية. تعاون Tarr بشكل متكرر مع الروائي المجري László Krasznahorkai وهذا الفيلم مقتبس من عمل مشهود للمؤلف، لكن Tarr احتفظ أساسًا بحبكة وهيكل الكتاب وسمح للارتجال بالمساعدة في جلب جودة نابضة بالحياة للإجراءات.
الحبكة، التي يتم سردها بطريقة غير خطية تحاكي دورة التانغو، تفصل الانهيارات المجتمعية والشخصية لقرية ريفية صغيرة حاولت إنشاء تعاونية زراعية فشلت. لقد ترك هذا المنطقة في حالة خراب بكل طريقة ممكنة. حتى أولئك، مثل الطبيب المحلي، الذين كان لديهم بالتأكيد حياة جيدة وجديرة بالاهتمام، استسلموا الآن لليأس غير الأخلاقي.
الفيلم، مثل عمل Angelopoulous (والمخرج الروسي العظيم Andre Tarkovsky الذي كان قد مات بحلول ذلك الوقت)، يتم سردها في عدد قليل بشكل مدهش من اللقطات مع التكوين وتصميم الرقصات مما يجعل كل واحدة تعمل على مستوى طويل المدى بشكل مذهل. فقط سيد كان بإمكانه إنشاء عمل على هذا المستوى.
Satantango من الصعب بشكل سخيف رؤيته في أجزاء كثيرة من العالم (والطول لا يساعد في هذا الصدد) ولكن أي شخص يسعى إليه سيكافأ بشكل كبير. علاوة على ذلك، لديه سمعة نقدية متنامية حيث يضعه الكثيرون بين أفضل الأفلام التي تم صنعها على الإطلاق. يدرس Tarr الآن السينما بدوام كامل في أرضه الأصلية. نأمل في تغيير في القلب مهنيًا.
27. Trainspotting (1996)
أحد ألمع نجوم صناعة السينما البريطانية خلف الكواليس هو المخرج Danny Boyle. فائز بالأوسكار لا يزال في ذروته، Boyle، الذي بدأ بالعمل في التلفزيون، خرج من بوابة السينما مستعدًا لإظهار ما يمكنه فعله. فيلمه الأول، فيلم الإثارة Shallow Grave عام 1994 كان متعة من نوعه لكنه حقق نجاحًا كبيرًا مع الرقم اثنين، Trainspotting.
مأخوذ من الرواية المشهود لها كثيرًا للمؤلف الاسكتلندي Irvine Welch، يفصل الفيلم الحياة الكئيبة إلى حد ما لمجموعة من مدمني المخدرات الشباب في إدنبرة. يشير العنوان إلى إحدى الطرق المختلفة التي تقضي بها المجموعة ساعاتهم في الضباب المخدر الذي يشكل حياتهم بين الجرعات (والهيروين هو المخدر المفضل).
في سياق الفيلم يحاولون التنظيف (أو، في بعض الحالات، يرفضون التنظيف)، يعودون إلى الاستخدام، ينخرطون في بعض الأنشطة المروعة والمخيفة، يقاتلون، يسرقون، يواجهون الإيدز (ويقع البعض ضحية) ويدورون ويدورون مثل دوامة.
إنه مأساوي للغاية لكن Boyle غالبًا ما يلعب من أجل ضحكات مظلمة جدًا (كم عدد صانعي الأفلام الذين سيجعلون طفلًا مات بسبب إهمال والدته المدمنة على المخدرات موضوعًا حتى للفكاهة السريالية؟). لا يضر أنه اختار طاقم عمل شابًا مفعمًا بالحيوية بقيادة نجمه في Shallow Grave الممثل Ewan McGregor (في بداية مسيرة نجم)، Ewen Bremmer، وJohnny Lee Miller وRobert Carlyle، Peter Mullan وKevin McKidd.
كان من الممكن أن يكون هذا محبطًا للغاية (وهو كذلك، إذا توقف المرء للتفكير في الأمر) لكنه غالبًا ما يبدو كمغامرة مظلمة وأخذها جمهور شاب في الغالب إلى قلوبهم (واتفق النقاد). يُقال إن فيلم Boyle التالي هو جزء تالٍ. بالنظر إلى عشرين عامًا أخرى مفترضة من تعاطي المخدرات، قد يكون ذلك الفيلم بيعًا صعبًا لكن Boyle هو بالتأكيد الرجل المناسب لتحقيق ذلك.
28. Run Lola Run (1998)
كان إعادة التوحيد رائعًا في الغالب لألمانيا لكن صناعة السينما الألمانية التي كانت عميقة ومبدعة بشكل دراماتيكي قد… حسنًا، هدأت قليلاً في السنوات الأخيرة. أحد العناصر اللافتة للنظر كان فيلم الإثارة المدمج هذا القائم على فكرة الحقائق البديلة المحتملة (أفلام مثل Blind Chance لـ Kieslowski عام 1981 والفيلم البريطاني Sliding Doors عام 1998 استخدمت أفكارًا مماثلة).
في غضون 80 دقيقة من وقت التشغيل، يتبع الفيلم Lola (Franka Potente) شابة من الثقافة المضادة في حالة حب مع Manni (Moritz Bleibtreu)، مجرم صغير تمكن من خسارة 10,000 مارك تنتمي إلى رئيسه الإجرامي الشرير للغاية والذي لديه 20 دقيقة قبل وصول الرئيس وقتله لعدم امتلاكه المال. لا يمكنه التحرك خارج المساحة التي يتواجد فيها ويتمكن من الاتصال بـ Lola ليخبرها بالحصول على المال.
يستكشف بقية الفيلم ثلاثة سيناريوهات مدتها عشرون دقيقة تفصل محاولات Lola اليائسة للعثور على المال. مساراتها مختلفة في كل نسخة ومع ذلك تؤدي جميعها إلى مأساة من نوع ما. النقطة هي أن Lola وManni لا يعيشان حياة جيدة وقد دخلا في دوامة من الشر والحياة التي لا قيمة لها. لا يمكن أن تكون هناك نهاية سعيدة حقيقية لمثل هذا الكارما السيئة.
كان الفيلم أول جهد دولي لـ Tom Tykwer ولم يحظ بمسيرة دولية رائعة حتى الآن (كان جهده الرئيسي بعد Lola هو تصوير سيناريو Kieslowski لـ Heaven عام 2002).
ومع ذلك، فإن الفيلم، الذي كان شائعًا جدًا لدى مجموعة رواد السينما الشباب في الولايات المتحدة، ساعد في لفت الانتباه الدولي إلى الممثلة الرائدة (سيتعرف الكثيرون عليها كبطلة في سلسلة أفلام “Bourne” لهوليوود). لم يسبق لأحد أن قدم حجة لكون Lola فيلمًا رائعًا للمجموعة المثقفة ولكنه أنيق ومثير وقد تم تذكره جيدًا منذ ذلك الوقت.
29. Funny Games (1997)
يتطلب الأمر الكثير لإثارة استجابة جسدية لدى جمهور السينما الحديث. قد يفخر المخرج النمساوي Michael Haneke بأنه نجح في ذلك مع أول نجاح دولي له، Funny Games. الفيلم بيضاوي عمدًا والمخرج يكسر الجدار الرابع بشكل متكرر كجهاز إبعاد.
الحبكة لديها عائلة متوسطة تصل إلى منزلها الصيفي. شابان، غريبان عنهما، يقيمان على ما يبدو مع جارهما المجاور ولكن يبدو أن شيئًا ما غريب جدًا في ذلك. يتبين أن الزوج مضطرب للغاية ويبدو أنه يمارس رياضة غزو منازل الناس، وتعذيب السكان ثم قتلهم.
بعد فرض أنفسهم على العائلة (وقتل الجار) يكشفون أنهم يراهنون على ما إذا كانت العائلة ستظل على قيد الحياة بحلول الساعة 9 من صباح اليوم التالي. لماذا يفعلون هذا؟ حسنًا، لماذا تسأل لماذا، حيث لا يوجد تفسير قادم. يستخدم Haneke شخصياته أقل كأرقام بشرية قابلة للحياة وأكثر كأنواع ويلعب مع مجازات أفلام التشويق (في مرحلة ما يُقتل شرير فقط ليقوم شريكه بإعادته عن طريق الضغط على زر الترجيع في جهاز التحكم عن بعد).
يقرأ الكثيرون أيضًا في استخدام الفيلم لمجتمع العطلات من الطبقة المتوسطة العليا، تعليقًا على قيم الطبقة المتوسطة الدنيوية والتقليدية (والمظهر منمق بشكل غريب مع الأشرار الذين يرتدون ملابس بيضاء غريبة على غرار A Clockwork Orange). كان المخرج والكاتب قد أراد في الأصل تعيين الفيلم في الولايات المتحدة (كتعليق سياسي؟) لكن تكاليف الإنتاج منعت ذلك. ومع ذلك، سمح نجاح الفيلم له بإعادة إنتاج الفيلم في الولايات المتحدة عام 2007.
لكي نكون صادقين، كانت حكاية مروية مرتين حقًا (على الرغم من أنه لو لم تكن النسخة الأصلية موجودة لكان من المؤكد أنها نظرت إليها بمزيد من التفضيل). ومع ذلك، حقق Haneke مسيرة دولية رائعة وحائزة على جوائز منذ ذلك الوقت مع عدد من الأفلام البارعة في رصيده. ومع ذلك، على الرغم من أن تلك الأفلام قد يتم الحكم عليها بشكل أفضل، إلا أن Funny Games لا يزال عمله الأكثر تذكرًا.
30. Rosetta (1999)
تنتهي كما بدأت… فيلم أوروبي آخر يصور شابة عالقة في دورة يائسة من الفقر والخلل الوظيفي، ولا تجد مخرجًا حقيقيًا. تم تصويره وتعيينه في بلجيكا، يتبع Rosetta التاريخ المثير للشفقة لفتاة صغيرة، محاصرة في ما يسمى في الولايات المتحدة بحديقة مقطورات مع أم مدمنة على الكحول بشكل ميؤوس منه، والتي تحاول بغضب إيجاد مخرج من خلال انتزاع أي وظيفة تافهة ومتواضعة يمكنها العثور عليها.
يفتتح الفيلم بـ Rosetta (Émilie Dequenne) وهي تلقي نوبة عنيفة وتضطر إلى الطرد من المصنع حيث كانت تعمل بعد إخبارها بأن فترة توظيفها التجريبية لم تنتهِ لصالحها.
يائسة من حياتها الميؤوس منها، تحاول حشر نفسها في كشك وافل تافه يديره المالك وشاب. تنجرف نحو علاقة مع الشاب (Fabrizio Rongione)، الذي يسرق من صاحب عمله.
على الرغم من أنها قد تكون لديها علاقة حقيقية مع الرجل، تبدأ Rosetta في التفكير في خيانته كوسيلة لإفادة نفسها. على عكس The Match Factory Girl، لا يتم لعب هذا الفيلم على الإطلاق من أجل ضحكات مظلمة ولكن، بدلاً من ذلك، هو واقعي وواقعي للغاية. إنه يواجه الحقيقة المحزنة بأن بعض الناس يقاتلون للعيش على الفتات وأن العالم ليس مكانًا لتكافؤ الفرص.
كان هذا الجهد الحائز على جوائز من عمل الأخوين صانعي الأفلام Jean-Pierre وLuc Dardenne وكان أول وأكبر نجاح دولي لهما (فاز بـ Palm D’OR في Cannes). ربما ساعد الفيلم أيضًا في إخراج تشريع يحكم العمال الشباب الذين يحتاجون إلى المساعدة في بلجيكا. أولئك الذين لم يحظوا بنجاح كبير منذ ذلك الحين، كان لديهم مهن قوية ويواصلون صنع أفلام لا تنسى.
