تم إنشاء جائزة الأوسكار لأفضل فيلم دولي في عام 1948. إنها فئة مثيرة للاهتمام. من الرائع وجودها، لأنها تساعد في تسليط الضوء على أفلام من جميع أنحاء العالم قد لا تحظى بالاعتراف الذي تستحقه لولا ذلك. خلال ما يقرب من ثمانين عامًا، تم إنشاء مجموعة مذهلة من سينما العالم. كان عالم الأفلام سيكون أسوأ بدون هذه الجائزة.
الجانب الآخر منها، مع ذلك، هو أنها تضع أفلامًا من كل دولة على الأرض باستثناء الولايات المتحدة ضد بعضها البعض كل عام. هناك ما يقرب من مئتي دولة على الأرض، ومع ذلك هناك خمسة أماكن فقط للمرشحين. من هناك، يتم اختيار فيلم واحد من المفترض أن يمثل أفضل ما في سينما العالم؛ بمعنى آخر، فيلم واحد من المفترض أن يمثل 96% من سكان العالم.
عند التفكير في الأمر بهذه الطريقة، فإن السباق لأفضل فيلم دولي هو اختيار شبه مستحيل. هناك العديد من الأفلام الرائعة المرشحة كل عام والتي تستحق الفوز. للأسف، بسبب عمق المنافسة، يخرج العديد من الأفلام المستحقة خالية الوفاض. فيما يلي عشرة من أفضل الأفلام الدولية المرشحة للجائزة والتي لم تفز بها.
1. Embrace of the Serpent (2015)
الأفلام التي تضم شخصيات من السكان الأصليين ليست شائعة. والأفلام التي تضم شخصيات من السكان الأصليين وتُظهر أصواتهم خلف الكاميرا هي أكثر ندرة. والأفلام التي تعمل عن كثب مع المجتمعات الأصلية، وتطلب إذنها مباشرةً بشأن أماكن التصوير وتتعاون معها في الإنتاج نادرة جدًا لدرجة أنه لا يوجد منها سوى عدد قليل. فيلم Ciro Guerra بالأبيض والأسود Embrace of the Serpent هو واحد من هؤلاء القلة. إنه إنجاز مذهل، خاصةً بالنظر إلى أنه فيلمه الطويل الثالث فقط.
يتتبع هذا الفيلم رحلات مستكشفين غربيين عبر غابة الأمازون المطيرة. الأول هو إثنوغرافي ألماني في عام 1909، والثاني عالم نباتات أمريكي في عام 1940. كلا الرجلين يساعدهما نفس الرجل الأصلي، بعد سنوات؛ يحصل الألماني على النسخة الأصغر والأكثر غضبًا من هذا الرجل كدليل متردد، بينما يحصل الأمريكي على النسخة الأكبر والأكثر هدوءًا. في كلتا الحالتين، يبحثون عن نبات أسطوري، yakruna،
بينما yakruna مهم حقًا لمعناه المقدس في الثقافة الأصلية المحلية، فإن هذا الفيلم يدور أكثر حول الرحلة (أو، بدقة أكثر، رحلتين) بدلاً من الوجهة. الفيلم يذكرنا بـ Apocalypse Now. كلا الرحلتين في 1909 و1940 تمران بالكثير وتواجهان العديد من الصعوبات، بما في ذلك سكان الغابة الآخرين. على طول الطريق نرى الضرر العميق الذي أحدثه التدخل الخارجي في المجتمعات الأصلية المحلية. وهذا يشمل ليس فقط إرث الاستعمار الأوروبي، بل حتى الضرر الذي أحدثته الحكومات اللاتينية الأمريكية المستقلة خلال الحقبة التي تدور فيها أحداث الفيلم.
مثال صارخ على هذا الرعب هو الواقع المحيط بالمطاط. يتحدث العديد من الشخصيات الأصلية عن “المطاط” بمعنى الموت. قد يبدو هذا سخيفًا في البداية، لكن بعد ذلك تفهم السياق: أُجبر السكان الأصليون على العمل في ظروف مروعة في مزارع المطاط وعوملوا بقسوة لا تصدق. نرى أشخاصًا بفقدان أطراف بفضل هذه المزارع، بالإضافة إلى قبور جماعية لأولئك الذين عملوا حتى الموت. في تحوّل غريب القدر، أصبح ثراء الأمازون الطبيعي لعنة على سكانه. دفع الرأسمالية الغربية المستمرة لاستهلاك الموارد بأي ثمن إلى الاستغلال والبؤس والموت لكثير من سكانها.
لكن هذا ليس فيلمًا عن شرور الاستعمار والجشع فقط. إنه أيضًا دراسة شخصية مقنعة مليئة بلحظات لا تُنسى تتجاوز السرد البسيط عن السكان الأصليين الطيبين مقابل الغربيين الأشرار. الشخصيات الرئيسية في هذا الفيلم متقنة ومتحركة بدوافع واضحة، لكنها مدفوعة بطرق أحيانًا مفاجئة، مما يساعد على تجنب التنبؤ المفرط. هذا التركيز على الشخصية والأحداث التي تنشأ من ما يسعون إليه يسمح للفيلم بأداء التوازن الصعب بين احترام الثقافات المحلية والتمسك بمهمته في تقديم مغامرة مكثفة ولا تُنسى. إنه إنجاز مذهل.
2. A Man Called Ove (2016)
Hannes Holm هو كاتب ومخرج بدأ في التلفزيون في الثمانينيات قبل أن ينتقل إلى السينما في التسعينيات. وهو معروف بشكل خاص بأفلامه الدرامية الكوميدية التي تمزج بفعالية بين عناصر النوعين. فيلم A Man Called Ove، المستند إلى رواية تحمل نفس الاسم من عام 2012، هو تتويج لمواهبه.
الفكرة بسيطة. Ove رجل مسن عابس. يفتقد زوجته الراحلة وقد استسلم للحياة. يتذكر فورًا الشخصية المشابهة من فيلم Pixar’s Up، لكن بطريقة أكثر واقعية. في بداية الفيلم نراه يحاول الانتحار، لكنه يُقاطع من قبل جارته الجديدة، مهاجرة فارسية انتقلت للتو مع زوجها السويدي وأطفالهما. يطلبون مساعدته، والتي يقدمها على مضض، لكن مع استمرار زياراتهم له وإظهار اهتمامهم بالتعرف عليه، يتوقف عن متابعة خططه لإنهاء حياته.
من هناك، يمكنك على الأرجح تخمين مسار الفيلم: الرجل العابس يكوّن تدريجيًا صداقات مع جيرانه الجدد ويجد هدفًا جديدًا في الحياة. إلى حد ما، هذا ما يحدث. لكنه ليس كل ما يحدث. يساعده جيرانه الجدد على بناء علاقات جديدة، كما يساعدون في تنشيط روحه بحيث يبدأ تدريجيًا في التواصل مع الآخرين، حتى أولئك الذين كان قريبًا منهم قبل أن يختلف معهم. هذا ليس فيلمًا عن تكوين صداقات مع مجموعة واحدة فقط، بل عن الحاجة التي يشعر بها الجميع للشعور الحقيقي بالمجتمع. إن انتصار Ove العظيم في هذا الفيلم ليس فقط تكوين صداقات مع جيرانه الجدد، بل أيضًا الدفاع عن جار مختلف في وقت حاجته.
نرى أيضًا، من خلال سلسلة من الفلاشباكات، أن Ove عاش حياة مليئة. خلال محاولاته الانتحارية، نعود إلى لحظات محورية في حياته، مثل وفاة والدته وطفولته تحت رعاية والده الهادئ لكنه محب. ترى شظايا من حياة كاملة، حزينة لكنها ذات معنى، تذكرك بأن كل شخص مسن عابس قد خاض معارك لا تعرف عنها شيئًا. هذا يمنحه حياة داخلية يصعب التقاطها في “الحاضر” الذي تدور فيه أحداث الفيلم.
إذا كان أي من هذا يجعل الفيلم يبدو جادًا أو دراميًا بشكل مفرط، فمن الجدير التذكير بأنه فيلم درامي كوميدي وبالتالي يحتوي على جزء من الكوميديا. غالبًا ما يأتي هذا من طبيعة Ove العابس التي تصطدم بالعالم الأخف والأشخاص الأكثر ودية من حوله. يمكن أن يصبح الفيلم مظلمًا في بعض الأماكن، لكنه بشكل عام فيلم مليء بالأمل ويؤكد على الحياة حول الحاجة إلى المجتمع والهدف. بالنظر إلى عصر الانفصال والوحدة الذي نعيشه اليوم، فهذا فيلم رائع لوقتنا.
3. Shoplifters (2018)
Hirokazu Kore-eda هو واحد من أعظم المخرجين اليابانيين المعاصرين. بدأ مسيرته كمساعد مخرج للأفلام الوثائقية. في أوائل التسعينيات، صنع بعض الأفلام الوثائقية الخاصة به قبل أن يتحول إلى الأفلام الروائية، والتي بدأت بفيلم Maborosi في 1995. حتى الآن أخرج سبعة عشر فيلمًا، فاز العديد منها بالعديد من الجوائز والتكريمات.
بينما صنع العديد من الأفلام المشهورة، يعتبر الكثيرون Shoplifters أعظم أعماله. يتتبع مجموعة من الأشخاص يعيشون معًا في فقر على مشارف طوكيو: امرأة مسنة، زوجان في منتصف العمر، امرأة شابة، وصبي قبل المراهقة. المجموعة ليست مرتبطة بالدم، لكنها تشكل نوعًا من العائلة المختارة. بينما يكسب بعضهم المال بطرق شريفة، فإنهم أيضًا يسرقون من المتاجر من أجل العيش. هناك تناقض صعب في قلب هذه المجموعة: لديهم حب عائلي واضح لبعضهم البعض، لكن هناك أيضًا شيء غير صحي واختلال وظيفي فيها.
إضافة شخصية جديدة، فتاة صغيرة، تظهر كلا جانبي هذا الديناميكية بشكل مثالي. يجدونها جالسة وحدها على شرفة عائلتها. هي باردة وجائعة ومغطاة بالندوب. تنتهي المجموعة بتبنيها (أو، في الواقع، خطفها). من ناحية، اتخاذ قرار “إنقاذ” طفل من والديه ليس شيئًا يجب أن يقرر الناس أنهم يملكون السلطة للقيام به. ولا يساعد أنهم يشركونها في مخططات السرقة الخاصة بهم. ومع ذلك، في نفس الوقت، من الواضح أنهم يهتمون بها، ويمنحونها الحنان والاهتمام الذي لم تتلقاه أبدًا في المنزل.
في واحدة من أكثر المشاهد المؤثرة في الفيلم، تمسك المرأة المتزوجة في المجموعة بهذه الفتاة الصغيرة ببساطة، وتخبرها أنه إذا كان والداها يحبونها حقًا فلن يضربوها، وتعانقها قائلة “هذا ما تفعلينه.” أثناء فعلها ذلك، تبدأ في البكاء (شيء سيقوم به العديد من المشاهدين أيضًا خلال هذا المشهد). من الواضح أنها تتحدث لنفسها بقدر ما تتحدث للفتاة الصغيرة، وأنها تريد أن تفعل كل ما في وسعها لحماية هذه الفتاة من أي شيء مرت به في طفولتها. ترد الفتاة بمسح دموع المرأة.
هذا المشهد يصل إلى جوهر هذا الفيلم. الجميع في المجموعة يقصدون الخير ويهتمون حقًا ببعضهم البعض. ومع ذلك، لا يزال هذا بيئة مختلة وظيفيًا. العديد من أخطائهم تلحق بهم في النهاية، وتُكشف الأسرار التي تظهر أن مشاكلهم أعمق مما كنا نظن في البداية. حياتهم ببساطة لا يمكن أن تستمر كما هي. ومع ذلك، Kore-eda ليس مهتمًا بالحكم عليهم بقسوة. إنه يدرك أنهم يحاولون بذل قصارى جهدهم، مهما كانت النتائج فوضوية. هذا التوازن هو ما يجعل الفيلم مؤثرًا للغاية.
4. Les Misérables (2019)
“تذكروا هذا، أصدقائي: لا توجد نباتات سيئة أو رجال سيئون. هناك فقط مزارعون سيئون.” -فيكتور هوغو، Les Misérables
Les Misérables هو واحد من أعظم الأعمال الأدبية الكلاسيكية. قصته المؤثرة عن أهوال الفقر، وقوة الحب، والحاجة إلى الوقوف ضد الظلم أدت إلى العديد من التكييفات، بما في ذلك المسرحيات الموسيقية، والمسرحيات، والقصص المصورة، وبالطبع الأفلام. كما ألهمت العديد من القصص التي ليست تكييفًا مباشرًا للرواية، بل قصصًا جديدة مستوحاة من الأصل.
وهنا يأتي فيلم Ladj Ly لعام 2019. على الرغم من العنوان، فإن هذا الفيلم مستوحى فقط من رواية هوغو، وليس إعادة سرد مباشرة لها. يتتبع وحدة شرطة الجرائم في الشوارع الفرنسية والمنطقة التي يراقبونها. المنطقة التي يراقبونها هي Montfermeil، نفس المكان الذي تدور فيه الرواية الأصلية. في فرنسا الحديثة، أصبحت المنطقة الآن منطقة فقيرة يغلب عليها السكان المهاجرون. فقط من خلال الإعداد وحده، يمكنك رؤية الرابط مع الأصل – بعد حوالي مئتي عام منذ عمل هوغو، لا تزال المنطقة التي كتب عنها تتعامل مع الفقر والمعاناة والظلم.
هذا يتجسد مباشرة في فرقة الشرطة التي ينضم إليها الشخصية الرئيسية، الذي انتقل للتو إلى المنطقة في بداية الفيلم. أحد الضباط هو محلي أسود مرتبط جيدًا بالمنطقة، لكن الآخر هو شخص سريع الغضب يسيء استخدام سلطته بشكل روتيني (حقيقة أن المخرج جعله يرتدي قميص Venum ضيق هو اختيار ملابس دقيق لكنه ملهم). يتتبع الفيلم الضابط الجديد وهو يتعرف على المجتمع الذي يراقبه الآن. الأمور لا تسير بسلاسة، ومع ذلك، يعود ذلك إلى تكتيكات زملاء الضابط الرئيسيين بقدر ما يعود إلى سكان المنطقة.
من الجدير بالذكر أن Ly نفسه نشأ في Montfermeil. استند إلى تجاربه الخاصة في النمو هناك، بما في ذلك مشاهدة سلسلة من الشغب الحقيقي في 2005 التي تساعد في إلهام ذروة هذا الفيلم. ما يجعله رائعًا هو أن Ly ينجح في دمج تجربته في حي فقير للمهاجرين بسلاسة مع موضوعات الرواية الأصلية. عندما تتوج كل الأمور بمواجهة كبيرة في النهاية، لا يمكنك إلا أن تفكر أنه بينما تغير الكثير على السطح منذ أن كتب هوغو روايته الأسطورية، ربما لم تتغير الأمور على مستوى أعمق.
5. Pain and Glory (2019)
Pedro Almodóvar هو بلا شك أكثر المخرجين الإسبان احتفالًا على الإطلاق، وبالتأكيد الأكثر احتفالًا منهم على قيد الحياة. بدأ بأفلام قصيرة في السبعينيات، ثم انتقل إلى الأفلام الطويلة في الثمانينيات. خلال العقود التالية، صنع بعضًا من أكثر الأفلام احترامًا في السينما الدولية. هذا الفيلم هو، جزئيًا، تأمل وتأمل في حياته خلال تلك السنوات.
يتتبع الفيلم مخرجًا مسنًا، يلعب دوره الممثل المتعاون طويل الأمد مع Almodóvar أنطونيو بانديراس. المخرج يعاني من عدد من المشاكل الصحية، ناهيك عن حالة التشتت العامة التي سببها توقفه عن صناعة الأفلام بنشاط. غير قادر على التعامل مع مشاكله، يتجنبها، حتى يلجأ إلى الهيروين في وقت مبكر من الفيلم. هو ليس بخير جسديًا أو نفسيًا. مع تقدم القصة، تعود أجزاء من ماضيه لتجده وتساعده على البدء في الشفاء من خلال إعادة اكتشاف نفسه.
بينما يتكشف كل ذلك، نرى أحيانًا لحظات من طفولته. والدته، التي تلعب دورها المذهلة دائمًا بينيلوب كروز، هي جزء مركزي من شبابه. تريد منه الذهاب إلى مدرسة دينية – ليس لأنها تريد أن يصبح كاهنًا، بل لأنه ذكي ومدرسة دينية هي واحدة من الفرص القليلة للأطفال الإسبان الفقراء للحصول على التعليم. لكن البطل الشاب لا يريد الذهاب.
معظم أفلام Almodóvar معروفة بالميلودراما، والفكاهة، والاستخدام الرائع للألوان. هناك طاقة هائلة في معظم أفلامه تجعلها سهلة حتى للمشاهدين العاديين للانخراط فيها. Pain and Glory مختلف قليلاً. كل تلك العناصر لا تزال موجودة (خاصة الاستخدام الرائع للألوان)، لكن الميلودراما والفكاهة أكثر دقة. النغمة أكثر تأملًا وكآبة. ليس محبطًا، لكنه صادق أيضًا بشأن التحديات التي تأتي مع العمر وفقدان الذات. من خلال كل ذلك، يقدم بانديراس واحدة من أكثر أداءاته هدوءًا ولكن لا تُنسى في مسيرته.
الأفلام التي تتحدث عن مخرج يتأمل في حياته ليست جديدة، تعود إلى فيلم Fellini’s 8½. Pain and Glory من بين الأفضل، متجنبًا الكثير من التمحيص الذاتي المفرط الذي قد تقع فيه أفلام مماثلة أحيانًا. ما يجعل هذا الفيلم يعمل هو تركيز Almodóvar على مشاكله وتأملاته، بدلاً من رغبته في تصوير بطله الذي يمثل نفسه بشكل بطولي. من الواضح أنه لا يصنع هذا الفيلم لأنه يعتقد أنه أكثر شخص مثير للاهتمام في العالم، بل لأنه يتصارع مع أشياء يتصارع معها الكثير من الناس، ولكن بطريقته الفريدة. لذلك، تجاربه هي قناة لاستكشافاته الموضوعية، وليس التركيز في حد ذاته. العناية والجمال اللذان يدير بهما هذا الاستكشاف يجعلان هذا الفيلم من أفضل أعماله.
