تماماً كما تطورت السينما وتقنياتها منذ مطلع القرن العشرين، برز توازٍ مثير للاهتمام مع تزايد التصنيع في الحياة الحديثة منذ ذلك الحين. لقد تشابك الاثنان؛ إذ وفر المشهد الحضري لصناعة السينما البنية التحتية والموارد التي تحتاجها للازدهار، بينما ساعدت السينما في تشكيل رؤيتنا وفهمنا للشكل الحضري.
مع انطلاقة بارزة في ولع جمهورية فايمار بمستقبل المدن الكبرى في عشرينيات القرن الماضي، بدأ صناع الأفلام يستخدمون المدن كمصدر إلهام متزايد، مستكشفين كافة جوانب تكوينها.
لنأخذ على سبيل المثال الرؤى القاتمة لحركة “هوليوود الجديدة”: فقد صورت أفلام مثل Martin Scorsese’s Taxi Driver (1976) مدينة نيويورك والمجال الحضري كبيئة فوضوية وخطيرة، ومكاناً يبعث على الاغتراب.
بالنظر إلى هذا الارتباط الوثيق، كان من الطبيعي أن يركز بعض المخرجين اهتمامهم على أماكن محددة لديهم شعور أعمق تجاهها. فمن خلال الغوص في مدينة واحدة، استطاعوا كشف المزيد عن حياتها الداخلية ووجودها اليومي. تستعرض هذه القائمة 10 ارتباطات بارزة، نبدأها بالمثال الأكثر ترجيحاً ووضوحاً.
1. Woody Allen – Manhattan (New York)
باعتباره المثال الأكثر نمطية في هذه القائمة، اشتهر Woody Allen بكونه مخرج نيويورك. ومع ذلك، من المهم تضييق نطاق هذا الوصف: فبالنسبة لمدينة بحجم نيويورك وضخامتها، يستحيل على شخص واحد أن يجسد معنى العيش فيها، إذ تتفاوت تجارب سكانها بشكل كبير. لذا، من الأدق القول إن أعمال Allen فصلت حياة مانهاتن، وتحديداً نمط الحياة الفكري للطبقة الوسطى في “أبر مانهاتن”.
بصفته كوميدياً في الأصل، وبعد بداياته في صنع أفلام كوميدية خالصة مثل Bananas (1971) و Take the Money and Run (1969)، بدأ Allen ما يمكن تسميته بفترته الدرامية الأكثر نضجاً في مانهاتن عام 1977 مع الفيلم الأيقوني Annie Hall (1977).
عكس الفيلم شغفه العميق بجزيرة مانهاتن. وفي مقطع فكاهي ساخر، يقارن الفيلم بين نيويورك ولوس أنجلوس، حيث يتم السخرية بلطف من مدينة الساحل الغربي لكونها أقل فكرية وجاذبية. ولكن بينما تمثل مانهاتن بالنسبة لشخصية “ألفي” التي أداها Allen مركز العالم الحديث، تبدو لوس أنجلوس وكأنها تحمل شيئاً أكثر لـ “آني” التي لعبت دورها Diane Keaton، وهو قدر أكبر من الحرية، وكأن الفيلم يقول إن نيويورك قد تبدو باردة ومغتربة للآخرين.
كانت معالم المدينة حاضرة بكثرة في أفلامه، بما في ذلك الافتتاحية الساحرة لفيلم Manhattan (1979)، حيث تعزف موسيقى Gershwin فوق مونتاج لصور مانهاتن بينما يلقي Allen تعليقاً صوتياً لمسودات كتاب شخصياته عن رجل مغرم بالمدينة.
حتى أن أفلامه خلقت معالم جديدة في مانهاتن، مثل المقعد المطل على جسر كوينزبورو. لقد ابتعد عن مدينته المحبوبة بضع مرات على مر العقود، وصنع أحياناً أفلاماً عن أماكن أخرى (مثل Blue Jasmine (2013) و Vicky Cristina Barcelona (2008))، لكن مانهاتن تظل هي ما يعرفه ويفهمه Woody Allen.
ورغم أن الاتهام قد يوجه إليه بأنه قدم رؤية نخبوية وغير متوازنة للمدينة في وقت كانت تعاني فيه من العنف والمشاكل الاجتماعية، إلا أن هذا الاتهام غير عادل إلى حد ما.
لقد صور Allen الحياة التي يعرفها، تماماً مثل Spike Lee، وMartin Scorsese من قبله؛ فالمؤلف السينمائي لا يمكنه الإبداع إلا مما هو متاح لديه. وبالإضافة إلى ذلك، يمكن القول إن أفلامه ساعدت في خلق صورة جديدة وإيجابية لمانهاتن؛ فقد ظلت الثقافة والفكر مزدهرين، وكان Allen في قلب ذلك.
2. Jean-Luc Godard – Paris
ربما يكون Jean-Luc Godard، إلى جانب Allen، هو المؤلف السينمائي الأكثر صدقاً في هذه القائمة، فقد أصبح المخرج الأكثر شهرة في “الموجة الفرنسية الجديدة” الأنيقة والمؤثرة التي انفجرت في المشهد السينمائي في الستينيات. لقد صور أفلامه في مواقع حقيقية قدر الإمكان، من أجل ترسيخ مدينته المصورة كمساحة جغرافية واقعية.
في الواقع، قال مخرج آخر من تلك الفترة، Eric Rohmer، إن الموجة الجديدة “ولدت من الرغبة في إظهار باريس، والنزول إلى الشارع، في وقت كانت فيه السينما الفرنسية سينما استوديوهات”. أحب Godard صنع أفلامه دون سيناريو كامل، مفضلاً الارتجال، وربما كان ذلك يعكس شرطاً أساسياً للتصوير في مكان حضري، وهو التعامل مع عدم اليقين في الإنتاج.
بينما ارتبطت لوس أنجلوس بنوع سينمائي واحد، وارتبطت برلين بفكرة الحداثة، عملت باريس -من خلال ذاتية Godard وغيره الذين دمجوا سردهم ضمن أبعاد المدينة- كرمز خالص للمكان؛ فباريس كانت باريس. كانت فرنسا في ذلك الوقت غارقة في الثقافة الأمريكية، لكن باريس التي صورها Godard لم تكن صورة رومانسية مأمركة.
بل على العكس، تلاعبت أفلامه بسخرية بتأثير هوليوود، وأعادت تفسيره بحساسية السينما الفنية الفرنسية. لقد تم الاعتراف بالتأثيرات بالتأكيد، لكن المؤلف تعامل معها بغمزة وابتسامة. وبالنسبة لمدينة مرادفة جداً لأمتها، شعر Godard بمسؤولية عكس طبيعة الحياة الباريسية خلال تلك الفترة.
سلطت أعماله الضوء على قلق ما بعد الحرب مع قيادة العولمة لنمو الثقافة الأمريكية والاستهلاكية؛ تأمل الاقتباس الشهير من Masculin Feminin (1966) “هذا الفيلم يمكن أن يسمى Children of Marx and Coca-Cola’. For Breathless (1960)، فقد كان قصة حب وقصة ضد الحب في آن واحد، متلاعباً باتفاقيات الرومانسية الهوليوودية ومقصياً إياها عندما ينتهي الفيلم بمأساة. كان نتاج Godard ذكياً فكرياً وممتعاً جمالياً في آن واحد، ومجسداً لباريس: باردة ومتطورة بينما هي منخرطة فلسفياً وسياسياً.
3. Federico Fellini – Rome
كما قال هو نفسه: “عندما وجدت روما، وجدت عالمي”. قضى Federico Fellini معظم حياته في روما، مصوراً غالبية أفلامه في استوديوهات “تشينيتشيتا” الشهيرة. كانت المدينة والمخرج شراكة مثالية؛ فقد ألهمت روما Fellini وأرهبته بالقدر نفسه. لقد وجد العجب في حقيقة أن مواطني المدينة يمكنهم العيش والعمل برضا وسط معالم روما القديمة والمهيبة؛ وهذا ما كان يعجب به كثيراً في الرومان. كان مفتوناً بتاريخها الكثيف، وظهر ذلك في نتاجه السينمائي.
في غضون كيلومتر مربع واحد، يمكن للمرء رؤية أعمدة مصرية، وكنائس باروكية، وهياكل من العصور الوسطى، وشعر Fellini أن هذا التعقيد يعكس الهوية الرومانية؛ فهي دافئة وممتعة، ومتعجرفة وعاطفية في آن واحد.
في واحدة من أكثر التصويرات أيقونية ورومانسية للمدينة، تتبع فيلم Dolce Vita (1960) الصحفي Marcello Rubini على مدار أسبوع في بحثه عن “الحياة الحلوة”. Marcello صحفي نميمة يغطي شؤون نجوم السينما ويتوق لإنتاج أعمال أكثر أهمية، وهذا التباين جسد صراعه الوجودي: مثقف محاصر في عالم من البذخ والشهرة الذي كان يمثل الثقافة الشعبية في روما في ذلك الوقت من الخمسينيات.
أظهر Fellini مجتمع المقاهي المزدهر في إيطاليا ما بعد الحرب. تم إنشاء 80 موقعاً رومانياً مذهلاً في “تشينيتشيتا” من أجل الفيلم، لكن ربما تم تصوير المشهد الأكثر شهرة في الموقع الحقيقي عند نافورة تريفي. في الواقع، أصبحت النافورة مرادفة جداً للفيلم لدرجة أنها أُغلقت وغُطيت باللون الأسود عندما توفي الممثل الذي لعب دور Rubini، Marcello Mastroianni، في عام 1996.
وفي أكثر تكريماته صراحة للمدينة، صور فيلم Roma (1972) شبه السيرة الذاتية انتقال Fellini من مسقط رأسه ريميني في شبابه. ومع حبكة بسيطة، كانت “المدينة الخالدة” نفسها هي الشخصية الأولى. لقد قارن بين رؤى مختلفة للمدينة: الحياة الرومانية خلال زمن الحرب والحياة الحديثة في السبعينيات.
في ظل النظام الفاشي، أظهرت المشاهد كيف كان الناس يتجمعون بأعداد كبيرة في الأماكن العامة، مثل المقاهي والساحات، وأكد Fellini على الاضطراب الذي حدث مع انتقال الناس من التجمع معاً إلى التنقل في المدينة بسياراتهم ودراجاتهم النارية. وبينما لم يكن يفتقد بالطبع الحياة تحت تهديد الحرب، فقد أظهر أن شيئاً ما قد فُقد في المدينة في العقود الماضية: مجتمع المدينة القوي.
بالنسبة للعالم الخارجي، هي مكان للجمال والرقي، ورغم أنه جانب لم يهمله Fellini بأي حال، إلا أن ما أظهرته أعماله هو الطبيعة السريالية والمتغيرة لروما؛ وكأنه يقول إن هذه مدينة تمكنت من الصمود لـ 3000 عام، وستصمد لـ 3000 عام أخرى، بأي صفة تختارها.
4. Abbas Kiarostami – Tehran
أعظم مخرج ظهر من المشهد السينمائي الإيراني الغني هو Abbas Kiarostami. ولد في طهران، ونشأ فيها ودرس هناك أيضاً؛ في الواقع، بعد ثورة 1979، كان واحداً من المخرجين القلائل الذين قرروا البقاء بدلاً من الفرار. وقد نسب Kiarostami نفسه الفضل لهذا القرار في مساعدة قدرته السينمائية ومستقبله بشكل لا يقاس.
بينما صور في أجزاء مختلفة من إيران، مثل بلدة كوكر الصغيرة لثلاثية كوكر، فإن العديد من أعماله الأكثر شهرة تدور أحداثها في طهران وما حولها. تجدر الإشارة إلى أن هناك مخرجين آخرين يمكنهم الادعاء بالارتباط بالمدينة – فقد يقدم Asghar Farhadi تصويرات أكثر واقعية للمكان اليوم، وربما كان Mohsen Makhmalbaf أكثر انخراطاً سياسياً – لكن أحداً لم يستخدم مثل هذا الابتكار ولم يمتلك مثل هذا الحس الشعري في عرض طهران.
أحب Kiarostami مزج الوثائقي بالخيال لصنع أفلامه، كما يظهر في Close-Up (1990) و Ten (2002). يحكي الأول قصة رجل ينتحل شخصية Makhmalbaf، ويخدع في هذه العملية عائلة طهرانية بإيهامهم بأنهم سيكونون جزءاً من فيلم المخرج الجديد.
تميز فيلم Close-Up (1990) بوجود جميع الأشخاص المشاركين فعلياً في الأحداث، وهم يمثلون أنفسهم. إنها تحفة فنية معقدة ومتعددة الطبقات بشكل لا يصدق. وهي تقف كبصيرة رائعة لما هو -مفاجئ للبعض- مدينة وبلد مكرس للسينما: لدينا العائلة الميسورة التي انبهرت باحتمالية المشاركة في فيلم إيراني شهير لدرجة أنهم انخدعوا من قبل شخص محلي نكرة؛ ولدينا ذلك الشخص، Hossain Sabzian، وهو سينيفيلي شغوف كان يتوق لأن يكون مخرجاً مشهوراً، وقد أُتيحت له أفضل فرصة ليعيش حلمه.
بإدراج المؤلفين Makhmalbaf وKiarostami في ظهور خاص، تظهر لوحة غنية لإيران وحبها للسينما. في غضون ذلك، تضمن فيلم Ten (2002) عشرة مشاهد يصور كل منها محادثة بين سائقة لا تتغير وركاب متنوعين بينما تقود في طهران. مرة أخرى، كان الممثلون هواة غير مدربين وتضمن السرد عناصر من الحياة الفعلية لأولئك الموجودين في الفيلم.
باستكشاف المشاكل الاجتماعية في طهران في ذلك الوقت، خاصة بالنسبة للسائقة، بدا فيلم Ten (2002) أكثر من مجرد فيلم عن طهران: بدا كعمل فريد، صنعه أهله. أحد أفضل أفلامه الأخرى، Taste of Cherry (1997)، يتبع رجلاً يدعى Badii يقود سيارته حول المدينة بحثاً عن شخص للقيام بمهمة له، والتي يُكشف في النهاية أنها مهمة دفن جثة Badii بعد أن ينتحر.
يعطي الأشخاص الذين يسألهم فكرة عن الهوية العرقية لطهران: فهو يلتقي بجندي كردي وطالب أفغاني على سبيل المثال لا الحصر. ثم يكسر Kiarostami الجدار الرابع بإدراج لقطات لنفسه وطاقمه وهم يعملون على فيلم Taste of Cherry (1997)؛ نرى الممثل الذي يلعب دور Badii يشعل سيجارة.
يمكن اعتبار Kiarostami يقول، من خلال القيام بذلك، إن الحياة ستستمر في طهران، رغم هشاشتها. من خلال هذه الأعمال، صنع Kiarostami أكثر من مجرد أفلام تتعلق بمدينته الأم، وخلق شيئاً أكثر من مجرد سرديات خيالية عن المكان: بل إنه جسد طهران من خلال إشراك مواطنيها والسماح لهم بأن يكون لهم صوت في تصويرهم الخاص.
5. Billy Wilder – Los Angeles
تمتلك لوس أنجلوس، بصفتها موطن هوليوود، واحدة من أغنى التواريخ السينمائية لأي مدينة. يمكن ربط بصمة العديد من المخرجين البارزين بها، ويعود الفضل في ذلك إلى امتدادها العمراني الهائل (فكر في David Lynch أو Paul Thomas Anderson). ومع ذلك، جاء رجل واحد ليكون لديه ارتباط أعمق بالمدينة. صنع Billy Wilder اثنين من أفلام “الفيلم نوار” الجوهرية، Double Indemnity (1944) و Sunset Boulevard (1950)، وكلاهما أصبح مرادفاً لرؤية معينة لمدينة الملائكة وهوليوود القديمة.
ربط هذا النوع السينمائي المدينة بموضوعات العزلة والاغتراب، مما زاد من فكرة المشاهدين عن لوس أنجلوس كمساحة للتحلل الحضري والأخلاقي. وبصفته مهاجراً حديثاً إلى المدينة من ألمانيا، بدا Wilder المرشح المثالي لالتقاط مشاعر الانتقال والوحدة هذه.
في فيلم Double Indemnity (1944)، عرضت مشاهد الأبيض والأسود لمواقف السيارات المنعزلة، وصالات البولينج، وحتى داخل منزل “المرأة القاتلة” Phyllis Dietrichson، عزلة وظلاماً مقلقاً. كما أن الشعور العام للمدينة هو ما يجعل Walter Neff، بائع التأمين، عرضة لإغراءات Phyllis.
Wilder، نظراً لعمله في أنظمة الاستوديوهات، قام بالقليل من التصوير الفعلي في المواقع؛ بدلاً من ذلك، تم إنشاء لوحة لوس أنجلوس من خلال إشارة الشخصيات إلى أماكن في حواراتهم، مما رسم خريطة للمدينة للمشاهد من خلال السرديات المتكشفة. التعليق الصوتي لـ Walter، على سبيل المثال، يحدد الموقع الدقيق لكل تغيير يحدث في القصة.
قدم فيلم Sunset Boulevard (1950) أيضاً الاضطراب النفسي للشخصيات المغتربة، هذه المرة في عالم هوليوود القديمة الخانق. في شخصية Norma Desmond، نجمة السينما الصامتة التي تركت خلفها في عصر الصوت، سلط Wilder الضوء بفعالية على الطبيعة القاسية لهذا العمل. ربما بفضل بداياته الخارجية، تمكن من الحصول على تمثيل أكثر صدقاً ودقة لما كان عليه الحال في لوس أنجلوس وهوليوود في ذلك الوقت، حيث كان الجميع يسعى للنيل منك والجميع يهتم بنفسه فقط.
6. Alfred Hitchcock – London
عندما يفكر المرء لأول مرة في Alfred Hitchcock، يتبادر إلى الذهن على الأرجح الولايات المتحدة – رؤى لموتيلات كاليفورنيا المنعزلة أو المدن المزدحمة بناطحات السحاب التي شوهدت في أفلام مثل Psycho (1960) و Vertigo (1958) – ولكن من المهم تذكر الارتباط بين “سيد التشويق” ومسقط رأسه، لندن. في الواقع، قبل الانتقال إلى الولايات المتحدة للبناء على مسيرته المهنية، حدثت الكثير من أعماله في المدينة. في فترة 10 سنوات بدأت من عام 1926، ظهرت لندن بشكل بارز في 6 من أفلامه.
عمل Hitchcock بشكل أساسي في الاستوديوهات حول المدينة، وحاول التصوير في الموقع عندما تسنح الفرصة، وبذلك بدأ أحد تقاليده المتمثلة في إدراج معالم شهيرة في أفلامه: تأمل ذروة فيلم Blackmail (1929)، التي تحدث فوق قبة المتحف البريطاني، وفيلم Lodger (1927)، الذي احتوى على لقطات موقعية لوستمنستر، وضفة النهر، وتشارينغ كروس.
كان أيضاً واعياً بطبيعة تاريخ لندن وأظهر ذلك في عمله. تأثرت معركة إطلاق النار النهائية في فيلم Man Who Knew Too Much (1934) بحادثة سيئة السمعة تسمى “حصار شارع سيدني” وقعت في “إيست إند” حيث نشأ Hitchcock. كان من الملاحظ أن هذا الجزء لم يتم تضمينه في نسخته الأمريكية من الفيلم عام 1956.
عاد إلى المدينة في فيلمه قبل الأخير Frenzy (1972)، تكريمه الأخير للمدينة التي ربته وشكلته. ربما لا يهيمن مخرج واحد على النتاج السينمائي لبلد بأكمله مثل Alfred Hitchcock، ولكن عند التفكير في كلاسيكيات مثل 39 Steps (1935)، من المستحيل عدم تخيل المشهد الضبابي للندن.
7. Fritz Lang – Berlin
يمكن تسمية برلين بـ “مبتكرة فيلم المدينة”. خلال العشرينيات في أوروبا، كانت برلين مركزاً للعالمية والحداثة، لذا كان من الطبيعي أن تعمل برلين كمساحة حضرية كنموذج للعديد من مخرجي ذلك الوقت. ظهرت هذه التصويرات السينمائية المبكرة نتيجة لزيادة الفضول تجاه التخطيط والتطوير الحضري.
العمل الأكثر رمزية في ذلك الوقت هو فيلم Fritz Lang’s Metropolis (1927)، وهو كلاسيكية خيال علمي استكشفت العلاقة بين المدينة والتصنيع. لم تكن برلين تحديداً، بل رؤية طوباوية متخيلة للمدينة، استخدم Lang هندسة رؤيته للإشارة إلى العلل الاجتماعية للمدينة الصناعية المتوسعة؛ في المساحة العمودية المستقبلية، كان العالم العلوي الفسيح والمرتفع هو عالم صاحب المصنع، مع إقامة العمال في المنطقة السفلية تحت السطح، مما خلق شعوراً بائساً عميقاً بالمكان في العالم الحديث.
عرضت لقطات عديدة الهندسة المعمارية الحداثية المبهرة للمدينة في تباين مباشر مع القمع الواضح لمواطنيها في الأسفل تحت ناطحات السحاب الحادة والمتلألئة. صورت برلين الوحشية هذه لمستقبل متخيل من خلال عيني Lang تتويجاً للتكنولوجيا المتقدمة والحداثة، وصورت سكان المدينة كمجرد آلات للمساحة الحضرية الأكبر.
باتخاذ برلين كإقليم صريح له في عام 1931، صنع Lang تحفة الفيلم نوار “M”، وهو استكشاف إضافي للبيئة الحضرية. تدور أحداثه حول قاتل متسلسل تطارده الشرطة، ويسلط المشهد الافتتاحي الضوء على قلق برلين والمدينة: مجموعة من الأطفال، في فناء مبنى سكني في برلين، يلعبون لعبة عن قاتل للأطفال. ثم تنتقل الكاميرا من هنا إلى امرأة تحمل الغسيل صعوداً على درج فارغ إلى شقة والدة Elsie Beckmann التي تشعر بالقلق بشأن فشل ابنتها في الوصول إلى المنزل من المدرسة بعد.
تحت كل انحطاط برلين العصرية والأضواء الساطعة للمدينة الحديثة، يظهر Lang، هناك أشخاص يحاولون ممارسة حياتهم وسط مشاعر مستمرة من الرهبة والاغتراب. من خلال هذه الأفلام، أصبحت برلين المدينة التمثيلية، حيث شعرت أنواع الخيال العلمي والفيلم نوار بأنها مثالية لتجسيد تجربة ذلك الوقت.
8. Wong Kar-Wai – Hong Kong
وصلت حركة موجة جديدة من آسيا إلى هونغ كونغ. ومع بلوغ سن الرشد في العصر الجديد للتلفزيون والثقافة الشعبية دون ذكريات عن الحرب، التقط مخرجون مثل Wong Kar-Wai اغتراب الشباب وعدم اليقين بشأن مستقبل مدينتهم وهويتهم. عرضت أعمال Wong برودة وأناقة لم تُشاهد منذ Godard والموجة الفرنسية الجديدة؛ فقد تسببت أعماله ذات التألق المجزأ والساحر في انفجارات في المشهد السينمائي. لقد كان مؤلفاً سينمائياً على اتصال تام بمدينته، وكان أسلوبه السينمائي المميز مغلفاً بهونغ كونغ كمكان.
عكست السرعة المذهلة للحركة وسرعة الحوار في Chungking Express (1994) و Fallen Angels (1995) نمط الحياة الذي لا يتوقف في المدينة. كما سلطت السرديات العرضية لهذه الأفلام الضوء على الضعف وعدم اليقين الأساسي للعيش في مكان مثل هونغ كونغ، وهي مدينة مكتظة وخانقة، حيث تنتظر المرء لقاءات غير متوقعة وتجارب غير متوقعة عند كل زاوية شارع (أو في مجمع سكني ضيق، كما هو واضح في الفيلم الجميل Mood For Love (2000)).
في الواقع، كان ميل Wong للتصوير بدون سيناريو مصمماً لمكان مثل هونغ كونغ، مما سمح بهيكل أكثر مرونة مع مساحة للتكيف والارتجال. بالنظر إلى الأسفل من “فيكتوريا بيك” إلى الأضواء في الأسفل، وهي إطلالة هونغ كونغ الجوهرية، من الصعب عدم تخيل عدد لا يحصى من القصص، المترابطة أو غير ذلك، الموجودة في مثل هذا التجمع الضيق من الناس، وقد نجح Wong Kar-Wai في بث الحياة السينمائية في هذه القصص.
9. Edward Yang – Taipei
في منطقة أخرى من آسيا، كان Edward Yang جزءاً من شبكة ناشئة من المخرجين الذين يتطلعون إلى تجديد النتاج السينمائي لبلادهم، فيما سيعرف باسم “السينما التايوانية الجديدة”. بالابتعاد عن أفلام الحركة القتالية المعتادة والميلودراما، سعت هذه المجموعة إلى تصوير واقعي لما يعنيه أن تكون مواطناً في تايوان الحالية، وهي دولة تشهد تحضراً سريعاً ونزاعات مع القوى السياسية. أراد هؤلاء المخرجون تصوير الحياة بصدق قدر استطاعتهم.
في فيلموغرافيا موجزة، وضع Yang قصصه في الغالب في تايبيه، العاصمة وأكبر منطقة حضرية في تايوان، وما ظهر كان استكشافاً متسقاً وثاقباً لمدينة عالمية وحديثة ناشئة.
في فيلمه الأكثر شهرة ربما، Taipei Story (1985)، أرخ Yang للاغتراب المتزايد بين زوجين شابين؛ Lung، لاعب بيسبول سابق يكافح، وChin، موظفة مكتب ذات طموحات أعلى. كلاهما يحاول التأقلم مع العيش في تايبيه الحديثة، بطرق مختلفة. يتمسك Lung بالماضي بصرامة، متمنياً لو استعاد مسيرته في البيسبول ومحبطاً من وظيفته المتواضعة، في خطر أن تتركه Chin خلفها، وهي نفسها تحاول البقاء على قيد الحياة في عالم الشركات المتزايد.
يملأ Yang قصتهما بلقطات حزينة لناطحات السحاب المعقمة، وكأنه يقول إن هذا يمكن أن يكون في أي مكان؛ فبالنسبة لتايبيه، انظر إلى شنغهاي، أو أي عدد من المدن الآسيوية المتوسعة. تلمح شعارات الشركات اليابانية متعددة الجنسيات مثل “فوجي” و”إن إي سي” إلى تأثير الشركات العملاقة على حياة التايوانيين العاديين. ضائعاً وسط هذه البيئة المبنية الجديدة، يتضاءل حب الزوجين. الاغتراب الذي يشعر به المرء تحت أضواء النيون المبهرة واضح. باستخدام القصة الشخصية لـ Lung وChin، يظهر Yang صراع البقاء الذي أحدثته التغييرات الاقتصادية التي تجتاح المدينة والبلاد.
سيحاول تجسيداً أكثر طموحاً لتايبيه في عام 2000 مع التحفة الفنية Yi Yi (2000)، التي نظرت إلى ثلاثة أجيال من عائلة تايوانية من الطبقة الوسطى تعيش في المدينة. في هذا، التقط بشكل أكبر الصراع للحفاظ على طبيعتك البشرية في مجتمع يتطور بسرعة. كان أعظم إنجاز لـ Yang هو مدى عمومية ما جعله يبدو عليه كل هذا: فبينما كان يستكشف الهوية التايوانية في أفلامه، تقف تايبيه كمدينة عالمية حقاً. تؤكد الصور السينمائية لخطوط الأفق المليئة بناطحات السحاب المتطابقة أن هذا يمكن أن يكون في أي مكان في العالم، مع تغلب التصنيع على الشرق والغرب.
10. Pedro Almodovar – Madrid
انتقل Pedro Almodovar إلى مدريد في أواخر الستينيات كمخرج شاب ناشئ، وكانت المدينة هي المكان والإلهام لأعماله منذ ذلك الحين. كمخرج مولع بالموضوعات المتكررة (انظر ميله للممثلات الرائدات الجميلات مثل Penelope Cruz)، شكلت مدريد خلفية لمعظم أفلامه.
بالمقارنة مع المخرجين الآخرين ومدنهم، فإن ارتباط Almodovar هو ارتباط أكثر خفاءً وطبيعية. إنها ليست قصة حب استعراضية على غرار Allen ومانهاتن؛ بل من خلال الكم، أدت تصويراته لحياة “المدريديين” إلى تسمية المدينة بمدينته في المشهد السينمائي.
بينما تضمنت أفلامه معالم شهيرة للمدينة – الرقص في Plaza Mayor in The Flower Of My Secret (1995)، أو Segovia Viaduct in Matador (1986)، على سبيل المثال – لم يكن هناك شعور بأن مدريد تطغى على مواطنيها؛ بل كانت قصصهم وحياتهم هي محور التركيز، مع كون مدينتهم مجرد جزء أساسي من المشهد المتكرر.
يمكن أيضاً رسم توازيات مثيرة للاهتمام بين Almodovar والمدينة نفسها. بدءاً من كونه إقليمياً، صبياً من قرية غير موصوفة في ضواحي المدينة، ومدريد التي لا تزال تتعافى بعد الديكتاتورية، وصولاً إلى كونهما حديثين ومعروفين دولياً.
