للسينما تاريخ طويل من سوء الفهم. غالبًا ما يتم تجاهل الفيلم لأنه يتعارض مع التوقعات المعاصرة أو لأن جمهوره غير مستعد لأفكاره. تستكشف هذه المقالة مجموعة من الأفلام، بعضها فشل مشهور، والبعض الآخر جواهر مهملة، والتي تم انتقادها أو قراءتها بشكل خاطئ في البداية ولكنها اكتسبت منذ ذلك الحين تقديرًا نقديًا أو عباديًا. من خلال فحص السياق والشكل والنية وراء كل عمل، يمكننا أن نرى كيف يمكن للسينما أن تتحدى وتزعج، وفي النهاية تكافئ المشاهدين الصبورين.
من الإثارة الجنسية المبالغ فيها إلى أفلام الويسترن ما بعد الجائحة، هذه بعض من أكثر الأفلام سوء فهمًا على الإطلاق.
1. Heaven’s Gate (1980)
لقد عُرف فيلم Heaven’s Gate لمايكل شيمينو بشكل سيء بأنه الملحمة التي خرجت عن السيطرة والتي دمرت شركة يونايتد آرتيست. الآن، وبعد عقود من النقاش الأول حوله، فإن مكانته كواحد من آخر أفلام فترة هوليوود الجديدة وواحد من المشاريع الشغوفة ذات الميزانية الكبيرة القليلة في ذلك الوقت قد دفعت إلى إعادة تقييمه.
بعد نجاحه الحائز على جائزة الأوسكار مع The Deer Hunter (1978)، تم تسليم صانع الأفلام الأمريكي مايكل شيمينو شيكًا فارغًا تقريبًا من يونايتد آرتيست لفيلمه الثالث. كانت الاستوديوهات تراهن على أن يصبح هو كوبولا التالي، أو سكورسيسي التالي. كانت الميزانية الأولية 11 مليون دولار والجدول الزمني المحدد لستة أشهر يُعتبر استثمارًا كبيرًا ومعقولًا. ثم بدأت المشاكل. أدت مثالية شيمينو وحجم الإنتاج بسرعة إلى تأخيرات وإعادة تصوير مستمرة. انتهى الإنتاج ليستمر 11 شهرًا، وارتفعت الميزانية إلى 44 مليون دولار، وهو مبلغ باهظ في ذلك الوقت. أدت مرحلة ما بعد الإنتاج الكارثية إلى عرض أول كارثي أكثر، حيث انتقد النقاد والجمهور الفيلم. بحلول نهاية كل شيء، انتقل شيمينو من فتى هوليوود الذهبي إلى شخصية غير مرغوب فيها في غضون ثلاث سنوات. أصبح Heaven’s Gate مرادفًا للغرور المؤلف وانهيار الاستوديو.
ومع ذلك، فإن النظر إلى الفيلم بعيون جديدة، بعيدًا عن ظروف صنعه، يكشف عما قد يكون واحدًا من آخر الملحمات الغربية الأمريكية العظيمة. من العدد الكبير من الممثلين الإضافيين، والمجموعات، والشخصيات، إلى تصوير فيلموس زسيغموند الجميل، فإنه عمل مثير للاهتمام (رغم عيوبه) بلا شك. فلماذا كان سوء فهمه بهذا الشكل؟ ربما كان الجمهور يتوقع الغربي الكلاسيكي التالي، وبدلاً من ذلك حصلوا على فيلم مضطرب، مضاد للويسترن، أكثر ارتباطًا بالحساسية الأوروبية الفنية والمواضيع الغامضة من فيلم كلينت إيستوود.
لم تساعد مدة الفيلم التي تقارب الأربع ساعات وإيقاعه البطيء أيضًا. كانت هوليوود في ذلك الوقت في فترة انتقالية، تنتقل من المشاريع التي يقودها الفنانون إلى عصر الأفلام الضخمة. كان الجمهور جائعًا للغزاة التاليين لصندوق النقد الدولي، أو حرب النجوم التالية، وليس هذا. ربما كان سبب آخر كبير لعدم رؤيته بشكل إيجابي في ذلك الوقت هو أن تعليقه على الرأسمالية، والمهاجرين، و”الحلم الأمريكي” كان متقدمًا على وقته. في عام 1980، في بداية رئاسة ريغان، كانت الترفيه تميل مرة أخرى نحو صناعة الأساطير الوطنية، وليس ضدها. بعد عقود، تجعل أسلوبه الفريد، وحجمه الفوضوي، وتعليقه السياسي الحاد منه فيلمًا يجب مشاهدته حقًا.
2. Showgirls (1995)
حان الوقت للتخييم قليلاً مع هذا الاختيار التالي. واحدة من أكثر الأفلام التي تم انتقادها على الإطلاق، فيلم Showgirls لبول فيرهوفن هو فيلم آخر كان عليه الانتظار لعقود ليحصل على تقديره.
كانت ميزانيته البالغة 45 مليون دولار تُعتبر كثيرة جدًا لفيلم إثارة جنسية في ذلك الوقت، حتى عندما كان فيرهوفن يركب على نجاح Total Recall (1990) وBasic Instinct (1992). عند صدوره، هاجم النقاد الفيلم بشدة، حتى أنهم ذهبوا إلى حد اعتباره واحدًا من أسوأ الأفلام التي تم صنعها على الإطلاق. تم تجاهله باعتباره استفزازًا للبورنو الناعم، وكانت الممثلة الرئيسية إليزابيث بيركلي مُهينة جدًا لأدائها لدرجة أن حياتها المهنية لم تتعاف أبدًا.
ما لم يستطع الجمهور والنقاد في ذلك الوقت رؤيته هو أن هذا كان عمل مخرج يتحكم بالكامل. كانت حساسية فيرهوفن الأوروبية وأسلوبه يتجاوزان تمامًا الفهم الأمريكي. تم تسويق الفيلم كدراما جنسية مثيرة ولكن كان أكثر من مجرد ساتير مبالغ فيه عن عمد، حيث يتطابق الشكل مع الوظيفة. أعادت التقييمات الحديثة تأطيره كتحليل ذكي، ثوري للآلة الترفيهية الأمريكية. استخدم بول فيرهوفن، الذي ليس غريبًا عن السخرية (RoboCop، Starship Troopers)، الفائض (العري، العنف، الميلودراما) ليس من أجل الصدمة وحدها ولكن كمرآة لمدينة لاس فيغاس نفسها، مدينة يتم فيها تسويق الجنس والعرض.
قصة نومي مالون هي حكاية عن الاستغلال والطموح، وكيف يتم استهلاك الأجساد الأنثوية من قبل الأنظمة الأبوية. بعد عقود، تم إنقاذها من قبل النقاد، والباحثين، وعشاق السينما، مع الاعتراف الآن بأداء إليزابيث بيركلي على أنه مُبالغ فيه عمدًا ليتناسب مع المسرحية الغريبة لبيئتها. أثبت فيرهوفن مرة أخرى أنه كان متقدمًا على اللعبة مع هذه الجوهرة الم misunderstood.
3. Deconstructing Harry (1997)
تُعتبر هذه الكوميديا السوداء لعام 1997 مُفهمة بشكل خاطئ بطريقة مختلفة. بينما لم تتلقَ الإشادة مثل الأعمال السابقة مثل Hannah and Her Sisters أو Annie Hall، إلا أنها لا تزال تُعتبر وتظل تُعتبر إدخالًا جيدًا في كانون آلن. ومع ذلك، رأى معظم المشاهدين الشخصية الرئيسية، الكاتب الخائن والفظ هاري بلوك، كأحد الأنا الأخرى لوودي آلن، أكثر من كونه صورة ذاتية مُخففة.
ومع ذلك، ما يحدث هنا أعمق من ذلك. في ذلك الوقت، كان آلن قد مر مؤخرًا بانفصال قبيح مع الممثلة ميا فارو. كانت واحدة من أصدقاء فارو في ذلك الوقت هي الروائية الشهيرة فيليب روث. كان آلن وروث خصمان غير رسميين لعقود. فنانان يهوديان أمريكيان معروفان بأعمالهما الاستفزازية والبصيرة. كانت هناك العديد من الحالات التي كان فيها الاثنان يتبادلان الانتقادات في المقابلات وما إلى ذلك. وفقًا لسيرة حياة بليك بيلي، اعتبر روث آلن “مُفكر زائف” وكان مُنفصلًا بشدة عن أفعاله. كان احتقار روث لآلن متجذرًا في أبعاد شخصية ومهنية.
هنا يكمن سوء الفهم في Deconstructing Harry، حيث إن هاري بلوك هو في الواقع بديل لروث. الكاتب الشهير لكتاب Portnoy’s Complaint وThe Human Stain، وغالبًا ما استخدم شخصيات خيالية بديلة لنفسه في رواياته. في الفيلم، يأخذ آلن هذه الفكرة عن “الفنان كالنرجسي” إلى حد سخيف. كانت وسيلة لآلن للاعتراف والابتعاد عن المقارنات مع روث بينما يستخدم هاري ككيس للضرب لسمعتيهما. بسبب المناخ الثقافي في ذلك الوقت، تم تحويل هذه السخرية المُفهمة بشكل خاطئ إلى أدب ذاتي مُهين في نظر الجمهور. ومع ذلك، فإن نظرة أقرب مع وضع هذا السياق في الاعتبار تكشف المزيد عن عبقرية هذه الكوميديا السوداء.
4. Babe: Pig in the City (1998)
تظل هذه واحدة من أغرب حالات سوء الفهم النقدي والتجاري لفيلم للأطفال. لقد سحر الفيلم الأصلي Babe (1995) الجماهير بنغمة ريفية لطيفة ورسالة دافئة. توقع الجمهور المزيد من نفس الشيء هنا. بدلاً من ذلك، قدم جورج ميلر (الذي، بعد كل شيء، صنع Mad Max) حكاية مظلمة وسريالية حيث تم استبدال مثالية المزرعة بمدينة قوطية رمادية مترامية الأطراف. بدلاً من الفكاهة المريحة في المزرعة، كانت التكملة مليئة بالمناظر الحضرية الديستوبية، والضربات الكابوسية، ولحظات من الرعب الحقيقي. واجه الآباء الذين أحضروا أطفالهم إلى دور السينما متوقعين المزيد من المرح مع الحيوانات المتحدثة شيئًا أقرب إلى Brazil أو Metropolis للأطفال. تجاهل معظم النقاد الفيلم باعتباره غريبًا أو غير مناسب لجمهوره.
لكن ما كان ميلر يقوم به كان أكثر طموحًا بكثير. يمكن قراءة استبدال الفيلم للمزرعة بالمدينة كحكاية عن التصنيع المفرط ورأسمالية التسارع في أواخر القرن العشرين. يتناول الفيلم مواضيع التهجير والبقاء، ومن تلك الأشكال تتشكل رسالة حول كيفية وجود اللطف حتى في أكثر البيئات عدائية. ترفض محتوياته ونبرته التحقير من الأطفال، موثقة لهم للتعامل مع الظلام بدلاً من حمايتهم منه. كان هذا الرفض هو ما عزل الجمهور في أواخر التسعينيات، وهي لحظة كانت فيها أفلام العائلة الاستوديو تميل نحو شيء أكثر حذرًا.
ومع ذلك، في السنوات التي تلت ذلك، اكتسب فيلم Babe: Pig in the City جيلًا جديدًا من المدافعين. يمكن رؤيته ليس كتكملة فاشلة، ولكن كتجربة جريئة في سينما العائلة. فيلم قوطي، ديناميكي، وذكي. يمكن أيضًا رؤية لمحات هنا من المبالغة الميلرية التي ستصل إلى ذروتها بعد سنوات في Mad Max: Fury Road. ما كان يبدو في السابق كخطأ الآن يُعتبر دليلًا على أن أفلام الأطفال يمكن أن تحتوي على ظلام حقيقي دون فقدان الأمل.
5. Southland Tales (2006)
قد يبدو الادعاء بشأن هذا الفيلم بعيد المنال بعض الشيء. بعد كل شيء، تُعرف هذه الكوميديا السوداء الخيالية بأنها واحدة من أكبر الفشل في العقد الأول من القرن الحادي والعشرين، وتم صياحها في كان وتم انتقادها تقريبًا بالإجماع. كانت متابعة المخرج ريتشارد كيلي للنجاح المستقل Donnie Darko (2001)، وانتهت تقريبًا مسيرته المهنية. يمكن قول الكثير عن فوضويته، لكن هذا هو بالضبط السبب في أنه يعمل كاستعارة للحالة المجزأة والمشبعة بالوسائط للعالم.
فيلم طويل (160 دقيقة)، ذو إيقاع غريب، ومليء بنغمات ومواضيع مختلفة (وأحيانًا متناقضة). من المصارعة، إلى الموسيقي، إلى الخيال العلمي، إلى السياسة، إلى البورنو، تغطي Southland Tales طيف المشهد الإعلامي في أوائل القرن الحادي والعشرين. رأى الكثيرون انتشارها ومبالغتها كخطأ من مخرج شاب أخذ أكثر مما يمكنه تحمله. وهناك حقًا حالة يمكن تقديمها بأن هذا فيلم سيء، لكن إعادة التقييم المستمرة والنقاش المتجدد حوله تشير إلى العكس. يعمل كمرآة لأمريكا ما بعد 11 سبتمبر، مجتمع مشبع بالبارانويا، والمراقبة، والشركات، وعرض السياسة المشاهير. تعيد الجداول الزمنية المجزأة والتحولات النبرية المفاجئة تكرار تجربة العيش في عالم مشبع بالوسائط، مدفوع بالقلق. عالم يبدو أكثر واقعية بالنسبة لنا الآن مما كان عليه حتى في ذلك الحين.
من خلال الاستفادة من مفهوم بودريارد عن الفائض، يمكن رؤية عدم اتساق الفيلم ليس كعيب ولكن كصدى شكلي لمجتمع حيث تجاوزت العلامات والصور أي توافق حول ما هي الحقيقة بالفعل. يتم تعزيز هذا الفوضى الموضوعية من خلال جماليته: المرئيات المستوحاة من مقاطع الفيديو الموسيقية والاختيارات الغريبة في التمثيل (دوين جونسون، سيان ويليام سكوت، ماندي مور، جاستن تيمبرليك) تعزز القراءة الساخر للفيلم لثقافة حيث الترفيه، والسياسة، والمصالح الشركات متشابكة بشكل لا ينفصم.
فوضاه تقريبًا نبوءة لعصر TikTok/صانعي المحتوى. كانت هذه طريقة للسخرية والتعليق الاجتماعي لم تنجح في ذلك الوقت. ولكن اليوم، تستمر سمعتها في النمو. مثل Showgirls، إنه فيلم كان عليه “الانتظار” للحظة الثقافية المناسبة. يستحق الاعتراف ليس للكمال ولكن لالتقاطه هذيان أمريكا المتداعية بهذه الطريقة الطموحة (والممتعة).
6. The Lone Ranger (2013)
عند صدوره، تم انتقاد فيلم الويسترن لفيربينسكي باعتباره قنبلة شباك تذاكر متضخمة ومحاولة فاشلة أخرى من هوليوود لتسويق عرض محبوب. تم تأطير العديد من المراجعات على أنه عمل مشوش من الناحية النبرية، مظلم جدًا للأطفال وسخيف جدًا للبالغين. لم يكن معجبو العرض الأصلي سعداء أيضًا. ولإضافة إلى كل ذلك، كان هناك تصوير جوني ديب لشخصية تونتو، وهو أمريكي أصلي. ليس مظهرًا جيدًا. لكن تحت كل ذلك يكمن ويسترن مُعاد تقييمه وغير مُقدَّر، وفي بعض النواحي، مُخالف. نقد للأسطورة الأمريكية متخفيًا كفيلم ضخم من ديزني.
للحصول على بعض السياق: كانت الويسترن الكلاسيكية في الثلاثينيات والخمسينيات تمجد التوسع والعدالة الحدودية. مع انتقال أمريكا من فترة الازدهار بعد الحرب إلى أوقات سياسية وثقافية مضطربة، بدأ نوع الويسترن في عكس التاريخ. بدأت أفلام مثل The Wild Bunch (1969) وMcCabe & Mrs. Miller (1971) ولاحقًا Dead Man (الذي يشارك فيه ديب أيضًا) في التساؤل عن أسطورة “القدر الواضح” والروابط غير القابلة للفصل بين روح الويسترن، والرأسمالية، والإبادة الجماعية. بطرق عديدة، ينتمي فيلم The Lone Ranger لفيربينسكي إلى هذه التقليد المُعاد تقييمه، مستخدمًا أيقونات الويسترن لاستجواب العنف والاستغلال الذي بنى ذلك.
دون الخوض في التفاصيل، فإن الصراع المركزي في الفيلم ليس مع اللصوص، بل مع توسيع السكك الحديدية العابرة للقارات؛ من خلال ذلك، يخلق رابطًا مباشرًا بين إبادة السكان الأصليين والسلطة الشركات الأمريكية. كان مزيج النقد المناهض للإمبريالية، وتحولات النبرة، واختيار ديب المثير للجدل مُربكًا جدًا للجمهور السائد. لكن The Lone Ranger يستحق الاعتراف كفيلم نوعي طموح ومخالف مختبئ في العلن.
7. Spring Breakers (2013)
أوه، هارموني كورين. لقد صنع هذا الرجل مسيرة كاملة من الجدل. تم تسويق المقطع الدعائي لهذا الفيلم كفيلم حفلة مجنون مع نجوم ديزني السابقين “الذين انحرفوا عن المسار”. ما حصل عليه الجمهور فعليًا كان سخرية ثقافية بريختية ربما لم يكونوا مستعدين لها.
من السهل تجاهل هذا الفيلم كأغنية استغلالية أخرى للمال، والعنف، والفائض. لكن هناك انفصال واضح يخلقه كورين هنا. يستخدم جمالية “استراحة الربيع” ليس للاحتفال بها، ولكن للتساؤل عنها. يعزز اختيار نجوم ديزني السابقين هذا، حيث يتم إعادة تسويق البراءة كإفراط جنسي. تساعد عملية التحرير، والمرئيات المستوحاة من MTV، والأضواء النيون في إخفاء الفيلم تقريبًا كمقطع فيديو موسيقي. بدلاً من السرد التقليدي، يحتوي هذا الفيلم على هيكل غير خطي، متكرر، مليء بموسيقى EDM والأضواء اللامعة. يخدع المشاهدين في استهلاكه كشيء ممتع بينما يشهدون في الوقت نفسه فراغًا خالصًا وإباحية. من السهل أن نرى لماذا كان هذا محبطًا للكثيرين.
في hindsight، يقف Spring Breakers كواحد من أكثر السخرية حدة من فائض القرن الحادي والعشرين. إنه ساخر، لاذع، وفي بعض الأحيان مضحك بشكل مظلم. مشهد “انظر إلى قضيتي” الشهير لفرانكو مثالي لأنه ليس فقط مضحكًا، ولكنه أيضًا يلخص تمامًا ما يدور حوله الفيلم: استهلاكية عديمة المعنى مُعبأة كجنة.
8. Under the Silver Lake (2018)
تم تصميم هذا الفيلم النيو-نوير من A24 تقريبًا ليكون مُفهمًا بشكل خاطئ. لقد أزعجت روايته غير الخطية، والتفرعات السريالية، والنهاية الغامضة العديد من المشاهدين. تجاهل هذا الرد مدى دقة ووضوح الانتقادات التي يقدمها.
في جوهره، هذا فيلم عن فراغ لوس أنجلوس المعاصرة. يتجول شخصية أندرو غارفيلد، سام، في حي سيلفر ليك، الذي كان يومًا ما ملاذًا للثقافة المضادة، والآن استولى عليه التحديث، وحفلات السطح، والسعي وراء الاتجاهات الفارغة. الفيلم مليء بمؤامرات غريبة، ورموز، وإشارات ثقافية شعبية، والتي، بدلاً من أن تكون عشوائية، هي تعبير رمزي عن بارانويا سام في مدينة يشعر فيها كل شيء بالفراغ.
السخرية حادة بشكل خاص بالنسبة لسكان لوس أنجلوس الذين يتعرفون على موقع الفيلم. يتم تأطير سيلفر ليك كمدفن ثقافي حيث تم استبدال الأصالة بالعلامة التجارية. خارج لوس أنجلوس، فاتت العديد من الجماهير هذه النكات الثقافية، ورأت تفاصيلها كغرائب ذاتية. يتتبع سام أنماطًا فارغة، باحثًا عن معنى حيث لا يوجد، ويجرنا معه. بحلول النهاية، يصبح الفيلم أقل عن حل لغز وأكثر عن إدراك عبثية محاولة العثور على معنى في ثقافة قد سُطحت كل شيء إلى جمالية ومحتوى قابل للاستهلاك. فيلم غير متسق لمكان غير متسق.
9. Queer (2024)
واحد من أحدث الإصدارات التي حصلت على مكان هنا، لكن القضية من أجله قوية جدًا لدرجة أنه لا يمكن تجاهلها. كان هذا هو متابعة غواداغنينو الفورية تقريبًا لفيلم Challengers الناجح بشكل كبير، ومع ذلك، فقد انزلق بعيدًا عن الجماهير السائدة وتم تجاهله تقريبًا بالكامل من قبل دائرة الجوائز. كان مشروع شغف لصانع الأفلام الإيطالي، الذي ذكر ويليام بوروز، كاتب الرواية الأصلية، كمصدر إلهام رئيسي. ليس من المستغرب أن تكيف رواية شبه سيرة ذاتية تدور أحداثها في مدينة مكسيكو في الخمسينيات، كتبها مدمن مخدرات وجنس، يُطلق على نفسه “منحرف”، لم يتصل بشكل واسع. ما هو مؤسف هو كيف أن أولئك الذين سعوا إليه غالبًا ما فاتهم السياق والتعقيدات المعنية.
تم كتابة Queer خلال فترة بوروز في مدينة مكسيكو ككاتب مغترب. انتهت هذه الفترة من حياته بشكل مأساوي عندما قتل زوجته، جوان فولمر، عن طريق الخطأ أثناء أداء خدعة في حفلة وهو في حالة سكر. في ذلك الوقت، كان بوروز أيضًا يكافح مع إدمان الهيروين. يحتضن غواداغنينو نثر بوروز غير الخطي، والذي غالبًا ما يكون غير مريح، بدلاً من تسويته إلى سرد تقليدي. كانت مثليته مرتبطة بالتهميش، والعنف، والإدمان، وليس التأكيد. يكرم غواداغنينو هذا من خلال الحفاظ على الفيلم غير متألق وكئيب. قرأ بعض الجمهور هذا على أنه تراجع أو “مشكلة” لأنهم حكموا عليه وفقًا لمعايير السينما المثلية المعاصرة، بدلاً من سياقه في منتصف القرن العشرين. الرواية وفيلم غواداغنينو مجزأة، وبارانويد، وغير مريحة عن عمد. تم القبض على الجمهور الذي توقع معالجة رومانسية على طراز Call Me by Your Name. ومع ذلك، قدم دانيال كريغ أداءً يُعتبر الأفضل في مسيرته، والذي يستحق اعترافًا أكبر بكثير من الجوائز مما حصل عليه.
لكن هذا الفيلم يشعر وكأنه بوروز، بكل آلامه، وأسراره، وتناقضاته. تكيف غير تقليدي لأديب تحدى التقاليد في حياته وعمله.
10. Eddington (2025)
قد يكون من الجريء تضمين فيلم حديث مثل هذا في هذه القائمة، لكن النقاش والردود حوله مثيرة جدًا للاهتمام لدرجة أنه لا يمكن تجاهلها. صنع آري أستر هذا النيو-نوير ما بعد الجائحة الذي يغوص في بارانويا، وإشباع الوسائط، وانهيار الإجماع الاجتماعي. تم انتقاده بشدة من قبل الجماهير باعتباره تأملًا غير متسق، وإسقاط قلق الخصاء، ومركزية مُتخفية كانتقاد سياسي. إن حداثة الجائحة هي بالتأكيد عامل أيضًا. لا يزال العالم يعالج هذه الأحداث، لذا من الصعب فصل المرء عن سياقه.
في المركز هو الشريف جو كروس (خواكين فينيكس)، الذي يوجهنا من خلال فوضى إيدينغتون، نيو مكسيكو. محاصرًا مع حماته الانتقامية، وزوجة مصدومة (إيما ستون)، وعمدة ليبرالي تكنوقراطي (بيدرو باسكال)، يكون جو مشاركًا وشاهدًا على بلدة اهتزت بالمؤامرات، والنشاط الزائف، والبارانويا. مع تآكل سلطة جو وصورته، يتجه الفيلم نحو نقد كوميدي مظلم لأمريكا، يتمحور حول الوكالة، والذكورة، والإرث.
يُعكس أستر الثقافة المعاصرة للجماهير: التطرف عبر TikTok، ومؤامرات QAnon، واحتكارات البيانات الشركات، والعدالة الاجتماعية الزائفة تتصادم جميعها في هذا الميكروكوزم. تعكس جمالية الفيلم مواضيعه: لقطات واسعة مسطحة، شاشات شاملة، شعارات، منشورات على وسائل التواصل الاجتماعي، ومقاطع فيديو حملات تعزز الإغتراب وانهيار اللغة والإجماع.
يقرأ العديد من النقاد والمشاهدين Eddington بشكل خاطئ، مركزين على سخريته أو قراءة قلق أستر كأطروحة الفيلم. لكن كل هذا متعمد. إنه فوضوي، مترامي الأطراف، وعميق التفكير في الوقت الذي نعيش فيه. تضع لحظاته النهائية، مع جو كروس المعاق يشاهد Young Mr. Lincoln (1939)، الفيلم في حوار مباشر مع أسطورة ويسترن جون فورد ومثالية رجل القانون الأمريكي. من خلال إظهار شخصية مكسورة، مُتساهلة أخلاقيًا في مكان بطل الشريف الكلاسيكي، يستجوب أستر كل من مفهوم السلطة/الذكورة واستحالة استعادة النظام الاجتماعي في عالم تحكمه شركات عملاقة بلا وجه. في مزيجه من الفكاهة، والرعب، والتجريب الشكلي، يُعتبر Eddington بعيدًا عن كونه خطأ.
المصادر
Bramesco, C. (2020, September 23). 25 years later, it’s obvious we got Showgirls all wrong. InsideHook. https://www.insidehook.com/film/showgirls-25-anniversary-elizabeth-berkley
Brody, R. (2020, November 19). Heaven’s Gate at 40: how we learned to love a notorious flop. The Guardian. https://www.theguardian.com/film/2020/nov/19/heavens-gate-at-40-how-we-learned-to-love-a-notorious-flop
Baudrillard, J. (1994). Simulacra and simulation (S. F. Glaser, Trans.). University of Michigan Press.
Ebert, R. (2019, April 18). Under the Silver Lake movie review (2019). RogerEbert.com. https://www.rogerebert.com/reviews/under-the-silver-lake-2019
Nayman, A. (2023, March 22). Culture or Vulture? ‘Spring Breakers’ 10 Years Later. The Ringer. https://www.theringer.com/2023/03/22/movies/spring-breakers-anniversary-harmonykorine-jamesfranco
Robey, T. (2024, November 8). A children’s classic turned box office bomb: Inside the failed experiment of Babe: Pig in the City. Literary Hub. https://lithub.com/a-childrens-classic-turned-box-office-bomb-inside-the-failed-experiment-of-babe-pig-in-the-city/
(2015, December 4). “Brechtian”: A clarification. 4th Wall Dramaturgy. https://4thwalldramaturgy.byu.edu/brechtian-a-clarification
