قد يكون الغوص في بحر الأفلام العظيمة من جميع أنحاء العالم تجربة شاقة في بعض الأحيان. ومع إنتاج العديد من الدول لعدد هائل من الأفلام المذهلة على مدار المائة عام الماضية تقريباً، يصعب على أي محب للسينما البحث عن ما يُسمى بـ “الكلاسيكيات” التي لم يشاهدها بعد ومتابعتها. وبناءً على ذلك، إليك 10 كلاسيكيات عظيمة من السينما العالمية ربما لم تشاهدها من قبل، ولكن ينبغي لك حتماً مشاهدتها.
10. The Big City (India, Satyajit Ray, 1963)
يُعد المخرج ساتياجيت راي، المعروف بثلاثيته المذهلة “آبو” (Apu Trilogy)، ربما الاسم الأشهر في السينما الهندية. ولهذا السبب، من المفاجئ جداً أن أحد أفضل أفلامه، “The Big City”، نادراً ما يُذكر في النقاشات السينمائية. تستند هذه التحفة البنغالية الصادرة عام 1963 إلى القصة القصيرة “أباتارانيكا” (Abataranika) للكاتب ناريندراناث ميترا، وتلعب فيها مادهابي موخيرجي دور أراتي، التي تزعج عائلتها المحافظة بحصولها على وظيفة كمندوبة مبيعات.
كما هو واضح في مسيرته السينمائية بأكملها، اهتم ساتياجيت راي بدور المرأة في هذه الهند الجديدة والمستقلة والنامية. بمجرد أن تغادر أراتي منزلها وتبدأ في السير في شوارع كالكوتا الخانقة، ينتقل راي إلى التصوير اليدوي، وهي تجربة غير مستقرة لأي مشاهد، مما يؤكد على هذه الخطوة نحو عالم أوسع بالنسبة لأراتي، عالم لا يرحم ومضطرب.
من هذه اللحظة فصاعداً، يتحول “The Big City” إلى فيلم نسوي مبكر ومثالي، يحترم جميع شخصياته بطريقة رقيقة وواقعية في آن واحد. إنه بحق شهادة على براعة راي وكيف يمكنه التقاط الأحداث والقصص التي تبدو عادية بجماليات فائقة.
9. Black Girl (France/Senegal, Ousmane Sembène, 1966)
من إخراج وكتابة عثمان سمبين، تلعب مبيسين تيريز ديوب دور ديوانا في “Black Girl”، وهي امرأة سنغالية تنتقل من داكار في السنغال إلى أنتيب في فرنسا للعمل لدى عائلة فرنسية بيضاء وثرية. كان فيلم “Black Girl” من الأفلام الرائدة التي تناولت القضايا الأوسع لهوية ما بعد الاستعمار داخل أوروبا وأفريقيا.
من حيث تناوله الرمزي للعنصرية، خاصة مع القناع الأفريقي الذي تمنحه ديوانا لأصحاب عملها، يمكن اعتبار “Black Girl” سلفاً لأفلام مثل “Get Out” للمخرج جوردان بيل ومسلسلات تلفزيونية مثل “أتلانتا” (Atlanta) على شبكة FX. إنه حقاً دليل على مدى تقدم هذا العمل الفرنسي السنغالي على عصره، حيث يمكن لفيلم أُنتج عام 1966 أن يكون بهذا القدر من الجرأة في السرد. وما يثير الإعجاب أكثر هو أن هذه التحفة الفنية التي تبلغ مدتها ساعة كانت أول فيلم روائي طويل لسمبين.
بفضل الأداء الساحر من مبيسين تيريز ديوب، يُعد “Black Girl” قصة مفجعة حقاً عن الهوية العرقية والنسوية.
8. Le Trou (France, Jacques Becker, 1960)
يُعد فيلم “Le Trou”، المعروف أيضاً باسم “The Hole”، اقتباساً آسراً للغاية لرواية خوسيه جيوفاني الصادرة عام 1957 بعنوان “الثقب” (The Break). تحت إدارة جاك بيكر، الذي كان سابقاً مساعداً للمخرج الأسطوري جان رينوار، غالباً ما يُعتبر فيلم الجريمة والإثارة الفرنسي هذا أعظم فيلم عن الهروب من السجن على الإطلاق، ومع ذلك فهو غير معروف تقريباً بين معظم رواد السينما. يركز الفيلم على شاب فرنسي يُجبر على الانتقال إلى زنزانة سجن مختلفة أثناء انتظار محاكمته. عند لقائه بزملائه الأربعة الجدد في الزنزانة، يشعرون بأنهم مضطرون لإشراكه في خطتهم للهروب من السجن.
ما يميز “Le Trou” عن معظم أفلام الهروب من السجن هو النبرة التأملية التي تغلب عليه تقريباً من البداية إلى النهاية. يصنع بيكر لقطات طويلة رائعة من الصمت المطبق، مركزاً فقط على الشخصيات وهي تحفر أو تطرق أو تفكر.
يصور مدير التصوير غيسلان كلوكيه هؤلاء الرجال الفرنسيين المصممين تماماً كما يصور مدير التصوير في أفلام النوار النمطية محققاً صلباً. من خلال العيون المنهكة لكل سجين، نتمكن من إلقاء نظرة خاطفة على الماضي الذي أوصلهم إلى هناك في المقام الأول، وهو أمر مروع ولكنه جميل في الوقت ذاته.
والأكثر إثارة للإعجاب هو حقيقة أن طاقم تمثيل “Le Trou” يتكون في معظمه من غير الممثلين، مما يؤكد على إخفاء هوية كل سجين. يُعد “Le Trou” واحداً من أكثر أفلام السجون جاذبية وتوتراً على الإطلاق، ومن المؤسف أن الكثير من الناس لم يشاهدوه، بما في ذلك المخرج جاك بيكر، الذي توفي بعد أسابيع قليلة من انتهاء التصوير الرئيسي.
7. Pastoral: To Die in the Country (Japan, Shūji Terayama, 1974)
يُعد “Pastoral: To Die in the Country”، المعروف أيضاً باسم “Pastoral Hide and Seek”، عملاً تجريبياً طليعياً للشاعر والمخرج والكاتب المسرحي والمصور الياباني شوجي تيراياما. هذا الفيلم الثالث غير المعروف غالباً في مسيرة المخرج السينمائية هو جهده الأكثر شخصية وسريالية، وهو تناول يحمل طابع السيرة الذاتية إلى حد ما لطفولته.
سيستمتع الكثيرون باستخدام تيراياما للرمزية لخلق صور مروعة ولكنها جذابة، ومع ذلك، في منتصف هذه التحفة اليابانية السايكدلية، يتغير المسار حيث نكتشف أننا نشاهد بقايا فيلم غير مكتمل لمخرج يحاول التقاط جوهر طفولته. هل تشعر بالارتباك؟ الجميع كذلك.
كلما استخدم تيراياما هذا الفيلم للغوص في عقله الباطن والبحث عن إجابات تشبع فضوله، أصبح أكثر شبهاً بالحلم. لا بد من الإشارة إلى استخدام الألوان. تكتسح درجات الأحمر الرائعة الشاشة، لتمثل الحب والشغف، ولكنها تمثل أيضاً الخطر والتحذير، وهما وجهان لعملة واحدة في هذا الفيلم الذي يبدو مجنوناً في بعض الأحيان.
وما يجعل التجربة أكثر غرابة هو استخدام المكياج الأبيض الذي يغطي أجساد الممثلين ويخلق تجربة تشبه الحلم، بل وتكاد تكون خارقة للطبيعة. أشباح الماضي تتراقص داخل وعي رجل واحد. حرب ضد شياطينك الداخلية، تتنكر في هيئة رعب جسدي خيالي خالد. تجربة تسكن الذاكرة.
6. Touki Bouki (Senegal, Djibril Diop Mambéty, 1973)
قبل أن تنال السنغال استقلالها، لم يكن بإمكان صناع الأفلام سوى إنتاج أفلام يقبلها المستعمرون، مما أدى إلى سلسلة من الصور غير الواقعية والمتملقة لأفريقيا. ومع ذلك، في عام 1960، بعد أن نالت السنغال استقلالها، وبعد 13 عاماً، وبدون تدريب رسمي، وبميزانية بلغت 30 ألف دولار فقط (تم الحصول على جزء منها من الحكومة السنغالية)، أخرج الكاتب والمخرج جبريل ديوب مامبيتي “Touki Bouki”، المعروف أيضاً باسم “Journey of the Hyena”.
يروي “Touki Bouki”، وهو أحد الإنجازات الرائدة في السينما الأفريقية، قصة راعي بقر يتمتع بكاريزما وطالبة جامعية تشعر بالملل، يخططان للهروب من حياتهما الريفية المملة بالسفر إلى باريس على دراجة نارية مزينة بجمجمة بحثاً عن المغامرة والمال.
إنه مزيج من الأداء المقنع لطاقم التمثيل المكثف، وخاصة ماجاي نيانغ، وصناعة الأفلام الطليعية المستوحاة بوضوح من الموجة الفرنسية الجديدة (وخاصة غودار). يُعد التصوير السينمائي لجورج براشر مذهلاً بشكل مفاجئ بالنظر إلى الميزانية، حيث يلتقط المناظر الطبيعية الشاسعة في السنغال.
إن الرغبة المستمرة في حياة أفضل هي ما يغذي هذه الدراما الرومانسية، والاستخدام التجريبي لعمل الكاميرا، واللحظات المفاجئة من الخيال الخالص والذهول، والاستخدام المبهر للموسيقى هو ما يجعل “Touki Bouki” واحداً من أهم الأفلام الأفريقية التي صُنعت على الإطلاق.
5. Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion (Japan, Hideaki Anno/Kazuya Tsurumaki, 1997)
ما هي الحياة؟ هل يوجد إله؟ من أنا؟
يُعد “Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion” الثاني من بين فيلمين تكميليين عُرضا في دور السينما للأنمي المشاد به نقدياً، وهو يحل محل (أو يتزامن مع، اعتماداً على من تسأل) الحلقتين الأخيرتين من المسلسل، اللتين واجهتا الكثير من الجدل والاستياء من المعجبين بسبب قيود الميزانية والوقت.
تُختتم قصة هيدياكي أنو الرمزية عن العدمية والدين والفلسفة الوجودية بطموح ناري؛ تجربة خام وعميقة وسايكدلية تتجاوز الحواجز الطبيعية لما يمكن أن تكون عليه سينما الرسوم المتحركة. في حين يبدأ المسلسل الأصلي كتفكيك للنوع السينمائي لأنمي الميكا، فإنه يزدهر لاحقاً ليصبح قصة أكثر غموضاً وعمقاً، ناقلاً التركيز من الحبكة إلى الاضطرابات الداخلية والصحة العقلية والنفسية الداخلية لكل شخصية. يُعد هذا الفيلم الختامي الطويل تحفة أنو الحقيقية، حيث ينسج سرداً دقيقاً، وأقواس شخصيات تفطر القلب، ورسوماً متحركة جميلة، ورمزية دينية مؤثرة.
غذّى أنو السرد بشكل متزايد باكتئابه السريري، حيث دمج تجارب حالته وصدمته النفسية في العناصر العاطفية للحبكة والشخصيات.
استخدم المخرج والكاتب الياباني “Evangelion” كآلية للتكيف، مما أدى إلى شعور بأن الفيلم الطويل علاجي تقريباً في بنيته الموضوعية. كان يعتقد أن البشر، بغض النظر عن صغر سنهم أو ضعفهم، يجب أن يتعرضوا لحقائق الحياة الحقيقية، سواء كانت كئيبة أو غير ذلك. ومن هنا، تدور مشاهد متعددة داخل عقول الأفراد، وتغوص في الاضطرابات النفسية الخاصة بكل شخصية. يزعم العديد من المعجبين أنهم وجدوا عزاءً غير متوقع وتعافياً عقلياً من خلال هذا الفيلم.
يُعد “Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion” علامة فارقة لا هوادة فيها ولا تضاهى في السينما. إن تجربة مشاهدة المسلسل والفيلم الطويل اللاحق ليست شيئاً يمكن وصفه بالكلمات. بل يجب الشعور بها. يتوفر المسلسل الأصلي المكون من 26 حلقة، بالإضافة إلى هذه التحفة الفنية الطويلة على نتفليكس. ابحث عنه في أقرب وقت ممكن. قد تشمل الآثار الجانبية التساؤل عن معنى الحياة، ووجود إله، ومكانك في نسيج الحياة العظيم.
أو ربما يتركك تحدق في انعكاس صورتك عبر سواد شاشة التلفزيون، متسائلاً عما شاهدته للتو بحق السماء.
4. The Human Condition Trilogy (Japan, Masaki Kobayashi, 1959-1961)
في الفترة من 1959 إلى 1961، أبدع المخرج الياباني المرموق ماساكي كوباياشي ما يُعد واحدة من أكثر الثلاثيات ملحمية وحبساً للأنفاس في تاريخ السينما. ومع ذلك، يبدو أن أحداً لا يتحدث عنها.
مقتبسة من رواية السيرة الذاتية لجونبي جوميكاوا التي تحمل نفس الاسم، تلعب هذه القصة العظيمة دور البطولة لتاتسويا ناكاداي في دور كاجي، وهو مسالم ياباني يحاول النجاة في الأوقات العصيبة للحرب العالمية الثانية.
على مدار 579 دقيقة، نُؤخذ في رحلة مفجعة ولكنها جميلة حول – كما يوحي العنوان – الحالة الإنسانية. إن حب كاجي لميتشيكو، التي لعبت دورها ببراعة ميتشيو أراتاما، هو بلا شك واحدة من أكثر العلاقات الرومانسية عاطفية وواقعية التي عُرضت على الشاشة، والتي أكد عليها أداءان مركزيان مذهلان.
عبر الأفلام الثلاثة، التي تحمل عناوين “لا حب أعظم” (No Greater Love) و”الطريق إلى الخلود” (Road to Eternity) و”صلاة جندي” (A Soldier’s Prayer) على التوالي، ينسج كوباياشي قصة صادقة وشخصية عن المصالحة والواجب، ويضع النطاق الملحمي للحرب العالمية الثانية جنباً إلى جنب مع النفس الداخلية المعزولة لفرد واحد. الثلاثية عبارة عن كمين شعري من المعضلات الفلسفية حول الحرب والحب؛ وربما تكون قصة رمزية لموضوع أكبر يتمثل في صراع الإنسان ضد النظام.
وحده “Apocalypse Now” اقترب من استخدام الحرب كخلفية لمثل هذه المعارك النفسية والصراعات الداخلية المهددة والرائعة. يُعد “The Human Condition” عملاً رائعاً حقاً، وهي ثلاثية تغيب عن رادار الكثير من الناس، وشيء يجب على الجميع تجربته.
3. Shoah (France, Claude Lanzmann, 1985)
خمسمائة وستة وستون دقيقة. أحد عشر عاماً في طور الإعداد. ولا إطار واحد من اللقطات الأرشيفية. يوضح لنا كلود لانزمان مدى بساطة الكلمة المنطوقة، وفعاليتها في الوقت ذاته.
من خلال إجراء مقابلات مع الناجين والشهود والنازيين أنفسهم، يرسم لنا لانزمان صورة مروعة للمحرقة، وتذكيراً وحشياً لا هوادة فيه بواحد من أسوأ الأحداث في تاريخ البشرية. قد لا يبدو الجلوس وتجربة “Shoah” النشاط الأكثر بهجة أو إلهاماً، ومع ذلك ينسج لانزمان هذه المقابلات بطريقة دقيقة للغاية، وبتفاصيل صارمة ومعقدة، لدرجة أنه يصعب التوقف عن المشاهدة. يُعد هذا الفيلم الوثائقي قطعة أثرية تاريخية إن لم يكن أكثر من ذلك، وتجربة خام وقاسية يجب على كل إنسان مشاهدتها مرة واحدة في حياته.
“Shoah” مؤلم ومحبط ومدمر، ولكنه رائع في الوقت ذاته. إنه يفصل بعضاً من أكثر اللحظات ضعفاً في تاريخ البشرية، ومع ذلك لا يقدمها أبداً بأي ذاتية. إنها السينما في أكثر حالاتها انكشافاً وحساسية، وهو إنجاز مذهل سيصمد أمام اختبار الزمن.
2. Celine and Julie Go Boating (France, Jacques Rivette, 1974)
إلى جانب جان لوك غودار، كان جاك ريفيت أحد رواد الموجة الفرنسية الجديدة التجريبية، وربما يكون فيلمه الأكثر ابتكاراً وطليعية وسحراً، “Celine and Julie Go Boating”، هو تحفته الفنية الكبرى.
قصة خيالية سريالية وغامضة مدتها ثلاث ساعات، تسترشد بسرد غير تقليدي وعروض رائعة، تروي تحفة ريفيت القصة المتعرجة لامرأتين فرنسيتين، حيث تتبادلان الهويات وتنغمسان في مغامرات سحرية ومرحة وسايكدلية متزايدة.
من وصف الحبكة، يمكن تفسير “Celine and Julie Go Boating” على أنه كتاب للأطفال، ومع ذلك يرسم ريفيت لوحة أكثر رعباً وشؤماً، حيث ينسج موضوعات السحر والهوية والواقع. هناك تقريباً قدرة كلية على طريقة ديفيد لينش، ومع ذلك فإن ريفيت أكثر غموضاً في سرده. الأحلام حقيقة والواقع حلم.
وصف الناقد المرموق والمحترم ديفيد طومسون “Celine and Julie Go Boating” بأنه “الفيلم الأكثر ابتكاراً منذ Citizen Kane”، ومن السهل معرفة السبب. في حين أن القصة معقدة ومهلوسة في حد ذاتها، فإن الطريقة التي تُروى بها الحكاية هي التي تجعل الفيلم يقدم حجة لنقاده والمدافعين عنه على حد سواء. لا شيء يمكن تفسيره، ولا شيء يحدث لسبب داخل حدود الفيلم، كل ما يمكن للمرء فعله هو الجلوس والسماح للتجربة بالسيطرة عليه.
يعمل المنزل المسكون كشخصية مستقلة ومكتملة الملامح، وريفيت هو الطفل الذي يلعب بالدمى بداخله. إنه يطوي واقع سيلين وجولي، ويمد يده ويطلب منهما الانضمام إلى لعبته الكبرى. ومع ذلك، لا يتحطم الجدار الرابع أبداً، حيث لم يكن هناك أي واقع أو أصالة في المقام الأول، بل مجرد مستويات لا حصر لها من الخيال والسحر. يُعد “Celine and Julie Go Boating” فيلماً لا بد من مشاهدته لمحبي السينما السريالية والمحيرة للعقل، حيث مهد الطريق لصناعة الأفلام الأكثر تجريبية التي اعتدنا عليها اليوم.
1. Harakiri (Japan, Masaki Kobayashi, 1962)
في حين أن فيلم أكيرا كوروساوا الأكثر شهرة وأيقونية “Seven Samurai”، هو نظرة بائسة للموت والخدمة والتضحية، متخفية في شكل احتفال بالساموراي في اليابان التي مزقتها الحروب في القرن السادس عشر، فإن “Harakiri” لماساكي كوباياشي هو أقرب إلى تفكيك للنوع السينمائي للساموراي الذي هيمن على اليابان لعقود من الزمن، ورثاء لمحارب طواه النسيان منذ زمن طويل في العالم الحديث.
في بداية القرن السابع عشر، وبعد سنوات من الفوضى والصراع والمناوشات، وحد توكوغاوا إياسو أخيراً اليابان بأكملها، مما خلق حقبة جديدة من السلام والازدهار. ومع تحول سيوف الكاتانا الخاصة بهم إلى أدوات عديمة الفائدة، تحول الساموراي والرونين إلى أنشطة أخرى: الأدب، الفلسفة، اللاهوت، الفن، إلخ. ومع ذلك، تأمل بعض الساموراي في مكانتهم في العالم، واختاروا غمد سيوفهم والتجول في الأراضي اليابانية الهادئة. وذهب البعض إلى أبعد من ذلك، لارتكاب الهاراكيري، حيث أراقوا أحشاءهم وهم يحدقون في عالم، رغم جماله، لم يكن فيه مكان لهم. ومع ذلك، فإن فكرة البوشيدو لم تتزعزع أبداً.
ميثاق من الدقة والاحترام. يتحدى كوباياشي هذه المُثُل المركزية. الشخصيات خبيثة وقاسية ولا ترحم حيث يتوقع المرء أن تكون شجاعة وبطولية وحازمة. يفكك كوباياشي ما يعنيه أن تكون ساموراي، ويستخدم هذه الاستعارات النمطية ضد الجمهور، ليخلق تحفة فنية صادمة ولا هوادة فيها من المؤامرات والسخرية.
مع أقل من عشر دقائق من الحركة، يختار “Harakiri” بدلاً من ذلك التركيز على الميول النفسية للساموراي، متسائلاً عن المُثُل ذاتها التي عاش الساموراي حياتهم وفقاً لها. إن التلاعب اللفظي بين “هانشيرو” الذي يلعبه تاتسويا ناكاداي وسادة عشيرة إي هو بنفس شراسة وحدة المبارزة بالسيوف التي تلي ذلك، سواء في الحاضر أو في حكايات الرجل العجوز المكثفة والغاضبة والعاطفية.
نظراً لأن كوروساوا يهيمن على النوع السينمائي للساموراي بطبيعة شاهقة ولا ترحم، فمن السهل نسيان البراعة الخالصة لفيلم “Harakiri” لكوباياشي، وهو فيلم يتمحور في جوهره حول اللمحات الباهتة لمحارب أسطوري بحق.
