يُعرف مامورو أوشي على نطاق واسع باقتباسه الفلسفي لمانغا Ghost in the Shell، وهو ليس مجرد واحد من أهم مخرجي الأنمي، بل هو مؤلف سينمائي متكامل أيضاً.
حتى عندما يميل إلى روح الدعابة (Assault Girls) أو يحاول استخراج أفضل ما في سيناريو كازونوري إيتو الباهت لأفلام Patlabor، فإنه ينجح في “خلق عوالم تختلف عن عالمنا”. ومن علاماته التجارية ظهور كلاب الباسيت في لحظات غير متوقعة، والمونتاج الشعري الخالي من الحوار الذي تغمره الموسيقى التصويرية التي أبدعها كينجي كاواي.
تغطي هذه القائمة الأعمال التي أخرجها أوشي (والتي كتب معظمها)، وهذا لا يعني أن أفلاماً مثل Jin-Roh: The Wolf Brigade وBlood: The Last Vampire وMusashi: The Dream of the Last Samurai ليست جديرة بالمشاهدة.
12. Je t’aime (2010)
يُعد فيلم Je t’aime، الذي تبلغ مدته عشر دقائق فقط، أحد أقوى الأدلة على عاطفة مامورو أوشي تجاه كلبه غابرييل، الذي يلعب نظيره المتحرك الدور المحوري في هذا الدراما الخيالية العلمية لما بعد الكارثة. بينما يتجول في شوارع طوكيو الخالية، يبحث الكلب ذو العينين الحزينتين والأذنين الطويلتين عن شخص ليلعب معه. لكن شكل الحياة الوحيد الذي يصادفه هو كائن اصطناعي بارد.
على الرغم من ضيق الوقت والسرد البسيط الذي يبحث عن الدفء الإنساني، يثير أوشي تعاطف المشاهد، بافتراض أنه من محبي الحيوانات. وقد ساعده في تحقيق هدفه تصميم الكلب الواقعي لتيتسويا نيشي، والخلفيات المفصلة، والتحريك الانسيابي من استوديو Production I.G.
تبدو كل حركة للكلب غابرييل واقعية للغاية، كما أن ظهور الجينويد (الروبوت الأنثوي) ذو القرن يبدو جذاباً وفريداً، رغم أنها ليست في مزاج يسمح لها باللعب مع الكلب اللطيف. للأسف، يفتقر الفيلم إلى عبقرية كاواي، حيث تم إنتاجه بالتعاون مع فرقة الروك اليابانية Glay كفيديو موسيقي لأغنيتهم Satellite of Love التي تميل كلماتها إلى العاطفية المفرطة.
11. Mystery Case – File 538 (1987)
“من هذه اللحظة فصاعداً، لا مجال للعودة.”
وهذا صحيح بالتأكيد. بينما تتحول طائرات الخطوط الجوية اليابانية إلى أسماك “نيشيكيغوي” عملاقة خلال صيف حار، يقبل محقق خاص بالكاد يغطي نفقاته بقضية غريبة: مراقبة رجل غامض في منتصف العمر وابنته الصغيرة التي تسكن مبنى متهالكاً في ضواحي إحدى المدن الكبرى (ربما طوكيو؟). الفتاة مهووسة بالأسماك، لذا كلما لاحظت “طائراً حديدياً” في السماء، تبدأ بالصراخ “ساكانا (سمكة)!” ثم يحدث التحول المعجزة المذكور.
الحلقة الثانية والأخيرة من سلسلة OVA القصيرة Twilight Q – وهي رد الأنمي على المسلسل التلفزيوني الشهير The Twilight Zone – تبرر عنوانها من خلال مواجهة البطل والجمهور بالعديد من الألغاز. ليس من قبيل الصدفة أن المحقق بلا اسم، حيث تصاحب أسئلة الهوية تلاشي الواقع الكابوسي.
صُنع Mystery Case – File 538 بعد عامين فقط من Angel’s Egg، ويمكن اعتباره محاولة أخرى من أوشي لتصوير فقدانه للإيمان وعجز البشر في آن واحد. إنه واضح بشأن كون الطفلة المشاكسة تجسيداً للإله(ة)، لكنه لا يقدم أي إجابات حول سبب وجودها أو كيفيته في هذا الخيال النفسي (والأخروي؟) الغريب والكئيب.
بفضل الموسيقى التصويرية الكئيبة ورغم تصميم الشخصيات الكوميدي، هناك شعور بعدم الارتياح ورهاب الأماكن المغلقة الذي يحيي ذكرى تأثيرات أوشي، وخاصة فيلم La Jetée لكريس ماركر.
10. Amazing Lives of the Fast Food Grifters (2006)
كما يوحي عنوانه، يُعد فيلم Amazing Lives of the Fast Food Grifters (Tachiguishi Retsuden) أغرب عمل في هذه القائمة. بينما يستعرض الفيلم مجموعة من سارقي الوجبات الأسطوريين (الذين ينتمون إلى ملحمة Kerberos الواسعة لأوشي) في سلسلة من المشاهد الغريبة، فإنه يقدم نظرة عامة على تاريخ اليابان في شكل وثائقي خيالي راديكالي، وهو أيضاً هجاء لاذع ومستفز.
تم وصفه في مقال لموقع Strictly Film School بأنه “محيّر في جنونه غير القابل للتصنيف، ومعدٍ في إبداعه الملهم، ولا يقاوم في جرأته الساخرة، ومثير للإعجاب في نزاهته الرؤيوية”. أليس هذا رائعاً؟
بعد فترة وجيزة من المقدمة الكئيبة التي تعمل كتذكير مؤلم بهزيمة الحرب العالمية الثانية، يتم تقديمنا إلى أول بطل (مضاد)، مونغيز جينجي، وهو عجوز “شرير” يتأمل في التراث الثقافي الغني لبلاده في أعقاب الاحتلال الأمريكي.
مع بدء نهوض الأمة من الرماد خلال الخمسينيات، تظهر متسولة جذابة تُدعى فوكسي كروكيت أو-جين. يتبع هذين الاثنين كل من كراينغ إينومارو، وهامبورغر تيتسو، وميديوم هوت سابو، وغيرهم، الذين يستخدمون استراتيجيات متنوعة – من الشهية التي لا تشبع إلى انتحال شخصية هندوسية – لخداع أصحاب متاجر الوجبات السريعة (تاشيغوي).
تم تقديم جميع صورهم، بالإضافة إلى تسلسلات الربط، بتقنية “سوبر لايف ميشن” – وهي تقنية فريدة وأنيقة للغاية تشبه مسرح الدمى الورقية ثنائي الأبعاد ونصف، والتي تم تطويرها في الأصل لفيلم Avalon. من خلال نقل مزيج غيليام من المونتاج الفوتوغرافي والتحريك بالقصاصات إلى مستوى جديد تماماً، استمتع الفنانون بترجمة أفكار أوشي الخيالية الجامحة إلى حكايات تدور حول المعكرونة.
في طريق اليابان نحو التحديث والعولمة، هناك بعض المفاجآت، مثل زجاجات الكوكاكولا المتفجرة، وبقرة تتحدث مع ساموراي، وإشارة إلى شخصية ولفيرين في سياق الهوت دوغ. ربما ضاعت الكثير من النكات في الترجمة، لكن هذا لا يهم كثيراً بالنظر إلى الجماليات المتميزة.
9. Garm Wars: The Last Druid (2014)
فيلم Garm Wars: The Last Druid هو عمل هجين من الخيال العلمي والفانتازيا، ومظلوم نقدياً، تدور أحداثه في عالم “أنون” الذي هجره الخالق “داناان” منذ زمن طويل، ودمرته الحروب المستمرة بين القبائل الأصلية الباقية. يمتلك شعب “كومتاك” الضعيف المعرفة التكنولوجية ويخدمون “بريغا” الذين يسيطرون على الأرض بالدبابات الثقيلة. وهم يقاتلون ضد “كولومبا” الذين يحكمون السماء بأسطول قوي من المناطيد الأنيقة.
يجمع ظهور الكاهن الأخير – الكائن الغامض ناسين-666 – الأعداء اللدودين خارا-23 (ميلاني سانت بيير)، وسكيليغ-58 (كيفن دوراند)، ووايد-256 (لانس هنريكسن) في “طريق التنوير”. يرافق الثلاثي حيوان مقدس، غولا، والذي يجسده بالطبع كلب باسيت (الأنثى اللطيفة هولي وود، لنكون دقيقين).
تشير العديد من الأدلة إلى أن الأسماء غير العادية والمصطلحات الباطنية تخفي ترقية للعبة الأدوار العسكرية المحظورة من الإنتاج البولندي-الياباني Avalon. تتكشف القصة البسيطة ظاهرياً داخل الواقع الافتراضي الذي يعكس العقل الباطن لذكاء اصطناعي متقدم استعبد اللاعبين الأكثر حماساً.
إذا كانت هذه الفرضية صحيحة، فإن قفزات السرد وعدم انتظام الإيقاع ليست سوى أخطاء برمجية طفيفة أو عدم توافق بين الإنسان والآلة. ومن هنا تأتي حقن “المانا” لإعادة الشحن والشخصيات النمطية – بطلة ماهرة وجميلة تميل إلى الاستبطان، وجندي شجاع ومطيع وطيب القلب، وحكيم عجوز في رحلة البحث عن الحقيقة.
في محاولة لإيجاد أسباب “الوجود” المستمر، يستخرج نظام التشغيل “المفكر” معلومات عشوائية من قاعدة بياناته الغنية ويبني البيئة الغريبة التي يخضع فيها الماضي الأسطوري لعملية تكنولوجية. وبالتوازي مع صراعه الداخلي، ينشغل الأبطال بحل ألغازهم الشخصية.
من خلال إعادة زيارة موضوعات الروح والوهم والهوية والأسلحة عالية العيار، يظهر أوشي اهتماماً بالثقافة السلتية ويضع الكثير من الدولمن والرموز الثلاثية في جميع أنحاء الفيلم. مرة أخرى، يؤكد على عبثية الحرب ويذكرنا بأن لا شيء كما يبدو للوهلة الأولى، بينما يقدس سلالته المفضلة – ولهذا السبب فإن لمسة غولا ليست أقل من نعيم.
من خلال الصور المولدة بالحاسوب القديمة والتلميحات إلى أعماله السابقة، يغزل شعراً طليعياً من المرئيات المبهرة التي تحاكي مظهر لعبة فيديو، بما يتناسب مع الإعداد. وتكتمل مشاهد الحركة الباذخة والتسلسلات التأملية بمقطوعات كينجي كاواي الأثيرية التي، كالعادة، تضيف بعداً سامياً لأحلام أوشي السينمائية.
8. Gosenzosama Banbanzai! (1989)
ينتمي مسلسل OVA المكون من ستة أجزاء Gosenzosama Banbanzai! (حرفياً، عاش الأجداد!)، وهو عمل فريد ومنسي ظلماً، إلى أكثر الفترات تجريبية في مسيرة أوشي. تدور أحداث هذه الكوميديا التراجيدية الساخرة، التي تُروى في شكل مسرحية مجنونة، حول عائلة يوموتا: مراهق يدعى إينومارو، ووالده كينيكوني، ووالدته تاميكو.
تبدأ حياتهم الطبيعية في الانهيار بعد وصول فتاة غامضة تدعى ماروكو، تدعي أنها حفيدة إينومارو من المستقبل. على الرغم من وجود وحمة وراثية على شكل نجمة على أردافها، ترفض تاميكو الاعتراف بها كفرد من عائلة يوموتا. لذا، تترك زوجها وابنها، وتستأجر محققاً خاصاً، باناي تاتارا، للكشف عن الهوية الحقيقية للضيفة غير المدعوة.
مدفوعة بالسخرية الذاتية والفكاهة العبثية، يتم إخراج القصة الملتوية والمتناقضة على غرار أساتذة الموجة الفرنسية الجديدة، مع وثائقي استعاري قصير في بداية كل حلقة يقارن بين أنواع مختلفة من الطيور والبشر.
يتم تفكيك السرد الخطي المتجذر في منطقه الخاص، حيث يلعب أوشي بتوقعات الشخصيات والجمهور على حد سواء. ومع ذلك، فإن مشاكسته الفوضوية ليست بلا معنى، وهي تتبع بعض القواعد – مهما بدا ذلك غريباً.
بإدراك تام لحقيقة أنهم ليسوا سوى دمى يتحكم فيها محرك دمى لا يرحم، لا يزال الأبطال يحاولون التلاعب بالأحداث من أجل تحويل الموقف لصالحهم. في بعض الأحيان، ينفجرون في “مونولوجات كاريوكي” تحت الأضواء – وليس فقط بالمعنى المجازي.
مع وجود الدعائم الأساسية والخلفيات البسيطة من جهة، و”الانحرافات” المتعلقة بالوسيط من جهة أخرى، فإن Gosenzosama Banbanzai! هو عمل مسرحي وسينمائي في آن واحد. كما تنبع خصوصيته من العمل الفني غير التقليدي لساتورو أوتسونوميا.
7. Stray Dog: Kerberos Panzer Cops (1991)
يروي الفيلم الروائي الثاني من ملحمة Kerberos الأحداث التي تسبق قصة الفيلم الأول – Red Spectacles (1987) – الذي يحتل مرتبة أعلى في القائمة. يبدأ فيلم Stray Dog: Kerberos Panzer Cops (Keruberosu: Jigoku no Banken) بالموقف الأخير لوحدة Kerberos وهروب الضابط كويتشي بطائرة مروحية، وهو ما شهده أحد جنوده، إينوي.
بعد وقوع بعض إطلاق النار (وهو أمر ليس غير مألوف في مقدمات أوشي) وانتهاء تسلسل العنوان (مونتاج بالأبيض والأسود للكلاب الضالة الحقيقية)، ينتقل الحدث إلى تايوان بعد ثلاث سنوات. ويبدو الأمر وكأننا عدنا إلى عالمنا، حتى اقتحام إينوي السريالي لشقة تانغ مي – وهي فتاة مراهقة كان كويتشي المفقود على علاقة بها.
معاً، يذهبان في رحلة بحث عن المعارف المشتركين، حيث تكشف رحلتهما، بالإضافة إلى لم شملهما مع كويتشي، عن إعجاب أوشي غير المتنازل بـ “الموجة الجديدة”، وهذه المرة متبلة بقليل من الإشارات إلى أعمال شوجي تيروياما. كما يلاحظ نهج وثائقي تقريباً في مشاهد معينة والميل إلى لقطات الغروب، واللقطات الطويلة، والاستطرادات القصيرة، ولقطات الفكاهة المفاجئة.
تم تصوير الفيلم في مواقع نادراً ما تراها في كتيبات السياحة، مثل كوخ ساحلي ناءٍ وشوارع ضيقة في الأحياء الفقيرة، ويعاني هذا الفيلم الدرامي الكوميدي المجازي، الكئيب جزئياً والمبهج جزئياً، من تقلبات مزاجية غريبة ويميل إلى أن يكون متاهياً في تصويره الشعري لـ “الازدواجية الأبدية” ووهم السلام. يتم تأسيس جو صيفي حلو ومر تغمره حالة من عدم اليقين من خلال التصوير السينمائي الأنيق الذي تكمله همسات الغيتار الصوتي.
6. Talking Head (1992)
“لقد وصل الجمهور، بعد تصعيد رغبتهم في المشاهدة، إلى نقطة اللامبالاة. بغض النظر عما تعرضه لهم أو كيف تعرضه، فلن يعني ذلك الكثير.”
حسناً، في هذه الحالة، “ما” و”كيف” يعنيان الكثير. فيلم Talking Head هو فيلم ميتا (فيلم عن الفيلم) مليء بالحوارات، ولكنه لا يمل أبداً، يتناول الأنمي وتاريخ السينما – كما يُرى من خلال منظور التفسيرات والمحن الشخصية للمؤلف. تم تصويره بشكل جميل بواسطة يوسوكي ماميا الذي عمل في الفيلم السابق واللاحق في هذه القائمة، ويقدم تجربة تختلف اختلافاً كبيراً عن أي فيلم آخر (داخل الفيلم).
تدور قصته الساخرة التي تشير إلى ذاتها حول اختفاء مخرج مرموق، ري مارووا (خمن من هو صاحب هذا الاسم المستعار)، أثناء إنتاج فيلمه الأخير بعنوان Talking Head. يتم استدعاء “مخرج شبح” قادر على تقليد أسلوب أي من زملائه من قبل منتج يواجه موعداً نهائياً يقترب بسرعة. بمجرد وصوله إلى الاستوديو، يبدأ طاقم العمل غريب الأطوار (الذين يحملون أسماء متعاوني أوشي) في الموت واحداً تلو الآخر بأغرب الطرق.
بقدر ما هو طليعي ويتحدى النوع السينمائي، يتطور هذا الغموض الزائف بوتيرة سريعة على الرغم من لحظاته “الثابتة” الكثيرة ومجموعاته المسرحية المتعمدة. بالنظر إلى طبيعته، ليس من المستغرب أن محاكاة وضع المنتجات والإشارة إلى جورج ميلييس – بين السطور المليئة بحوادث الطاقم المتنوعة (حوادث غريبة تشمل التقطيع وفطر عملاق، من بين أمور أخرى) – تبدو مناسبة وصادقة لواقع الفيلم المذهل.
ممتزجة بالفكاهة غير التقليدية ومقدمة في سلسلة من المشاهد المركبة بدقة من الإضاءة الحمراء الناعمة والموسيقى التصويرية الجازية، أصبحت أفكار أوشي الجادة وحواراته الطويلة أسهل في الهضم. ومشهد الغناء على طريقة لينش هو استراحة مرحب بها للغاية.
5. The Red Spectacles (1987)
“الإنسان ليس ملاكاً ولا وحشاً. ومع ذلك، للأسف، بينما يرغب في التصرف كملاك، فإنه يتصرف في الواقع كوحش.”
خلال الدقائق الأولى من فيلم The Red Spectacles (Jigoku no banken: akai megane)، يتم وصف فيلق Kerberos بأنهم “وحدة التحقيقات الخاصة المتنقلة المدرعة الثقيلة لمكافحة الجرائم الشنيعة” في ما يفترض أنه مقتطف من كتاب خيالي بعنوان “التاريخ الكامل لمنظمة إنفاذ القانون الجنائي” بقلم هيوهي شيوزاوا.
لكن لا شيء في النص المعقد عمداً يمكن أن يعدك بالمزيج الهستيري من الدراما الغريبة، والخيال العلمي على طريقة غودار، وفيلم التجسس العبثي، ولمسات من الحركة العنيفة بشكل كوميدي، وحركات التهريج التي تحاكي/تحاكي فكاهة الأنمي – كل ذلك في إطار بائس من متاجر السوبا غير القانونية ومن منظور مشوه لضابط سابق، كويتشي.
بعد أربع سنوات من هذا العمل الاستعراضي الذي يقتبس من شكسبير وبوشكين، سيعيد أوشي كتابة تاريخه البديل لفيلم Stray Dog، مما يجعل ثنائية Kerberos والأساطير المحيطة بها أكثر حيرة (ناهيك عن تورط مونغيز جينجي).
يبدأ فيلم The Red Spectacles من حيث انتهى الجزء السابق/التالي، مع عودة كويتشي من المنفى للبحث عن أصدقائه القدامى. ومع ذلك، تتحول رحلته بسرعة إلى حلم داخل واقع ملتوٍ داخل حلم امرأة يظهر وجهها في كل مكان في جميع أنحاء المدينة – على الملصقات، واللوحات الإعلانية، والشاشة الفضية، والصور القديمة.
من هي؟ لماذا تظهر مجدداً في Talking Head؟ ما الذي يختبئ خلف ابتسامتها الغامضة؟ هل هي، ربما، تجسيد للفيلم نفسه؟ المثل الأعلى الذي لا يمكن الوصول إليه؟ يرفض أوشي الإجابة، ومع ذلك فإن غموضه ملهم.
في “نيو-ألفافيل” من أوهام كويتشي، لا يمكن الوثوق بأحد، خاصة عندما يتم التلصص على الأحداث من ثقب في الجدار الرابع. لكن كلاً من التصوير السينمائي الملون بالأبيض والأسود (مع بعض بقع اللون) والمناظر الصوتية غير المتوقعة تجعل الوهم ممتعاً للغاية.
4. The Sky Crawlers (2008)
السماء هي كل شيء بالنسبة لهم – الأم والأب، الحب والكراهية، الحياة والموت. وهم “كيلدرين” – أطفال طيارون/قتلة شباب إلى الأبد تم إنشاؤهم لتشغيل الطائرات المقاتلة وشن حرب لا تنتهي من أجل تسلية البالغين الذين يعيشون “حياة طبيعية” في سلام زائف.
عالمهم – الذي يذكرنا بأوروبا من فترة الحرب العالمية الثانية وتديره شركات كبيرة ومشبوهة – ابتكره هيروشي موري في الكتاب الأول الذي يحمل نفس الاسم والذي يقدم زمنياً نهاية ملحمة من خمس روايات. وفقاً للمؤلف الأصلي، ليس من السهل اقتباسه، ومع ذلك يحصل المرء على انطباع بأن كلاً من أوشي وكاتب السيناريو تشيهيرو إيتو (الذي ظهر لأول مرة بفيلم ميلودراما رائع، وإن كان يحمل عنواناً مبتذلاً Crying Out Love in the Center of the World) ليس لديهما أي صعوبات.
يعكس هذا “الخيال” الفلسفي، الذي يسير بوتيرة متعمدة (قد يقول البعض خاملة)، واقعنا المحبط المتمثل في التجربة والخطأ، حيث يستكشف موضوعات الصراعات والذكريات والإدراك والهوية والنضج (دون أن يتقدم في العمر أبداً). مزيج بارع من الإخراج المتمرس، وتصميم الشخصيات المميز و”التقشفي” نوعاً ما، والتحريك الواقعي بالصور المولدة بالحاسوب، وموسيقى كاواي الهادئة والمغناطيسية، ينتج عنه قطعة فنية مذهلة هي متعة للعين وغذاء للروح.
محرومين من الفرح، يتم التعامل مع الشخصيات كما لو كانت مصنوعة من لحم ودم، وليس من خطوط وألوان، حيث يثير قلقهم الوجودي ومعضلاتهم جواً من الكآبة الساحرة والغموض الهادئ. لا تدع نفسك تنخدع بمعركة الكلاب في البداية – على الرغم من أنها ليست تسلسل الحركة الوحيد، إلا أن The Sky Crawlers يتخذ نهجاً تأملياً أكثر ويتطلب صبر الجمهور.
يُعد فيلم أوشي “الوداعي”، الذي يكاد يكون تحفة فنية، ليس فقط واحداً من أفضل أعماله، بل واحداً من أكثر أفلام الأنمي إثارة في العقد الأول من الألفية الجديدة.
3. Open Your Mind (2005)
تم إنشاء فيلم Open Your Mind (Mezame no Hakobune، أي سفينة الصحوة) لجناح “جبل الأحلام” في معرض إكسبو العالمي 2005، وعُرض في مسرح متعدد الشاشات من مستويين، وهو دراما موسيقية غامضة من ثلاثة فصول تدمج عناصر الخيال العلمي مع الكثير من المراجع الأسطورية والدينية.
لا بد أن كونك جزءاً من الحدث الأصلي كان تجربة رائعة، بالنظر إلى أن النسخة الرقمية مثيرة للإعجاب بحد ذاتها. في البداية، يمكننا رؤية تروس على شكل ماندالا تمثل أحشاء ساعة كونية (أو شيء من هذا القبيل) ثم ست كرات ضوئية سريعة الحركة تدخل كوكباً سائلاً. في الجزء “الحي” من المقدمة، تقف ثلاث شخصيات إلهية برؤوس حيوانات ثابتة في الغابة المغطاة بالضباب – من المفترض أنها الجنرالات الذين أرسلتهم الإلهة بان.
تمت تسمية الفصول اللاحقة بأسماء هذه الشخصيات – شو-هو (بوجه سمكة)، وهياكين (بوجه طائر)، وكو-نو (بوجه كلب) – وتدور أحداثها في عوالم الماء والهواء والأرض على التوالي. لذا، سواء كنا نطفو بين مخلوقات البحر، أو نطير فوق حمامة تشبه السيرافيم، أو نمشي بجانب هجين بين كلب وقنطور، فإننا نغمر بشعور مضاد للجاذبية من الهدوء البكر.
تضيف النغمات المريحة للون الأزرق إلى الجو الهادئ، وموسيقى كينجي كاواي الأثيرية التي تهيمن عليها ترانيم متعددة الأصوات تغنيها فرقة نسائية سباعية. (إذا كنت تحب الموسيقى التصويرية لفيلم Ghost in the Shell، فهناك احتمال كبير أن تعشق موسيقى Open Your Mind.) يكشف الخاتمة، التي يغمرها صوت الأجراس الأنبوبية، عن الإلهة بان التي تم تصويرها بشكل مشابه للإلهة البوذية بنزايتن.
تتشابك موضوعات البيئة، والتكنولوجيا المتقدمة، والتعديلات الجينية المثيرة للجدل (رمز: الأطفال والجراء)، وأصل الحياة في خيال قوي وغير سردي وخارج عن المألوف يبدو وكأنه حلم كيان مطلق.
2. Avalon (2001)
“الواقع ليس سوى هوس يسيطر علينا!”
وهناك ثلاث طبقات على الأقل من الواقع (المصطنع) في فيلم الخيال العلمي Avalon – وهو الفيلم الأكثر إنجازاً لمامورو أوشي وكازونوري إيتو. يشير عنوانه (المستعار من أسطورة آرثر) إلى اسم لعبة الحرب غير القانونية في الواقع الافتراضي التي يبحث فيها الشباب المحبطون عن ملجأ من كآبة حياتهم في مستقبل غير محدد في بولندا.
تعد لعبة الأدوار هذه، التي تسبب الإدمان للغاية، محفوفة بالعديد من المخاطر لأنها يمكن أن تترك المشاركين فيها في حالة موت دماغي. على الرغم من هذه الحقيقة، تنضم واحدة من أفضل اللاعبات، آش (مالغورزاتا فورمنياك) الجريئة والمتحفظة، إلى مجموعة من المستكشفين الذين يحاولون العثور على بوابة المستوى التالي. من أجل تحقيق هدفها، سيتعين عليها تدمير شبح فتاة صغيرة ذات عينين حزينتين يُعتقد أنها خطأ في البرنامج.
يُعد فيلم Avalon، الرائع في مزيجه بين الحركة الحية و”سوبر لايف ميشن”، تأملاً معقداً ومتطوراً حول الاغتراب، والانفصال العاطفي، وطبيعة التكنولوجيا، بالإضافة إلى صراع الذات (الداخلية) والعالم، سواء كان حقيقياً أو مجرد وهم. في عصر الحوسبة السريعة، لا جدال في أهميته، وقد يسميه المرء تنبؤياً.
على الرغم من أنه أصغر بعامين من فيلم eXistenZ لكروننبرغ وأول فيلم في ثلاثية The Matrix (الذي يركب على ظهر Ghost in the Shell)، وكلاهما لهما موضوعات مماثلة، إلا أن Avalon هو نظرة منعشة على النوع الفرعي للسايبربانك، خاصة بالنظر إلى جمالياته الكئيبة والانتقائية (لسبب وجيه جداً، تم التخلي عنها في العشرين دقيقة الأخيرة أو نحو ذلك).
إنه مثل نغمات البني الداكن في Stalker تلتقي بـ “المانغا الحية” تلتقي بإعداد مستوحى من الحرب العالمية الثانية تمت ترقيته بأدوات الواقع الافتراضي والطائرات الحديثة – كل ذلك تمت تصفيته من خلال أساطير زائفة.
يمكن التعرف على وفرة من علامات أوشي البصرية، أو بالأحرى، هواجسه، من كلب الباسيت (الأليف) الذي لا مفر منه، مروراً بأسراب الطيور وصولاً إلى الأسلحة الثقيلة مع تقاطعات التصويب على الشاشة. بجانب السمات المشتركة لصورته، هناك سيد لعبة تم تصويره كتقاطع بين كاهن كاثوليكي وشخصية تشبه الأخ الأكبر – هذه التفاصيل بحد ذاتها كافية لشغل عقلك.
1. Angel’s Egg (1985)
“ربما أنت وأنا والسمكة موجودون فقط في ذاكرة شخص رحل. ربما لا يوجد أحد حقاً والمطر يهطل في الخارج فقط. ربما لم يكن الطائر موجوداً على الإطلاق.”
لو أتيحت الفرصة لـ تاركوفسكي وكوبريك وبيرغمان ولينش للتعاون في أنمي في بُعد موازٍ، لكانت النتيجة النهائية لجلسة العصف الذهني الخاصة بهم مشابهة جداً للفانتازيا التي هي Angel’s Egg (Tenshi no Tamago). في الواقع، هذا هو العمل الأكثر شخصية والأكثر غموضاً لمامورو أوشي حتى الآن، بالإضافة إلى كونه تحفته الفنية وأحد أندر أمثلة أنمي “المؤلف السينمائي الحقيقي”.
في مرحلة ما – وليس سراً – فكر أوشي في دخول المعهد اللاهوتي، لكنه لسبب ما رفض المسيحية، كما ذكرنا بالفعل في قسم File 538، لذا يمكن قراءة هذا الفيلم – “المستنير باليأس الوجودي الناجم عن انهيار نظام معتقدات المرء” – “كاستعارة لهشاشة الإيمان الديني” (ريتشارد سوشينسكي، Sense of Cinema). ومع ذلك، فهو يتجاوز نظامه الرمزي الغامض، أو بالأحرى نظام المخرج، ويظل مفتوحاً لتفسيرات مختلفة.
يعود جماله المظلم والسامي والآخر إلى القصة الغنائية الغنية بالاستعارات بقدر ما يعود إلى ما يعادل الأنمي من اللقطات الطويلة المغناطيسية، وتصميم الشخصيات الرائع ليوشيتاكا أمانو، والتحريك المتطور الذي أشرف عليه ياسوهيرو ناكورا، والإخراج الفني الرائع.
لا توجد كلمات يمكن أن تعبر عن غير الملموس وغير القابل للوصف في تأملات أوشي المحيرة بشكل أفضل من الكآبة العميقة في عيني ثنائي البطل/الخصم – فتاة صغيرة (أو ملاك؟) تحرس بيضة فخرية وشاب يحمل سلاحاً مستقبلياً على شكل صليب (سيف، ربما؟).
كما أن الإعداد خلاب في كآبته المجيدة – أرض قاحلة تشبه ما بعد الكارثة من غابات سوداء، وآثار حجرية ضخمة، وبقايا مدن قوطية جديدة، وصحراء مربعة تعمل كمدرج لسفينة كابوسية على شكل كرة مزينة بالعديد من التماثيل العتيقة.
تجلب المناظر الصوتية التكميلية تغييراً إيقاعياً للصمت، وهمسات الرياح والماء، ورنين أجراس الكنيسة (غير المرئية)، ودقات ساعة (غير موجودة)، وموسيقى يوشيهيرو كانو المحيطة المؤرقة وترانيم الجوقة.
بمجرد عبورك البوابة إلى هذا العالم المجرد، تترك تتجول عبر متاهة العقل والأحلام والروح، على أمل العثور على إجابة لسؤال طُرح عند المدخل: “من أنت؟”
