كانت هذه القائمة صعبة التحرير حقاً. أولاً، كان لزاماً علينا تعريف معنى “العمق” في السينما وفي الفن بشكل عام. بالبحث عن كلمة “عميق” في القاموس، وجدت تفسيرات مثل “النفاذ أو التعمق في موضوعات الفكر أو المعرفة”، و”امتلاك بصيرة وفهم عميقين”، و”ذو معنى عميق”، و”ذو أهمية كبيرة وشاملة”. لذا، نحن نبحث عن مخرجين يقدمون أفلاماً ذات مغزى عميق.
وكيف يمكن رصد ذلك؟ هل هناك تقنيات سردية تتجاوز السيناريو تساهم في إضفاء المعنى والعمق؟ الرمزية، الاستعارة، المجاز؟ الغموض، والميل لطرح الأسئلة بدلاً من تقديم الإجابات؟ صياغة الشخصيات، وبراعة الإخراج المشهدي؟
مع الأخذ في الاعتبار كل ما سبق وأكثر، وتحقيق التوازن بين التقاليد الرمزية والابتكار السينمائي، تحاول هذه القائمة -التي لا تدعي الشمول- تسليط الضوء على أعمال بعض المؤلفين السينمائيين المتميزين الذين تعاملوا مع أسئلة فلسفية عميقة، وتتبعوا أدق جوانب النفس البشرية، وصوروا تحت عدسة نقدية المجتمع الذي عاشوا فيه، وقيمه وأخلاقه.
هذه قائمة لا تنتهي. بدأت بعشرة مخرجين، ثم 20، وانتهت بـ 15. كان ينبغي أن تكون قائمة من 100 مخرج على الأقل. هناك الكثير من المخرجين المهمين الذين تناولوا موضوعات اجتماعية حاسمة وقاربوا النفس البشرية بطرق فنية وسينمائية رائعة. لكن كان عليّ وضع قائمة. لذا أطلب من Orson Welles وFederico Fellini وAkira Kurosawa وAndrey Tarkovsky وSergei Eisenstein وWim Wenders والأخوين Coen وJohn Huston وغيرهم الكثير أن يسامحوني، وأمضي قدماً في القائمة التالية:
15. Yorgos Lanthimos
الأفلام: Lobster, The Killing of the Sacred Deer, Dogtooth, Alps
سواء أحببت أعماله أم لا، يجب أن تعترف بأن Lanthimos مؤلف سينمائي استثنائي في السينما العالمية. بصفته مؤسس ما يسمى بـ “الموجة الغريبة” في السينما اليونانية -أكثر دول العالم اضطراباً في صناعة أكثر سينما اضطراباً- يختار Lanthimos سرد قصصه ليس فقط بخلق أماكن ديستوبية، بل بشيء أكثر من ذلك؛ عالم يتكون من المفاهيم الخاطئة والمعاناة غير المعلنة.
لا تمتلك إعداداته الصفات المظلمة للمستقبل الديستوبي الذي خُلق في الفن السينمائي منذ فيلم Metropolis للمخرج Lang. إنها تقع في مكان ما بين الحقيقة والخيال غير السوي، وهي مخيفة نوعاً ما، ومضحكة نوعاً ما، وهي عملياً غريبة. قد لا تفهم ما يدور حوله الأمر. لا تقلق، أبطاله أيضاً لا يفهمون. إنهم يعيشون في عالم يسوده اللاعقلانية، والأهم من ذلك، أنهم يختنقون وهم ملفوفون بروابط عائلية.
تطارد كآبة الأسرة النووية كوابيس Lanthimos الأنيقة. كل خطأ ينبع من التزاوج وعلاقات الآباء والأبناء. لوحته مليئة بصور بشعة لعائلات مشوهة أو أشباه أزواج، كما لو أنه لا توجد -ولا يمكن أن توجد- أي علاقات حب لا تقوم على القمع والانحراف. ما هو أصل كل تلك العائلات المضطربة؟ إذا اكتشفنا ذلك، فقد ندخل العالم الذي يصوره Lanthimos لنا.
14. Bela Tarr
الأفلام: Werckmeister Harmonies, the Turin Horse, Karhozat, Satatango
واجه Tarr صعوبات كبيرة في صناعة الأفلام بسبب انتماءاته السياسية التي لم تكن مقبولة من قبل جمهورية المجر الشعبية في السبعينيات. أصدر أخيراً ثلاثة أفلام -ثلاثيته “البروليتارية”- التي ركزت على مشاكل مجتمعات أوروبا الشرقية، وهي أفلام تشبه سينما الموجة الجديدة التشيكوسلوفاكية.
بعد تلك المحاولات الأولى، قام بتحول جذري نحو الرمزية المظلمة. الأفلام التي تلت ذلك، وهي حكايات ديستوبية بالأبيض والأسود (باستثناء فيلم Almanac of Fall الملون)، تروي قصص رجال فقراء ومعدومي القوة يضطرون لمواجهة تحديات كبيرة واتخاذ قرارات، وقصص غرباء يزعزعون روتين هؤلاء الرجال الفقراء ويلقون عليهم تعاويذهم.
تعامل أفلام Tarr مع الوجود البشري كما لو كان غارقاً في العبث والاغتراب، بسرد غير تقليدي تماماً. يستخدم لقطات طويلة تمتد لعدة دقائق لتوضيح القلق، والجمود، والمعركة المستمرة للبشر مع أنفسهم ومع الآخرين. كما صرح مؤخراً: “كنت أطور لغتي الخاصة، لغتي السينمائية. تعمقت أكثر فأكثر… ومع فيلم The Turin Horse، وصلت إلى النقطة التي اكتمل فيها العمل، وأصبحت اللغة جاهزة”، مضيفاً أن The Turin Horse كان آخر أعماله السينمائية.
13. Darren Aronofsky
الأفلام: Pi, Requiem for a Dream, Noah, The Wrestler
تمكن Aronofsky، الطفل المشاغب في السينما الأمريكية، من خلال سبعة أفلام روائية فقط من إثارة الجدل والتحدي، وخلق معجبين وخصوم، أشخاص يعتقدون أنه مضطرب نفسياً وآخرون يظنون أنه فيلسوف العصر الجديد. إنه يعرف ببراعة كيف يخلق عوالم كابوسية مليئة بالطرق المسدودة.
كل فيلم من أفلامه هو دراسة شخصية. أبطاله يتأرجحون باستمرار بين العظمة والجنون، دائماً على حافة الانهيار الدرامي، يسعون وراء أحلامهم رغم إدراكهم أن ذلك سيقودهم إلى التدمير الذاتي. بغض النظر عما يهوسون به، سواء كان الرياضيات العليا، أو الرقص، أو المخدرات، أو القتال، فهم يحاولون عبثاً الهروب من العالم الذي يعيشون فيه والدخول إلى عالم آخر، عالم تتحقق فيه أحلامهم وتطلعاتهم.
تبني “الهيتروتوبيا” (الأماكن المغايرة) المختلة لدى Aronofsky، حيث يعيش الناس على حافة السواء الاجتماعي، رؤيته الخاصة لعالم مليء بأشخاص في حاجة ماسة للهروب من الواقع القاسي الذي يعيشونه.
في أحدث أعماله، Mother!، يذهب Aronofsky إلى أبعد من ذلك. في فيلم مليء بالاستعارات والرمزية، يحاول سرد قصة العالم متضمناً الدين، والبيئة، والتحليل النفسي، والتاريخ الاجتماعي… بنتيجة صدمت وأربكت معظم جمهوره.
12. Michael Haneke
الأفلام: Cache, White Ribbon, Amour, Funny Games
يفاجئ المخرج النمساوي Michael Haneke، المخرج الأكثر حضوراً في أوروبا في القرن الحادي والعشرين، الجمهور والنقاد مع كل فيلم جديد. يبدو عازماً على انتقاد كل جانب من جوانب الأمراض الاجتماعية في أوروبا الحديثة، مع التركيز على الدور الذي يلعبه العنف في صياغة الأدوار والمواقف الاجتماعية.
العنف مركزي في أعمال Haneke: سواء كان عنف الأطفال ضد البالغين، أو السكان الأصليين ضد المهاجرين، أو الرجال ضد النساء، أو البرجوازية ضد الطبقة العاملة، وسواء كان صارخاً أو غير مرئي، فإنه يفسر العديد من الصراعات التي نواجهها كأفراد وكأعضاء في مجموعات اجتماعية أكبر.
يعترف Haneke بأنه لم يتعرض أبداً لعنف جسدي في حياته، ولهذا السبب لا يتسامح معه. ويرى أن سبب وجود العنف ليس سوى الخوف. عندما يشعر الناس بالخوف، يرغبون في الدفاع عن أنفسهم ضد الأعداء المفترضين. كراهية الأجانب، والعنصرية، والفاشية هي نتائج لذلك الخوف البدائي من المجهول. الطبيعة البشرية ضعيفة: في ظل مواقف معينة، قد يتصرف المرء بطريقة كان يعتقد أنها لا يمكن تصورها.
يشتهر بلقطاته الطويلة التي تمتد لعدة دقائق، حيث يتبع شخصياته خلال روتينهم، ليشعر المشاهد بأنه يشارك في الأحداث. أحد الموضوعات المتكررة في أفلامه هو الحياة المنزلية. يتم تصوير العديد من المشاهد داخل المنازل. للمنزل شخصية، وكذلك الأشخاص الذين يعيشون فيه، ويصبح المكان الذي تتكشف فيه الرعب. يتابع المشاهدون أفعال الأبطال، وعندما تصل إلى ذروتها، يُتركون معلقين تحت وطأة هذه الذروة، دون أي تفريغ سريع للقسوة التي شهدوها للتو.
11. Yasujiro Ozu
الأفلام: Tokyo Story, Late Spring, Early Summer, Floating Weeds
تكمن المعاني العميقة في أبسط الأشياء. الجمال يكمن في الحياة اليومية، والحقيقة توجد في وجوه الناس، والأشياء التي يستخدمونها، والأماكن التي يعيشون فيها. كان هذا تقريباً ما دافع عنه Ozu في المشهد السينمائي الياباني والدولي.
بصفته أستاذاً في نوع “جنداي-جيكي”، وهي الأفلام التي تدور أحداثها في العالم الحديث، استخدم كاميرا 50 ملم، وهي الأقرب لما يمكن أن تراه أعيننا، وأطر قصصه بطريقة تجعل كل ما نحتاج لرؤيته ومعرفته موجوداً داخل ذلك الإطار. علامته التجارية، “لقطة التاتامي”، حيث توضع الكاميرا على مستوى عين شخص راكع على حصيرة التاتامي، جلبت المشاهد إلى داخل المشهد، قريباً من الأبطال. لأن Ozu لم يرد إخفاء أي شيء في عالمه السينمائي. الحقيقة هنا، معروضة أمامنا، علينا فقط أن نرفع أعيننا ونلتقطها.
قصصه تدور حول التقاليد والحداثة: ما كانت تعنيه الأسرة في المجتمع الياباني التقليدي وكيف تفككت في المجتمع الياباني الذي يتجه نحو الحداثة في القرن العشرين، وكيف صيغت علاقات الآباء والأبناء وكيف أثر صراع الأجيال عليها. حبكاته أساسية: آباء يزورون أبناءهم الذين لا يريدون وجودهم، أم تحاول تزويج ابنتها، أب يبحث عن ابنه المنفصل عنه. ومع ذلك، هناك الكثير من العمق في البساطة، ويمكن العثور على جمال الحياة في التفاصيل الصغيرة.
10. Pier Paolo Pasolini
الأفلام: Salo or 120 Days at Sodoma, Il Decameron, The Gospel According to St.Mathew, Teorema
دخل Pasolini، الشاعر والروائي والكاتب الصحفي وكاتب السيناريو الراسخ، عالم السينما كأبرز مثقف إيطالي في فترة ما بعد الحرب. كان يعتقد أنها مجرد وسيلة أخرى لكتابة الشعر. لذا فإن أفلامه شاعرية وسياسية، غنائية وأيديولوجية، عاطفية وتحليلية.
بشعوره بأنه جزء من موجة التغييرات الاجتماعية الكبرى التي اجتاحت إيطاليا وأوروبا في أوائل الستينيات، كانت أفلامه الأولى مستوحاة من الواقعية الجديدة الإيطالية، قصص سكان ضواحي روما المنكوبين. استمر في اقتباس الإنجيل، والمآسي اليونانية، والحكايات القروسطية محاولاً العثور على “جودة صوفية وأسطورية وملحمية في كل شيء”.
كمثقف ملتزم بمعتقدات ماركسية وأصول كاثوليكية، كان مدافعاً شرساً عن الفقراء والفلاحين والطبقة الكادحة. وجه عدسة كاميرته نحو المهمشين عن حياة البرجوازية الفاخرة. كان اللصوص والعاهرات والعمال هم أبطاله وبطلاته، وصُوروا كأشخاص أنقياء وأبرياء في بحثهم عن المعرفة، يقاتلون ضد ضعفهم، مما كسب تعاطفنا.
في السينما، كما في الأدب، خلق نظامه اللغوي الخاص بنحوه الخاص، ومن خلال كونه واقعياً، تجاوز الواقع. رفض الامتثال للوضع الراهن وشكك في العقل والأخلاق، وعلاقات القوة والقوة نفسها، مقدماً تفسيره الخاص للفاشية في تحفته الأخيرة Salo. عندما اغتيل عام 1975، بكت إيطاليا واحداً من ألمع مثقفيها.
9. Reiner Werner Fassbinder
الأفلام: Querelle, The Marriage of Maria Braun, Ali: Fear eats the Soul, In a Year with 13 Moons
مؤلف سينمائي ملعون آخر، مثلي الجنس علناً، ذو معتقدات راديكالية ويعيش في أقصى الحدود مثل Pasolini أعلاه، كان Reiner Werner Fassbinder نتاج الصراعات الداخلية والطرق المسدودة في ألمانيا ما بعد الحرب. ولد في عام استسلام الرايخ الثالث في مجتمع كان يحاول تضميد جراحه العميقة من الحرب، وغالباً ما كان يخفيها تحت السجادة أو يتنكر لها.
لم يعجب Fassbinder ذلك التنكر على الإطلاق. أراد أن تُروى الأشياء. أن تُروى في السينما. للقيام بذلك، استخدم نموذج الميلودراما في هوليوود والأشكال التجريبية وخلق أفلاماً مليئة بالعاطفة، أبطال وبطلات يموتون بجانبك مباشرة، ضحايا لرذائلهم، وحبهم اليائس، ومواقفهم الإيروتيكية.
في حياة قصيرة جداً لم تتجاوز 37 عاماً، صنع -العدد المذهل- 44 فيلماً، معظمها روائية، تناولت الوحدة، والغرور، والخيانة. كونه شخصية صعبة التعامل في عمله ومع شركائه العاطفيين، وشخصية متمردة تميزت بالتناقضات والهواجس، صور نفسه في أفلامه حيث كان الأبطال في الغالب من المنبوذين، والمهاجرين، والعاهرات، والمتحولين جنسياً، أشخاص اضطروا لمواجهة الأحكام المسبقة بسبب عرقهم، أو جنسهم، أو توجههم الجنسي، أو طبقتهم الاجتماعية.
كان منخرطاً سياسياً. بطريقته الخاصة جداً، ولهذا السبب اتُهم كثيراً بأنه معادٍ للشيوعية، ومعادٍ للسامية، ومعادٍ للمثليين. نددت أفلامه بالفاشية في المجتمع وداخل الأسرة، ودخلت عدسته في أوساط الطبقة العاملة وفي بيوت البرجوازية على حد سواء. رسم صوراً سينمائية لرجال ونساء مثليين لم يسبقه إليها أحد. عمل طوال اليوم وعاش حياة خطرة في الليل. ومات بسبب ذلك، صغيراً جداً.
8. Lars von Trier
الأفلام: Dancer in the Dark, Breaking the Waves, Dogville, Antichrist
تثير أفلام Trier غضب جمهورها. يغادر الناس دور العرض منزعجين، يشعرون بأنهم لم يفهموا حقاً ما قصده المخرج. أفلامه هي لكمة حقيقية في معدتنا.
دخل Trier صناعة السينما الدنماركية ببيان “Dogme 95″، وهو نص يملي قواعد معينة يجب على المخرجين اتباعها في محاولة لمواجهة كليشيهات هوليوود، وفائض المؤثرات التكنولوجية، والاقتراب أكثر من المعنى الحقيقي للقصة المروية. ظل هذا شاغله الرئيسي طوال مسيرته: سرد قصة، بغض النظر عن مدى صدمتها.
تكشف كل أفلامه الجانب السري للأشياء، وتواجه المحرمات الاجتماعية بطريقة تجعلنا نشعر بعدم الارتياح حقاً لمشاهدتها. يريد منا أن يكون لدينا رد فعل قوي تجاهها، حتى لو كان النفور. يقارب موضوعاته -مثل الجنس، والاكتئاب، والحب، والغفران، والطموح- من خلال تطوير شخصيات نسائية: نساء منبوذات، غير مستقرات نفسياً، نساء مذنبات بالانحلال الجنسي، والتعاسة، والفظاظة، اللواتي يظهرن جوانب غير مريحة من نفسيتهن. إنه مخرج النساء.
ومع ذلك، فهو لا يريد علاجهن أو شفاءهن، بل يضمهن بحب، ويعتقد أن خللهن الوظيفي هو تحرر. لا يسعى لتقديم إجابات ونهاية صحيحة سياسياً لقصصه، بل يفضل ترك علامات استفهام سنحملها في عقولنا لفترة طويلة بعد مشاهدتها.
7. Michelangelo Antonioni
الأفلام: Blow Up, L’avventura, Zabriskie Point, Red Desert
أفلام Michelangelo Antonioni غامضة. تطرح أسئلة صعبة ولا تقبل استنتاجات سهلة. بدأ من الواقعية الجديدة الإيطالية وتحول إلى تحليل داخلي للنفس البشرية نحو أسلوب فكري مضاد للميلودراما.
صور الطبقة الغنية العاطلة في فترة “المعجزة الإيطالية” بعد الحرب، حيث تحاول عطلاتهم وحفلاتهم واهتماماتهم الثقافية إخفاء غياب الهدف أو الشعور، ومللهم وضجرهم، ولكن دون جدوى. جرد أبطاله وبطلاته من إنسانيتهم واستخدمهم كأدوات لإظهار التعقيد النفسي العالي للشخصيات غير المستقرة والعصابية في عصره. لم يصور علاقات بل فشل العلاقات. يفشل الناس في التواصل مع بعضهم البعض كما يفشلون في التواصل مع أنفسهم. يُستخدم الإيروتيكية كمسكن لمعضلاتهم الأخلاقية.
في العالم الحديث، المليء بالعصاب، والكآبة، والفراغ، والاغتراب، تتلاشى العلاقات الإنسانية. وبصفته مبهوراً ومرعوباً في آن واحد من الثورة التكنولوجية التي حدثت في عصره، صور الإنسان الحديث كامتداد للآلات وترجم مفهوم ماركس عن الاغتراب إلى صور مجردة من الخطوط والأشكال والألوان المعقدة. كونه مهندساً معمارياً أولاً ثم سينمائياً، أعطى دوراً رئيسياً للمساحات المشيدة، ورفع البيئة لتصبح أحد أبطاله، سواء كان موقعاً صناعياً، أو جزيرة نائية، أو صحراء.
علم Antonioni المخرجين من بعده استكشاف السرد الإهليلجي والمفتوح، وألا يأخذوا شيئاً على أنه أمر مسلم به، ولا حتى السينما.
6. Jean Luc Godard
الأفلام: Breathless, First Name: Carmen, Alphaville, A Woman Is a Woman
شخصية مؤثرة للغاية في السينما العالمية، أشاد بها النقاد أكثر بكثير من الجمهور، نشأ Godard في عالم بدأت فيه السينما تكتسب أهمية أكبر. قضى شبابه في مشاهدة الأفلام والحديث عن السينما مع عشاق آخرين، مثل Truffaut وRivette وChabrol. هكذا ولدت حركة الموجة الجديدة الفرنسية. مجموعة من البوهيميين الشباب الذين أرادوا تصوير أفلام لكن لم يكن لديهم تمويل، قرروا كسر كل القواعد الموجودة في السرد والمونتاج السينمائي.
لم يقتصر الميل لكسر القواعد على السينما في ذلك الوقت. كان المجتمع الفرنسي يشكك في قضايا تاريخه الحديث، مثل موقفه في الحرب العالمية الثانية والحرب في الجزائر، وكانت الحركات الشبابية حول العالم تتحدى الأسرة والعلاقات الجنسية، وكان هواء ثوري يهب على أوروبا. لم يكن Godard غير مبالٍ بكل ذلك. تتناول أفلامه في عصر الموجة الجديدة الحرب، والاستعمار، والظلم، والسياسة الثقافية للشباب الثائر، ومشاكل تحرر المرأة، وبلغت ذروتها في فيلم Weekend، وهو فيلم سياسي مؤثر ينتقد العيوب المأساوية للبرجوازية المستهلكة من خلال صور تمت مناقشتها على نطاق واسع للسلع الملقاة والناس.
بعد اضطرابات مايو 1968، قرر Godard “صناعة أفلام سياسية بطريقة سياسية” وسافر إلى فلسطين وأفريقيا وأمريكا للقيام بذلك. ويستمر حتى اليوم، لا يتوقف أبداً عن الاستفزاز والصدمة، ويتعامل دائماً مع موضوعات اجتماعية وسياسية مهمة. أفلامه ليست -ولم تكن أبداً- أفلاماً ضخمة، حيث يخاطب جمهوراً محدوداً قدر دائماً عبقريته المبتكرة وكسره للقواعد.
5. Robert Altman
الأفلام: Gosford Park, Short Cuts, the Player, M.A.S.H.
من بين أفضل المخرجين في القرن الماضي في الولايات المتحدة، متمرد مبتكر على إجراءات هوليوود التشغيلية القياسية، حاول جاهداً بطريقته الخاصة صناعة الأفلام، مصراً لأكثر من 20 عاماً حتى نال إشادة دولية بفيلم M.A.S.H، وهو فيلم كوميدي عبادة مناهض للحرب.
تعامل مع العديد من الأنواع السينمائية -بطريقته التخريبية الخاصة، بفكاهة لم يفهمها الجميع، مستهدفاً دائماً النفاق والتزمت الأمريكي. كان الأمر كما لو أنه يحاول مهاجمة كل جانب صغير من المجتمع الذي يعيش فيه، ففي كل فيلم صنعه سعى للتنديد بـ: صناعة موسيقى الفولك (Nashville)، والنخبة الاجتماعية الفاسدة وطقوسها (A Wedding)، والعنصرية (Cookie’s Fortune)، والعنف المؤسسي (Quintet)، وأحلام كاليفورنيا (Shortcuts)، وهوليوود (The Player).
عمل مع كل نجم سينمائي تقريباً في هوليوود -الجميع أحبوه. معظم أفلامه تحتوي على عشرات الأبطال، حيث خلق فسيفساء من شخصيات مختلفة -كان بارعاً في إعطاء ملف تعريف دقيق للدور حتى مع بضع دقائق على الشاشة. ومع ذلك، أكثر من الأفراد، كان مهتماً بما يصنعونه: المجتمع. في أفلامه، وصف الظروف الاجتماعية بدلاً من القصص الشخصية.
في سرده المكسور والمجزأ، توجد تصميمات غنائية حيث تتقاطع حياة الأبطال عشوائياً، وغالباً ما تتداخل حواراتهم، وشجعهم على الارتجال. خلق لهم عالماً “ألتمنياً” من الهجاء اللاذع ودراسات الشخصيات المضادة للثقافة، عالم من السينما المناهضة للامتثال والمناهضة للاستوديوهات.
4. Krzysztof Kieslowski
الأفلام: Three Colors:Blue, Three Colors: Red, Three Colors: White, Dekalogue (10 T.V. episodes)
هل هناك أي مخرج قارب النفس البشرية بطريقة أكثر دقة ورقة من Kieslowski؟ هل هناك أي مخرج طرح معضلات أخلاقية حاسمة دون غطاء أخلاقي كما فعل هو؟
بدأ Kieslowski بتصوير أفلام وثائقية انتقدت دعاية الحزب في بولندا الشيوعية في السبعينيات، وتابع بأفلام روائية صورت البيئة السياسية والاجتماعية لبولندا في تلك السنوات المضطربة. بينما كانت بولندا تشق طريقها من جمهورية شعبية إلى سوق حرة، عبر إحياء حركة التضامن، تمكن Kieslowski من صنع أفلام يمكنها استغلال المحيط الاجتماعي للتعمق أكثر في الملف النفسي للأبطال.
أدرك أن بولندا ما بعد الشيوعية لم تكن بالضبط ما كان يحلم به، ففضل التركيز على الأفراد، الأشخاص من حوله، كيف واجهوا تحديات حياتهم، الهواجس، المظالم، كيف كانوا يحاولون ترويض مصيرهم متجاهلين الصدفة التي تسود معظم خياراتنا المفترضة، والمصادفات التي تحكم وجودنا.
صاغ أبطاله -ومعظمهم بطلاته- بشكل حيوي لدرجة أن الجمهور يمكنه بسهولة التعرف عليهم والتعاطف معهم. من خلالهم، أراد العثور على إجابات للأسئلة الأساسية التي تستبد بالبشر، وتعامل مع مفاهيم مجردة، مثل الحب، والحرية، والأخوة، والإرادة، والحميمية.
اختار إعادة صياغة الوصايا العشر وثلاثية الثورة الفرنسية، وعالج تلك المفاهيم المجردة بطريقة مادية ومتاحة جداً، معطياً أهمية لكل تفصيل صغير يمكن أن يكشف العالم الداخلي لأبطاله. في السنوات الأخيرة من حياته القصيرة، كان يسافر، مع قصصه، من بولندا إلى فرنسا والعكس، مصوراً روائع “ملونة”.
3. David Lynch
الأفلام: Twin Peaks, Mullholland Drive, Blue Velvet, Inland Empire
رائد في ما بعد الحداثة السينمائية، يستخدم Lynch الحلم في صور الواقع والرمزية الصريحة لـ “الغميضة” للكشف عن الأراضي القاحلة في الضواحي والعنف الخفي في البلدات الأمريكية الصغيرة. بالعمل في نفس الوقت مع العالم الحقيقي والأحلام، والمنطق والعقل الباطن، يخلق عالماً سريالياً من الصور الملونة التي تستمد رمزيتها من طبيعة الحياة اليومية وشذوذها. في معظم أفلامه، هناك طبقات متعددة من الوعي: اليقظة، والنوم، والحلم.
هذا التلاعب بين الحقيقي وغير الحقيقي، الغريب والمألوف، الضوء والظلام، الحقيقة والكذب، مصمم لمهاجمة الجانب الخفي من أسلوب الحياة الأمريكي، سواء كان ذلك في بلدة صغيرة، أو مدينة صناعية، أو هوليوود ووعودها الواسعة، أو وحدة الطرق السريعة التي لا تنتهي.
العنف، والوحدة، وسوء إدراك الواقع، والهويات المكسورة، والتشوه هي الكلمات المفتاحية لعالم Lynch من الأبطال المضللين والمواقف صعبة الحل. اختار سينما لا تجلب النجاح بل تتحدى المشاهد للتفسير، بينما يفك شفرة صور Lynch المعقدة، حيث تخفي الألوان الزاهية حقيقة مرعبة.
2. Ingmar Bergman
الأفلام: Wild Strawberries, The Seventh Seal, fanny and Alexander, Persona
سينما Bergman شخصية جداً. غرس في أفلامه أحلامه، وذكرياته، وشعوره بالذنب، وخيالاته. كانت طفولته تعود مراراً وتكراراً من الفيلم الأول إلى الأخير. أصبح عالمه الخاص عالمنا جميعاً. قصصه أمثال عن الزنا، والسادية، وخيبة الأمل، وفقدان الإيمان، والحزن المليء بالمعاناة. إعداداته هي المناظر الطبيعية العارية لجزيرة، أو غرفة معيشة خانقة، أو خشبة مسرح.
أراد Bergman كشف نفسية أبطاله. كان لديه مجموعة من الممثلين والممثلات الذين تعاون معهم بشكل وثيق وعرف كيف يعمل معهم ليخرجوا من أنفسهم ما يحتاجه لقصته. قرب الكاميرا جداً من وجوههم، ولم يترك لهم مساحة للهروب من خلال استكشاف مشاعرهم، ومعاناتهم، وندمهم، وذنبهم، وشكوكهم. سمح لنا بالدخول إلى أفكارهم الأكثر خصوصية التي كانوا مضطرين لمشاركتها مع زملائهم في البطولة ومعنا. التفاعل بين أبطاله وبطلاته يحدد الحدود بين الفرد والمجتمع ويسلط الضوء على صعوبات التواصل.
بدا في بحث مستمر للإجابة عن مخاوفه العميقة حول وجود أو عدم وجود الله. طرح أسئلة فلسفية حول الإذلال، والفصل بين الطبيعة والمقدس، والذنب، والإيمان والشك، وحتى الحياة والموت.
1. Stanley Kubrick
الأفلام: 2001: A Space Odyssey. A Clockwork Orange, Barry Lindon, Eyes Wide Shut
ما الذي يمكن أن يقوله أو يكتبه شخص عن Kubrick لم يُقل أو يُروَ بالفعل؟ يُعترف به من قبل معظم الناس كعبقري السينما المطلق في القرن العشرين، كان لدى Kubrick كاريزما يعتز بها ويحسده عليها العديد من المخرجين: صنع عدداً قليلاً نسبياً من الأفلام الروائية، كل واحد منها من نوع مختلف، وكل واحد منها كان تحفة فنية.
ما يضعه في قمة هذه القائمة هو أنه يتقن الإبداع السينمائي للصور والمحتوى على حد سواء. تفاجئ أفلامه الجمهور والنقاد من خلال ابتكارها المستمر لتقنيات العرض، بينما في الوقت نفسه، كل ما يظهر على الشاشة، كل تفصيل صغير، أو زي، أو شيء، موجود لخدمة المعنى.
صرح بأن أهم أجزاء الحبكة هي الأجزاء الغامضة، تلك التي تكمن وراء العقل واللغة. تعلقت أفلامه بخصائص الحياة العظيمة، مثل الآثار المدمرة للحرب أو أسرار المجتمع المحفوظة جيداً. ومع ذلك، فضل عدم تقديم كل المعلومات لجمهوره، واختار زرعها في وعي الجمهور من خلال صور ذات جمال وتناغم مذهلين، بواسطة الرمزية البصرية.
قال إن الفيلم ليس صورة للواقع بل صورة لصورة الواقع. كانت واقعاً سينمائياً مجازياً هو الذي اكتشفناه في أفلامه، حيث واجهنا أبطاله ونظراتهم الشهيرة والمريبة. لم يصف Kubrick الموقف بل رد فعل أبطاله تجاهه، محاولاً تسليط الضوء على أحلك أجزاء الروح البشرية، التي كانت تهمه أكثر من غيرها.
