مثل معظم الفنون، تُفهم السينما غالباً بنظرة استرجاعية. تُصنف “الأعمال الكلاسيكية” كذلك لأنها صمدت أمام اختبار الزمن، وانتقلت عبر الأجيال بوساطة طقوس رسمية وغير رسمية، مثل حفلات الجوائز، أو أرقام شباك التذاكر، أو حتى التداول الشفهي. بل إن هناك مصطلحاً شاملاً يُعرف بـ “أفلام العبادة الكلاسيكية” للأعمال التي لم ترسخ مكانتها في الوعي الجمعي عند صدورها، لكن أُعيد اكتشافها لاحقاً لتصبح علامات ثقافية فارقة تضاهي الأعمال الكلاسيكية الأصلية.
ومع ذلك، توجد فئة ثالثة يمكن إدراج بعض الأفلام تحتها. يمكن اعتبار الأفلام التي حققت نجاحاً مفاجئاً، أو “الروائع المنسية”، أعمالاً ربما لم تحظَ بأهمية كبيرة في وقتها، لكن شعبيتها تلاشت بمرور الوقت ولم يعد يذكرها سوى أساتذة معاهد السينما ونخبة النقاد. بعض هذه الأفلام محصور في الأوساط الأكاديمية نظراً لكون جاذبيتها متخصصة بقدر تخصص المواضيع التي تعالجها. لكن البعض الآخر يمتلك سحراً عالمياً، إذ يشبه “الأعمال الكلاسيكية” في طريقة معالجته للمواضيع بمنظور فني دون السقوط في فخ التكلف.
تضم هذه القائمة بعض الأفلام التي تندرج ضمن هذه الفئة الثالثة. رؤيتها الخيالية لا تجعلها أعمالاً غامضة لا يفهمها إلا القلة؛ فهي غريبة وأصلية، لكنها أيضاً مباشرة وصادقة. فنيتها لا تتعارض مع جاذبيتها. فيما يلي عشرة أفلام تراجعت شعبيتها مع مرور الزمن، لكنها تحافظ على صوت مبتكر يستحق أن يتجاوز ذروة شعبيتها السابقة.
1. The Passion of Berenice (1976)
أخرج خايمي أومبيرتو هيرموسيو، أحد أكثر الشخصيات تأثيراً في السينما المكسيكية الحديثة، فيلم The Passion of Berenice (1976) الذي يبدو للوهلة الأولى ميلودراما تقليدية، إلا أن سطحه الميلودرامي يخفي إثارة نفسية معقدة تجسد العلاقات المضطربة بين بيرنيس والشخصيات المحيطة بها.
يُعد هيرموسيو، الذي استشهد به غييرمو ديل تورو كأحد أهم معلميه، مخرجاً طاله النسيان نوعاً ما. بدأت مسيرة هيرموسيو في أواخر الستينيات، وبلغت ذروتها في العقد التالي، حيث انحصرت بين “العصر الذهبي” للسينما المكسيكية الذي انتهى في 1950، وبين النهضة التي شهدتها السنوات الثلاثون الأخيرة والتي جعلت من ديل تورو وغيره أسماءً مألوفة. صرح ديل تورو بأن مشاهدة The Passion of Berenice (1976) جعلته يؤمن بقدراته كمخرج يعمل خارج العاصمة، حيث كانت تُنتج معظم الأفلام آنذاك.
تؤدي مارثا نافارو دور بيرنيس، وهي امرأة في الثلاثينيات تعيش في أغواسكالينتس، وتعمل معلمة بدوام جزئي ومراعية لعرابتها دونيا جوزفينا، وهي امرأة متطلبة تكاد تكون مصابة بالخرف. رغم ما يبدو حياة مريحة في قصر فخم، إلا أن بيرنيس غير راضية عن مسار حياتها، لكنها تفتقر إلى الإرادة لتغيير واقعها.
يتغير هذا عند وصول رودريغو، ابن أخي عرابتها، الذي يؤدي دوره بيدرو أرمينداريز الابن. يبدأ رودريغو، الطبيب الناجح والمغوي الكاريزمي، وبيرنيس علاقة عاطفية. في البداية، تبدو العلاقة وكأنها تشعل جذوة كانت خامدة داخلها، لكن يتضح تدريجياً أن تلك الجذوة تتقد رغم رودريغو لا بفضله.
يُعد الفيلم درساً نموذجياً في دراسة الشخصيات. إخراج هيرموسيو، سواء للممثلين أو للكاميرا، سامٍ، ويستحق الفيلم المشاهدة بفضل أداء مارثا نافارو المذهل لشخصية بيرنيس.
2. Antonio Das Mortes (1969)
قلة من المخرجين شكلوا سينما بلادهم كما فعل غلاوبر روشا مع البرازيل. لا يوجد صانع أفلام يعمل اليوم، سواء كان مخضرماً أو صاعداً، لا يمكن تتبع مسيرته ومواضيعه إلى روشا. أي فيلم من أفلام روشا التي تتناول “السيرتاو”، أي المناطق الصحراوية النائية في البرازيل، كان يمكن أن يُدرج في هذه القائمة.
لقد اخترنا رؤية روشا، وتلاعبه بنوع الويسترن الكلاسيكي في Antonio Das Mortes (1969)، أو كما سُمي في البرتغالية “تنين الشر ضد المحارب المقدس”، وهو أحد أكثر عناوين الأفلام قوة في تاريخ السينما.
يتبع الفيلم أنطونيو داس مورتيس، وهو مسلح مأجور، يكلفه قائد الشرطة في بلدة صغيرة بمحاربة تهديد “الكانغاسيروس”، وهم قطاع طرق رحل يهاجمون القواعد الحكومية وكبار الملاك لمساعدة المحتاجين. ينفذ أنطونيو، الشخصية الصامتة والوقورة، مهمته ويقتل كويرانا، زعيم الكانغاسيروس، في مبارزة. ومع ذلك، وبسبب شعوره بالذنب الاجتماعي والشخصي، ينقلب أنطونيو على الأثرياء الذين وظفوه وينضم للمقاومة ضد الظلم في البلدة.
رغم الإشادة به في ذلك الوقت، حيث فاز روشا بجائزة أفضل مخرج في كان، إلا أن الفيلم لا يُذكر كأحد كلاسيكيات السينما البرازيلية كما هو الحال مع أفلام أخرى. ومع ذلك، يمثل Antonio Das Mortes (1969) ذروة الجنون والإخراج السريالي لروشا، وتعد مواجهته النهائية واحدة من أفضل مشاهد تبادل إطلاق النار في هذا النوع السينمائي.
3. The Loneliness of the Long Distance Runner (1962)
كانت الموجة الجديدة في السينما البريطانية في أواخر الخمسينيات والستينيات مليئة بالروائع التي تركز على الشباب وسخطهم تجاه الأنظمة التي تقمعهم. من بين الكتاب الذين برزوا في ذلك الجيل، الذي أُطلق عليه “الشباب الغاضبون”، كان آلان سيليتو، الذي اقتُبست أعماله في سيناريو كتبه بنفسه. الفيلم الأول “Saturday Night and Sunday Morning” رسخ مكانة مخرجه كاريل ريس وبطله ألبرت فيني كأعمدة للسينما البريطانية. أما الفيلم الثاني، The Loneliness of the Long Distance Runner (1962)، فقد كان الأقل تذكراً من بين أعمال توني ريتشاردسون الأيقونية التي أخرجها بين 1959 و1970.
صُدر The Loneliness of the Long Distance Runner (1962) بعد عام من “Taste of Honey”، الذي يُعتبر من أفضل الأفلام البريطانية، وقبل عام من “Tom Jones”، الذي منح ريتشاردسون جائزة الأوسكار. بهذا المعنى، طغت أعماله السابقة واللاحقة على هذا الفيلم، رغم أنه قد يُعتبر أفضل أعماله.
يؤدي توم كورتيناي دور كولين سميث، مراهق مضطرب يُرسل إلى مركز احتجاز للشباب. هناك، ينخرط كولين في عالم الجري لمسافات طويلة، وهي رياضة يحظى بها مدير الإصلاحية بتقدير كبير. سرعان ما يصبح كولين “المفضل” لدى المدير، وهو أمر يزعجه لأنه كان فخوراً بطبيعته المتمردة تجاه السلطة.
يعد The Loneliness of the Long Distance Runner (1962) الفيلم الأبرز لسينما “الشباب الغاضبين” في الستينيات. استلهمت منه العديد من الأفلام اللاحقة، بما في ذلك “A Clockwork Orange” لكوبريك. ربما ساهم سرده غير الخطي وأسلوبه التعبيري في استقباله الفاتر في شباك التذاكر، لكنه يظل حتى اليوم أحد أفضل أفلام ريتشاردسون وركيزة أساسية في السينما البريطانية في الستينيات.
4. Oh, Sun (1970)
يُعد فيلم Oh, Sun (1970)، أو “Soleil O” كما هو عنوانه الأصلي، للمخرج ميد هوندو، أحد أهم الأفلام الأفريقية التي تناولت صعوبات المهاجرين الأفارقة، ليس فقط في عملية الوصول إلى أوروبا، بل في المصاعب التي واجهوها هناك. استلهم هوندو الفيلم من تجربته الشخصية في العمل بوظائف متواضعة في فرنسا بعد هجرته من موريتانيا عام 1959، حيث صُدم من اضطرار المهاجرين المتعلمين للعمل في وظائف مهينة.
طبيعة الفيلم تشبه “الكولاج”. تارة يعالج مواضيعه بجدية وثائقية، وتارة أخرى ينطلق في أرقام موسيقية تسخر من التصورات العنصرية التي كان يحملها العديد من الأوروبيين تجاه المهاجرين الأفارقة. بهذا المعنى، يتحدى الفيلم الملخص التقليدي، فهو مجموعة انتقائية من التجارب والأساليب التي تجسد ببراعة معاناة بطله الذي لا اسم له، والذي يؤدي دوره روبرت لينسول.
يصطدم تفاؤل شخصية لينسول بعد وصوله إلى باريس بواقع قاسٍ من اللامبالاة والرفض. يوضح الفيلم مدى عمق الاستحقاق الاستعماري من خلال إظهار أن البطل، رغم تعليمه، يظل ضحية للعنصرية والإهمال.
يظل Soleil O (1970) مثالاً بارعاً على السينما السياسية التي تصور، أحياناً بفظاظة وأحياناً بكوميديا، الطرق القاسية التي يتعامل بها الغرب مع المهاجرين.
5. The House is Black (1963)
تجاوزت جهود فروغ فرخزاد، المعروفة أكثر بعملها كشاعرة، حدود الورق المكتوب وعدسة الكاميرا. فيلمها الوحيد، The House is Black (1963)، هو وثائقي مدته 22 دقيقة عن مستعمرة للجذام في إيران قبل الثورة الإسلامية. صُوّر الفيلم قبل أربع سنوات من وفاتها المبكرة في حادث سيارة، وكانت فرخزاد تبلغ من العمر 28 عاماً فقط عندما كتبت السيناريو وأخرجته.
يوازن الفيلم بين الوحشي والإنساني، عارضاً المصابين بالجذام في كامل تجليهم، دون تجميل للصور. تساهم قراءة فرخزاد لنصوص متنوعة، بما في ذلك بعض قصائدها، في تعزيز مزاج الفيلم. يبدو الفيلم غامضاً، كما لو أرادت فرخزاد تصوير العزلة والسرية التي كان يُحاط بها مرضى الجذام.
توفيت فرخزاد في عام 1967، ويتساءل المرء عما إذا كانت ستواصل مسيرتها السينمائية، حيث أن الإتقان خلف The House is Black (1963) هو إتقان شخص لم يهتم فقط بموضوعه بل بالشكل الذي صُوّر به. الفيلم ليس “قصيدة مصورة” بل مسعى سينمائي متكامل. هذا المزيج من الحساسية الشعرية والدقة السينمائية هو ما يسعى الكثيرون لتحقيقه بعد عقود من العمل، أما بالنسبة لفروغ فرخزاد فقد تطلب الأمر فيلماً واحداً فقط لترسيخه كأحد أكثر أفلام الموجة الجديدة الإيرانية قوة وتأثيراً.
6. Shame (1988)
لا ينبغي الخلط بينه وبين فيلم ستيف ماكوين لعام 2011 الذي يحمل الاسم نفسه، فيلم Shame (1988) هو إثارة درامية أسترالية من إخراج ستيف جودريل وبطولة ديبورا لي فيرنس في دور أستا كاديل، المحامية التي تصل إلى بلدة صغيرة في المناطق النائية لتسلط الضوء على التحرش الذي تتعرض له نساء البلدة من قبل عصابة من الشباب المحميين بإهمال رقيب الشرطة.
بوضوح متأثر بفيلم “Mad Max”، يستعير Shame (1988) صوره وعناصر من حبكته من ملاحم المناطق النائية وأفلام الويسترن الإيطالية. بينما قد لا يكون المكان جديداً، ما يميزه حقاً هو شخصيته الرئيسية، أستا كاديل. فبينما يصل الأبطال الآخرون بتهور، كاديل محامية؛ تهديدها ضد العنف ليس “سأضربك” بل حقيقة أنها ستنزل مطرقة العدالة على من يؤذي النساء.
يمنح هذا الفيلم هالة سريالية متناقضة حيث لا يُحل العنف، ومعظمه جنسي، بمزيد من العنف، بل بمواجهته بتهديد القانون. قد لا يبدو هذا غريباً لولا أنه يحدث في بلدة نائية قاحلة حيث يتوقع المرء أن تنتهي كل حجة بشجار أو تبادل إطلاق نار.
بعض حواراته عالقة في الثمانينيات وقد تكون النهاية مخيبة للآمال نوعاً ما، لكن الفيلم يبرز كدمج غير متوقع لبعض أكثر أنواع السينما كلاسيكية.
7. Winter Woman (1977)
كان فيلم Winter Woman (1977) نجاحاً تجارياً في كوريا الجنوبية عند صدوره، ويُعتبر أحد أبرز أفلام السينما الكورية خلال فترة الرقابة الشديدة والاضطهاد الفني. يصور الفيلم الصحوة الجنسية والعاطفية لامرأة في أواخر مراهقتها وأوائل العشرينيات، بمشاهد تتراوح بين الإيحاء والصراحة. قد يبدو هذا متناقضاً مع الرقابة الصارمة، لكن القيود ركزت بشكل أساسي على المواضيع السياسية، خاصة ما يمكن اعتباره انتقاداً للحكومة.
دفع هذا بعض النقاد لإعادة فحص الفيلم، وأفلام أخرى من تلك الحقبة، كأعمال ميلودرامية “موافقة حكومياً” تنجرف بشدة نحو نوع “المضيفة” مع القليل من المعاني الضمنية. إذا كان للمرء أن ينتقد Winter Woman (1977)، فمن العدل القول إن حبكته تختلف بشكل مهم عن الرواية التي استند إليها، والتي كانت تهدف في الأصل إلى نقد يساري للتراتبيات الاجتماعية.
ومع ذلك، يمكن القول إن المخرج كيم هو-سون، من خلال الابتعاد عن المادة المصدر، ربما لتجنب الرقابة، بنى في Winter Woman (1977) قصة نضوج غامضة تعكس بعض وجهات نظر فاسبيندر الدقيقة حول الجنسانية الأنثوية وتعقيدات رفض معايير مجتمعية معينة مع الرغبة في الالتزام بأخرى في الوقت نفسه.
قد يبدو الاستكشاف الموضوعي لفيلم Winter Woman (1977) غامضاً حتى النهاية، لكن مشهده الأخير، بابتسامة بطلته الكئيبة والمتفائلة تجاه الكاميرا، يكشف عن القوس الدرامي الذي كان مخفياً طوال الوقت.
8. The Spirit of the Beehive (1973)
واجه فيلم فيكتور إريث The Spirit of the Beehive (1973) تحديات مشابهة لـ Winter Woman (1977) من حيث الرقابة السياسية، في هذه الحالة خلال السنوات الأخيرة من نظام فرانكو الفاشي في إسبانيا. ربما كان التحدي أكبر بالنسبة لإريث لأن فيلمه قصة منفصلة عن فتاة تعيش في الريف الإسباني ونقد واضح لنظام فرانكو.
آنا فتاة في السادسة تعيش مع والديها وأختها في قصر في قرية ريفية نائية. حياتها الأسرية مملة، ووالداها يعيشان في ذهول، وصديقتها الوحيدة هي أختها التي تضايقها باستمرار. تتغير حياة آنا عندما تشاهد فيلم “Frankenstein” لجيمس ويل وتبدأ حياتها في التفتت بين ما تدركه كواقع وما هو خيالي. حتى قبل لقائها بالفيلم، كانت حياتها تبدو حالمة، ولكن بعد رؤيته، وبعد لقائها بجندي جمهوري يختبئ من قوات فرانكو، يبدأ إدراكها للواقع في التلعثم.
تكمن براعة The Spirit of the Beehive (1973) في كيفية انعكاس العلاقة بين الخيالي والواقعي، خاصة في عقل طفل، بينما يكون في الوقت نفسه طعنة ذكية لنظام فاشي كان لا يزال في السلطة. ليس من المستغرب أنه ألهم العديد من الأفلام حول الآثار السياسية للخيال والأحلام، ليس فقط كوسيلة للهروب، بل كشكل من أشكال المقاومة للقمع. إنه أيضاً مثال رائع على كيفية إعادة تدوير السينما لنفسها. من خلال استخدامه لفيلم “Frankenstein” لعام 1931، يظهر الفيلم كيف يمكن استيعاب الرموز الكلاسيكية في خطاب أصلي، دون خيانة المادة المصدر. فيلم جميل وغريب يجب اعتباره من بين الأفضل في تاريخ السينما الإسبانية.
9. The Valley of the Bees (1967)
صُدر فيلم The Valley of the Bees (1967) بعد عام من “Marketa Lazarova”، العمل الجوهري لفرانتيشيك فلاتشيل الذي يُعتبر من أفضل الأفلام التشيكية في التاريخ، وعانى من مصير مشابه لـ The Loneliness of the Long Distance Runner (1962) بمعنى أن كلاهما طغت عليهما أفلام أخرى لمخرجيهما.
فلاتشيل، صانع أفلام متعدد الأوجه ومعذب، غالباً ما غرس أجزاء من شخصيته في شخصياته. يجسد كل من البطل، أوندري، والخصم، أرمين، في The Valley of the Bees (1967) الطبيعة المعقدة للقلب البشري عند التعامل مع مسائل الحب، سواء الرومانسي أو الأخوي، والإيمان والواجب.
بعد أن كاد والده يقتله، يُرسل أوندري إلى دير كاثوليكي توتوني حيث من المقرر أن يصبح فارساً. خلال وقته هناك، يأتي تحت وصاية أرمين، الفارس المتفاني الذي يصبح معلمه وكاتم أسراره. بعد سنوات، يصبح أوندري شاكاً في النظام ويترك نذره، وبعد ذلك يصبح أرمين مهووساً بإعادته. يصبح تحدي أرمين أكبر عندما يعود أوندري إلى وطنه ويقع في حب زوجة أبيه الأرملة.
يتناول The Valley of the Bees (1967) مواضيع مثل الإيمان والشرف والحب، بينما يظل في جوهره فيلماً عن مثلث حب. من بين جميع الأفلام في القائمة، يبرز هذا الفيلم كأنه ينتظر مخرجاً سينمائياً معاصراً لإعادة اكتشافه وإعادة إنتاجه لأن معظم مواضيعه المركزية عالمية كعالمية السينما نفسها. حتى لو أُعيد إنتاجه بنجاح، فإن عمل فرانتيشيك فلاتشيل الحميمي والحيوي في The Valley of the Bees (1967) يتجاوز الزمن.
10. The Romance between Aniceto and Francisca (1967)
“هذا هو الرومانس بين أنيسيتو وفرانسيسكا، كيف انقطع، وبدأ الحزن، وأشياء قليلة أخرى…” هو الاسم الأصلي لفيلم ليوناردو فافيو لعام 1967. الاسم مفيد لأنه يعمل كملخص. بعيداً عن تفاصيل قليلة، علاقة أنيسيتو بجارة وميله للعنف والهروب الليلي، الفيلم بأكمله مكثف في عنوانه الكامل.
قلة من أمريكا الجنوبية لم يختبروا آباءهم أو أجدادهم وهم يغنون أغاني فافيو الكلاسيكية. اشتهر فافيو بمسيرته الموسيقية، وكان أيضاً صانع أفلام نشطاً، ومع ذلك، على عكس أغانيه، لم تصمد أفلامه أمام اختبار الزمن خارج الأرجنتين.
ميلودرامي كما لا يمكن إلا للأرجنتيني أن يكون، ربما القطعة الأكثر عاطفية من أغانيه هي فيلمه لعام 1967. كما ذُكر سابقاً، الفيلم مباشر: زوجان يقعان في الحب ويفترقان. ومع ذلك، ما لا يُكشف في عنوانه هو المعنى الضمني المتهالك لشخصية أنيسيتو، التي يؤديها فيديريكو لوبي. أنيسيتو وسيم، خشن، كاريزمي بشكل عدواني، وهو ما يجعل علاقته بفرانسيسكا محكومة بالفشل بشكل مأساوي. هناك شعور بالمأساة اليونانية، كما لو أن أنيسيتو لا يستطيع إلا تخريب العلاقة.
إذا أراد المرء تحليل نفسية شخصية “الماتشو” اللاتينية، سيدرك أن معظم سماته مجسدة بشكل مثالي في هذا الفيلم. العاطفة التي لا يمكن السيطرة عليها والتي أسرت فرانسيسكا في البداية هي في النهاية ما يدفعها بعيداً عن أنيسيتو. أحد أكثر الأفلام براعة في الستينيات وكلاسيكية من السينما الأرجنتينية.
