بعض الأعمال الفنية لا تدفع الحدود، بل تفجرها إلى قطع. هذه الأفلام العظيمة روعت الجماهير، وفرقّت النقاد، وأحيانًا اختفت تمامًا، لتظهر مرة أخرى بعد سنوات كأساطير تحت الأرض. إنها تتحدى ما هو مقبول للشعور، والرؤية، والحديث عنه. هذه الأعمال تغوص مباشرة في المحرمات التي تتجنبها معظم القصص. العديد منها صنعه مخرجون محترمون، مما جعل استفزازاتهم تضرب بقوة أكبر. ورغم محاولات دفنها، لم تتلاشى قوتها أبدًا. إليكم عشرة أفلام رائعة كانت صادمة جدًا للسوق السائدة.
1. The Devils (1971)
من المستحيل مناقشة التحفة الفرعية لكين راسل دون الحديث عن صراعات الرقابة المستمرة التي واجهتها. لقد كانت The Devils محاطة بالجدل منذ بدايتها. بعد 54 عامًا، لا تزال وارنر براذرز ترفض إصدار نسخة كاملة. لكن عبقريتها واضحة دائمًا، حيث استمرت سمعتها وإعجابها في النمو على مر العقود.
استنادًا إلى كتاب ألدوست هكسلي The Devils of Loudun ومسرحية جون وايتنج، يروي الفيلم القصة الحقيقية لكاهن فرنسي من القرن السابع عشر، أوربان غراندير (أوليفر ريد)، الذي اتهم بالسحر بعد رفضه تسليم مدينته للكنيسة والدولة. مُتهمه هي راهبة معقدة جنسيًا ومشوهة (فانيسا ريدغريف) تجلب الفوضى على راهبات أورسولين في لودون. يتناول الفيلم الهستيريا الجماعية، والبارانويا السياسية، والنفاق الديني، وهي قصة مصممة تقريبًا لتناسب تجاوزات راسل.
الفيلم مليء بالصور الدينية والجنسية الصادمة، وغالبًا ما يمزج بين الاثنين. تم تصنيفه على الفور ككفر، وحتى بمعايير اليوم لا يزال يحمل صدمة كبيرة. قامت وارنر براذرز بحذف الكثير منه، ولا تزال الاستوديو ترفض إصداره على Blu-ray أو البث المباشر. كتب الناقد البريطاني مارك كيرمود: “إنه واحد من أعظم الأفلام البريطانية التي تم صنعها على الإطلاق – وأحد الأقل مشاهدة، لأنه تم قمعه بشكل منهجي من قبل الأشخاص الذين يمتلكونه.”
وكيرمود محق، قد يكون هذا أعظم أفلام راسل. كل شيء يتجمع بشكل رائع: تصميم المجموعة اللافت من قبل ديريك جارمان، أسلوب راسل غير المعتذر في صناعة الأفلام، وأداء ريد وريدغريف الرائع يرفع هذا إلى مستويات استثنائية من النشوة السينمائية. إنه مؤثر بقدر ما هو سيء السمعة، حيث ألهم عددًا لا يحصى من الفنانين الذين يتجاوزون الحدود في المستقبل.
2. Arrebato (1979)
فيلم زولويدا الذي نادرًا ما يتم مناقشته هو صورة ساحرة للاهتمام والإدمان. بعد عقود من الغموض، حصل أخيرًا على إعجاب طائفي وسمعة كواحد من أكثر الأفلام الإسبانية التي تم التقليل من شأنها في تلك الحقبة.
كان زولويدا معاصرًا لمخرجين آخرين من ثقافة ما بعد فرانكو مثل بيدرو ألمودوفار وبيغاس لونا. أصبحت هذه الحركة في الفن الإسباني تُعرف باسم La Movida Madrileña (حركة مدريد). في Arrebato، يأخذ زولويدا الصور والرموز من الرعب ليخبر قصة غامضة تتعامل مع موضوعات الفن والإدمان. تتبع الحبكة صانع أفلام رعب يصبح مهووسًا بفنان شاب وغامض. ليس صادمًا بطريقة واضحة، ولكن في تصويره الخام لإدمان المخدرات، والجنس، والهوس الجسدي.
لم يعرف الموزعون الإسبان ماذا يفعلون به. فشل عند الإصدار، واختفى لعقود، ثم ظهر مرة أخرى كتحفة طائفية. كشفت ترميم جديدة كيف أن العمل راديكالي ومثير للاهتمام. تحرير زولويدا التجريبي ومزج الأنواع هو متقدم على وقته بعقود. ميتا وغامض بطرق صحيحة، يبدو أن الفيلم نفسه يلعب خدعة مستمرة على المشاهد. ألمودوفار، الذي يعجب بالفيلم، وصفه بأنه “سينما تحولت إلى مصاص دماء، تتغذى على الجمهور بقدر ما تتغذى على شخصياتها.”
3. Bad Timing (1980)
هذه الدراما النفسية هي واحدة من أعظم أعمال المخرج البريطاني المتمرد نيكولاس روج، وبالتأكيد الأكثر جدلًا. حتى أن منظمة رانك، الاستوديو الذي مول الفيلم، ذهبت إلى حد التنصل منه واعتباره “فيلم مريض صنعه مرضى لمشاهدة مرضى”. اليوم، لا يزال مثيرًا للإعجاب كما هو مزعج.
كان روج سيدًا في سرد القصص المكسورة. يوسع أسلوبه هنا، حيث يروي قصة طبيب نفسي أمريكي في فيينا يقع في حب امرأة حرة الروح. يقفز روج باستمرار عبر الزمن، مما يخلق تأثير فسيفسائي حيث يمكنك رؤية “الصورة” الكاملة فقط في النهاية. آرت غارفنكل رائع في الدور الرئيسي، لكن تيريزا راسل هي التي تسرق العرض بأداء أيقوني وجريء يحتل مرتبة بين الأفضل في الثمانينات. يصور الفيلم بلا تردد الجانب المظلم من العلاقات الإنسانية بطريقة تعتبر جريئة حتى بمعايير اليوم. كان النقاد في ذلك الوقت منقسمين، بعضهم مدحه بينما انتقده الآخرون.
لكن الزمن كان لطيفًا معه. اليوم، يُنظر إليه بفضل الله وبحق كعمل فني مبدع ورؤيوي. ليس فقط بسبب صناعة الأفلام الرائعة لروج، والأداءات المذهلة، وبقية الحرفية العظيمة التي وضعت فيه، ولكن لأن تصويره للعلاقات بين الذكور والإناث والرغبة لا يزال يؤلم. إنه فيلم صريح ومؤلم يلعب ويصدم المشاهدين بينما يحافظ على صدقه النفسي ودرجاته.
4. Pixote (1981)
بعض الأفلام تبدو خطيرة بسبب ما تخترعه. بينما يبدو Pixote خطيرًا بسبب ما يرفض النظر بعيدًا عنه. تحفة هيكتور بابينكو التي لا تتزعزع حقيقية للغاية: تصويرها لأطفال الشوارع في البرازيل يمزج بشكل حاسم بين الخيال والوثائقي.
Pixote، صبي يتيم يبلغ من العمر 10 سنوات في ساو باولو، يهرب من مدرسة إصلاحية وحشية ويُلقى في حياة الشارع الخطرة والعنيفة. غالبًا ما يظهر بابينكو الظروف الحقيقية لموضوعه، ويبدأ ذلك مع الممثل الرئيسي نفسه، الذي يلعبه غير المحترف فرناندو راموس دا سيلفا. في مثال حزين لفيلم مرتبط ارتباطًا وثيقًا بموضوعاته الحياتية الحقيقية، توفي راموس دا سيلفا، الذي كان طفلًا من خلفية فقيرة ومضطربة، بعد ست سنوات من إصدار الفيلم بعد أن أُطلق عليه النار من قبل رجال الشرطة أثناء عملية سطو.
كرهت الرقابة والسياسيون الفيلم لتصويره قضايا البرازيل الاجتماعية بشكل مباشر. يحتوي على بعض من أكثر المشاهد حزنًا وإزعاجًا التي ستراها على الإطلاق، ويعكس نهج بابينكو النيو-واقعي كل ذلك دون تصنع. كتب الناقد في نيويورك تايمز فينسنت كانبي عنه: “هذا ليس فيلمًا تشاهده. إنه فيلم تنجو منه.” واحد من تلك الأفلام التي يجب مشاهدتها مرة واحدة فقط.
5. The Baby of Macon (1993)
نادراً ما تتصادم الجماليات مع الغرابة بشكل مثالي كما في سينما بيتر غرينواي. في The Baby of Macon، يوسع اهتماماته بالفن الكلاسيكي، والدين، والأخلاق في ما قد يكون عمله الأكثر جرأة. يسمح له مفهوم المسرحية داخل الفيلم باللعب مع المسرحية وفكرة المتفرج كما لم يحدث من قبل.
في إيطاليا في القرن السابع عشر، يتم عرض مسرحية تدور أحداثها في فرنسا العصور الوسطى أمام المحكمة الملكية لأسرة ميديتشي. في ذلك، تعاني قرية ماكون من مرض جعل النساء عاقرات وجلب المجاعة على السكان. تدعي امرأة (جوليا أورموند) أن شقيقها هو ابنها، وتعلن أنه نتاج تصور إلهي. يصبح “الطفل المعجزة” محبوبًا من قبل شعب مَكون، ويصبح محورًا يستكشف من خلاله غرينواي الإيمان، والجشع، والسلطة.
الفيلم مشهور بنعومته الفاضحة، وقذارته، ومحتواه العنيف، بما في ذلك مشهد شهير، وكاشف، وصادم في الفصل الثالث. بسبب ذلك، رفضت العديد من المهرجانات عرضه، ولم تلمس شركات التوزيع الفيلم تقريبًا. وفقًا لغرينواي نفسه، “أردت أن أصنع فيلمًا عن استغلال المعجزات – ووجهت لي اتهامات بصنع معجزة من الاستغلال.” على الرغم من كل الجدل، لا يزال واحدًا من أعظم إنجازات المخرجين البريطانيين. تصميم الإنتاج، والأزياء، وعمل الكاميرا تخلق صورًا مذهلة تذكرنا بفن النهضة. الهيكل المسرحي الواعي يجعل الأمور أكثر إثارة للاهتمام، خاصة عندما تبدأ المسرحية والواقع في التداخل. The Baby of Macon ليست عن الصدمة لمجرد الصدمة، بل عن كيف يخطئ المجتمع في الخلط بين القسوة والإيمان، ويسمي النتيجة معجزة.
6. God’s Comedy (1995)
لم يكن سينما جواو سيزار مونتيرو لتكون سائدة أبدًا. صنع المخرج البرتغالي مسيرة من السينما البطيئة والشعرية، لكن فقط في أواخر مسيرته مع Trilogia de Deus (ثلاثية الله) دفع أفلامه إلى الصدمة والفظاعة. إنه فيلم غير مريح أخلاقيًا أثار فضيحة بين الجماهير ويبدو أنه أكثر إثارة في المناخ الاجتماعي والسياسي الحالي.
في God’s Comedy، يلعب مونتيرو دور جواو دي ديوس، مدير متجر آيس كريم في منتصف العمر، وهو بقدر ما هو شاعر، هو أيضًا مهووس. يحافظ الفيلم على نغمة كوميدية وغامضة بينما نتبع مغامرات جواو. يصور مونتيرو الأمور غير المشروعة، والفظيعة، والملعونة بدفء وجمال. ربما كان جريئًا بما يكفي لصنع هذا الفيلم وتسميته بهذا الاسم مما أغضب الجماهير. خاصة في البرتغال، وهي مجتمع كاثوليكي عميق.
على الرغم من أن الفيلم الأول في الثلاثية، Recollections of the Yellow House (1989)، فاز بجائزة الأسد الفضي في مهرجان فينيسيا السينمائي، نادرًا ما تم رؤية God’s Comedy خارج المهرجانات الصغيرة والعروض تحت الأرض. اليوم، يُعتبر واحدًا من أفضل أفلام مونتيرو وأحد أعظم الأفلام البرتغالية على الإطلاق. إن حركته المسرحية، وحواراته الجادة، ومزجه بين العبثية والتجديف قد نضج مثل نبيذ فينو فيردي. بغض النظر عن الموضوع القبيح، فإنه بلا شك عمل لمعلم فريد من نوعه في هذا المجال، ومن المؤكد أنه سيمنح ضحكة كبيرة وغير مقدسة لأولئك الذين لديهم عقل مفتوح بما يكفي للتفاعل معه.
7. Happiness (1998)
تحفة تود سولوندز لعام 1998 هي تعريف الكوميديا السوداء. كانت غير مريحة لدرجة أن موزعها الأصلي تخلى عنها قبل الإصدار، لكن تصويرها العبقري للجانب المظلم من المجتمع الأمريكي حولها إلى واحدة من أكثر الأفلام الطائفية شهرة في التسعينيات.
بعد نجاحه المستقل Welcome to the Dollhouse، الذي ركز على مرحلة البلوغ لفتاة شابة في الضواحي الأمريكية، وسع سولوندز نطاقه لهذا العمل الجماعي، مصورًا مجموعة متنوعة من الشخصيات التي تتنقل في حياة المدينة الأمريكية الحديثة. من بينهم ثلاث شقيقات عصبيات، ومطارد بروتو-إنسيل، وكاتب وحيد، وطبيب نفسي غريب. سيناريوهاته الخام ولكن الصادقة مثيرة للإعجاب بشكل لا يصدق، حيث يتم تصوير كل شيء مزعج يحدث فيه من خلال الكلمات فقط.
كانت ردود الفعل عند الإصدار مختلطة. صُدم الكثيرون من موضوعاته المظلمة والطريقة التي يبدو أن سولوندز يسخر منها. لكنه لم يبالغ في الأمور. كل شيء فيه يبدو حقيقيًا، حتى في أكثر لحظاته سخرية. قال سولوندز: “كان الناس غاضبين لأنني لم أدن شخصياتي. لكنني أعتقد أن الحكم سهل – التعاطف هو الرعب الحقيقي.” لقد فتح الأفق لمزيد من الأفلام المستقلة المعقدة أخلاقيًا، وإدراجه الأخير في مجموعة كرايتيريون قد رسخ مكانته كتحفة ساخرة.
8. Love & Pop (1998)
يُعرف هيدياكي أنو بشكل أفضل من خلال سلسلة الأنمي الأيقونية Neon Genesis Evangelion. لكن في ظهوره الأول في العمل الحي، حول عدسته بعيدًا عن الروبوتات العملاقة نحو الفتيات المراهقات والاغتراب الحضري. إنه عمل خام وتجريبي وأنيق، ورغم أنه لم يحقق نجاحًا سائدًا، إلا أنه يعتبره الكثيرون تحفة نبوية.
القصة مستوحاة من رواية ريو موراكا مي (مؤلف فيلم Audition، وهو أيضًا عنصر صادم آخر في السينما اليابانية). نتبع هيرومي، فتاة في المدرسة الثانوية تنجرف إلى مشهد الإنيو-كوساي (المواعدة المدفوعة) في طوكيو. تتعامل مع موضوعات الوحدة، والحميمية المشتراة، والتحولات الاجتماعية في اليابان التي جلبتها التكنولوجيا والاستهلاكية. لديها شعور DIY يجعل كل شيء يبدو حقيقيًا وحميمًا بشكل لا يصدق. استخدامه لقطات POV، ليس فقط من الشخصيات ولكن من الهواتف، والمحافظ، وآلات البيع، ليس فقط خيارًا أسلوبيًا مثيرًا للاهتمام، ولكنه يربط تمامًا شكل الفيلم بوظيفته. على الرغم من اختلافه بشكل كبير عن أنمياته الخيالية، إلا أنه يظهر استمرار اهتمام أنو بالاغتراب وصورة الذات.
أثار Love & Pop غضبًا في اليابان بسبب تصويره الصريح لما هو في الأساس عمل جنسي مراهق. ومع ذلك، أشاد الكثيرون بتعاطفه وصدقه في إظهار ما كان مشكلة حقيقية في الثقافة اليابانية. ومع ذلك، حصل على إصدار محدود، ولا يزال من الصعب العثور عليه. توقع أنو موجة من الأفلام التي تتعامل مع الاغتراب والرقمنة في القرن الحادي والعشرين والتي ستظهر في السينما اليابانية. إنه فيلم يستمر في مفاجأة وتحدي الجماهير؛ واحد من تلك الأفلام التي تبقى في الذهن لفترة طويلة بعد انتهائها.
9. Gemini (1999)
بعد الفوضى المعدنية والتوقف في Tetsuo: the Ironman، وضع المخرج الياباني شينيا تسوكاموتو أنظاره على نوع مختلف تمامًا من الرعب. Gemini هو فيلم تاريخي، لكنه لا يزال نقيًا من تسوكاموتو: الهوية، والازدواجية، والانحلال تحت الأسطح الجميلة. إنه فيلم در. جيكل ومستر هايد في اليابان في عصر ميجي، ولا يزال واحدًا من أعظم انتصارات الرعب الياباني التي لم تُشاهد.
يستكشف الفيلم موضوعات الفجوة الطبقية، والذات مقابل الهوية، وأكثر من ذلك تحت عنصر الرعب الكلاسيكي “التوأم الشرير”. تصبح القصة مجازًا للمجتمع الياباني الماضي والحاضر وعجزه عن التكيف مع أعرافه الاجتماعية. بينما يختلف كثيرًا عن بقية أفلامه، إلا أنه يحتوي على إضاءة مصممة بشكل مميز، وتصميم شخصيات غريب، وتحرير انطباعي. ومع ذلك، لم يكن نجاحًا كبيرًا. رأى بعض النقاد اليابانيين أنه “مُغرق في الغرب” أو “مُنحرف جدًا”. أشادت المهرجانات الغربية به كتحفة سريالية، لكن محليًا، تم دفنه بهدوء.
اليوم، يكتشف المزيد والمزيد من الناس روعته المنحرفة. إنه فيلم عن ما يحدث عندما يخفي المجتمع أسراره القذرة، وهو موضوع لا يزال ذا صلة دائمة. في مسيرة مليئة بالأعمال الصادمة والساحرة، قد يكون Gemini هو الأكثر جمالًا والأكثر إزعاجًا لتسوكاموتو.
10. Trouble Every Day (2001)
نختتم هنا بعمل من أحد أكثر الفنانين المتمردين شهرة في عصرنا. استمرت كلير ديني في اهتماماتها المستمرة بالجنس، وعلم النفس، والانحناء النوعي مع هذا الفيلم “المصاص الدموي” المثير بشكل غريب. على الرغم من أنها كانت مخرجة مشهورة جدًا بحلول ذلك الوقت، إلا أن Trouble Every Day تعرضت لانتقادات واسعة؛ حيث وصفها البعض بأنها “متعالية”، و”إباحية”، وحتى “غير قابلة للمشاهدة”. لكن مثل معظم أعمالها، هناك الكثير مما يحدث تحت السطح هنا.
تتبع الحبكة قصتين متوازيتين: أمريكي متزوج حديثًا (فينسنت غالو) تتدهور شهر عسلهم إلى جنون، وامرأة فرنسية (بياتريس دالي) تعاني من رغبات لا يمكن السيطرة عليها. كتبت ديني السيناريو بالتعاون مع كاتب السيناريو الفرنسي الشهير جان-بول فارجو، وهو مستوحى بشكل فضفاض من قصص الصحف عن الجرائم الجنسية والهوس الطبي.
تحت قيد النوع، يتعلق الأمر بالرغبة كمرض؛ كيف يمكن أن يصبح الحب والإدمان الشيء نفسه.
قامت بعض الدول برقابة أو حظرت العروض؛ حيث حدت تصنيفات NC-17 في الولايات المتحدة بشدة من تعرضها. مع مرور الوقت، تم استعادتها كواحدة من أهم أفلام الرعب النسوية في القرن الحادي والعشرين. أخذت ديني الرعب النفسي الذي يمكن أن ينشأ من الهوس الرومانسي وجعلته حرفيًا، وهذا ما يجعلها لا تزال ساحرة ومعقدة ولا تُنسى.
