لطالما تركز النقاش المتعلق بمفهوم المؤلف السينمائي على المخرج. إذ يُنسب إليه عادةً الفضل الأكبر في عمل يشارك فيه مئات الأشخاص بأدوار متعددة. وعند تناول السينما نقدياً أو أكاديمياً، يُنصّب المخرج دائماً في مكانة المؤلف لأي فيلم.
ويبدو هذا الأمر طبيعياً. فالمخرج مسؤول عن أداء الممثلين، وتطور السرد، وكل ما يجري أمام الكاميرا وخلفها. لكن دور المصور السينمائي، أو مدير التصوير، لا يقل أهمية في نجاح الفيلم. إذ يتعاون مع المخرج لتحديد الرؤية البصرية للعمل، ثم يتولى تحويل هذه الرؤية إلى واقع ملموس. ويشرف على الإضاءة، وتأطير اللقطات، والألوان، وكل ما يتعلق بالصورة، في مهمة تتطلب مهارات فنية وقيادية عالية.
حقق العديد من مديري التصوير العظماء شهرة نقدية ونجاحاً تجارياً بفضل أعمالهم، في حين لم ينل آخرون، لسبب أو لآخر، التقدير الجماهيري الكافي. ومن بين هؤلاء يبرز روبي مولر. إذ أبدع هذا المصور السينمائي الهولندي بعضاً من أكثر الصور السينمائية سحراً في السبعينيات والثمانينيات والتسعينيات. ورغم عدم ترشحه لأي جائزة كبرى، تظل تأثيراته ومكانته بارزة في الأوساط السينمائية.
اشتُهر مولر ببراعته في توظيف الإضاءة الطبيعية، وتعاون مراراً مع مخرجين أمثال فيم فيندرز، وجيم جارموش، ولارس فون ترايير. وسينعكس هذا التعاون المتكرر بوضوح في هذه القائمة. ومع ذلك، تظل مسيرته السينمائية واسعة ومتنوعة. وبفضل عمله غالباً في السينما المستقلة، امتلك مساحة أكبر للتأثير في التنفيذ الإبداعي للعديد من أفلامه. رحل مولر عام 2018، تاركاً للعالم 33 عاماً من السينما المذهلة. ونستعرض هنا عشرة من أجمل أفلامه.
10. Kings of the Road (1976)
لعل المخرج الألماني فيم فيندرز هو أكثر من تعاون مع مولر. ويبدو أن الثنائي وجد كل منهما في الآخر شريكاً سينمائياً مثالياً. يذكر القيّم السينمائي ياب جوليموند أن مولر “كان يبحث حقاً عن توأم روح، كما يسميهم… فكل المخرجين الذين عمل معهم كانوا أشخاصاً يشعر معهم بالراحة، ويحبهم، ويستطيع معهم تنفيذ ما يطمح إليه”، وربما كان فيندرز رفيقه الأبرز. تعاون الثنائي في أحد عشر فيلماً بين عامي 1970 و1995، ليصبح فيندرز شريكه الأكثر حضوراً. بل إن أول فيلم أخرجه فيندرز، “صيف في المدينة”، شهد أيضاً الظهور الأول لمولر خلف الكاميرا.
في منتصف السبعينيات، تعاونا في ثلاثية من أفلام الطريق، كان جزؤها الأخير Kings of the Road. وتدور القصة حول العلاقة بين برونو، مصلح أجهزة العرض السينمائي، وروبرت، الرجل المكتئب. يلتقي برونو بروبرت بعد أن يقود الأخير سيارته نحو النهر في محاولة انتحار يائسة، فيصطحبه برونو معه في رحلة عبر الريف الألماني المنبسط، حيث يتوقفان في دور السينما بالبلدات الصغيرة لإصلاح أجهزة العرض.
صُوّر الفيلم بالأبيض والأسود، وهو خيار فضله فيندرز لاعتقاده بأنه “أكثر واقعية وطبيعية من الألوان”. ورغم أسلوبه البصري المنمق، يبدو الفيلم طبيعياً بامتياز. وحقق فيندرز ومولر ذلك بأساليب متنوعة، أبرزها اللقطة الطويلة. إذ تضمن الفيلم العديد من اللقطات الطويلة، الخالية غالباً من أي حوار، مما يتيح للشخصيات الاندماج بعفوية مع المكان. وتتجسد النتيجة النهائية في فيلم جميل يصور طرقاً موحشة وبلدات كئيبة، مع قصة صداقة تتطور بسلاسة. قد لا يكون أفضل أعمال الثنائي، لكنه فيلم طريق استثنائي ومتقن الصنع.
9. Down by Law (1986)
كان المخرج الأمريكي المستقل جيم جارموش “توأم روح” آخر لمولر. يروي جارموش أنه كان في روتردام عام 1980 لعرض فيلمه الأول “إجازة دائمة”. وقد أُعجب بشدة بأعمال مولر، فسأل فيندرز عن كيفية لقائه. ونصحه فيندرز بالذهاب إلى الحانة حيث سيجده بجوار آلة الفول السوداني، وهو ما حدث بالفعل. يقول جارموش: “جلست بجواره وبدأنا نتحدث. قضينا وقتاً طويلاً معاً في المهرجان، وشاهد فيلمي الأول، ثم قال لي في النهاية: ‘إذا أردت أن نعمل معاً يوماً ما، فأخبرني'”.
ولذا، عندما كتب جارموش سيناريو Down by Law، اتصل بمولر، لتبدأ شراكة أثمرت عن خمسة أفلام. يروي الفيلم قصة ثلاثة سجناء في سجن كئيب بولاية لويزيانا ومحاولتهم الهرب. وهو عمل مفعم بموسيقى البلوز، والفكاهة، والروحانية، مع أداء رائع من توم وايتس، وجون لوري، وروبرتو بينيني. أراد جارموش تصوير الفيلم بأسلوب طبيعي بالأبيض والأسود، ولم يكن هناك من هو أنسب لهذه المهمة من روبي.
يبدو Down by Law مذهلاً بصرياً. إذ وظّف مولر تقنيات تصوير أساسية للغاية لابتكار مشاهد تبدو واقعية وحالمة في آن واحد. ويتجلى بوضوح التوافق التام بين جارموش ومولر حول جوهر القصة، مما مكّنه من تصوير الفيلم بأسلوب يكمل السرد بامتياز. ويُعد هذا العمل بلا شك من أفضل إبداعات مولر، ودليلاً على قدرته على صنع الكثير بأقل الإمكانيات. وقد وصف جارموش تعاونه الطويل معه قائلاً: “أعتقد أنه يشبه رسامي التصميم الداخلي الهولنديين، مثل فيرمير أو دي هوك، ولكنه وُلد في القرن الخطأ”.
8. To Live and Die in L.A (1985)
قبل عام من إنجاز Down by Law، تعاون مولر مع عملاق هوليوود ويليام فريدكين في عمل سيصبح من أشهر أفلامه. أراد فريدكين إنجاز الفيلم بسرعة، فاستعان بمولر لسمعته في الكفاءة والإنجاز. ينتمي الفيلم إلى النوع السينمائي “النيو-نوار” وتدور أحداثه في لوس أنجلوس. وهو مقتبس عن رواية تحمل الاسم نفسه للكاتب جيرالد بيتيفيتش، ويروي قصة عميل الخدمة السرية ريتشارد تشانس (يجسده ويليام بيترسن) المكلّف بالتحقيق في شبكة تزوير يديرها ريك ماسترز (ويليم دافو).
إنه فيلم إثارة قاسي، يخطف الأبصار بصرياً بقدر ما يأسر القلوب درامياً. ورغم أن مولر لم يعمل مع فريدكين مجدداً، إلا أنهما شكّلا ثنائياً متناغماً، ونجح في تجسيد رؤية المخرج. حثّ فريدكين ممثليه على الارتجال، وهو أمر يصعب على مدير التصوير التعامل معه لعدم معرفته الدقيقة بكيفية وتوقيت حركة الممثلين. وفي أحد المشاهد، ترك الممثلين يحددون حركتهم بأنفسهم، وقال لمولر: “صوّرهم فقط. حاول إبقاءهم داخل الإطار. وإذا خرجوا منه، فلن يظهروا في الفيلم. تلك مشكلتهم”.
لعل فيلم فريدكين هو أكثر عمل يتضمن مشاهد حركة صوّرها مولر في مسيرته. وقد أصبح بعضها أيقونة للنوع السينمائي ولتلك الحقبة، مثل المطاردة المشوقة عبر مطار لوس أنجلوس الدولي. ويُعد To Live and Die in L.A دليلاً قاطعاً على قدرة مولر على التنقل بين مختلف الأنواع السينمائية، والعمل في إنتاجات ضخمة الميزانية وبمعدات أكثر تكلفة.
7. بارفلاي (1987)
بعد عدة إنتاجات ناجحة في أمريكا، استعان المخرج الإيراني السويسري باربيت شرودر بمولر لتصوير فيلم “بارفلاي”. يروي الفيلم قصة شبه سيرة ذاتية لمدمن كحول في لوس أنجلوس، وقد كتب سيناريو العمل الكاتب الأمريكي الأسطوري تشارلز بوكوفسكي.
تتبع القصة البطل، هنري تشيناسكي (الذي يمثل شخصية بوكوفسكي البديلة، ويجسده ميكي رورك)، حيث يقضي أيامه في أعمال متفرقة ويسكر في الحانات المحلية الكئيبة. وهناك، يشرب تشيناسكي، ويختلط بمدمنين آخرين، ويخوض شجارات. يلتقي هنري بواندا (فاي دوناوي)، التي تُعجب ببديهته وذكائه المتواضع، ليبدأ الثنائي علاقة مضطربة.
في “بارفلاي”، يوظف مولر تقنيات متنوعة ليمنح الفيلم مظهراً حضرياً قاتماً. إذ تسيطر أضواء النيون والظلال على إضاءة مشاهد الحانة. بينما صُوّرت المشاهد النهارية بأسلوب عضوي ومرح، مع استخدام رائع للقطات الطويلة. ورغم أن الفيلم لم يحقق نجاحاً كبيراً، إلا أنه رُشح للسعفة الذهبية في مهرجان كان، ونالت فاي دوناوي ترشيحاً لجائزة الغولدن غلوب. كما رُشح مولر لجائزة أفضل تصوير سينمائي في جوائز الروح المستقلة. وحظي الفيلم بإشادة العديد من النقاد، ومنهم روجر إيبرت الذي منحه تقييم 4/4 ووصفه بأنه “فيلم أمريكي أصيل حقاً، ولا يشبه أي فيلم آخر”. ورغم أنه ليس العمل الأشهر أو الأكثر تأثيراً لمولر، إلا أنه فيلم ممتع من الثمانينيات، يتميز بأداء تمثيلي متقن، ويستحق المشاهدة.
6. Mystery Train (1989)
في عام 1988، تعاون مولر وجارموش مجدداً لإنجاز Mystery Train. فبعد Down by Law، أصبح الاثنان صديقين مقربين، واتفقا على العمل معاً في المستقبل. كان جارموش قد كتب سيناريو Mystery Train وخطط لتصويره في مواقع حقيقية بمدينة ممفيس. وعندما عُرضت المهمة على مولر، وافق عليها على الفور.
يتناول Mystery Train مدينة ممفيس. حيث يستكشف جارموش الأساطير، والثقافة، والأشخاص الذين يشكلون جزءاً من المدينة، من زوايا متعددة. وتتمحور حبكة الفيلم حول ثلاث قصص تحدث في الليلة ذاتها. في القصة الأولى، يتجول سائحان يابانيان مهووسان بموسيقى البلوز في أنحاء المدينة. وفي الثانية، تلتقي أرملة إيطالية بشبح إلفيس بريسلي. أما في الثالثة، فيسطو ثلاثة شبان محليين على متجر للمشروبات الكحولية ويختبئون في فندق. وفي هذا الفندق تتقاطع القصص الثلاث وتتشابك، حيث يدمج جارموش ببراعة أحداثاً من قصة في أخرى.
إنه فيلم مفعم بالفكاهة والحنين، مع بناء رائع للأجواء. كان هذا أول فيلم ملون لجارموش، وتعاون مع مولر لابتكار ما وصفه بنظام ألوان “بديهي”. وتبرز حركة كاميرا مولر مجدداً كواحدة من أعظم مزايا الفيلم. إذ يزخر باللقطات الطويلة الهادئة، والتوظيف الذكي للألوان، والتجسيد القاتم لمدينة ممفيس ذاتها. يُعد Mystery Train المعادل السينمائي لعازف بلوز عجوز يروي قصة في حانة، وهو من أفضل أعمال مولر وجارموش.
5. Breaking the Waves (1996)
يُعد لارس فون ترايير أحد أكثر المخرجين جرأة وتحدياً للحدود خلال الثلاثين عاماً الماضية. بدأ المخرج الدنماركي مسيرته بأفلام ومسلسلات تلفزيونية. وفي عام 1995، أطلق مع زميله المخرج الدنماركي توماس فينتربيرغ حركة “دوغما 95”. سعت الحركة إلى صنع أفلام تعتمد على السرد، والتمثيل، والموضوع، وحظرت استخدام المؤثرات البصرية والعديد من الأدوات السينمائية الأخرى. وكان Breaking the Waves أول فيلم يخرجه فون ترايير وفق هذه الشروط، ليصبح انطلاقته الكبرى نحو الساحة السينمائية العالمية. استعان فون ترايير بمولر لإدارة التصوير السينمائي للفيلم. وكانت براعته في توظيف الإضاءة الطبيعية والتكوين العضوي حاسمة في إبراز القوة البصرية للعمل.
يُروى سرد Breaking the Waves بواقعية مباشرة تمنح المشاهد شعوراً بالارتباط العميق بالأحداث. ويعود الفضل في ذلك جزئياً إلى القيود التي فرضها فون ترايير على نفسه باتباع بيان “دوغما 95”. صُوّر الفيلم بالكامل بكاميرات 35 ملم محمولة باليد، دون أي إضاءة إنتاجية إضافية أو تلوين. وكان مولر مستعداً تماماً لتلبية متطلبات فون ترايير، لتأتي النتيجة النهائية في صورة عمل سينمائي حميمي ومضطرب، يعتبره العديد من النقاد من أهم أفلام السينما الفنية في التسعينيات.
4. The American Friend (1977)
بعد سلسلة من الأفلام الناجحة في ألمانيا، قرر فيم فيندرز إخراج فيلم باللغة الإنجليزية، مع اختيار الممثلين من طاقم دولي. وكان من أشد المعجبين بالكاتبة باتريشيا هايسميث. التقى الاثنان، وباعته هايسميث حقوق رواية “لعبة ريبلي” التي لم تكن قد نُشرت بعد. اختار فيندرز الممثل الهوليوودي دينيس هوبر لأداء دور ريبلي، والألماني برونو غانتس لدور جوناثان زيمرمان. وعلاوة على ذلك، أسند أدوار الخصم في الفيلم لمخرجين هوليووديين مشاهير، منهم نيكولاس راي وصامويل فولر. عُرض الفيلم لأول مرة في مهرجان كان وحظي بردود فعل نقدية إيجابية. ونال مظهره الأنيق والأداء العميق لأبطاله إشادة خاصة.
يستكمل The American Friend قصة المجرم توم ريبلي، الذي أصبح الآن مزوراً فنياً ثرياً يعيش في هامبورغ. وهناك، يلتقي بزيمرمان، صانع إطارات صور متواضع يحتضر بسبب سرطان الدم. يقنع ريبلي زيمرمان بتنفيذ عملية اغتيال لرجل عصابات مقابل مبلغ كبير من المال. يتطور السرد بأسلوب غير تقليدي، فهو فيلم إثارة وجريمة يتأرجح بين الهدوء والتوتر الشديد.
يستحضر أسلوب الفيلم أجواء أفلام النوار في الأربعينيات والخمسينيات، ويوظف فيندرز ببراعة الخصائص الكلاسيكية لهذا النوع السينمائي: التباين الحاد في الظلال، والبطل المنعزل، واللقطات المائلة التي تملأ الشاشة. وينجح مولر في دمج تقنيات أفلام الإثارة في السبعينيات مع أسلوب النوار. وتبدو طريقة استخدام الإضاءة في الفيلم مذهلة، إذ ينتقل مولر بسلاسة بين الإضاءة المنمقة والطبيعية من مشهد لآخر. ويُعد مولر من أمهر مديري التصوير السينمائي في التعامل مع الإضاءة بشهادة صناع السينما وعشاقها على حد سواء، ويقف The American Friend شاهداً على ذلك.
3. 24 Hour Party People (2002)
في فيلم السيرة الذاتية الكوميدي الدرامي الذي أخرجه مايكل وينتربوتوم عام 2002، عاد مولر تقنياً إلى أيامه الأولى في التصوير السينمائي بطريقة ما. إذ صُوّرت تجاربه الأولى في صناعة السينما بكاميرات محمولة باليد، وهي تقنية استخدمها مجدداً في فيلم Breaking the Waves لفون ترايير، لكنها تترك أثراً مختلفاً تماماً هنا. وتضفي الحركة العشوائية للكاميرا طابعاً جنونياً ومرحاً على السرد. يروي 24 Hour Party People قصة شركة “فاكتوري ريكوردز”، وهي علامة بارزة في المشهد الموسيقي بمدينة مانشستر من عام 1976 حتى أوائل التسعينيات. ونغوص في تلك الحقبة عبر عيون توني ويلسون، المنتج الموسيقي ومؤسس الشركة. يجسد ستيف كوغان شخصية ويلسون في أحد أروع أدواره، إلى جانب أداء مساعد قوي من شيرلي هندرسون وليني جيمس.
ينجح الفيلم في سرد قصص صعود وهبوط العديد من كبرى الفرق الموسيقية في تلك الحقبة، مع البقاء متجذراً في قصة ويلسون الشخصية. وقد وصف بيتر برادشو في صحيفة الغارديان أسلوب الفيلم ببراعة بأنه “وثائقي زائف ومبتكر”. فهو خليط من المقتطفات القصصية، والمشاعر المختلطة، والحوار المانشستري اللاذع، والتي تتناغم معاً في انسجام تام. كان هذا العمل من أواخر مهام مولر كمدير للتصوير السينمائي، وأثبت فيه أنه الرجل الأنسب لهذه المهمة.
2. Dead Man (1995)
بعد فيلمين ملونين، عاد ثنائي جارموش ومولر إلى منطقتهما المفضلة بالأبيض والأسود عبر فيلم الويسترن الجديد الغريب والسايكديلي Dead Man. تدور أحداث الفيلم في أواخر القرن التاسع عشر بأمريكا، ويروي قصة ويليام بليك، محاسب من كليفلاند يجسده جوني ديب، يصل إلى بلدة حدودية بحثاً عن عمل، لينتهي به المطاف غارقاً في المشاكل. يصادق رجلاً من السكان الأصليين يُدعى “نوبودي”، والذي يأخذه في رحلة يمكن وصفها بالروحانية.
عُرض الفيلم لأول مرة في مهرجان كان عام 1995 وسط مراجعات متباينة. ولم يعره بعض النقاد، ومنهم روجر إيبرت، اهتماماً كبيراً. ومع ذلك، حصد تقديراً متزايداً بمرور السنين، ويُعد اليوم من أفضل أعمال جارموش. وهو بلا شك من أروع إبداعات مولر أيضاً. إنه فيلم يتمحور حول المشاعر، ويبني أجواءً غنية ونابضة بالحياة. وتتناغم حركة كاميرا مولر الأحادية اللون بامتياز مع السرد البطيء والغامض. ويقدم مراجعة فريدة للغاية للنوع السينمائي الغربي، لا يتقنها سوى جارموش.
يُعد جارموش مؤلفاً سينمائياً مثيراً للاهتمام، إذ يخرج أفلاماً تنتمي لأنواع سينمائية متعددة، ومع ذلك تظل بصمته واضحة دون تكلف. يتضمن Dead Man بعضاً من أكثر الصور إبهاراً في مسيرة مولر. حيث يضفي طابعاً سايكديلياً وطبيعياً في الوقت ذاته على المناظر الطبيعية الغربية التي تجوبها الشخصيات، لتبدو في بعض اللحظات وكأنها قصة خيالية. إنه فيلم جميل يناقش قضايا كبرى بأسلوب خفي، وقد حقق هذا النجاح بفضل التناغم المذهل بين جارموش ومولر.
1. Paris, Texas (1984)
اكتسب Paris, Texas سمعة كونه الفيلم الأكثر تأثيراً عاطفياً في مسيرة فيندرز. ورغم أن هذا الرأي قابل للنقاش، يسهل إدراك سبب المكانة الرفيعة التي يحظى بها الفيلم. فبعد 36 عاماً من إصداره، لا يزال من أكثر الأفلام الفنية المحبوبة والمدروسة التي ظهرت في الثمانينيات. بدأت الفكرة برغبة فيندرز في “سرد قصة عن أمريكا”. وطوّر السرد مع كاتب السيناريو سام شيبارد، لينتهي المطاف بالفيلم كإنتاج دولي، بتمويل من شركات إنتاج ألمانية غربية، وفرنسية، وأمريكية.
يُعد Paris, Texas فيلم طريق يتمحور حول رجل محطم. إذ يعثر والت (دين ستوكويل) على شقيقه ترافيس (هاري دين ستانتون) بعد سنوات من التجول في صحراء تكساس في حالة من فقدان الذاكرة الانفصالي. يعود ترافيس ليكتشف أن ابنه هانتر نشأ في كنف والت وزوجته، وبالكاد يتذكره. تتضمن الحبكة العديد من الأجزاء المفقودة التي تتضح مع تطور السرد. فقد حدث انفصال ما بين ترافيس وزوجته جين في الماضي، وينطلق الآن في رحلة للبحث عنها.
من المثير للاهتمام أن مخرجاً ألمانياً ومدير تصوير سينمائي هولندياً تمكنا من إبداع واحدة من أروع التحف السينمائية التي تجسد “الثقافة الأمريكية”. وقد اعتمدا مجدداً أسلوباً هادئاً ومتقشفاً يضفي طبقة من الصدق والعزلة على السرد. ولعل التصوير السينمائي في Paris, Texas هو الأكثر تعبيراً عن أسلوب مولر. إذ لم يتألق استخدامه للإضاءة الطبيعية واللقطات الطويلة البطيئة في أي عمل آخر كما فعل هنا. نال الفيلم عن جدارة السعفة الذهبية في مهرجان كان عام 1984، ولا يزال يدهش المشاهدين ويسحرهم حتى اليوم. إنها قصة مذهلة عن الوحدة والندم، تفيض بالحنين والشجن. وإذا قُدر لمولر أن يُذكر بفيلم واحد فقط من أفلامه العديدة، فسيكون هذا الفيلم بلا شك.
