تتأرجح مسيرة دارين أرونوفسكي بين دراما نفسية حالمة وطبيعية مؤلمة، مع رحلات إلى الملحمة الكتابية والآن، جريمة قذرة في نيويورك. على مدار سبعة وعشرين عامًا، تمسك بعدد قليل من المتعاونين (لا سيما ماثيو ليباتيك خلف الكاميرا والمحرر أندرو وايسبلوم في عدة عناوين) واهتمام متكرر بالأجساد تحت الضغط—العقل، واللحم، والروح تدفع إلى الحد الأقصى.
جاءت انطلاقته بعد Pi (1998)، ولا تزال موضوعات وأسلوب هذا الفيلم مركزية لكل ما أنتجه أرونوفسكي منذ ذلك الحين. على الرغم من وجود خيوط متصلة ونقاط يمكن ربطها بين الكثير من أعماله، فإن كل واحد من أفلامه التسعة حتى الآن قد قدم للجماهير شيئًا مختلفًا تمامًا؛ وقد حصلت جميعها على أنواع مختلفة من الثناء النقدي والانتقادات.
هنا، نحاول تصنيف تسعة أفلام طويلة لأرونوفسكي، كل منها مهم وفريد، أرونوفسكي بالتأكيد ليس مخرجًا يمكنك اتهامه بالملل، ومع أحدث أعماله، Caught Stealing، يثبت مرة أخرى أن لديه قدرة غير عادية على إضافة خيوط إلى قوسه، حتى بعد تسعة أفلام.
9. mother! (2017)
فيلم أرونوفسكي الأكثر استقطابًا فجر خريف 2017 مثل قنبلة ثقافية، حيث تلقى بعض المراجعات القاسية للغاية، حتى في الوقت الذي أشاد فيه بعض النقاد به كفن جريء. دافع مارتن سكورسيزي عن مخاطر الفيلم وحرفيته، مشيرًا إلى أن الخطاب الحديث حول تجميع التقييمات قد قلل من قيمته. أما بالنسبة لتفاعل الجمهور، فقد كان أكثر من نفس الشيء؛ بعضهم أحبه وبعضهم كرهه.
كفيلم، mother! هو تمرين منعش في تقييد وجهة النظر: الكاميرا تتشبث بوجه أو كتف جينيفر لورانس بينما يتم غزو منزلها بالرموز، الغرباء، والتشبيهات اللاهوتية، وهي التي تقرب الفيلم من دائرة كاملة بينما ينحرف بشكل جنوني في قسمه الأوسط إلى جنون كامل.
الاختناق مقصود، والاستعارات غير دقيقة وفي بعض الأحيان مزعجة تمامًا، ومع ذلك تبقى مشاهدة الفيلم ضرورية لكل من يُفترض أنه محب للسينما. إذا كنت تجد صعوبة في فهم تشبيهه الأوبرالي للخلق، والشهرة، والدمار البيئي، فأنت لست وحدك؛ حتى المعجبون يعترفون بطبيعته الفوضوية.
ومع ذلك، لا يزال mother! هو أكثر بيانات أرونوفسكي غير المساومة حول شهية الفنان لاستهلاك العالم (حرفيًا في هذه الحالة). سواء كان ذلك يجعله نجاحًا أو اختبار تحمل يعتمد على قدرتك على تحمل الثقوب التي يتنقل فيها mother!.
8. The Whale (2022)
أصبح The Whale نقطة انطلاق حول التمثيل، والأطراف الصناعية، ورهاب السمنة، لكن هذا فيلم يميل إلى فكرة قبول أفعال المرء، ورفض لوم الآخرين. كما يتناول فكرة تحمل المسؤولية.
كانت رواية بريندان فريزر خلال موسم الجوائز لا تقاوم، لكن النقاد والمدافعين ناقشوا ما إذا كانت الطريقة الاصطناعية قد حولت الشخصية إلى عرض. التقارير في ذلك الوقت التقطت تلك الجدل بالضبط، حيث دافع فريزر وأرونوفسكي عن خياراتهما بينما كان الآخرون يعارضون أخلاقيات التصوير والبلاغة البصرية، لكن في مركز الجدل كانت قصة عن شخصية تعرف بالضبط من هو وماذا هو، وكيف وصل إلى تلك المرحلة.
ما لا يمكن إنكاره هو رقة فريزر المؤلمة، وشراسة سايدي سينك، وعودة أرونوفسكي إلى مساحة محصورة حيث تتصادم الأجساد والمعتقدات—هذه المرة محصورة حرفيًا في شقة واحدة. عقل المخرج البصري المميز خافت؛ اللقطات الطويلة والأماكن الضيقة تستبدل مونتاج الأفلام السابقة المبالغ فيه بحميمية مسرحية.
إذا كان الفيلم يحتل مرتبة منخفضة في هذا التصنيف، فذلك لأن بلاغته العاطفية لا تنجو دائمًا من هيكله، The Whale مستند إلى مسرحية، وغالبًا ما يشعر أنه سيكون أفضل ملاءمة لإنتاج مسرحي. ومع ذلك، كقطعة حجرة عن العار والنعمة، فإنه مدمر بهدوء، وتذكير بأن أرونوفسكي يمكنه تخفيف الأسلوب والإيقاع وما زال يجد الإنسانية.
7. Noah (2014)
كانت غوصة أرونوفسكي البالغة 125 مليون دولار في الكتاب المقدس دائمًا ستثير الناس، وقد فعلت: اعترض بعض الجمهور المسيحي على حرياته مع النصوص، بينما جاءت حظرات في عدة دول ذات أغلبية مسلمة بسبب فعل تصوير نبي. لم يكن أي من هذا مفاجئًا، حيث انغمس أرونوفسكي في قراءة نوح كأول بيئي، يتصارع مع الفناء والإشراف- وكان يعلم أن رد الفعل العكسي قادم.
نوح قوي وغريب—شخصيات المراقبين العملاقة مثل المتحولين، بصريات نهاية العالم، وشخصية العنوان التي تتأمل نقاء الإبادة الجماعية. أحيانًا تتغلب المؤثرات البصرية على الدراما الإنسانية، لكن مدى الفيلم مثير للإعجاب، والأداءات جيدة جدًا، خاصة راسل كرو في الدور الرئيسي.
عند النظر إلى الوراء، يجلس عند نقطة مفصلية بين الإفراط الأسلوبي في Black Swan والملمس الإنساني العاري في The Wrestler وThe Whale: وعظ ماكسيمالي (على الجبل) حول البقاء، والالتزام، ورعب أن تكون مختارًا. نوح أفضل مما يعتقده الكثيرون، وهو فيلم عن الأفكار واللاهوت بدلاً من أي محاولة للإهانة.
6. Caught Stealing (2025)
من المقطورات والترويج لـ Caught Stealing، يمكنك أن تعتقد أن هذا هو أحدث إصدار لجيسون ستاثام. في الواقع، عنوان الفيلم هو مصطلح في البيسبول، وهو أحدث إصدار لدين أرونوفسكي، من بطولة أوستن بتلر ومات سميث.
مقتبس من قبل الروائي تشارلي هيوستون من كتابه الخاص، تدور أحداثه في شرق القرية في 1998 ويقوم ببطولته أوستن بتلر كهانك طومسون، لاعب كرة سابق ونادل متقلب يوافق على رعاية قطة ويقع في كابوس عنيف، سخيف، طوال الليل. إن تحول أرونوفسكي إلى وضع أكثر مرحًا مدفوعًا بالإجراءات مع الحفاظ على القسوة مثير للإعجاب، يبدو أن هذا بعيد جدًا عن فيلمه السابق، The Whale المذكور أعلاه.
لا يزال هذا هو أرونوفسكي—لا يزال عنيفًا ومظلمًا، ولكن ممتعاً- تدور أحداثه في أواخر التسعينيات، ويشعر أحيانًا وكأنه صورة محببة للمدينة وقطعة رخيصة، مما يثبت أن أرونوفسكي يمكن أن يكون مرحًا عندما يضع ذهنه في ذلك. كل من بتلر وسميث يستمتعان هنا، وعلى الرغم من أن هذا يحتل مرتبة في منتصف هذه القائمة، إلا أن ذلك ليس محبطًا، يمكن لأرونوفسكي أن يقدم المرح، وعلى الرغم من أن معظم أعماله تشير إلى خلاف ذلك، إلا أنه يقوم بذلك بشكل جيد جدًا.
5. Pi (1998)
بطاقة دعوة أرونوفسكي. تم تصويره بتقنية الأبيض والأسود الحبيبي على ميزانية ضئيلة، ومول جزئيًا من خلال مساهمات بقيمة 100 دولار من الأصدقاء، فاز Pi بجائزة الإخراج في مهرجان سندانس وأعلن عن مخرج مسكون بالهوس، غموض الأرقام (في هذه الحالة) والرعب النشوي من ربط كل شيء بكل شيء، وهو ما سيصبح علامته التجارية.
من الناحية الشكلية، يمكنك بالفعل رؤية العديد من علاماته المميزة: إيقاعات المونتاج السريعة، العمل الكاميراتي الذاتي، والانجذاب للأجساد التي تسعى إلى التجاوز—كلها موضوعات سيعود إليها في أفلامه المستقبلية، وفي هذه الحالة، هو عالم رياضيات يحفر نحو نمط إلهي.
إن إنجاز الفيلم مزدوج: فهو عبارة عن إثارة عالية المفهوم حول الشيفرة ونوبة روحية من الذعر، وتبع هذه الخطوة الأولية اعتراف واسع النطاق، حيث اشترت آرتيسان الفيلم من مهرجان سندانس بمبلغ جيد، والباقي، يمكنك أن تقول، هو التاريخ.
4. Black Swan (2010)
تحول Black Swan التمزق النفسي للبحث عن الكمال إلى رعب باليه قوطي، مع إشارة غير غير دقيقة إلى فيلم باول وبريسبرغر The Red Shoes (1948). ناتالي بورتمان، راقصة الباليه نينا، هي دراسة في المراقبة الذاتية—تنظر إلى نفسها عن كثب وتحلل كل شيء كما نُجبر على القيام به تحت كاميرا أرونوفسكي.
كان الفيلم ظاهرة في شباك التذاكر وعربة جوائز: خمس ترشيحات للأوسكار مع فوز أفضل ممثلة لبورتمان؛ لكن كل هذا مستحق تمامًا إذا كان فقط بسبب المشاعر المؤلمة التي يطلقها على جماهيره. Black Swan بعيد عن كونه سهلاً للمشاهدة، فنحن نشاهد في الأساس شخصًا يدمر نفسه بينما يدفع نفسه إلى الحد الأقصى بينما يحاول تحقيق العكس تمامًا.
يقدم أرونوفسكي هنا مزيجه الأكثر إغراءً من الأسلوب العالي ومواضيع الاستغلال: رعب الجسم الواقعي المطاطي، المناظر الحلمية الهلوسية والشيطانية، ورفض السماح للشخصيات (أو حتى الجمهور) بالهروب من العقاب.
على الرغم من كل ميلودراماته، يضرب Black Swan عصبًا غير مريح حول الطريقة التي تدمج بها النساء الطموحات أكثر الأجزاء قسوة من النظرة وتوجهها نحو الداخل.
3. Requiem for a Dream (2000)
إذا كان Pi هو بيان أرونوفسكي، فإن Requiem هو نبوته المحققة. من خلال اقتباس رواية هوبيرت سيلبي جونيور المثيرة للإعجاب، يخلق أرونوفسكي الصورة النهائية للإدمان كنظام يلتهم الطقوس، والوقت، واللحم؛ مدعومًا بشكل كبير بأداءين رائعين من جاريد ليتو وجينيفر كونلي.
تقنية الفيلم مشهورة: مونتاج هيب هوب لجراحة دقيقة للطقوس المخدرة، لقطات قريبة للغاية، شاشات مقسمة؛ إنه جنون، ومع ذلك يعمل كل ذلك بسبب موضوع الفيلم الرهيب. هذه ليست مشاهدة سهلة؛ في الواقع، قد تكون أصعب طلبات أرونوفسكي.
بالإضافة إلى ليتو وكونلي، يدين الفيلم بالكثير لأداء إلين بورستين كـ سارة غولدفارب، الذي يبقى واحدة من أعظم المآسي في القرن من الأمل الذي تحول إلى وهم؛ تم ترشيحها للأوسكار، وعمل الفن الذي هو أداؤها ينعكس لحسن الحظ في واحدة من أفضل لحظات أرونوفسكي.
2. The Fountain (2006)
أكثر رهانات أرونوفسكي طموحًا—ولسنوات، الأكثر انقسامًا. تم إعداد The Fountain في الأصل كمشروع بقيمة 70 مليون دولار مع هيو جاكمان وكيت بلانشيت مع مجموعات ضخمة، فقط ليتم انهياره وإعادة بنائه بنصف الميزانية مع جاكمان وراشيل وايز، وقد يكون هذا الانخفاض في حد ذاته كافيًا لوضع تحيز في أذهان النقاد والجمهور عندما تم إصدار الفيلم أخيرًا.
ما نجا هو فيلم يرفض ويتجاهل الحدود العادية للزمان والنوع: ثلاث روايات متداخلة عن كونكيستادور، وعالم حديث، ومسافر فضاء مستقبلي، كل منها يمثل تنويعة على الدافع للتغلب على الموت. تم تنفيذ المؤثرات بشكل كبير بدون CGI؛ استخدم أرونوفسكي تصويرًا عالي الدقة لتفاعلات كيميائية وسوائل لإنشاء رؤى كونية، مما أدى إلى شيء فريد تمامًا، حتى بين أعمال أرونوفسكي.
كان النقاد في ذلك الوقت منقسمين—وجد الكثيرون أنه ثقيل، لكن القليل وجدوه مؤثرًا بشكل متعالي. لحسن الحظ، نمت سمعته؛ وتعتبر الاستعادات أنه “تحفة غير مفهومة”، فيلم هوليوود نادر صادق حول الفناء والحب دون سخرية.
تعتبر موسيقى كلينت مانسيل، التي تم أداؤها مع كوارتيت كرونوس وموجواي، واحدة من أعظم الموسيقى التصويرية للأفلام الحديثة، ومع ذلك، ربما يتم تقدير الفيلم الآن فقط كقطعة عمل مذهلة. The Fountain يجسد كل ما هو جنوني ورائع حول أرونوفسكي: تجاوز الحدود، بصريًا مدهش، وفي بعض الأحيان، محير. من المنظور التاريخي، ليس من المستغرب أنه قال إنه الفيلم الأقرب إلى قلبه.
1. The Wrestler (2008)
أفضل فيلم لأرونوفسكي هو أيضًا أبسط أفلامه. تم تصويره بأسلوب وثائقي على 16 مم، يجد The Wrestler ميكي رورك في دور راندي “ذا رام” روبنسون، نجم متلاشي من مصارعة المحترفين في الثمانينيات يتنقل عبر مباريات صغيرة وتوقيعات أوتوجراف بينما يتفكك جسده. أداء رورك، بعد فترة من الزمن في برية السينما، بركاني في ضعفه.
فاز The Wrestler بجائزة الأسد الذهبي في مهرجان فينيسيا السينمائي وأصبح بحق عربة جوائز؛ كانت رواية عودة رورك تعكس بشكل ساخر قوس شخصيته. يميل أرونوفسكي إلى الحميمية؛ هذه قطعة شخصية للغاية، مدعومة بأداء من أفضل ما يكون من رورك، وهو ما اعتقد الكثيرون أنه كان يجب أن يحصل على أوسكار. هنا، هو واقعية هادئة، ومع ذلك، يعبئ ضربة قوية.
من الناحية الموضوعية، يجمع بين موضوعات أرونوفسكي المفضلة؛ الأجساد المعذبة من أجل التجاوز، جمهور الفنان الذي يلتهمه، الحب الذي يُسعى من خلال الألم. لكن على عكس mother! أو Noah، لا تتجاوز الرمزية الدراما الجسدية. هذا خام، ويشعر بأنه حقيقي جدًا، جدًا. عندما يتسلق راندي الحبال للقفزة النهائية، يكون ذلك حرفيًا ورمزيًا، لكن أرونوفسكي لا يفرض قراءة؛ يترك لنا صورة لرجل يعطي كل شيء للأداء، جسدًا وروحًا، مرة أخيرة. إنها تحفة.
