بأكثر من طريقة، أصبح اسم Steven Spielberg مرادفاً لفن الإخراج السينمائي. فهو لا يتمتع بنجاح تجاري منقطع النظير فحسب، بل هو أيضاً المسؤول عن بعض أكثر الأفلام والشخصيات والصور والأفكار الموضوعية أيقونية في تاريخ هوليوود.
في جوهره، يعد Spielberg المخرج المثالي، فهو يجمع بين كونه صانع أفلام جماهيرياً ومحبوباً وبين كونه ذكياً ومبتكراً وذا ثقل فني. يعرف الجميع كلاسيكياته، لكن Spielberg، الذي أخرج أكثر من 30 فيلماً طوال مسيرته اللامعة، يمتلك في جعبته جواهر لم تحظَ بما تستحقه من مشاهدة أو تقدير.
1. Duel (1971)
إن مشاهدة الفيلم الأول لمخرج كبير في سياقنا الحالي أمر مثير دائماً، خاصة عندما تكون بذور فنه حاضرة بوضوح. ورغم أنه مجرد فيلم تلفزيوني، إلا أن Duel يمثل المخطط الأساسي لفيلم Jaws، بالإضافة إلى الإخراج المشهدي المتقن والترفيه المتاح غريزياً الذي أتقنه Steven Spielberg. أصبح الفيلم موضوعاً لهوس جماهيري بمرور السنين، وهو بمثابة حجر رشيد لفهم كيف برز Spielberg كصوت جماهيري لجيل كامل.
يتبع Duel مديراً تنفيذياً يدعى ديفيد (Dennis Weaver)، يتوجه لموعد مع عميل عندما يبدأ سائق شاحنة غامض في ترويعه خلال رحلته. تستمر الشاحنة في مطاردته على الطريق، ويضطر ديفيد للقيادة من أجل حياته. من حيث الحبكة، يعكس Duel جوهر Jaws. عناصر أسلوبية وموضوعية أخرى، مثل الارتقاء بمواد أفلام الدرجة الثانية الرخيصة وجعل الخوف من العدو أداة درامية بدلاً من الكيان نفسه، تجعل من هذا الفيلم التلفزيوني لعام 1971 السلف الحقيقي لأفلام الصيف الضخمة. يظل سائق الشاحنة، وحتى الشاحنة نفسها، شخصية بلا وجه تفتقر إلى أي دافع ملموس طوال الوقت، مما يزيد من حدة المخاطر.
بمجرد اشتعال لعبة القط والفأر المحمومة بين ديفيد والشاحنة، لا يرفع Spielberg قدمه عن دواسة الوقود مجازياً. الزخم المتسارع لفيلم Duel كان أكبر من أن يحتويه الشاشة الصغيرة. على المستوى النصي، يستخدم الفيلم بيئة الصحراء، ربما ضمنياً، لاستغلال ديناميكية رجل من الطبقة الوسطى يسكن الضواحي ويتوغل في الحدود ليواجه خطر الغرب المتوحش. وسواء كان هذا مصمماً للتعليق على ظاهرة اجتماعية أم لا، فإن هذا التباين يضيف المزيد إلى الإثارة والبهجة السينمائية في Duel.
2. The Sugarland Express (1974)
في أول ظهور له على الشاشة الكبيرة، لا يبدو هذا العمل المبكر مشبعاً بـ “حمض Spielberg النووي” التقليدي. بفضل تأثره بأفلام هوليوود الجديدة عن الخارجين عن القانون الهاربين، يعد The Sugarland Express لمسة كئيبة على استكشاف المخرج للعائلة والمغامرة، ودمج شخصيات وأفكار هوليوود الكلاسيكية في عالم حديث. ورغم أن Spielberg اتجه في مسار مختلف، إلا أن أفلاماً بهذا النطاق المحدود كان من الممكن أن تكون مفيدة لحرفته الفنية.
في The Sugarland Express، تكون لو-جين (Goldie Hawn) وزوجها كلوفيس (William Atherton)، اللذان هربا مؤخراً من السجن، في حالة فرار من القانون بعد احتجاز ضابط شرطة كرهينة في محاولتهما لاختطاف طفلهما من عائلة حاضنة. قد يذكر الفيلم الجمهور بأفلام الطريق المتمردة مثل Bonnie and Clyde وEasy Rider على السطح، لكن حركات الكاميرا التعبيرية التكوينية لـ Spielberg ومشاهد الحركة المتفجرة تقدم شيئاً أكثر قبولاً قليلاً.
إذا كان هناك شيء، فإن The Sugarland Express يطالب بمزيد من الاهتمام بسيكولوجية الأشخاص المحطمين. ربما كان Spielberg ملتزماً جداً باختبار قدراته كمخرج للمشاهد الاستعراضية. وبسبب هذا، اكتشف طرقاً مبتكرة لتصوير أكثر التسلسلات بدائية. كل زاوية، وطول لقطة، وجهاز تأطير يستخدمه Spielberg ببراعة.
إعجابه بأفلام الويسترن وأعمال John Ford السينمائية واضح في اختيار Ben Johnson وتوصيف رجال القانون الأقوياء في نهاية المطاف. إذا كان فيلم The Fabelmans قد ذكر Spielberg وجمهوره بأي شيء، فهو أن اللقطة التي تتكون من أفق في منتصف الشاشة، كما وصفها David Lynch في تصويره لـ Ford، هي “مملة للغاية”. لقد وضع The Sugarland Express الأساس لـ Spielberg كصاحب رؤية مذهلة.
3. Indiana Jones and the Temple of Doom (1984)
لسبب محير، تم تصنيف Temple of Doom كجزء من أفلام “Indiana Jones السيئة” إلى جانب Kingdom of the Crystal Skull. في حين أن فيلم عودة Indy لعام 2008 مليء بالعيوب، فإن الجزء التالي لعام 1984 دفع حدود صناعة الأفلام في السلاسل ولجنة تصنيف MPAA. يستخدم Spielberg سلسلة مربحة وشخصية محبوبة للقفز نحو صناعة أفلام مجنونة لم يطمح إليها من قبل.
تدور أحداث Temple of Doom قبل أحداث Raiders of the Lost Ark، حيث تتبع رحلة Indy (Harrison Ford) لاستعادة حجر سرقه طائفة سرية تتربص تحت سراديب قصر قديم. من المنعش مشاهدة فيلم تمهيدي لا يغرق بلا هوادة في تقاليد الكون الموسع، أو يرضي قواعد المعجبين فيما يتعلق بتصوير إيجابي للشخصية المركزية. علاوة على ذلك، فإن حبكة الفيلم ثانوية. يركز Spielberg على المشاهد الاستعراضية المذهلة. يتمتع Temple of Doom بتصاعد وزخم يعزز التوتر وديناميكية الشخصيات الحية بين Indy وShort Round (Ke-Huy Quan) وWillie (Kate Capshaw).
يحاكي الفيلم مطاردة عربة المنجم الخاصة به، ولا يتباطأ أبداً حتى تظهر تترات النهاية. لا يرى Spielberg أي حدود إبداعية لفيلمه، حيث يميل بمرح إلى كل من الرعب والكوميديا التهريجية، حيث كان الأول منهما واضحاً جداً لدرجة أنه تم تطبيق تصنيف PG-13 بفضل الفيلم. تصوير الفيلم لشعوب جنوب شرق آسيا مثير للجدل قليلاً، على أقل تقدير، لكن كل هذه الجوانب التي لا تمحى من Temple of Doom تسلط الضوء على مدى جرأة Spielberg في ذلك الوقت. كان بإمكانه بسهولة تقديم جزء تالٍ من Indy فقط من أجل الأجر، لكنه اختار رفع الرهان من خلال منح الشخصية معالجة جنونية.
4. Empire of the Sun (1987)
شهد منتصف وأواخر الثمانينيات Steven Spielberg، ربما في ذروة شعبيته ونجاحه التجاري، وهو يطارد جائزة الأوسكار من خلال معالجة قصص “بالغة” جادة. لا تزال أفلام ذلك الوقت، بما في ذلك The Color Purple وEmpire of the Sun، محملة بإحساسه بالدهشة والأمل في مواجهة الخطر. مع فيلمه الأخير في عام 1987، حصل Spielberg على أول تجربة له في ملحمة تاريخية حول الثقل الهائل للاضطرابات السياسية، كل ذلك من منظور طفل، بأسلوب Spielberg المعهود.
يتمحور Empire of the Sun حول صبي إنجليزي صغير، جيم (Christian Bale)، يكافح من أجل البقاء تحت الاحتلال الياباني للصين خلال الحرب العالمية الثانية. كخبير في إخراج الممثلين الأطفال، يعد Bale الصغير تطابقاً مثالياً لـ Spielberg. لديه لمسة رقيقة فيما يتعلق بالارتقاء بالأطفال لجعلهم متعاطفين ومفهومين للبالغين. متابعة هذه القصة ذات المخاطر العالية من عيون جيم الصغير تتم بسلاسة. على الرغم من كونه فيلماً عن الدهشة والعاطفة وسط أزمة وطنية، إلا أن Spielberg يظهر قدراً ملحوظاً من ضبط النفس عن دهشته وعاطفته المعتادة. في هذه الحالة، يعتمد Empire of the Sun على التلاعب العاطفي الطبيعي.
للأفضل أو للأسوأ، الفيلم متوازن عادة ولا يستسلم للمكافآت الضخمة، خاصة في النصف الأول. يحتوي القسم الذي يسبق دخول معسكر الاعتقال على بعض أكثر التسلسلات والصور إثارة في فيلموغرافيا المخرج، حيث يرتبط يأس الصين التي مزقتها الحرب بالخطر المتأصل لفقدان البراءة. يعمل Empire of the Sun كمرحلة انتقالية لـ Spielberg، حيث يوازن بين السعي الصادق للأمل مقابل سياق تاريخي رهيب شوهد لاحقاً في Schindler’s List وLincoln.
5. A.I. Artificial Intelligence (2001)
في عام 2001، أُسندت إلى Steven Spielberg المهمة المستحيلة المتمثلة في إكمال مشروع غير مكتمل للمخرج الراحل Stanley Kubrick. تلاقى مخرجان بأساليب فنية وموضوعية متناقضة ظاهرياً لإنتاج A.I. Artificial Intelligence، وهو اقتباس خيال علمي لقصة Pinocchio. ما تم انتقاده في ذلك الوقت لتشويشه على النظرة الساخرة لـ Kubrick نتيجة لأمل Spielberg هو في الواقع أحد أكثر تصويرات الإنسانية روحانية ورصانة على الإطلاق.
في مستقبل بائس، حيث تدور أحداث A.I.، يتعهد صبي آلي متطور للغاية، ديفيد (Haley Joel Osment)، بأن يصبح حقيقياً ليلهم حب والدته البشرية (Frances O’Connor). بصمة Kubrick على السرد لا يمكن فصلها، ولكن لا تخطئ، هذه هي رؤية Spielberg الجذابة. يمنح الهيكل المكون من ثلاثة فصول للفيلم نطاقاً واسعاً. يستشهد البعض بهذا كقصة فوضوية، لكن استكشاف Spielberg لكيفية قمع التكنولوجيا المتقدمة لقلوب الكائنات الطبيعية والاصطناعية المحطمة عبر مختلف مناحي الحياة هو أمر مغناطيسي. يسير A.I. ببراعة على خط رفيع بين التشوه الكئيب للحياة الاصطناعية والشوق للمودة البشرية بشكل ملحوظ.
هناك مشهد حلم مقلق في A.I. يعكس المعضلة الأخلاقية لمستقبل الذكاء الاصطناعي التي لا تزال قائمة اليوم. الشخصيات والبيئة والمشاعر كلها مألوفة، لكنها في النهاية غير قابلة للاختراق. القيم الإنسانية الأساسية، الحب، الرفقة، والثقة، كلها مشوشة في هذا الكون. التناقض المحيط بتصنيع المودة يقابل بواقع حتمي لديفيد، وهو روبوت مبرمج، يفعل كل ما يلزم لإرضاء تعريفه المبرمج بأن يصبح صبياً حقيقياً. على السطح، نهاية الفيلم هي توضيح مرهق لسذاجة Spielberg، ولكن فقط في قراءة تخريبية نستنتج أن الاصطناعية التي تتخفى كواقع سعيد هي أقسى أشكال النهاية.
6. The Terminal (2004)
كان The Terminal منعطفاً غريباً في مسيرة Steven Spielberg المهنية – خلال وقت كان يغمس فيه أصابعه في مختلف الأنواع والأساليب. من خلال لم شمله مع Tom Hanks، والاستمرار في استكشاف مشاعر ما بعد 9/11 في أمريكا، في هذه الحالة الانتقال إلى عالم الكوميديا الشابلينية، غالباً ما يتم تجاهل فيلم عام 2004 في قائمة أعمال Spielberg. بنظرة أكثر مرونة، يعد The Terminal، رغم عيوبه، حكاية محببة لا تخشى المشاعر الكبيرة، وتستحضر إحساساً بالكلاسيكية في خلفية القرن الحادي والعشرين.
بسبب حرب أهلية مستمرة في وطنه، يراقب The Terminal السائح من أوروبا الشرقية فيكتور نافورسكي (Hanks) العالق في مطار جون إف كينيدي بعد أن رفضت الحكومة الأمريكية عودته إلى وطنه. الآثار المترتبة على ما بعد 9/11 المحيطة بكراهية الأجانب والحذر الخانق الذي فرضته وزارة الأمن الداخلي بسبب خطر الإرهاب موجودة. كما تناول Spielberg الحالة الخطرة للبلاد من خلال إعدادات الخيال العلمي في Minority Report وWar of the Worlds. حيث تكون هذه الأفلام كئيبة ومضطربة، يمزج The Terminal بين الكوميديا السريعة والرومانسية العاطفية.
جودة الفيلم في المحاكاة الساخرة مثيرة للإعجاب، حتى مع بروز أداء Hanks السخيف ولكنه محبوب. كونك متلاعباً عاطفياً هو انتقاد مبالغ فيه في السينما، حيث أن أي عمل فني مصمم لجعل المشاهد يفكر/يشعر بشيء ما، لكن Spielberg غالباً ما يبالغ في توصيف الشخصيات. هذا واضح في الأجنبي الساذج والبسيط، والفتاة الرومانسية المصيرية في Catherine Zeta-Jones، والحاكم الحكومي المستبد في Stanley Tucci. على عكس معظم أفلام Spielberg، تفتقر القصة إلى إحساس ثابت بالزخم. ومع ذلك، يظل The Terminal فيلماً تم تجاهله يظهر دهشة Spielberg وكاريزمته خلف الكاميرا.
7. War of the Worlds (2005)
لم يسبق لـ Steven Spielberg أن نظر إلى العالم بهذا القدر من اليأس كما فعل في عام 2005 مع الإصدار المزدوج لـ Munich وWar of the Worlds. مع الأخير، استحضر الكآبة في فيلم صيفي ضخم. استمراراً في استيعاب تداعيات نهاية العالم جنباً إلى جنب مع حسابه مع غيابه كأب، تم استقبال War of the Worlds بشكل غامض بثناء خجول – وتم شطبه بسبب ميول Spielberg المفرطة.
في اقتباس حديث لرواية H.G. Wells التي تحمل الاسم نفسه، يتتبع الفيلم غزواً فضائياً يهدد مستقبل البشرية من منظور أب مطلق، راي فيرير (Tom Cruise)، يحمي أطفاله من المقاتلين خارج كوكب الأرض. إخراج الحركة المتقن والتنظيم الذي أتقنه Spielberg معروض بالكامل، مصحوباً بمؤثرات خاصة خيالية لم تتقدم في العمر يوماً واحداً. الأداة الدرامية لراي في إعادة بناء علاقة مع عائلته بينما ينهار العالم في نهاية العالم. أداء Cruise هو النوع الذي يتوق الجمهور لرؤيته يحاول القيام به مرة أخرى، حيث أن إشرافه الأبوي المعيب يجعله شخصية آسرة للتشجيع في رحلة خلاصه.
مخاطر War of the Worlds منظمة بصرامة حول بقاء الأسرة، ولكن من خلال الاضطراب الشخصي لعائلة فيرير، يشعر المرء بثقل تدمير العالم بالتساوي. يدرك Spielberg أن تدهور ضواحي أمريكا المثالية في أعقاب 9/11 كان جارياً بالفعل. حتى بدون إدراك الحدث الكارثي في قلب War of the Worlds، فإن الفيلم مغطى بالحزن. تحت “بريق” المشهد ذي الميزانية الكبيرة المليء بالمشاهد والمؤثرات الخاصة، يكمن ذعر Spielberg المحيط بتدهور البراءة.
8. Munich (2005)
على الجانب الآخر من إصدارات Steven Spielberg في عام 2005 حول ذعر ما بعد 9/11، كان Munich لاعباً رئيسياً في الجوائز وعرض جانباً غير مسبوق للمخرج. لعب رهان Spielberg في اقتباس قصة حقيقية عن حدث تاريخي كطعم أوسكار وقح، لكن الفيلم أكثر عقاباً وضعفاً من الدراما الوثائقية العادية. تماماً مثل War of the Worlds، يمثل Munich قلق Spielberg الشخصي.
بناءً على الأحداث الحقيقية التي وقعت بعد مذبحة أيلول الأسود للرياضيين الإسرائيليين في أولمبياد 1972، يتبع Munich خمسة رجال تم اختيارهم للقضاء على الأشخاص المسؤولين عن الفظائع. بعيداً عن معايير الحبكة، هذا هو Spielberg في أحلك حالاته. كل تسلسل للعنف مرسوم بخلفية غارة جحيمية. لأن Spielberg موهوب جداً في التخطيط والتنظيم، تشبه الاغتيالات مشهداً من فيلم حركة. بدلاً من التقليل من الظروف المترتبة على أعمال الانتقام، فإنه يخلق قيمة صدمة جديرة بالاهتمام – خاصة بالنظر إلى أن هذا كان منافساً رئيسياً للجوائز.
على الرغم من تسلسلات الاغتيال السينمائية ظاهرياً، فإن استنتاج Munich يقوض أي تصرف لأخلاق هوليوود النظيفة. يواجه أفنير (Eric Bana)، الذي تتوق روحه المسكونة إلى الانتقام والتوبة عما حدث في Munich، الواقع القاسي بأن أعمال القصاص عقيمة في النهاية، حيث أن قوى الشر لديها نظام مزرعة يمكنه استبدال الجناة السابقين بسلاسة. Spielberg وكاتب السيناريو Tony Kushner غير مهتمين بإعادة سرد بدائية لصفحة ويكيبيديا لحدث تاريخي ولكن بدلاً من ذلك، يغوصون في السيكولوجية الجماعية للقومية والإيمان. في الماضي، استكشف المخرج شخصيات تحاول العثور على الجنة أثناء العيش في أعماق الجحيم، ونتيجة لذلك، نظر إلى العالم بشكل خيري. في Munich، من الواضح أن Spielberg يرى العالم في مكان أكثر سوءاً مما كان عليه عندما بدأت القصة.
9. War Horse (2011)
التأثير الذي تركه العظيم John Ford على صناعة الأفلام الحديثة لا يقاس. أكثر من أي شخص آخر، كان Steven Spielberg يطارد رؤية Ford. في عام 2011، غاص المخرج أخيراً برأسه في تكريم خالص لفيلموغرافيا Ford. War Horse، على الرغم من أنه ليس مثالياً بأي حال من الأحوال، هو عرض ثاقب لدمج التأثيرات الكلاسيكية في قالب جماهيري.
يتبع War Horse شاباً في بريطانيا العظمى، ألبرت (Jeremy Irvine)، الذي يتطوع في الحرب العالمية الأولى بعد بيع حصانه المحبوب لسلاح الفرسان. قوس الشخصية المحيط برفاقة ألبرت العاطفية لحصانه يلعب مثل كاريوكي Spielberg في دفعات. الروحانية العاطفية الصادقة للمخرج في معظم الأفلام حقيقية، ولكن هنا، محاولته جعل الحصان هو MacGuffin ومركز توصيف ألبرت قسرية. يتم تخفيف هذه المشكلة قليلاً بفضل التصوير الرائع الذي يحاكي اللغة البصرية الخلابة لـ Ford للحدود الأمريكية.
تساعد جمالية المحاكاة الساخرة للفيلم في حمل زخم الفيلم عندما يخرج هيكله المسنن عن مساره. مثل العديد من مخرجاته الأخيرة، يوازن War Horse بين دهشة المغامرة البريئة وأهوال عالم مكسور وفوضوي. منظور الحرب العالمية الأولى من خلال عيون صبي مزارع متفائل هو أداة Spielberg كلاسيكية تكمل حكاية Fordian للغرب الأمريكي. حتى كفيلم متقشف مصمم ظاهرياً للفوز بجوائز الأكاديمية، يتميز War Horse بجميع الأصول الأساسية ليتم تعبئتها في قانون Spielberg.
10. The Post (2017)
Steven Spielberg منخرط في المناخ السياسي الحالي، حتى لو لم تشر فيلموغرافيا الخاصة به إلى ذلك. استشعاراً لإلحاح قصة حول أهمية الصحافة في أعقاب ظهور رئاسة Donald Trump، جمع Spielberg طاقماً مرصعاً بالنجوم لمعالجة حدث تاريخي طغى على الأحداث الجارية في The Post.
على خلفية حرب فيتنام، يبلغ The Post عن تحقيق The Washington Post في أوراق البنتاغون المسربة وتغطية البيت الأبيض على عبثية الحرب بقيادة الناشرة Katharine Graham (Meryl Streep) والمحرر Ben Bradlee (Tom Hanks). العيب الصارخ في الفيلم هو البر الذاتي من جانب الفريق الإبداعي فيما يتعلق بصدق الصحافة. الإشارات إلى المناخ السياسي الحالي قسرية ومحرجة بشكل صارخ. The Post مرهق بشكل مفهوم للكثيرين، حيث أن تباهيه بالمشاعر الواضحة هو عكاز درامي لـ Spielberg.
بعد قولي هذا، يتمتع الفيلم بوتيرة وطاقة استثنائية لدراما وثائقية بدائية. هناك أشياء قليلة في الأفلام أكثر إرضاءً بطبيعتها من مشاهدة المحترفين وهم بارعون في وظائفهم، وThe Post هو عملياً مونتاج طويل لهذه الظاهرة. ينقل العرض السريع لأرضية غرفة الأخبار ضجة كتابة الأخبار وإعداد التقارير. يستمتع جميع الممثلين بالإعداد الزمني والظروف المتزايدة للقصة. حماس Spielberg المتساوي واشمئزازه من هذا الوقت والمكان ملموس. بالتأكيد لا يعيد اختراع العجلة، لكن The Post هو تصوير هوليوودي جدير بالاهتمام لفترة مضطربة في التاريخ يصور بشجاعة سلالة أخيرة من الصحفيين المتمردين على طول الطريق.
