في مايو 2020، احتفلنا بالذكرى الثلاثين لفيلم “Wild at Heart” للمخرج ديفيد لينش. صدر الفيلم في البداية عام 1990 وسط مراجعات متباينة. شهدت العروض الأولى انسحاب بعض المشاهدين، وهناك قصص عن تعرض الفيلم للاستهجان في مهرجان كان، رغم أنه انتهى به المطاف بالفوز بالسعفة الذهبية. في ذلك الوقت، كان لينش يبدأ ببطء في بناء سمعته كمؤلف سينمائي. ومع ذلك، أظهر فيلم “Blue Velvet”، رغم كونه مثيراً للجدل، أن لينش يمتلك صوتاً جديداً يمهد طريقاً مختلفاً للسينما الأمريكية المستقلة. من السهل اعتبار ديفيد لينش مخرجاً أيقونياً الآن، ولكن رغم إشادة بعض النقاد بفيلم “Blue Velvet” كواحد من أفضل أفلام العقد، واجه آخرون (بمن فيهم روجر إيبرت) صعوبة في التأقلم مع سينما لينش.
وصف إيبرت الفيلم بأنه “مقزز” و”تلاعبي”، وأنه فيلم يختبئ خلف “ذريعة المحاكاة الساخرة”، ولكن هذا هو بالضبط السبب الذي يجعل “Wild at Heart” حالة مثيرة للاهتمام. ففي حين كان فيلم “Blue Velvet” ساخراً ومتهكماً، إلا أنه احتوى على صدق معين في جوهره (نوع من “الواقعية السحرية” إذا جاز التعبير)، بينما تخلص “Wild at Heart” من هذا الصدق وبنى أسسه بالكامل على التصنع. من المهم أن نأخذ في الاعتبار أن هذه إعادة قراءة للفيلم بعد 30 عاماً من صدوره، حيث أصبح للفيلم معنى مختلف تماماً عما كان عليه وقت عرضه.
بصرف النظر عن المعاني المقصودة، فإن المعاني السطحية الظاهرة هي مواضيع صالحة للنقد بنفس القدر. لذا، اعتبر هذه القائمة مزيجاً من “القصد” و”المدى”، ودمجاً بين العمق والتصنع والسطحية لنقد عمل سينمائي له علاقة بالنفسية الأمريكية والسينما الأمريكية أكثر من علاقته بالحياة الواقعية. فيلم “Wild at Heart” ليس تمثيلاً للحياة الأمريكية، بل هو تمثيل لتمثيل النفسية الأمريكية.
أنتج ديفيد لينش العديد من الأفلام التي تستحق الغوص في أعماقها، ومعظمها نال استحساناً نقدياً ونجاحاً أكبر من “Wild at Heart”، لكن نادراً ما قدم لينش فيلماً يحمل مثل هذه التصريحات الجريئة والمتمردة. قبل “Wild at Heart”، كانت أفلام لينش فجة وصريحة، لكنها احتفظت بلمسة من الدقة في تعبيرها. أما مع “Wild at Heart”، فقد تخلص لينش من كل تلك الدقة وكشف سينماه أمام الجمهور. من خلال استكشاف جوانب متعددة من هذا الفيلم، ستستعرض هذه القائمة خمسة أسباب تجعل من “Wild at Heart” أكثر أعمال لينش تمرداً حتى الآن.
تحتوي هذه القائمة على العديد من حرق الأحداث (Spoilers).
1. Nicolas Cage: رمز أمريكي للفردانية
بحلول عام 1990، كان لدى نيكولاس كيج سجل متنوع من الأداءات. لقد سحر الجماهير في فيلمي “Moonstruck” و”Raising Arizona”، لكنه كان لا يزال وجهاً جديداً في طريق طويل نحو النجومية. بفضل ذكوريته وحسه التمثيلي الغريب، بدأ يجذب شخصيات غريبة وأدواراً غير تقليدية متخفية في زي أدوار هوليوود النمطية.
مشاهدة كيج على الشاشة الكبيرة في عام 1990 لا بد أنها حملت معنى مختلفاً تماماً للجمهور عما تحمله الآن. أداء كيج في دور “سايلور” يقدم رسالة جديدة تماماً لجمهور عام 2020. في عام 1990، ربما تم تجاهله أو التقليل من شأنه، لكن في عام 2020، يعتبر أداؤه كـ “سايلور” أحد أولى لحظات “نيكولاس كيج” المحورية. هناك معجبون مخلصون لنيكولاس كيج ينظمون عروضاً كبيرة لأفلامه لمجرد مشاهدته وهو يلقي حواره بأسلوبه المبالغ فيه والمميز، وعندما يفعلون ذلك، فهم لا يشاهدون أداءه الحائز على الأوسكار في “Leaving Las Vegas” أو أداءه المرشح للأوسكار في “Adaptation”، بل يشاهدون “Vampire’s Kiss” أو “Wild at Heart” ليشهدوا عبقرية ممثل أمريكي فريد حقاً.
يبدو أن التمثيل تحت إدارة ديفيد لينش منحه الحرية المطلوبة لتجربة أسلوبه التمثيلي. قد تكون شخصية “سايلور” واحدة من أكثر الشخصيات سخافة ومبالغة في تاريخ السينما الأمريكية، ومع ذلك، هناك صدق لا يتزعزع خلف تمثيله المصطنع. يبدأ الفيلم بمشهد قتال بالسكاكين يقتل فيه “سايلور” خصمه، وبعد ذلك يلتفت كيج نحو الشاشة وهو يلهث. سيجارة في فمه، وبإصبع واحد مرفوع، يحدق في “ماريتا” (ديان لاد) بتعبير غير طبيعي ومزعج للغاية. هذا المشهد يجسد تماماً ما قاله إيثان هوك عن كيج في عام 2013، بأن كيج “أبعدنا عن الهوس بالواقعية”.
قد يكون كيج قد تخلص من الواقعية، لكن أداءاته المبالغ فيها فتحت الباب لصدق جديد كشف كل عبثية التمثيل. قد لا يكون “سايلور” “طبيعياً”، لكنه أكثر مرونة ومصداقية كشخصية من معظم الشخصيات التي تم تمثيلها بواقعية. “سايلور” هو كاريكاتير للبطل الأمريكي الباحث عن الحرية، ولكن كما هو الحال مع كل الكاريكاتيرات، فإن المبالغة هي الرسالة.
2. الموسيقى كتقسيم ثقافي
لطالما كان لدى ديفيد لينش علاقة حب مع الموسيقى والموسيقيين. استخدامه للموسيقى متعمد ومحسوب، وغالباً ما يستخدم الموسيقيين كممثلين. مع “Wild at Heart”، يأخذ لينش معرفته الثقافية بالموسيقى خطوة إلى الأمام.
الموسيقى مقننة للغاية في “Wild at Heart”. عندما يريد لينش تقديم تصريح ثقافي، فإنه يجذب الجمهور أولاً بموسيقى مقننة. معرفته الموسيقية الموسوعية بالثقافات الفرعية والثقافات المضادة الأمريكية في ذروتها في هذا الفيلم، وهو أمر بدأ مخرجون أمريكيون مثل تارانتينو في استخدامه بشكل ساخر بعد ذلك بوقت قصير.
طوال النصف الأول من الفيلم، غالباً ما يتم التأكيد على العنف والجنس بأغنية “Slaughterhouse” لفرقة Powermad، والتي تعمل كسمة موسيقية للفيلم في نصفه الأول. تتخلل الفيلم مشاهد لنيكولاس كيج وهو يثور على أحداث بسيطة تحيط به، وفي كل مرة، يتم توقيت نوباته العنيفة مع بعض نغمات القوة من فرقة Powermad. يريد لينش منا أن نربط العنف بالموسيقى ونعزوه إلى العنف المفترض المتأصل في موسيقى الهيفي ميتال. ومع ذلك، من خلال التصوير الصارخ لمثل هذه النوبات العنيفة والمحتوى الجنسي مع موسيقى الميتال، فهو لا يحاول بأي حال من الأحوال تكريس الصورة النمطية، بل يسلط الضوء على معارضتها للوضع الراهن الموسيقي، الذي تم اختياره في الفيلم ليكون غناء إلفيس بريسلي الجذاب.
طوال الفيلم، يبدو أن إلفيس (رغم عدم ذكر اسمه تماماً) وأغانيه الحالمة للنساء الشابات يتم تصويره كنموذج للشاب المخلص الذي سيذهب إلى أي مدى للوقوف بجانب حبيبته. المفارقة هي أنه في هذه الثنائية بين الروك أند رول والميتال، يضع لينش الثقافة المضادة لجيلين في مواجهة بعضهما البعض. إلفيس بريسلي، الرجل الذي مثل الروك أند رول وانتقد بسبب الثقافة المضادة الخطيرة التي جلبها للشباب الأمريكي خلال ذروته، تم استيعابه الآن بسلام في الوضع الراهن الأمريكي، وأصبح مثالاً أمريكياً ضد الثقافة المضادة الجديدة التي تشكل خطراً على المثال الأمريكي. ويبدو أن التوتر الموسيقي طوال الفيلم يقع بين ثقافة الهيفي ميتال المضادة الخطيرة والمتمردة، والروك أند رول الذي أصبح الآن موقراً ومثالياً.
3. Sailor وLula: فن الاقتباس
كتب سيناريو “Wild at Heart” ديفيد لينش، وهو اقتباس من رواية باري جيفورد التي تحمل الاسم نفسه. الاقتباس السينمائي مخلص في الغالب للرواية الأصلية، ومع ذلك، فإن التعديلات الصغيرة هي التي تمنح الفيلم أجواءه اللينشية.
ما يقدمه الفيلم هو موسيقى الميتال، وأغاني إلفيس بريسلي، وإشارات “ساحر أوز”، ونهاية الفيلم بالكامل. يبدأ الفيلم بإخلاص مذهل للرواية؛ حيث يتم تمثيل الصفحات الأربعين الأولى من الرواية سطراً بسطر تقريباً، ولكن مع اقتراب الفيلم من علامة الساعة الواحدة، تبدأ التغييرات الكبيرة.
تدور الساعة الأولى حول لغز حريق منزل تسبب فيه والد “لولا” (لورا ديرن) قبل سنوات. يتم دفع الجمهور للاعتقاد بأن القصة تتجه نحو كشف طبيعي لهذا اللغز، ولكن بينما يكشف الشخصيات عن لغز الحريق (ليس مرة واحدة، بل ثلاث مرات بدرجات متفاوتة من الدقة)، هناك تحول فوري في نغمة الفيلم. يقودنا لينش سردياً بخطوط حبكة من الكتاب، لكنه في الوقت نفسه يرفع إصبعه الأوسط تجاه القصة ويقنعنا ببطء بأن الفيلم يدور حول شيء مختلف تماماً.
يبدو أن هذا الشيء الآخر هو المثالية العنيفة المخيفة للحلم الأمريكي. تعديل طفيف آخر من جانب لينش هو عندما يروي “سايلور” تجربة جنسية سابقة. كل شيء هو نفسه تماماً كما في الكتاب، باستثناء إضافة بسيطة لبنادق هجومية مبعثرة على السرير حيث تعرض المرأة نفسها. قصة “سايلور” الجنسية هي إثارة كبيرة لـ “لولا”، التي تكرر حتى بعض الجمل التي كانت تقولها المرأة المغوية لـ “سايلور” في الفلاش باك. هذا المشهد من تحقيق الرغبات الخالص يتم تأكيده بشكل أكبر من خلال استجابة “لولا” ويظهر أن لينش قد أضاف البنادق الهجومية إلى الإخراج المشهدي ككاريكاتير للعنف في الثقافة الأمريكية الشعبية.
ومع ذلك، فإن الإضافة الأكثر أهمية هي قصة “ساحر أوز”، التي تستحق عنوانها الخاص.
4. ساحر أوز: الأخلاق التطهيرية للضواحي الأمريكية
من بين إضافات ديفيد لينش إلى القصة الأصلية لـ “Wild at Heart”، لا شيء أكثر أهمية لأيديولوجية الفيلم من قصة “ساحر أوز”. في الدقائق الأولى من الفيلم عندما يتم سجن “سايلور”، يتم تصوير زنزانة السجن في كرة بلورية، وهي صورة قد تترك الجمهور يتأمل قبل أن تتطور قصة “ساحر أوز” بشكل أكبر.
طوال الفيلم، تتلقى العديد من المناقشات حول طبيعة الخير والشر رداً يشير إلى “ساحر أوز” كمرجع نهائي للأخلاق. عندما تتحدث “لولا” عن ابن عمها “ديل”، الذي تسبب مرضه العقلي الشديد في الكثير من الضيق للعائلة، يرد “سايلور” قائلاً: “من المؤسف أنه لم يستطع زيارة ذلك الساحر في أوز والحصول على بعض النصائح الجيدة”.
يبدو أن الملاحة الأخلاقية من خلال حكايات “ساحر أوز” (بما في ذلك تصوير الفيلم لشخصية ديان لاد كساحرة الشرق الشريرة)، تافهة وسطحية بالنسبة لغالبية الفيلم. ومع ذلك، فإن النهاية هي التي ترفع من أهمية “ساحر أوز” في سرد الفيلم.
قرب نهاية الفيلم، يتم إطلاق سراح “سايلور” من السجن للمرة الثانية ويلتقي بـ “لولا” وابنه؛ يلعب المشهد بأكمله بأقصى درجات الإخلاص للكتاب، وصولاً إلى كل سطر من الحوار. ومع ذلك، ينتهي الكتاب بـ “سايلور” وهو يودع “لولا” وابنه، ويمشي مبتعداً. في الفيلم، نواصل متابعة “سايلور” إلى زقاق خلفي حيث تحاصره عصابة شوارع متعددة الأعراق بشكل كوميدي يضربونه بعد أن وصفهم “سايلور” بلفظ عنصري. بعد أن يتم ضرب “سايلور” على الأرض، يرى رؤية للساحرة الطيبة التي تقنعه بالعودة إلى “لولا” وإعطاء الحب فرصة. ينهض، ويعتذر لعصابة الشوارع، ويعود للم شمله مع حبيبته.
يعمل “ساحر أوز” كعصا سحرية روحية تؤدي إلى النهاية السعيدة المثالية حيث يغني “سايلور” أغنية إلفيس بريسلي “Love Me Tender” ويغني لحبيبته مع خلفية من الشمس المشرقة، مثل رمز أفلام الويسترن الإيطالية لـ “عاشوا في سعادة أبدية”.
5. Be-Bop-a-Lula: موت الدقة
هاجم معظم النقاد الرئيسيين لديفيد لينش صناعته للأفلام الفجة والمتهكمة، ويعتبر “Wild at Heart” ذروة صناعة لينش للأفلام الفجة. يبدو الأمر كما لو أن لينش تخلص من كل ما هو ضمني واستخدم كل ما هو صريح بدلاً من ذلك.
عندما يتم إطلاق سراح “سايلور” من السجن، تحضر له “لولا” سترته المصنوعة من جلد الثعبان (التي تنتمي بشكل مضحك لنيكولاس كيج نفسه) ويرد “سايلور”: “هل أخبرتك يوماً أن هذه السترة تمثل رمزاً لفردانيتي، وإيماني بالحرية الشخصية؟”. لا يتعين علينا انتظار السرد ليخبرنا بما يمثله “سايلور”؛ لقد تم تلقيننا ما يمثله “سايلور” في الدقائق العشر الأولى من الفيلم، حتى يتمكن الجمهور من التوقف عن التخمين وإيلاء اهتمام أعمق. إنه إغراء مميت من جانب كيج ولينش. حيث يخدع معظم صناع الأفلام، يكشف لينش عن أوراقه منذ البداية، أو هكذا يبدو.
يبدو أن لينش لديه نفور عميق من المعاني الضمنية، لذلك غالباً ما يعقد الأمور عن طريق قطع الوسيط صراحة لإعطاء صوت لبعض الروابط العقلية التي غالباً ما يتم إجراؤها في العقل الباطن. هناك الكثير من الأمثلة على العرض الحرفي، كما لو كان يتم عرض الفيلم في اجتماع تنفيذي. بينما يقود “فاراجوت” سيارته إلى نيو أورلينز، تغني أغنية على محطة الراديو الخاصة به “يا حبيبي من فضلك لا تذهب إلى نيو أورلينز”، مما يطغى على المصير المظلم الذي ينتظره هناك. عندما تواجه “مارييتا” “سايلور” في الحمام، تصفه بأنه قطعة من القذارة، وتقطع الكاميرا بسرعة إلى المرحاض.
في إحدى المرات، أثناء أحد مشاهد الجنس في الفيلم، تتغير الموسيقى من Powermad إلى “Be-Bop-A-Lula she’s my baby”؛ وأخيراً وليس آخراً، في وقت اعتراف “سايلور” بتورطه في حريق المنزل الغامض، تُعزف أغنية كريس إيزاك “Wicked Game”، وفي اللحظة التي توشك فيها الأغنية على قول “العالم كان يحترق، لا أحد يستطيع إنقاذي غيرك”، يعترف “سايلور” بتورطه في حريق المنزل ويتلقى الدعم من “لولا” رغم ذلك.
الفيلم مليء بالمشاهد الفجة؛ ولكن في فجاجته يكمن المكان الذي يشرح فيه “Wild at Heart” المنطق الكامن وراء النفسية الأمريكية. يوضح لك لينش الروابط التي كان الجمهور سيصنعها لو أتيحت له الفرصة، ويتركهم يتساءلون لماذا ترتبط مثل هذه الأيديولوجيات والثقافات الفرعية والصور غير المترابطة ظاهرياً. يفكك “Wild at Heart” وجودياً المخططات العقلية التي وضعتها الثقافة السائدة في أمريكا، ويجعل الجمهور يتساءل كيف وصلوا إلى مثل هذه الاستنتاجات.
في النهاية، يبدو أن هناك سبباً وراء قسوة وعدم استساغة “Wild at Heart”. إذا كان يبدو “تلاعبياً” و”مقززاً”، فذلك لأنه كذلك. إذا كان من الصعب مشاهدته، فذلك لأنه يريد أن يكون كذلك. “Wild at Heart” هو منتج ثقافي عظيم يخبرنا من خلال الانزعاج الذي يفرضه على مشاهده. إنه ديفيد لينش في أكثر حالاته سخرية وتمداً.
