تحب الأفلام التلاعب بالنوع السينمائي بأكثر من طريقة. سواء كان ذلك من خلال تقويض توقعات الجمهور حول نوع الفيلم الذي سيشاهدونه، أو عبر دمج أنواع متعددة لخلق تجربة فريدة ومثالية، فإن الاحتمالات لا حصر لها عندما يتعلق الأمر بكيفية تقديم صناع الأفلام لرؤيتهم الخاصة للتقاليد السينمائية.
ثم هناك تلك الأفلام التي تكسر قواعد أنواعها السينمائية بطريقة تجعل الفيلم يبدو فريداً تماماً في أسلوبه وتنفيذه. هذه هي الأفلام التي تسعى جاهدة لأخذ أنواعها إلى مياه لم تُطرق من قبل، وبذلك أثرت الوسيط السينمائي للأفضل. إليكم قائمة بأفضل عشرة أفلام في تاريخ السينما قامت بكسر قواعد النوع السينمائي.
10. Pina (Wim Wenders, 2011)
تُعد الأفلام الوثائقية الأكثر ثقلاً بالمعلومات بين جميع الأنواع بسبب كمية البيانات التي تحتاج عادةً إلى نقلها، لكن هذا الوثائقي تحديداً ينجح في ذلك ويقوم بشيء خاص يستحضر روح موضوعه. هذا هو فيلم المخرج فيم فيندرز الوثائقي Pina، المكرس لحياة ومسيرة صديقة فيندرز القديمة بينا باوش، مصممة الرقصات الألمانية التي رحلت للأسف أثناء إنتاج الفيلم. الفيلم احتفاء بالفن الذي امتلكته باوش، بدءاً من طريقة بنائها لأفكار ديكوراتها المتقنة وصولاً إلى الحركات والتعبيرات المعقدة التي جعلتها أسطورة في مشهد الـ Tanztheater (مسرح الرقص).
المقابلات مع أعضاء فرقة باوش في فوبرتال تناقش التأثير الذي تركته بينا عليهم، ليس فقط كراقصين، بل كبشر. دائماً ما تحتوي الأفلام الوثائقية على لقطات قريبة للمقابلات حيث يجلس الأشخاص أمام الكاميرا ويدلون بآرائهم. في فيلم Pina، تختلف الأمور لأن المشاهد يسمع المتحدث لكن شفاههم لا تتحرك. بدلاً من ذلك، يتحدث رقصهم نيابة عنهم في أداء أعمال باوش، مما يسمح للمشاهد باكتساب رؤية ومنظور حول عالم وشكل فني قد لا يكون مألوفاً لديهم، وتجربة التأثير الطليعي للفنانة ككل.
لقطات الأرشيف في الفيلم نادرة، لكن المقاطع المعروضة تظهر بينا نفسها وهي تصمم الرقصات وتستعرض شخصيتها. إنه أمر دقيق يساعد في سد الفجوة بين حضور تأثير وأسلوب الشخصية في جميع الأوقات وبين غيابها الجسدي.
9. Moon (Duncan Jones, 2009)
القصص التي تدور حول القمر في الخيال العلمي شائعة بشكل لا يصدق. كانت هناك العديد من الكلاسيكيات حول السفر إلى الفضاء وكيف أن الهدف هو الوصول إلى القمر، ولكن ليس الكثير عما يحدث على سطح القمر نفسه. هنا يأتي فيلم الغموض الفضائي المذهل للمخرج دنكان جونز بعنوان Moon. يقوم سام روكويل بدور رائد الفضاء الوحيد سام بيل، الذي يقترب من نهاية عقد مدته ثلاث سنوات مع صاحب عمله “لونار إندستريز” وينتظر العودة من القمر، لكنه يواجه بعض التعقيدات غير المتوقعة أثناء مغادرته.
من الصعب الحديث عن جوهر ما يجعل Moon فريداً في سجل الخيال العلمي دون حرق القصة المعقدة والمفاجئة. ما يمكن قوله هو أن الجوانب التي تتبادر إلى الذهن عند مناقشة الخيال العلمي، مثل تأثير التكنولوجيا على مجتمعنا، يتم تقديمها بطريقة تجعل المشاهد يتساءل عن التأثير العاطفي لمثل هذه التطورات الفعالة. تقدم القصة حالة سام ووضعه بنهج إنساني يجعل الأسئلة الكبيرة والتفكير واسع النطاق الذي يقدمه النوع السينمائي غالباً يبدو شخصياً للغاية.
بالطبع، تمنح القصة الجمهور بعض لحظات الذكاء الاصطناعي المضحكة وألغازاً ذهنية حقيقية لموازنة معضلاتها الأخلاقية، لكنها لا تفقد أبداً تعاطفها مع بطلها. إنها تضع البطل في مواجهة ضخامة الابتكار ولا تقدم أي إجابات أو تفسيرات سهلة، حيث يُترك المشاهد ليتعامل مع شيء خارج نطاق فهمه تماماً مثل سام لحظة بلحظة.
8. The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford (Andrew Dominik, 2007)
بالانتقال إلى الويسترن التنقيحي، هناك أفلام قليلة تجسد الطبيعة الحقيقية لأفلام الويسترن في مشاهد جميلة ووحشية مثل فيلم The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford. يركز الفيلم، الذي أخرجه أندرو دومينيك، على قصة روبرت فورد (كيسي أفليك) الذي يعمل على التسلل إلى عصابة مثله الأعلى جيسي جيمس (براد بيت) من أجل تحقيق الشهرة والثروة والمكانة. ومع مرور الوقت، يصبح فورد حاقداً تجاه جيمس، وتزدهر تلك الديناميكية وتذبل على مدار الفيلم جنباً إلى جنب مع أعضاء آخرين في العصابة.
ما يجعل الفيلم واحداً من أفلام الويسترن التي تكسر قواعد النوع حقاً هو كيفية اختياره لتقديم أسطورة الغرب. تدور معظم أفلام الويسترن حول صناعة الأساطير وقصص الخارجين عن القانون المشهورين وأفعالهم. غالباً ما تصورهم القصص كأبطال يحملون المسدسات ولصوص يعيشون وفقاً لقواعد شرف صارمة، لكن ما يجعل Assassination قوياً جداً هو كيفية نزعه للأسطورة عن الغرب وعن ما يسمى بأبطال هذه القصص. روبرت فورد انتهازي ضعيف وجبان يحلم بحياة الثروة والعظمة لكنه لا يستطيع العثور على أي عزاء. جيسي جيمس خارج عن القانون سادي ومتقلب المزاج يمكن أن ينفجر في أي لحظة. الشخصيات أكثر واقعية وتعقيداً مما يتم تصويره في القصص التي تُروى عنهم؛ وهو عنصر يجعل الويسترن التنقيحي مقنعاً للغاية.
تعمل بنية القصة مثل رواية رخيصة تُقرأ للجمهور حول حياة وشخصيات أبطالها الذين يلقون في النهاية نهاية يستحقونها إلى حد ما. يروي التعليق الصوتي قصة مختلفة عما كانت عليه حياة هؤلاء الأشخاص في الواقع. يستخدم Assassination هذا للتعليق (سواء كان ذلك مقصوداً أم لا) على طبيعة الشهرة وكيف يمكن أن يكون لتقديس شخص ما عواقب كارثية ومصاعب، مما يجعل رعاة البقر وقطاع الطرق متسخين مثل الطين الذي يسيرون فيه.
7. It Follows (David Robert Mitchell, 2014)
ما هو الشيء الوحيد الذي يجب أن يفعله فيلم الرعب بغض النظر عن أي شيء؟ إخافتك. لكن وسائل الإخافة تلك لم تعزل الخوف والرعب المجهول أكثر مما فعلت في فيلم ديفيد روبرت ميتشل It Follows. تتمحور القصة حول المراهقة جاي هايت (مايكا مونرو) التي يطاردها كيان غير مسمى وغير مرئي بعد لقاء جنسي. بينما لا يتم شرح ماهية “الشيء” بالضبط، فإن الوقت الوحيد الذي يبدو أنه يتجلى فيه هو من خلال شكل أشخاص عاديين يسيرون ببطء نحو جاي بتعبير فارغ على وجوههم.
إنه خيار غريب وشجاع من المخرج أن يجعل الجمهور يدرك الكيان المطارد المركزي قبل وقت طويل من وصوله إلى الشخصية. إنها خدعة التشويق الهيتشكوكية الكلاسيكية المتمثلة في سحب التوتر قدر الإمكان ثم في لحظة المقاومة القصوى يفجر المشهد. علاوة على كل ذلك، هذا المفهوم من الناحية الأساسية لا ينبغي أن ينجح بالقدر الذي ينجح به، ولكن الطريقة التي تم بها بناء المشاهد تضع الشخصيات في مواقف تسمح للكيان بأن يكون في ذروة قوته. إنه يمتد إلى أبعد مما يمكن أن تتحمله مقاومته، ويفاجئ المشاهد في أي لحظة، مما يجعله فيلماً ممتازاً في الرعب.
مخاوف ورعب It Follows وفيرة، ومن خلال إطالة كل لحظة رعب بكفاءة، فإنه يخلق حالة من الارتباك والقلق الملموس. وبالتالي، فإنه يسمح للمؤقت في كل مشهد بإعادة ضبط نفسه بالكامل ويجعل الذعر حاضراً دائماً.
6. Marie Antoinette (Sofia Coppola, 2006)
غالباً ما تقع الأفلام السيرية في فخ إعادة سرد الحقائق بدلاً من المخاطرة الفنية. ومع ذلك، هناك فيلم ينجح في أخذ حقائق شخصيته التاريخية الأسطورية وتحويلها إلى شيء جذاب حيث الأسلوب وفير. هذا هو فيلم صوفيا كوبولا Marie Antoinette. الفيلم بالطبع يدور حول ماري أنطوانيت (كيرستن دانست) ملكة فرنسا المثيرة للجدل التي اشتهرت بأسلوب حياتها الصاخب ولامبالاتها. يتابع الفيلم ماري وهي تتعلم أصول ملكيتها الجديدة حيث تتعرف على مسؤوليات الملكة، وهي مسؤوليات قد لا تكون مستعدة لها تماماً.
إنه أقرب إلى قصة بلوغ سن الرشد منه إلى فيلم سيري تقليدي، وهذا الخيار ينجح نجاحاً كبيراً. تنجح كوبولا في جعل ماري شخصية يمكن التعاطف معها، وتبدو صراعاتها وشكوكها طبيعية وهي تواجه ضخامة واجبها الذي يلوح في الأفق، ومع ذلك فهي لا تريد أي علاقة به. يعمل الفيلم خارج نطاق حبكة ثابتة ويتدفق بحرية قدر الإمكان، متقمصاً شخصية بطلته بالكامل بينما نتتبع وقت ماري كحاكمة.
تستخدم كوبولا الموسيقى التصويرية للفيلم لصالحها أيضاً بدلاً من كونها خلفية كما هو الحال في أفلام أخرى من هذا النوع. بينما توجد الكثير من الأغاني الكلاسيكية التي تُعزف أثناء جنون المراسم، هناك أيضاً قدر كبير من أغاني الروك المستقل والبديل من منتصف العقد الأول من القرن الحادي والعشرين. إنها تجعل ماري تبدو وكأنها تمر بمرحلة البلوغ في الوقت الحاضر، وكيف توحد ماري عالمياً مع فتيات أخريات في نفس العمر، مما يجعل الفيلم خالداً ومبتكراً.
5. Jules and Jim (François Truffaut, 1962)
الحب يمكن أن يجعل الناس يفعلون أشياء غبية. أحياناً تكون تلك الأشياء غبية بشكل سخيف لأنهم لا يعرفون كيف يعيشون بدونه، أو لأنهم يائسون جداً من أجله. هذه هي حالة كلاسيكية الموجة الفرنسية الجديدة Jules and Jim. تدور القصة، التي أخرجها أيقونة الموجة الجديدة فرانسوا تروفو، حول مثلث حب بين ثلاثة أصدقاء: جول (أوسكار فيرنر)، وجيم (هنري سير)، وكاثرين (جين مورو)، وكيف يتفاعلون مع بعضهم البعض من أجل تحقيق الحب والسعادة.
بقدر ما يمكن للمرء أن يتوقع من مشاكل تنشأ خلال مثلث الحب، هناك أيضاً قدر كبير من المهزلة الكوميدية التي تحدث مع كيفية محاولة هؤلاء الثلاثة الحفاظ على بعض الطبيعية. إن ثبات الفيلم في حالة تغير مستمر دائماً حيث تمتلك كاثرين، شخصية مورو، اندفاعاً وقوة لا تصدق على الرجلين مما يجعلها قاتلة بقدر ما هي رائعة. يتم استجواب طبيعة الرومانسية من خلال أفعالهم ويوضح كيف يمكن للناس أن يكونوا يائسين جداً من أجل الحب لدرجة أنهم سيربطون أنفسهم بأي نوع من المواقف فقط حتى يتمكنوا من تجربته.
بالنسبة لفيلم يتمحور حول الديناميكية المتغيرة باستمرار لهذا المثلث، فإنه يتعامل أيضاً مع العديد من العواقب السلبية لاختيار الحب والتضحية التي يمكن أن تأتي معه. لا يوجد هدف نهائي لدى أي من الأبطال الثلاثة فيما يتعلق بما يريدونه من الحب، لكنهم يريدون فقط الاتصال به كلما أمكن ذلك ويعانون بدونه. يضع جول وجيم أنفسهما في مواقف لا هوادة فيها باختيارهما تفضيل كاثرين، مما يضع حبهما لها على المحك في تصرفات غريبة بشكل سخيف تجعل الرومانسية أكثر عبثية.
4. Close-Up (Abbas Kiarostami, 1990)
هناك بعض القصص الواقعية المجنونة لدرجة أنها تتطلب الفحص من أجل التمييز بين الحقائق والخيال. ولكن ماذا لو لم يكن هناك مثل هذا الاهتمام بالحقيقة وبدلاً من ذلك تم تقديم الأفكار دون تعليق أو سؤال حول الواقع؟ هذا هو مفهوم تحفة عباس كيارستمي الوثائقية الدرامية Close-Up. يتابع الفيلم القصة الحقيقية لحسين سبزيان، محب السينما الذي ينتحل شخصية بطله محسن مخملباف من أجل إقناع عائلة بالتمثيل في فيلمه الجديد. يتابع الفيلم محاكمة سبزيان، ومع تكشفها، تبدأ حقيقة ما يشاهده المشاهد في التلاشي حيث ينتقل الفيلم ذهاباً وإياباً بين لقطات قاعة المحكمة بأسلوب الواقعية والدراما المقنعة خارجها.
يتم ثني مفهوم الحقيقة والهوية إلى أقصى درجة في هذا الفيلم حيث أن العديد (إن لم يكن كل) الشخصيات في الفيلم هم ممثلون يلعبون دور أنفسهم من أجل تقديم النهج الأكثر واقعية ممكن. تبدو محاسبة جرائم سبزيان في البداية وكأنه محتال كلاسيكي يتطلع إلى خداع عائلة مطمئنة، ولكن هناك غرض عميق وبراءة تتدفق عبر سبزيان مما يثير التساؤل حول خبث الجرائم. يتم تقديمه كما يتم تقديم أي لقطات وثائقية ولكن هناك شيء غير صحيح تماماً حيث يدرك الجمهور دوافع سبزيان بالإضافة إلى العديد من الشخصيات الأخرى.
ما يفعله Close-Up ويختلف عن الفيلم الوثائقي أو السيري القياسي هو أنه، كما ذكرنا سابقاً، يهتم بالاستبطان والهوية أكثر من إعادة سرد حقيقية للأحداث. كل الدراما وعملية القصة ثانوية حيث يستخدم الفيلم ذلك كخلفية للتفكير في كيفية تحريك الفن للناس وتشكيلهم وكيف يمكن أن تتعرض مبادئ الفن للهجوم من قبل أولئك الذين يهدفون إلى قمعه.
3. Mulholland Drive (David Lynch, 2001)
لم تكن هناك قصة محبطة ومدمرة عن هوليوود مثل تلك الموجودة في فيلم الإثارة والغموض “نيو-نوار” للمخرج ديفيد لينش Mulholland Drive. تتمحور القصة حول بيتي (ناومي واتس)، الطموحة الهوليوودية المبهجة التي توافق على مساعدة امرأة تدعى “ريتا” (لورا هارينج) تعاني من فقدان الذاكرة لاستعادة ذاكرتها. تبحث بيتي وريتا عن أدلة في جميع أنحاء مدينة الأحلام لمحاولة اكتشاف هوية ريتا، مما يقودهما إلى بعض الأماكن المظلمة ويواجههما بحقائق مرعبة.
يتجلى تشويق Mulholland Drive بطرق خيالية توجد على مستوى آخر من الواقع بدلاً من العقلانية. المشهد الشهير في مطعم “وينكيز” وحده يكفي ليكون وقوداً للكوابيس مدى الحياة، ولكن ما يجعله فيلم إثارة مشؤوماً هو مدى قدرة الفيلم على نزع السلاح. طوال Mulholland Drive، تكون الشخصيات التي تتفاعل معها البطلات ودودة ومنفتحة تجاههن بشكل مريب، لدرجة أنها تجعل الجمهور يشعر بأنه يمكنهم حل مشكلتهن بسهولة. فقط عندما يدخلن إلى الأجزاء القذرة من لوس أنجلوس، تصبح محنتهن أكثر من اللازم للتعامل معها.
هناك جو حالم وسريالية تتخلل هذه النسخة من هوليوود، وكثير من ذلك هو توقيع لينش نفسه. توجد كل شخصية كرد فعل للعالم من حولها بدلاً من إملاء أفعالها الخاصة. هذا يسمح لهن بأن يصبحن عرضة لأي شيء وكل شيء، مما يجعل هذا الغموض مخيفاً ومستوعباً للغاية.
2. Beau Travail (Claire Denis, 1999)
هل كانت قصة حرب شجاعة وحيوية فنياً مثل تحفة كلير دينيس Beau Travail؟ يركز الفيلم على المساعد جالوب (دينيس لافانت) وهو يتذكر وقته في خدمة الفيلق الأجنبي الفرنسي في جيبوتي. الكثير من الفيلم يدور حول كيفية ترك جالوب لمعالجة الحياة من حوله التي يقودها الجنود الأصغر سناً وكيف يستجيب للامبالاة بينما يواجه انعدام أمنه.
للبدء، Beau Travail هي أقل من كونها قصة حرب قاسية بقدر ما هي حكاية أوبرالية عن تكلفة القيود التي يفرضها نمط الحياة والأوامر على جنودها. يستند الفيلم إلى رواية هيرمان ملفيل القصيرة Billy Budd ويتميز بموسيقى من أوبرا تحمل نفس الاسم لبنجامين بريتن. تتضمن العديد من التسلسلات في الفيلم جنوداً آخرين يقفون مقابل بعضهم البعض ويجرون تدريبات معاً بينما تتصاعد موسيقى الأوبرا. الطريقة التي تم بها تصوير التدريبات هي أكثر لإبراز حسية الرجولة المعروضة بدلاً من الطبيعة المرهقة للتدريب التي اعتادت هذه الأفلام على إظهارها.
تترك أفكار الفيلم حول الرجولة والقتال ضد نظام حظري مجالاً ملموساً للجمهور لاستخلاص استنتاجاتهم الخاصة للمواقف التي لا تبتلي جالوب فحسب، بل أعضاء آخرين في القوات. معارك Beau Travail هي المعارك الداخلية التي تشتعل داخل شخصياتها، مما يخلق دفعات من العاطفة التي تترك تأثيراً لا يمحى.
1. Playtime (Jacques Tati, 1967)
تم دفع فكرة ما هي الكوميديا، أو ما يمكن أن يكون عليه النوع السينمائي، إلى حدودها القصوى في فيلم جاك تاتي الرائد والمذهل Playtime. يتمحور الفيلم حول شخصية تاتي الأيقونية مسيو هولو، ويتابع Playtime تلك الشخصية وهو يحاول التنقل في باريس عالية التقنية لكنه يجد نفسه في مواقف فكاهية وجريئة بشكل متزايد.
يتحرك Playtime بدون شكل لتأثير كبير حيث يقفز بسلاسة من كل لقاء إلى التالي بشكل طبيعي قدر الإمكان. الفكاهة لا تشبه أي فيلم آخر من حيث أن النكات تعمل أكثر كمنحدر مائي من المرح، مما يعني أنها تأتي وتذهب دون سابق إنذار أو بصيرة وتوجد في مساحتها الخاصة ويحتاج المشاهد ببساطة إلى الذهاب مع الرحلة. يستنفد تاتي الطرق المختلفة التي يمكنه بها جعل الجمهور يضحك من خلال النكات البصرية، فكاهة الأشياء والتلاعب بالألفاظ، لكنه يخفيها جميعاً في هذا العالم من الابتكار. لا شيء معد مسبقاً بل يوجد فقط مثل الحياة اليومية بكل تفاعلاتها المحيرة.
ولكن بقدر ما يسعد الفيلم بفكاهته، فإن الأساس الذي اختار الذهاب معه يتدفق أكثر كملاحظة لمدينة. هذه المدينة الخاصة لباريس تاتي فائقة الحداثة لا تفهم تماماً التكنولوجيا التي تمتلكها. لا توجد حبكة مركزية، لا فصول، فقط لحظات لأشخاص يحاولون فهم العالم من حولهم الذي ينجحون فيه أحياناً ولكنهم يتعثرون أيضاً.
لا يترك تاتي المشاهد في الخارج أبداً حيث يضعهم مباشرة في مقعد هولو المتعثر ولكن طيب القلب. يرى الجمهور العالم من خلال عينيه وهو يحاول معرفة كيفية المضي قدماً في حياته في مدينة أصبحت حديثة بشكل متزايد وتجعل الأشياء البسيطة في الحياة معقدة بلا داعٍ لتأثير مزعج وصاخب.
