تم إنشاء جائزة الأوسكار لأفضل فيلم روائي دولي في عام 1948. إنها فئة مثيرة للاهتمام. من الرائع أنها موجودة، حيث تساعد في تسليط الضوء على الأفلام من جميع أنحاء العالم التي قد لا تحصل على الاعتراف الذي تستحقه. على مدى الثمانين عامًا الماضية، تم إنشاء بانثيون مذهل من السينما العالمية. سيكون عالم الأفلام أسوأ حالًا بدون هذه الجائزة.
لكن الجانب الآخر من ذلك هو أنها تتنافس بالأفلام من كل بلد على وجه الأرض باستثناء الولايات المتحدة ضد بعضها البعض كل عام. هناك ما يقرب من مئتي دولة على الأرض، ومع ذلك هناك خمسة أماكن فقط للمرشحين. من هناك، يختارون فيلمًا واحدًا من المفترض أن يمثل أفضل ما في السينما العالمية؛ بعبارة أخرى، فيلم واحد من المفترض أن يمثل 96% من سكان البشرية.
عند التفكير في ذلك، فإن السباق للحصول على أفضل صورة دولية هو خيار شبه مستحيل. هناك العديد من الأفلام الرائعة المرشحة كل عام والتي تستحق الفوز. للأسف، بسبب عمق المنافسة، تغادر العديد من الأفلام الجديرة دون جائزة. فيما يلي عشرة من أفضل الأفلام الدولية المرشحة للجائزة التي لم تحصل عليها.
1. Embrace of the Serpent (2015)
الأفلام التي تضم شخصيات من السكان الأصليين ليست شائعة. الأفلام التي تضم شخصيات من السكان الأصليين بينما تجلب أيضًا أصوات السكان الأصليين خلف الكاميرا نادرة حتى أكثر. الأفلام التي تعمل عن كثب مع المجتمعات الأصلية، وتسأل مباشرة عن إذنها بشأن أماكن التصوير وتتعاون بشكل وثيق في إنتاجها نادرة جدًا لدرجة أنه لا يوجد سوى عدد قليل منها. فيلم Ciro Guerra بالأبيض والأسود Embrace of the Serpent هو واحد من تلك القلة. إنه إنجاز مذهل، خاصة بالنظر إلى أنه الفيلم الطويل الثالث فقط له.
يتبع هذا الفيلم رحلات مستكشفين غربيين عبر غابة الأمازون. الأول هو عرقية ألمانية في عام 1909، والثاني عالم نبات أمريكي في عام 1940. كلا الرجلين يساعدهما نفس الرجل الأصلي، بعد سنوات؛ يحصل الألماني على الشاب الغاضب من هذا الرجل كمرشد متردد، بينما يحصل الأمريكي على النسخة الأكبر والأكثر هدوءًا. في كلا الحالتين، يبحثان عن نبات أسطوري، الياكرونا،
بينما الياكرونا مهم بالفعل لمعناه المقدس في الثقافة الأصلية المحلية، فإن هذا الفيلم يتعلق أكثر بالرحلة (أو، بدقة أكبر، رحلتين) من الوجهة. الفيلم يذكرنا بـ Apocalypse Now. تمر كل من بعثتي 1909 و1940 بالكثير وتواجه العديد من الصعوبات، بما في ذلك سكان آخرين في الغابة. على طول الطريق، نرى الأضرار العميقة التي تسببها التدخلات الخارجية في المجتمعات الأصلية المحلية. وهذا يشمل ليس فقط إرث الاستعمار الأوروبي، ولكن حتى الأضرار التي لحقت بها من قبل الحكومات اللاتينية الأمريكية المستقلة خلال الفترة التي يحدث فيها هذا الفيلم.
مثال صارخ على هذا الرعب هو الواقع المحيط بالمطاط. يتحدث العديد من الشخصيات الأصلية عن “المطاط” بمعنى الموت. قد يبدو ذلك سخيفًا في البداية، لكن بعد ذلك تحصل على السياق: تم إجبار السكان الأصليين على العمل في ظروف مروعة في مزارع المطاط وعوملوا بقسوة لا تصدق. نرى أشخاصًا بلا أطراف بفضل هذه المزارع، بالإضافة إلى مقابر جماعية لأولئك الذين عملوا حتى الموت. في تحول غريب من القدر، أصبحت الثروة الطبيعية للأمازون لعنة على سكانها. أدى دافع الرأسمالية الغربية للاستهلاك المستمر للموارد بأي ثمن إلى الاستغلال والبؤس والموت للعديد من سكانها.
لكن هذا ليس مجرد فيلم عن شرور الاستعمار والجشع. إنه أيضًا دراسة شخصية مثيرة مليئة بلحظات لا تُنسى تتجاوز سردًا بسيطًا عن الناس الأصليين الطيبين مقابل الغربيين السيئين. الشخصيات الرئيسية في هذا الفيلم مُدركة جيدًا ومدفوعة بدوافع واضحة، ومع ذلك يتم دفعها بطرق تكون أحيانًا مفاجئة، مما يساعد على تجنب الكثير من التوقعات. يسمح هذا التركيز على الشخصية والأحداث التي تتكشف من ما يسعون إليه للفيلم بتنفيذ توازن صعب بين احترام الثقافات المحلية مع الاستمرار في الالتزام بمهمته المتمثلة في تقديم مغامرة مكثفة ولا تُنسى. إنه إنجاز مذهل.
2. A Man Called Ove (2016)
Hannes Holm هو كاتب ومخرج بدأ في التلفزيون في الثمانينيات قبل أن ينتقل إلى السينما في التسعينيات. وهو معروف بشكل أفضل بمسلسلاته الدرامية التي تمزج بفعالية بين كلا العنصرين. A Man Called Ove، المستند إلى رواية تحمل نفس الاسم صدرت في عام 2012، هو ذروة مواهبه.
الفكرة بسيطة. أوفي هو رجل مسن متجهم. يفتقد زوجته الراحلة وقد استسلم للحياة. يتذكر على الفور الشخصية المشابهة من فيلم Pixar’s Up، ولكن بطريقة أكثر واقعية. نحو بداية الفيلم، نراه يحاول إنهاء حياته، لكنه يتInterrupted من قبل جاره الجديد، مهاجرة فارسية انتقلت للتو مع زوجها السويدي وأطفالهم. يطلبون منه المساعدة، والتي يقدمها على مضض، ولكن مع استمرار زياراتهم له وإظهار اهتمامهم بالتعرف عليه، تعطل خططه المستمرة لإنهاء حياته.
من هناك، يمكنك على الأرجح تخمين أين يذهب الفيلم: الرجل العجوز المتجهم يصبح صديقًا لجيرانه الجدد ويجد هدفًا جديدًا في الحياة. إلى حد ما، هكذا تسير الأمور. لكن ليس هذا كل ما يحدث. يساعده جيرانه الجدد في بناء علاقات جديدة، لكنهم أيضًا يساعدون في إحياء روحه بما يكفي حتى يتمكن تدريجيًا من التواصل مع الآخرين، حتى أولئك الذين كان قريبًا منهم قبل أن يبتعد عنهم. هذه ليست مجرد فيلم عن تكوين صداقات مع مجموعة واحدة من الناس، بل عن الحاجة التي يشعر بها الجميع لوجود حقيقي في المجتمع. إن انتصار أوفي العظيم في هذا الفيلم ليس مجرد تكوين صداقات مع جيرانه الجدد، بل مساعدته في الدفاع عن جار مختلف خلال وقت حاجته.
نرى أيضًا، من خلال سلسلة من الذكريات، أن أوفي قد عاش حياة مليئة. خلال محاولات انتحاره، نعود إلى لحظات حاسمة في حياته، مثل وفاة والدته وطفولته تحت رعاية والده الهادئ ولكن المحب. ترى شظايا من حياة كاملة، حزينة ولكن ذات مغزى، تذكرك بأن كل شخص مسن متجهم قد خاض معارك لا تعرف عنها شيئًا. إنه حقًا يمنحه حياة داخلية يصعب التقاطها في “الحاضر” الذي يحدث فيه الفيلم.
إذا كان أي من هذا يجعل الفيلم يبدو جادًا أو دراميًا بشكل مفرط، فإنه من الجدير بالتكرار أن هذه دراما كوميدية وبالتالي جزء من الكوميديا. غالبًا ما يأتي هذا من طبيعة أوفي المتجهمة التي تتعارض مع العالم الأخف والأشخاص الأكثر ودية من حوله. يمكن أن يصبح هذا الفيلم مظلمًا في بعض الأماكن، ولكن بشكل عام هو فيلم مليء بالأمل ويؤكد على الحياة حول الحاجة إلى المجتمع والهدف. بالنظر إلى عصر الانفصال والوحدة الذي نعيش فيه اليوم، فإن هذا فيلم رائع لزماننا.
3. Shoplifters (2018)
Hirokazu Kore-eda هو واحد من أعظم المخرجين اليابانيين المعاصرين. بدأ مسيرته كمساعد مخرج للأفلام الوثائقية. في أوائل التسعينيات، صنع بعض الأفلام الوثائقية الخاصة به قبل أن ينتقل إلى الأفلام الروائية، التي بدأت مع Maborosi في عام 1995. حتى الآن، أخرج سبعة عشر فيلمًا، العديد منها حصلت على جوائز وتكريمات عديدة.
بينما صنع العديد من الأفلام المشهورة، يعتبر الكثيرون أن Shoplifters هو أعظم أعماله. يتبع مجموعة من الأشخاص الذين يعيشون معًا في فقر على أطراف طوكيو: امرأة مسنّة، وزوجين في منتصف العمر، وامرأة شابة، وصبي في سن المراهقة. المجموعة ليست مرتبطة بالدم، ولكنها نوع من العائلة التي تم العثور عليها. بينما يكسب بعضهم المال بطرق شريفة، فإنهم أيضًا يسرقون من المتاجر من أجل البقاء. تكمن تناقض صعب في قلب هذه المجموعة: لديهم بوضوح حب عائلي لبعضهم البعض، ومع ذلك هناك أيضًا شيء غير صحي وغير وظيفي حول ذلك.
إضافة شخصية جديدة، فتاة صغيرة، تظهر كلا الجانبين من هذه الديناميكية بشكل مثالي. يلتقون بها وهي جالسة بمفردها على شرفة عائلتها. إنها باردة وجائعة ومغطاة بالندوب. تنتهي المجموعة بتبنيها (أو، في الواقع، اختطافها). من ناحية، اتخاذ الأمر على عاتقك “لإنقاذ” طفل من والديهم ليس شيئًا يجب على الناس أن يقرروا أنهم يملكون السلطة للقيام به. لا يساعد أنهم يشركونها في مخططات سرقة المتاجر الخاصة بهم. ومع ذلك، في نفس الوقت، فإنهم يهتمون بها بوضوح، ويقدمون لها العطف والاهتمام الذي لم تتلقاه أبدًا في المنزل.
في واحدة من أكثر المشاهد تأثيرًا في الفيلم، تحمل المرأة المتزوجة في المجموعة هذه الفتاة الصغيرة، وتخبرها أنه إذا كان والداها يحبونها حقًا، فلن يضربوها، وتعانقها بينما تقول “هذا ما تفعله”. بينما تفعل ذلك، تبدأ في البكاء (شيء سيفعله العديد من المشاهدين أيضًا خلال هذا المشهد). من الواضح أنها تتحدث بقدر ما تتحدث إلى نفسها كما تتحدث إلى الفتاة الصغيرة، وأنها تريد أن تفعل كل ما في وسعها لحماية هذه الفتاة من أي شيء مرت به كطفلة. ترد الفتاة بمسح دموع المرأة.
تصل تلك المشهد إلى جوهر هذا الفيلم. كل شخص في المجموعة يعني حسن النية ويهتم حقًا ببعضهم البعض. ومع ذلك، لا يزال هذا بيئة غير وظيفية. العديد من أفعالهم السيئة تلحق بهم بحلول النهاية، وتظهر الأسرار أن مشاكلهم أعمق مما كنا نعتقد في البداية. ببساطة، لم يكن بإمكان حياتهم الاستمرار كما كانت. ومع ذلك، لا يهتم Kore-eda بالحكم عليهم بشدة. إنه يدرك أنهم يحاولون بذل قصارى جهدهم، مهما كانت النتائج فوضوية. إن هذا التوازن هو ما يجعل الفيلم مؤثرًا للغاية.
4. Les Misérables (2019)
“تذكروا هذا، أصدقائي: لا توجد نباتات سيئة أو رجال سيئون. هناك فقط مزارعون سيئون.” -فيكتور هوغو، Les Misérables
Les Misérables هو واحد من أعظم أعمال الأدب الكلاسيكي. قصته المؤثرة حول رعب الفقر، وقوة الحب، والحاجة للوقوف ضد الظلم أدت إلى عدد لا يحصى من التعديلات، بما في ذلك المسرحيات، والمسرحيات الموسيقية، والقصص المصورة، وبالطبع، الأفلام. لقد ألهمت أيضًا العديد من القصص التي ليست تعديلات مباشرة على الرواية، ولكنها قصص جديدة مستوحاة من الأصل.
هنا يأتي فيلم Ladj Ly لعام 2019. على الرغم من العنوان، فإن هذا الفيلم مستوحى فقط من رواية هوغو، بدلاً من أن يكون إعادة سرد مباشرة لها. يتبع وحدة شرطة مكافحة الجريمة في الشوارع الفرنسية والحي الذي يراقبونه. المنطقة التي يراقبونها هي مونتفيرميل، نفس المكان الذي تقع فيه الرواية الأصلية. في فرنسا الحديثة، أصبحت المنطقة الآن منطقة فقيرة يسكنها بشكل رئيسي المهاجرون. من خلال الإعداد وحده، يمكنك رؤية الرابط إلى الأصل – بعد حوالي مئتي عام منذ عمل هوغو، لا تزال المنطقة التي كتب عنها تواجه الفقر والمعاناة والظلم.
يتم تجسيد ذلك مباشرة من خلال فرقة الشرطة التي ينضم إليها الشخصية الرئيسية، الذي انتقل للتو إلى المنطقة في بداية الفيلم. أحد الضباط هو محلي أسود مرتبط جيدًا بالمنطقة، لكن الآخر هو شخص حاد الطباع يسيء استخدام سلطته بانتظام (حقيقة أن المخرج يجعله يرتدي قميص Venum ضيق هو اختيار ملابس ملهم ولكنه دقيق). يتبع الفيلم الضابط الجديد وهو يتعرف على المجتمع الذي يراقبه الآن. ومع ذلك، لا تسير الأمور بسلاسة، ويرجع ذلك بقدر ما هو بسبب تكتيكات زملاء الشخصية الرئيسية كما هو بسبب سكان المنطقة.
من الجدير بالذكر أن لي نفسه نشأ في مونتفيرميل. استند إلى تجاربه الخاصة في نشأته هناك، بما في ذلك مشاهدته لسلسلة من الشغب الحقيقي في عام 2005 التي ساعدت في إلهام ذروة هذا الفيلم. ما يجعله رائعًا هو أن لي ينجح في دمج تجربته في حي فقير للمهاجرين مع موضوعات الرواية الأصلية. عندما تتوج كل الأمور في مواجهة كبيرة في النهاية، لا يمكنك إلا أن تفكر أنه بينما تغير الكثير على السطح منذ أن كتب هوغو روايته الأسطورية، ربما لم تتغير الأمور في العمق.
5. Pain and Glory (2019)
يعتبر بيدرو ألمودوفار على الأرجح أكثر المخرجين الإسبان شهرة على مر العصور، وبالتأكيد الأكثر شهرة بين الأحياء. بدأ بأفلام قصيرة في السبعينيات، ثم انتقل إلى الأفلام الطويلة في الثمانينيات. على مر العقود منذ ذلك الحين، صنع بعضًا من أكثر الأفلام تقديرًا في السينما الدولية. هذا الفيلم هو، جزئيًا، انعكاس وتأمل في حياته خلال تلك السنوات.
يتبع الفيلم مخرجًا مسنًا، يلعبه المتعاون الطويل الأمد مع ألمودوفار، أنطونيو بانديراس. يتعامل المخرج مع عدد من المشاكل الصحية، ناهيك عن عدم وجود هدف عام ناتج عن عدم صنع الأفلام بنشاط. غير قادر على التعامل مع مشاكله، يتجنبها، حتى أنه يتجه إلى الهيروين في وقت مبكر من الفيلم. إنه ليس في حالة جيدة جسديًا أو نفسيًا. ومع تقدم القصة، تعود قطع من ماضيه لتجد طريقها إليه وتساعده على البدء في الشفاء من خلال إعادة اكتشاف نفسه.
بينما تتكشف كل ذلك، نرى أيضًا أحيانًا لحظات من طفولته. والدته، التي تلعب دورها دائمًا الرائعة، بينيلوبي كروز، هي جزء مركزي من شبابه. تريد منه أن يذهب إلى مدرسة الإكليريكية – ليس لأنها تريد منه أن يصبح كاهنًا، ولكن لأنه ذكي ومدرسة الإكليريكية هي واحدة من الفرص القليلة للأطفال الإسبان الفقراء للحصول على التعليم. ومع ذلك، لا يريد البطل الشاب الذهاب.
تشتهر معظم أفلام ألمودوفار بالميلودراما، والفكاهة، والاستخدام الرائع للألوان. هناك طاقة هائلة في معظم أفلامه تجعلها سهلة حتى للمتفرجين العاديين للانغماس فيها. Pain and Glory مختلف قليلاً. لا تزال جميع تلك العناصر موجودة (خاصة الاستخدام الرائع للألوان)، لكن الميلودراما والفكاهة أكثر دقة. النغمة أكثر تأملية وحزينة. إنها ليست محبطة، لكنها أيضًا صادقة بشأن التحديات التي تأتي مع كل من العمر وفقدان الذات. من خلال كل ذلك، يقدم بانديراس واحدة من أكثر أدائه تميزًا ولكن لا يُنسى في مسيرته.
الأفلام التي تتحدث عن مخرج يتأمل في حياته ليست جديدة، تعود إلى فيلم فيليني 8½. Pain and Glory من بين الأفضل، متجنبًا الكثير من التأمل المفرط الذي يمكن أن تقع فيه الأفلام المماثلة. ما يجعل هذا الفيلم يعمل هو تركيز ألمودوفار على مشاكله وتأملاته، بدلاً من الرغبة في تصوير بطله الذاتي بشكل بطولي. من الواضح أنه لا يصنع هذا الفيلم لأنه يعتقد أنه أكثر الأشخاص إثارة للاهتمام في العالم، بل لأنه يتصارع مع أشياء يتصارع معها العديد من الناس، فقط بطريقته الفريدة. وبالتالي، فإن تجاربه هي قناة لاستكشافاته الموضوعية، بدلاً من أن تكون التركيز في حد ذاتها. العناية والجمال الذي يدير به هذا الاستكشاف يجعل هذا واحدًا من أفضل أعماله.
6. Quo Vadis, Aida? (2020)
بعد سقوط الاتحاد السوفيتي في عام 1991، عادت أوروبا الشرقية إلى هوايتها المفضلة قبل السوفيت: الصراع العرقي المرير. كانت الحرب البوسنية واحدة من تلك الصراعات، واستمرت من 1992-1995. يحدث هذا الفيلم، من إخراج المخرجة ياسمين زبانيك، خلال تلك الحرب. بشكل محدد، ينظر إلى الإبادة الجماعية للمسلمين البوسنيين التي حدثت خلال الحرب. الشخصية الرئيسية هي معلمة بوسنية تعمل كمترجمة للأمم المتحدة. مع تفاقم الأمور، تحاول بشدة استخدام أي نفوذ ضئيل لديها في منصبها لحماية عائلتها من الوقوع في أيدي الغزاة الذين يبدو أنهم مصممون على إيذائهم.
ما يؤثر حقًا في هذا الفيلم ليس عنف الإبادة الجماعية نفسها. في الواقع، لا يتم عرض العنف المباشر حقًا على الشاشة. عادةً ما نرى فقط ما يسبق، أو ما يلي، العنف. لا نرى أي شخص يتم إطلاق النار عليه أو تفجيره. إنها كمية مثيرة للإعجاب من ضبط النفس التي تمنع الفيلم من الشعور بالاستغلال.
بدلاً من ذلك، ما يؤثر في هذا الفيلم هو جبن قوات الأمم المتحدة هناك. يحذرون الجيش المتقدم مرارًا وتكرارًا بالتراجع، فقط ليواصلوا الدفع وتستجيب قوات الأمم المتحدة بكلمات فقط. في الواقع، ينتهك الغزاة مرارًا وتكرارًا القانون الدولي – فقط لا يحدث أي شيء في المقابل. في مرحلة ما، يتم تجاوز خط بشكل صارخ لدرجة أن حتى الضابط الثاني في القاعدة لا يمكنه تصديق الأوامر التي يتلقاها. في ضوء ما حدث في غزة على مدى العامين الماضيين، هناك إلحاح أخلاقي حقيقي في تصوير الفيلم لعدم تحرك المجتمع الدولي كما تمثله الأمم المتحدة.
ومع ذلك، لا يركز هذا الفيلم على الصراع بشكل أكبر. إنه يركز على كيفية تأثيره على البطلة وعائلتها. بينما تعطي المخاطر العاجلة جوهريًا الفيلم مخاطر درامية جدية، فإن العلاقة بين الشخصية الرئيسية وعائلتها ويأسها لحمايتهم هو ما يمنح هذا الفيلم روحه حقًا. غالبًا ما يكون مؤلمًا، وليس فقط بطرق كبيرة. تحدث بعض من أكثر اللحظات حزنًا في ثوانٍ، مثل عندما تمر بجوار جيرانها السابقين الذين يتوسلون للمساعدة لأنها مركزة جدًا على عائلتها، أو عندما يتعرف أحد جنود الجيش المحتل عليها كمعلمته السابقة. إن هذه اللحظات، مجتمعة، ترسم صورة مدمرة ولكن لا تُنسى.
7. The Worst Person in the World (2021)
يعتبر يواكيم تريير واحدًا من أكثر المخرجين الاسكندنافيين المعاصرين شهرة. المخرج النرويجي معروف بصنع أفلام فكرية، حزينة، ولكن حيوية غالبًا ما تفوز بالعديد من الجوائز. The Worst Person in the World، الفيلم الثالث من “ثلاثية أوسلو” الخاصة به التي تدور أحداثها في المدينة التي تحمل نفس الاسم، هو ربما الأكثر تقديرًا له (على الرغم من أن فيلمه الجديد Sentimental Value قد يغير ذلك بعد انتهاء موسم الجوائز).
يتبع The Worst Person in the World امرأة شابة، التي، بطريقة كلاسيكية من جيل الألفية وجيل Z، ليس لديها أي فكرة عما تريد القيام به في حياتها. تواجه صعوبة في الالتزام بالأشياء، سواء كان ذلك في تخصصها الجامعي أو علاقاتها الرومانسية. وصفها المخرج بأنها “فيلم قادم من العمر للبالغين الذين يشعرون أنهم لم ينضجوا بعد”، وهو ما يصفها تمامًا.
هذا الفيلم هو دراما كوميدية. من الناحية النغميّة، يحقق توازنًا بين الدراما والكوميديا. هذا هو بالفعل فيلم جاد حيث تحدث أشياء جادة، لكن هناك روح الدعابة والطاقة التي تضفي عليه سحرًا حقيقيًا. تجسد ريناتي رينسف، المرأة التي تلعب الشخصية الرئيسية، هذه الديناميكية بشكل مثالي. تبتسم ابتساماتها الجافة وضحكاتها الخفيفة تجذبك، مما يجعل لحظاتها الأكثر جدية تبرز حقًا بالتباين.
شيء رائع في هذا الفيلم هو أنه لا يخشى التجربة قليلاً. على الرغم من كونه فيلمًا متوازنًا بشكل عام، هناك بعض المشاهد التي تغوص في الخيال والتي تضيف لمسة إضافية من التوابل إلى القصة الممتعة بالفعل. تحاول إحدى المشاهد بشكل خاص تصوير كيف يبدو أن العالم يتوقف عندما تكون مفتونًا بشخص قابلته للتو. كل ما يفعله هذا الفيلم بشكل جيد يتجمع ليجعله من المستحيل تقريبًا كرهه، على الرغم مما قد يوحي به العنوان عن شخصيته الرئيسية.
8. Argentina, 1985 (2022)
خلال الحرب الباردة، تم جر أمريكا الجنوبية (عادةً بشكل غير راغب) إلى المواجهة العالمية بين الرأسمالية الغربية ضد الشيوعية السوفيتية. غالبًا ما أدى ذلك إلى ديكتاتوريات عسكرية وحشية دعمتها الولايات المتحدة باسم مكافحة الشيوعية. سقطت الأرجنتين تحت الديكتاتورية عدة مرات خلال تلك الفترة، وكانت الأخيرة والأكثر وحشية من 1976-1983. خلال تلك السنوات، تم اعتقال وتعذيب عدد لا يحصى من منتقدي النظام (خاصة طلاب الجامعات، ونقابيين، وصحفيين، ومعارضين سياسيين) من قبل النظام. تم قتل ما بين عشرة آلاف إلى ثلاثين ألف شخص.
سانتياغو ميتري هو واحد من أصغر المخرجين في هذه القائمة. وُلِد في عام 1980، في منتصف هذه الفترة القاسية من الديكتاتورية. كان لا يزال صغيرًا عندما انهارت، لكن المجتمع لا يتعافى من كابوس عنيف استبدادي بين عشية وضحاها. بالنسبة له ومعظم الأرجنتينيين في سنه، فإن محاولة التوصل إلى توافق مع الديكتاتورية – ومحاولة محاسبة مرتكبي أسوأ فظائعها – شكلت المشهد السياسي في شبابه. يأخذنا هذا إلى Argentina, 1985.
هذا الفيلم هو دراما قانونية حول القضية الحقيقية في عام 1985 لمحاكمة قادة الديكتاتورية العسكرية. يتبع فريق الادعاء في القضية، مع التركيز على قادته خوليو سيزار ستراسر ولويز مورينو أوكامبو. نرى ليس فقط حياتهم خلال المحاكمة نفسها، ولكن حتى في الفترة التي تسبق المحاكمة. يلعب القائدان بشكل جيد مع بعضهما البعض، حيث يكون ستراسر هو الوزن المضاد الجاف والخبراتي لشريكه الأصغر والأكثر مثالية أوكامبو. غالبًا ما يتعارضان قبل أن تجبرهم خطورة الموقف على وضع خلافاتهم جانبًا والعمل معًا.
تتمثل تحديات أي دراما قانونية في جعلها مثيرة. تحاول بعض الأفلام تحقيق ذلك من خلال الميلودراما والمخاطر المرتفعة بشكل مصطنع. ما يمنح هذا الفيلم ميزة على الآخرين في هذا النوع هو أن القصة الحقيقية التي يستند إليها مكثفة بما يكفي لعدم الحاجة إلى الكثير من اللمسات الإضافية. بينما سقطت الديكتاتورية في عام 1983، لم يختف مؤيدوها (خصوصًا أولئك في الجيش) ببساطة. يواجه الادعاء خطرًا هائلًا، والعنف والرعب الذي يحاولون كشفه يكفي لإبقاء أي مشاهد على حافة مقعده. واحدة من أكثر المشاهد كثافة في الفيلم تأتي عندما يصف عدد من الشهود ببساطة ما فعلته الديكتاتورية بهم وبعائلاتهم.
هذا الفيلم هو العديد من الأشياء. إنه فن، إنه تمثيل لفترة مهمة من تاريخ العالم، وهو تذكير خالد حول الحاجة إلى محاربة الديكتاتورية. إنه أيضًا شيء سيبقى معك لفترة طويلة بعد انتهائك منه.
9. The Quiet Girl (2022)
يستغرق معظم صانعي الأفلام بعض الوقت للعثور على صوتهم. قليل منهم يخرجون من البوابة بفيلم روائي أول رائع. المخرج الأيرلندي كولم بيريد هو استثناء، على الرغم من ذلك.
The Quiet Girl، كما يوحي اسمها، تتبع فتاة صغيرة هادئة. تعيش في الريف الأيرلندي مع عائلتها الكبيرة غير الوظيفية. كلا والديها يهملانها. والدتها، إلى حد ما، يمكن فهم ذلك بسبب مدى صعوبة تربيتها لجميع أطفالها؛ لا يبرر ذلك نقص الرعاية الذي تظهره لابنتها، لكنك على الأقل تفهم لماذا لا تستطيع إعطاء ابنتها ما تحتاجه. من ناحية أخرى، يبدو أن والدها مهتم أكثر بالمرأة التي يخونها من عائلته.
نظرًا لأن والديها يتوقعان طفلًا آخر، يقرران تركها مع ابنة عم بعيدة وزوجها لجعل الأمور أكثر قابلية للإدارة. لحسن حظها، يتم استقبالها ورعايتها على الفور من قبل تلك ابنة العم البعيدة. لا تعرف كيف تستجيب في البداية. الدفء البشري هو شيء مألوف بشكل مأساوي بالنسبة لها. مع تعودها على حياتها الجديدة، تخرج تدريجيًا من قوقعتها. يستغرق الأمر وقتًا أطول قليلاً حتى يعتاد زوج المرأة عليها، لكننا نفهم لماذا. في النهاية، يبدأ هو أيضًا في فعل كل ما في وسعه من أجلها.
يحتوي هذا الفيلم على مفاجآت قليلة جدًا. بمجرد أن تظهر المرأة التي تأخذ الفتاة الصغيرة جانبها الطيب، لدينا فكرة عن المكان الذي ستذهب إليه. ومع ذلك، فإنه يتناول قصته بنفس مستوى العناية الرقيقة التي يتعامل بها الزوجان مع الفتاة الصغيرة. بينما بعض الإدخالات في هذه القائمة هي قصص صغيرة وحميمة بدون الكثير من اللمعان، قد تكون هذه هي الأصغر والأهدأ من بينها جميعًا. ومع ذلك، لا تزال ممتعة مثل أي منها. حظًا سعيدًا في عدم ذرف الدموع في النهاية!
10. Perfect Days (2023)
ويم ويندرز هو مخرج ألماني صنع الأفلام منذ السبعينيات. ربما يكون فيلمه الأكثر شهرة هو Wings of Desire، وهو خيال رومانسي عن الملائكة التي تراقب الأرض، تم إنتاجه في عام 1987، قبل أن تتوحد ألمانيا. على مر كل من مسيرته وحياته الشخصية، أظهر اهتمامًا باليابان وثقافتها، بما في ذلك السينما اليابانية. في عام 1985، على سبيل المثال، صنع فيلمًا وثائقيًا عن المخرج الياباني ياسوجيرو أوزو، الذي يعتبره “معلمه” عندما يتعلق الأمر بالإخراج.
بدأت فكرة هذا الفيلم عندما دعت مؤسسة نيبون في اليابان ويندرز إلى طوكيو لإنشاء فيلم قصير أو اثنين حول سلسلة من دورات المياه العامة التي يتم بناؤها في جميع أنحاء المدينة. نعم، دورات مياه عامة. ومع ذلك، لم تكن هذه دورات المياه العامة مجرد جزء عام من تخطيط المدينة. تم تصميمها خصيصًا من قبل مهندسي طوكيو لتضيف إلى جمال ونظافة المناطق التي تم بناؤها فيها. جاء ويندرز بسرور وقرر أنه يريد صنع فيلم روائي. على عكس تعاون سابق معين بين اليابان وألمانيا، أدى هذا إلى إنشاء جميل لبقية العالم.
يتبع Perfect Days منظف دورات المياه العامة الذي يلعب دوره الممثل الياباني العظيم، كوجي ياكوشو. يعيش الرجل حياة هادئة وعادية حيث يقضي كل يوم في القيام بجولاته. في أوقات فراغه، يحب الاستماع إلى الموسيقى، والعناية بنباتاته، وقراءة كل ليلة قبل النوم. إنها ليست أكثر وجود مثير هناك، لكنه يقترب من كل يوم بابتسامة على وجهه وتفانٍ لعمله يمنحه كرامة حقيقية.
عندما يتعلق الأمر بعلاقاته الشخصية، هناك نوع من الغموض حول هذا البطل العادي الظاهر. يعيش حياة منعزلة إلى حد ما، لكنه بوضوح يريد التواصل مع الآخرين. تحصل على انطباع أنه يريد التواصل، لكنه لا يعرف كيف. عندما تهرب ابنة أخته من المنزل وتظهر عند بابه يومًا ما، يسمح لها بالبقاء معه. هذا رجل ذو قلب طيب، حتى لو لم يعرف دائمًا كيف يتواصل مع الأشخاص من حوله.
لحسن حظ البطل، يمنح القصة العديد من الفرص للتواصل مع الآخرين. بما في ذلك مع ابنة أخته. ومع ذلك، تأتي أعمق علاقة يكوّنها نحو النهاية. تحدث مع شخص في ظروف غير متوقعة تمامًا. في الواقع، كان نفس الشخص قد تسبب (عن غير قصد) في مغادرته مطعمه المفضل قبل دقائق فقط. لكن في بعض الأحيان، تكون الروابط غير المتوقعة هي التي تؤثر علينا أكثر. هناك حكمة هادئة في هذه القصة، تدور حول محاولة فهم الحاجة الإنسانية للتواصل التي تعيش داخلنا جميعًا. سيكون ياسوجيرو أوزو فخورًا.
تم إنشاء جائزة الأوسكار لأفضل فيلم روائي دولي في عام 1948. إنها فئة مثيرة للاهتمام. من الرائع أنها موجودة، حيث تساعد في تسليط الضوء على الأفلام من جميع أنحاء العالم التي قد لا تحصل على الاعتراف الذي تستحقه. على مدى الثمانين عامًا الماضية، تم إنشاء بانثيون مذهل من السينما العالمية. سيكون عالم الأفلام أسوأ حالًا بدون هذه الجائزة.
لكن الجانب الآخر من ذلك هو أنها تتنافس بالأفلام من كل بلد على وجه الأرض باستثناء الولايات المتحدة ضد بعضها البعض كل عام. هناك ما يقرب من مئتي دولة على الأرض، ومع ذلك هناك خمسة أماكن فقط للمرشحين. من هناك، يختارون فيلمًا واحدًا من المفترض أن يمثل أفضل ما في السينما العالمية؛ بعبارة أخرى، فيلم واحد من المفترض أن يمثل 96% من سكان البشرية.
عند التفكير في ذلك، فإن السباق للحصول على أفضل صورة دولية هو خيار شبه مستحيل. هناك العديد من الأفلام الرائعة المرشحة كل عام والتي تستحق الفوز. للأسف، بسبب عمق المنافسة، تغادر العديد من الأفلام الجديرة دون جائزة. فيما يلي عشرة من أفضل الأفلام الدولية المرشحة للجائزة التي لم تحصل عليها.
1. Embrace of the Serpent (2015)
الأفلام التي تضم شخصيات من السكان الأصليين ليست شائعة. الأفلام التي تضم شخصيات من السكان الأصليين بينما تجلب أيضًا أصوات السكان الأصليين خلف الكاميرا نادرة حتى أكثر. الأفلام التي تعمل عن كثب مع المجتمعات الأصلية، وتسأل مباشرة عن إذنها بشأن أماكن التصوير وتتعاون بشكل وثيق في إنتاجها نادرة جدًا لدرجة أنه لا يوجد سوى عدد قليل منها. فيلم Ciro Guerra بالأبيض والأسود Embrace of the Serpent هو واحد من تلك القلة. إنه إنجاز مذهل، خاصة بالنظر إلى أنه الفيلم الطويل الثالث فقط له.
يتبع هذا الفيلم رحلات مستكشفين غربيين عبر غابة الأمازون. الأول هو عرقية ألمانية في عام 1909، والثاني عالم نبات أمريكي في عام 1940. كلا الرجلين يساعدهما نفس الرجل الأصلي، بعد سنوات؛ يحصل الألماني على الشاب الغاضب من هذا الرجل كمرشد متردد، بينما يحصل الأمريكي على النسخة الأكبر والأكثر هدوءًا. في كلا الحالتين، يبحثان عن نبات أسطوري، الياكرونا،
بينما الياكرونا مهم بالفعل لمعناه المقدس في الثقافة الأصلية المحلية، فإن هذا الفيلم يتعلق أكثر بالرحلة (أو، بدقة أكبر، رحلتين) من الوجهة. الفيلم يذكرنا بـ Apocalypse Now. تمر كل من بعثتي 1909 و1940 بالكثير وتواجه العديد من الصعوبات، بما في ذلك سكان آخرين في الغابة. على طول الطريق، نرى الأضرار العميقة التي تسببها التدخلات الخارجية في المجتمعات الأصلية المحلية. وهذا يشمل ليس فقط إرث الاستعمار الأوروبي، ولكن حتى الأضرار التي لحقت بها من قبل الحكومات اللاتينية الأمريكية المستقلة خلال الفترة التي يحدث فيها هذا الفيلم.
مثال صارخ على هذا الرعب هو الواقع المحيط بالمطاط. يتحدث العديد من الشخصيات الأصلية عن “المطاط” بمعنى الموت. قد يبدو ذلك سخيفًا في البداية، لكن بعد ذلك تحصل على السياق: تم إجبار السكان الأصليين على العمل في ظروف مروعة في مزارع المطاط وعوملوا بقسوة لا تصدق. نرى أشخاصًا بلا أطراف بفضل هذه المزارع، بالإضافة إلى مقابر جماعية لأولئك الذين عملوا حتى الموت. في تحول غريب من القدر، أصبحت الثروة الطبيعية للأمازون لعنة على سكانها. أدى دافع الرأسمالية الغربية للاستهلاك المستمر للموارد بأي ثمن إلى الاستغلال والبؤس والموت للعديد من سكانها.
لكن هذا ليس مجرد فيلم عن شرور الاستعمار والجشع. إنه أيضًا دراسة شخصية مثيرة مليئة بلحظات لا تُنسى تتجاوز سردًا بسيطًا عن الناس الأصليين الطيبين مقابل الغربيين السيئين. الشخصيات الرئيسية في هذا الفيلم مُدركة جيدًا ومدفوعة بدوافع واضحة، ومع ذلك يتم دفعها بطرق تكون أحيانًا مفاجئة، مما يساعد على تجنب الكثير من التوقعات. يسمح هذا التركيز على الشخصية والأحداث التي تتكشف من ما يسعون إليه للفيلم بتنفيذ توازن صعب بين احترام الثقافات المحلية مع الاستمرار في الالتزام بمهمته المتمثلة في تقديم مغامرة مكثفة ولا تُنسى. إنه إنجاز مذهل.
2. A Man Called Ove (2016)
Hannes Holm هو كاتب ومخرج بدأ في التلفزيون في الثمانينيات قبل أن ينتقل إلى السينما في التسعينيات. وهو معروف بشكل أفضل بمسلسلاته الدرامية التي تمزج بفعالية بين كلا العنصرين. A Man Called Ove، المستند إلى رواية تحمل نفس الاسم صدرت في عام 2012، هو ذروة مواهبه.
الفكرة بسيطة. أوفي هو رجل مسن متجهم. يفتقد زوجته الراحلة وقد استسلم للحياة. يتذكر على الفور الشخصية المشابهة من فيلم Pixar’s Up، ولكن بطريقة أكثر واقعية. نحو بداية الفيلم، نراه يحاول إنهاء حياته، لكنه يتInterrupted من قبل جاره الجديد، مهاجرة فارسية انتقلت للتو مع زوجها السويدي وأطفالهم. يطلبون منه المساعدة، والتي يقدمها على مضض، ولكن مع استمرار زياراتهم له وإظهار اهتمامهم بالتعرف عليه، تعطل خططه المستمرة لإنهاء حياته.
من هناك، يمكنك على الأرجح تخمين أين يذهب الفيلم: الرجل العجوز المتجهم يصبح صديقًا لجيرانه الجدد ويجد هدفًا جديدًا في الحياة. إلى حد ما، هكذا تسير الأمور. لكن ليس هذا كل ما يحدث. يساعده جيرانه الجدد في بناء علاقات جديدة، لكنهم أيضًا يساعدون في إحياء روحه بما يكفي حتى يتمكن تدريجيًا من التواصل مع الآخرين، حتى أولئك الذين كان قريبًا منهم قبل أن يبتعد عنهم. هذه ليست مجرد فيلم عن تكوين صداقات مع مجموعة واحدة من الناس، بل عن الحاجة التي يشعر بها الجميع لوجود حقيقي في المجتمع. إن انتصار أوفي العظيم في هذا الفيلم ليس مجرد تكوين صداقات مع جيرانه الجدد، بل مساعدته في الدفاع عن جار مختلف خلال وقت حاجته.
نرى أيضًا، من خلال سلسلة من الذكريات، أن أوفي قد عاش حياة مليئة. خلال محاولات انتحاره، نعود إلى لحظات حاسمة في حياته، مثل وفاة والدته وطفولته تحت رعاية والده الهادئ ولكن المحب. ترى شظايا من حياة كاملة، حزينة ولكن ذات مغزى، تذكرك بأن كل شخص مسن متجهم قد خاض معارك لا تعرف عنها شيئًا. إنه حقًا يمنحه حياة داخلية يصعب التقاطها في “الحاضر” الذي يحدث فيه الفيلم.
إذا كان أي من هذا يجعل الفيلم يبدو جادًا أو دراميًا بشكل مفرط، فإنه من الجدير بالتكرار أن هذه دراما كوميدية وبالتالي جزء من الكوميديا. غالبًا ما يأتي هذا من طبيعة أوفي المتجهمة التي تتعارض مع العالم الأخف والأشخاص الأكثر ودية من حوله. يمكن أن يصبح هذا الفيلم مظلمًا في بعض الأماكن، ولكن بشكل عام هو فيلم مليء بالأمل ويؤكد على الحياة حول الحاجة إلى المجتمع والهدف. بالنظر إلى عصر الانفصال والوحدة الذي نعيش فيه اليوم، فإن هذا فيلم رائع لزماننا.
3. Shoplifters (2018)
Hirokazu Kore-eda هو واحد من أعظم المخرجين اليابانيين المعاصرين. بدأ مسيرته كمساعد مخرج للأفلام الوثائقية. في أوائل التسعينيات، صنع بعض الأفلام الوثائقية الخاصة به قبل أن ينتقل إلى الأفلام الروائية، التي بدأت مع Maborosi في عام 1995. حتى الآن، أخرج سبعة عشر فيلمًا، العديد منها حصلت على جوائز وتكريمات عديدة.
بينما صنع العديد من الأفلام المشهورة، يعتبر الكثيرون أن Shoplifters هو أعظم أعماله. يتبع مجموعة من الأشخاص الذين يعيشون معًا في فقر على أطراف طوكيو: امرأة مسنّة، وزوجين في منتصف العمر، وامرأة شابة، وصبي في سن المراهقة. المجموعة ليست مرتبطة بالدم، ولكنها نوع من العائلة التي تم العثور عليها. بينما يكسب بعضهم المال بطرق شريفة، فإنهم أيضًا يسرقون من المتاجر من أجل البقاء. تكمن تناقض صعب في قلب هذه المجموعة: لديهم بوضوح حب عائلي لبعضهم البعض، ومع ذلك هناك أيضًا شيء غير صحي وغير وظيفي حول ذلك.
إضافة شخصية جديدة، فتاة صغيرة، تظهر كلا الجانبين من هذه الديناميكية بشكل مثالي. يلتقون بها وهي جالسة بمفردها على شرفة عائلتها. إنها باردة وجائعة ومغطاة بالندوب. تنتهي المجموعة بتبنيها (أو، في الواقع، اختطافها). من ناحية، اتخاذ الأمر على عاتقك “لإنقاذ” طفل من والديهم ليس شيئًا يجب على الناس أن يقرروا أنهم يملكون السلطة للقيام به. لا يساعد أنهم يشركونها في مخططات سرقة المتاجر الخاصة بهم. ومع ذلك، في نفس الوقت، فإنهم يهتمون بها بوضوح، ويقدمون لها العطف والاهتمام الذي لم تتلقاه أبدًا في المنزل.
في واحدة من أكثر المشاهد تأثيرًا في الفيلم، تحمل المرأة المتزوجة في المجموعة هذه الفتاة الصغيرة، وتخبرها أنه إذا كان والداها يحبونها حقًا، فلن يضربوها، وتعانقها بينما تقول “هذا ما تفعله”. بينما تفعل ذلك، تبدأ في البكاء (شيء سيفعله العديد من المشاهدين أيضًا خلال هذا المشهد). من الواضح أنها تتحدث بقدر ما تتحدث إلى نفسها كما تتحدث إلى الفتاة الصغيرة، وأنها تريد أن تفعل كل ما في وسعها لحماية هذه الفتاة من أي شيء مرت به كطفلة. ترد الفتاة بمسح دموع المرأة.
تصل تلك المشهد إلى جوهر هذا الفيلم. كل شخص في المجموعة يعني حسن النية ويهتم حقًا ببعضهم البعض. ومع ذلك، لا يزال هذا بيئة غير وظيفية. العديد من أفعالهم السيئة تلحق بهم بحلول النهاية، وتظهر الأسرار أن مشاكلهم أعمق مما كنا نعتقد في البداية. ببساطة، لم يكن بإمكان حياتهم الاستمرار كما كانت. ومع ذلك، لا يهتم Kore-eda بالحكم عليهم بشدة. إنه يدرك أنهم يحاولون بذل قصارى جهدهم، مهما كانت النتائج فوضوية. إن هذا التوازن هو ما يجعل الفيلم مؤثرًا للغاية.
4. Les Misérables (2019)
“تذكروا هذا، أصدقائي: لا توجد نباتات سيئة أو رجال سيئون. هناك فقط مزارعون سيئون.” -فيكتور هوغو، Les Misérables
Les Misérables هو واحد من أعظم أعمال الأدب الكلاسيكي. قصته المؤثرة حول رعب الفقر، وقوة الحب، والحاجة للوقوف ضد الظلم أدت إلى عدد لا يحصى من التعديلات، بما في ذلك المسرحيات، والمسرحيات الموسيقية، والقصص المصورة، وبالطبع، الأفلام. لقد ألهمت أيضًا العديد من القصص التي ليست تعديلات مباشرة على الرواية، ولكنها قصص جديدة مستوحاة من الأصل.
هنا يأتي فيلم Ladj Ly لعام 2019. على الرغم من العنوان، فإن هذا الفيلم مستوحى فقط من رواية هوغو، بدلاً من أن يكون إعادة سرد مباشرة لها. يتبع وحدة شرطة مكافحة الجريمة في الشوارع الفرنسية والحي الذي يراقبونه. المنطقة التي يراقبونها هي مونتفيرميل، نفس المكان الذي تقع فيه الرواية الأصلية. في فرنسا الحديثة، أصبحت المنطقة الآن منطقة فقيرة يسكنها بشكل رئيسي المهاجرون. من خلال الإعداد وحده، يمكنك رؤية الرابط إلى الأصل – بعد حوالي مئتي عام منذ عمل هوغو، لا تزال المنطقة التي كتب عنها تواجه الفقر والمعاناة والظلم.
يتم تجسيد ذلك مباشرة من خلال فرقة الشرطة التي ينضم إليها الشخصية الرئيسية، الذي انتقل للتو إلى المنطقة في بداية الفيلم. أحد الضباط هو محلي أسود مرتبط جيدًا بالمنطقة، لكن الآخر هو شخص حاد الطباع يسيء استخدام سلطته بانتظام (حقيقة أن المخرج يجعله يرتدي قميص Venum ضيق هو اختيار ملابس ملهم ولكنه دقيق). يتبع الفيلم الضابط الجديد وهو يتعرف على المجتمع الذي يراقبه الآن. ومع ذلك، لا تسير الأمور بسلاسة، ويرجع ذلك بقدر ما هو بسبب تكتيكات زملاء الشخصية الرئيسية كما هو بسبب سكان المنطقة.
من الجدير بالذكر أن لي نفسه نشأ في مونتفيرميل. استند إلى تجاربه الخاصة في نشأته هناك، بما في ذلك مشاهدته لسلسلة من الشغب الحقيقي في عام 2005 التي ساعدت في إلهام ذروة هذا الفيلم. ما يجعله رائعًا هو أن لي ينجح في دمج تجربته في حي فقير للمهاجرين مع موضوعات الرواية الأصلية. عندما تتوج كل الأمور في مواجهة كبيرة في النهاية، لا يمكنك إلا أن تفكر أنه بينما تغير الكثير على السطح منذ أن كتب هوغو روايته الأسطورية، ربما لم تتغير الأمور في العمق.
5. Pain and Glory (2019)
يعتبر بيدرو ألمودوفار على الأرجح أكثر المخرجين الإسبان شهرة على مر العصور، وبالتأكيد الأكثر شهرة بين الأحياء. بدأ بأفلام قصيرة في السبعينيات، ثم انتقل إلى الأفلام الطويلة في الثمانينيات. على مر العقود منذ ذلك الحين، صنع بعضًا من أكثر الأفلام تقديرًا في السينما الدولية. هذا الفيلم هو، جزئيًا، انعكاس وتأمل في حياته خلال تلك السنوات.
يتبع الفيلم مخرجًا مسنًا، يلعبه المتعاون الطويل الأمد مع ألمودوفار، أنطونيو بانديراس. يتعامل المخرج مع عدد من المشاكل الصحية، ناهيك عن عدم وجود هدف عام ناتج عن عدم صنع الأفلام بنشاط. غير قادر على التعامل مع مشاكله، يتجنبها، حتى أنه يتجه إلى الهيروين في وقت مبكر من الفيلم. إنه ليس في حالة جيدة جسديًا أو نفسيًا. ومع تقدم القصة، تعود قطع من ماضيه لتجد طريقها إليه وتساعده على البدء في الشفاء من خلال إعادة اكتشاف نفسه.
بينما تتكشف كل ذلك، نرى أيضًا أحيانًا لحظات من طفولته. والدته، التي تلعب دورها دائمًا الرائعة، بينيلوبي كروز، هي جزء مركزي من شبابه. تريد منه أن يذهب إلى مدرسة الإكليريكية – ليس لأنها تريد منه أن يصبح كاهنًا، ولكن لأنه ذكي ومدرسة الإكليريكية هي واحدة من الفرص القليلة للأطفال الإسبان الفقراء للحصول على التعليم. ومع ذلك، لا يريد البطل الشاب الذهاب.
تشتهر معظم أفلام ألمودوفار بالميلودراما، والفكاهة، والاستخدام الرائع للألوان. هناك طاقة هائلة في معظم أفلامه تجعلها سهلة حتى للمتفرجين العاديين للانغماس فيها. Pain and Glory مختلف قليلاً. لا تزال جميع تلك العناصر موجودة (خاصة الاستخدام الرائع للألوان)، لكن الميلودراما والفكاهة أكثر دقة. النغمة أكثر تأملية وحزينة. إنها ليست محبطة، لكنها أيضًا صادقة بشأن التحديات التي تأتي مع كل من العمر وفقدان الذات. من خلال كل ذلك، يقدم بانديراس واحدة من أكثر أدائه تميزًا ولكن لا يُنسى في مسيرته.
الأفلام التي تتحدث عن مخرج يتأمل في حياته ليست جديدة، تعود إلى فيلم فيليني 8½. Pain and Glory من بين الأفضل، متجنبًا الكثير من التأمل المفرط الذي يمكن أن تقع فيه الأفلام المماثلة. ما يجعل هذا الفيلم يعمل هو تركيز ألمودوفار على مشاكله وتأملاته، بدلاً من الرغبة في تصوير بطله الذاتي بشكل بطولي. من الواضح أنه لا يصنع هذا الفيلم لأنه يعتقد أنه أكثر الأشخاص إثارة للاهتمام في العالم، بل لأنه يتصارع مع أشياء يتصارع معها العديد من الناس، فقط بطريقته الفريدة. وبالتالي، فإن تجاربه هي قناة لاستكشافاته الموضوعية، بدلاً من أن تكون التركيز في حد ذاتها. العناية والجمال الذي يدير به هذا الاستكشاف يجعل هذا واحدًا من أفضل أعماله.
