بلا شك، يُعد مارتن سكورسيزي أحد أكثر المخرجين المحبوبين والمؤثرين في تاريخ السينما. إن ثباته على التميز طوال ستة عقود من الإخراج أمر لا تشوبه شائبة. وبفضل جهوده في الحفاظ على التراث السينمائي ودعم هذا الوسط، حافظ سكورسيزي على مكانة رفيعة من الأهمية لا تضاهى بين المخرجين. عبر 40 فيلماً روائياً ووثائقياً، قدم كلاسيكيات لا جدال فيها، لكنه يمتلك أيضاً جواهر خفية في مسيرته المهنية.
1. Alice Doesn’t Live Here Anymore (1974)
واجه مارتن سكورسيزي انتقادات على مر السنين بسبب نقص التمثيل النسائي والقصص التي تتمحور حول النساء في أعماله. ورغم أنه مخرج مهتم بالقصص من منظور ذكوري حول قضايا الرجولة، إلا أن فكرة أنه لا يهتم بالنساء أو أنه غير قادر على تقديم شخصيات نسائية آسرة هي فكرة مثيرة للجدل. في الواقع، يهتم المخرج دائماً باستكشاف نقاط ضعفه الشخصية، وهذا بالضبط ما دفعه لقبول عرض النجمة إلين بورستين لإخراج فيلم Alice Doesn’t Live Here Anymore.
فيلم سكورسيزي عن أم عزباء، أليس (بورستين)، التي تسافر عبر البلاد بحثاً عن بداية جديدة في الحياة بعد وفاة زوجها، هو واحد من أكثر تصويراته إنسانية وواقعية لبطلة تعاني من صراعات داخلية. بفضل أداء بورستين المذهل الحائز على الأوسكار، يتجاوز الفيلم النظرة الأحادية للأمور. تتوق أليس للاستقلال، لكنها في الوقت نفسه لا تستطيع مقاومة إغراء الحياة مع زوج جديد. التزاماً بجماليات وتعقيدات السينما الأمريكية في السبعينيات، لا يخشى الفيلم المواجهة أو المشاعر المحرجة أو الغموض.
ينجح الفيلم في حمل نفس ثقل أفلام مثل Raging Bull أو Goodfellas دون المبالغة في معاناة البطلة. أسلوب سكورسيزي السينمائي المستوحى من موسيقى الروك أند رول، والذي ظهر في Mean Streets، حاضر بقوة هنا. سار المخرج على خط رفيع بين توظيف فنه الطبيعي والتكيف مع قصة وبيئة جديدتين. تعاطفه وإعجابه بشخصية أليس واضحان تماماً. إن قيام سكورسيزي بصناعة المزيد من الأفلام مثل Alice Doesn’t Live Here Anymore سيكون موضع ترحيب كبير، خاصة لإظهار براعته وتنوعه.
2. New York, New York (1977)
بعد النجاح النقدي لفيلم Taxi Driver، كان مارتن سكورسيزي مستعداً لمواصلة قلب المفاهيم السينمائية التقليدية. ومع الفيلم الموسيقي المثير للجدل New York, New York، قام المخرج بمخاطرة كبيرة. ورغم أن الكثيرين يجدون الفيلم مفككاً، وأنه أخفق في بعض جوانبه، إلا أنه يظل نصاً رائعاً للتحليل. أدى الفيلم وخيبة أمل الجمهور تجاهه في عام 1977 إلى دفع المخرج للتساؤل عن دوافعه ومكانته في هوليوود.
يتبع الفيلم، الذي يمثل دمجاً بين حساسيات السينما الأمريكية الجديدة والأفلام الموسيقية الكلاسيكية لشركة MGM، عازف ساكسفون مغروراً، جيمي دويل (روبرت دي نيرو)، وعلاقته الشخصية والمهنية المضطربة مع مغنية الصالة فرانسين إيفانز (ليزا مينيلي). قرار سكورسيزي بوضع قصة حب كئيبة في خلفية أمريكا ما بعد الحرب مثير للاهتمام. الأسلوب غير المألوف للفيلم، الذي يتميز بديكور يشبه استوديوهات التصوير القديمة، ضروري لخلق رؤية غير براقة لقصة سكورسيزي عن فنانين متفانين لا يستطيعان التعبير عن حب صحي لبعضهما البعض.
إعجاب المخرج بالنوع السينمائي واضح، لكنه لا يتوانى عن صياغة تصوير واقعي لما يُعتبر عادةً موطناً لسحر السينما المبهج. شخصية جيمي دويل غير محبوبة بشكل متعمد، مما أدى لنفور العديد من المشاهدين، لكن التوصيف الصريح للشخصية يوازي العقلية الكئيبة لسكورسيزي في ذلك الوقت. ينخرط New York, New York في عملية توازن معقدة مع موضوعاته، ويميل أحياناً ليصبح مملاً. هذه هي الحالة الوحيدة في مسيرة سكورسيزي التي تغلبت فيها طموحاته على أدواته. وبغض النظر عن العيوب الكبيرة، فإن فيلم سكورسيزي الموسيقي، بتقاطعه بين تاريخ هوليوود والاضطرابات الاجتماعية في السبعينيات، يستحق المشاهدة.
3. The Last Waltz (1978)
قد لا يعلم المشاهدون العاديون أن مارتن سكورسيزي مخرج وثائقي نشط. وهو أيضاً معجب كبير بموسيقى الروك أند رول الكلاسيكية. إن استخدام موسيقى الروك في أفلامه منتشر ومحتفى به على نطاق واسع، حيث تتمازج اختياراته للموسيقى الشعبية بشكل جميل مع قصصه. تلاقت هذه الشغفات لإنشاء The Last Waltz، الفيلم الوثائقي الموسيقي للمخرج الذي يحيي ذكرى فرقة The Band في أدائها الأخير. إنه تصوير مؤثر ومليء بالمشاعر لوداع الفرقة، حيث يظهر قلب سكورسيزي على المسرح بقدر ما يظهر نجوم الروك.
من خلال التقطيع بين حفل The Band في عيد الشكر عام 1976 والمقابلات خلف الكواليس مع أعضاء الفرقة، يستكشف فيلم 1978 التفاعلات التي تولدها الموسيقى على المسرح ويركز بعمق على طبيعة الصداقة والانسجام الذي تبثه موسيقاهم. جمع سكورسيزي مجموعة من أفضل مديري التصوير ومشغلي الكاميرات في ذلك الوقت، بمن فيهم مايكل تشابمان، وفيل موس زيغموند، ولازلو كوفاكس، لالتقاط أدق التفاصيل بدقة، مما يعزز جمال موسيقى الروك أند رول.
من بطاقة العنوان “يجب تشغيل هذا الفيلم بصوت عالٍ” إلى الإعداد الحميمي الذي خلقته الكاميرا على المسرح وخارجه، يعد The Last Waltz موسيقى روك أند رول تحولت إلى فيلم. كل صوت وكل صورة مرسومة بصبر تبدو مغناطيسية. يوظف سكورسيزي أيقونات الفنانين الضيوف المشهورين في الحفل، مثل بوب ديلان، ومادي ووترز، وفان موريسون، وإريك كلابتون، ونيل يونغ، وجوني ميتشل، بدرجة مشرفة. يتعامل الفيلم مع الحنين إلى الماضي، والإرث، والتأليف. تظل المقابلات الصريحة بين أعضاء The Band وفية للأصالة الواقعية للمخرج. أحد أكثر الخيارات الفنية عبقرية في مسيرة سكورسيزي هو قصر الكاميرا على التقاط المسرح فقط، وعدم إظهار الجمهور أبداً، مما يترك الفرقة في جزيرة ككائنات أسطورية.
4. The King of Comedy (1983)
بعد أن كان مؤخراً مصدراً للإلهام لفيلم ضخم مثل Joker، يُصنف فيلم مارتن سكورسيزي الذي تم تجاهله في وقته، ولكن أُعيد الاعتبار له مؤخراً، The King of Comedy، ضمن أفضل أعماله. إنه فيلم كئيب من عام 1983، وهي فترة سينمائية سيطرت عليها الترفيهات الشعبية، ويعد استمراراً لاستكشاف المخرج لأرواح الأشخاص المحطمين، والأعماق التي يغوصون فيها من أجل خلاص أنفسهم. بهذا الفيلم، كان لدى سكورسيزي شيء لاذع ليقوله عن المجتمع، وكان أكثر استشرافاً للمستقبل مما كان يمكن لأي شخص أن يتخيل.
تتمحور قصة The King of Comedy حول روبرت بوبكين (روبرت دي نيرو)، وهو كوميدي طموح يطارد مقدم البرامج الشهير في وقت متأخر من الليل جيري لانغفورد (جيري لويس) ويختطفه في النهاية سعياً وراء الشهرة السريعة. ما يجعل فيلم سكورسيزي عبقرياً هو أنه كئيب وساخر تماماً مثل Taxi Driver و Raging Bull، لكن الفيلم يتظاهر بأنه ليس كذلك. تم تجريد اللغة البصرية الهلوسية والأوبرالية لأفلامه السابقة. في The King of Comedy، هناك شعور بالعادية. روبرت بوبكين موجود في الحياة اليومية.
بينما لا يزال الفيلم يتكون من تصوير سينمائي حدسي واختيار دقيق للقطات، فإن سكورسيزي يتعمد عدم المبالغة في الأسلوب. في حين أن ترافيس بيكل وجيك لاموتا شخصيات مأساوية بغيضة، فإن روبرت محبوب. طبيعته الاستعراضية تجذب المشاهد لتشجيعه في سعيه ليصبح كوميدياً. وهنا يسحب سكورسيزي البساط من تحت أقدام المشاهدين بينما تتكشف ميوله السوسيوباتية الهادئة ببطء. حقيقة أنه لا يتخلى أبداً عن شخصيته الخيرة تزيد فقط من الطبيعة الذهانية للبطل. في النهاية، يقدم The King of Comedy تعليقاً قاسياً على هوس المشاهير وتمجيد المجتمع للجريمة. روبرت، الموهبة المتوسطة التي تحقق نجاحاً كبيراً، لا يُعاقب أبداً على جرائمه، بل تحتفي به الثقافة. في عصر يهيمن عليه تلفزيون الواقع وجرائم الحقيقة المستغلة، من المؤكد أن هذه الفكرة تترك أثراً قوياً اليوم.
5. After Hours (1985)
بعد كارثة شباك التذاكر لفيلم The King of Comedy وإلغاء فيلم The Last Temptation of Christ، احتاج مارتن سكورسيزي إلى الضغط على زر إعادة الضبط. كان بحاجة إلى تقليص أسلوبه السينمائي ليعود إلى جذوره المستقلة. لحسن الحظ، وقع سيناريو ذكي في يده، وتمكن من تنشيط أسلوبه وأدواته الموضوعية، مما خلق فيلم After Hours الجنوني في عام 1985. مع فرضية بسيطة مدعومة بطاقم من النجوم غير المعروفين، يُصنف هذا الفيلم ضمن أفضل أعمال سكورسيزي، مدعوماً بسرد بصري مذهل ودمج دقيق لموضوعات المخرج المتكررة.
في هذا الكابوس الكافكاوي، يسافر موظف معالجة النصوص بول هاكيت (غريفين دان) إلى حي سوهو لقضاء ليلة في الخارج، ومن خلال سلسلة من سوء الفهم والحوادث، يجد نفسه غير قادر على العودة إلى المنزل. من الصورة المخيفة لنيويورك إلى الخوف من المجهول، يشبه الفيلم الكابوس تماماً. بول مثل فأر محاصر في متاهة، كل ذلك لأنه أراد إضافة بعض الإثارة لحياته بالذهاب إلى هذا الحي العصري في موعد غرامي.
على الورق، يتم تناول After Hours بشكل مباشر من الناحية الموضوعية. في الواقع، يقوم سكورسيزي بتشريح عقل الرجل الباطن فيما يتعلق بالجنس. انجذابه نحو مختلف النساء الشقراوات اللواتي يلتقي بهن في ليلته الرهيبة بدلاً من محاولة الهروب من الحي يشير إلى مثل هذه المشاعر. بالإضافة إلى ذلك، هناك قراءة للفيلم تتمحور حول السادية والمازوخية. هذا العقاب الذي يفرضه مجتمع سوهو هو ما كان يرغب فيه بول طوال الوقت. يحمل After Hours دلالة شخصية للمخرج، حيث أن التصوير المهووس لشخص عالق في دورة لا تنتهي من سوء الحظ لا بد أن يكون قد لامس وتراً حساساً لدى سكورسيزي عندما تم سحب فيلم The Last Temptation of Christ منه. حتى عندما يعمل الفيلم ككوميديا مجنونة، فإن اليأس المعتاد الموجود عادة في أفلام سكورسيزي حاضر هنا في كل مكان.
6. The Color of Money (1986)
كانت الثمانينيات وقتاً مثمراً لمارتن سكورسيزي، حتى لو بدا أنها كانت منعطفاً مزعجاً للمخرج في ذلك الوقت. لم يستطع تحقيق مشاريع شغفه لأن الصناعة تغيرت واضطر للعمل كمخرج مأجور. قبول دور مأجور في The Color of Money، الجزء التالي لفيلم البلياردو لعام 1961 The Hustler، لم يكن ما تخيله سكورسيزي لمسيرته المهنية. بالنسبة للغرباء، ربما كان فيلم 1986 يشير إلى نهاية المخرج كفنان حقيقي، ولكن في الواقع، ذكرنا The Color of Money بأن سكورسيزي يمكنه تحويل أي ترفيه استهلاكي إلى شيء عميق.
كمثال مبكر على “تكملة الإرث”، يتمحور الفيلم حول محتال البلياردو المتلاشي “فاست إيدي” فيلسون (نيومان) الذي يعود إلى اللعبة بعد توليه تدريب متدرب بلياردو، الشاب الموهوب فينسنت (توم كروز). قلب الفيلم هو العلاقة المعقدة بين إيدي وفينسنت وشريكة الأخير الرومانسية، كارمن (ماري إليزابيث ماسترانتونيو). إنه مزيج من صعوبات الأب والابن، ورابطة الصداقة، والقرابة المشتركة تجاه شغفهم باحتيال البلياردو. رحلة قاعات البلياردو عبر البلاد ليست سوى خلفية لهذا الدراما الشخصية الرصينة.
إن انتقاد النقاد لفيلم The Color of Money باعتباره سعياً وراء المال بلا روح لسكورسيزي الذي أنتج بوقاحة ترفيهاً فارغاً هو أمر محير عند النظر إليه بأثر رجعي. بالتأكيد، هو ليس الأكثر جاذبية وإبهاراً، لكن الدراما وتوصيف الشخصيات مقنعان للغاية، وبالتأكيد ناضجان. علاوة على ذلك، لم يجعل أحد الرياضة تبدو مثيرة كما فعل سكورسيزي مع البلياردو. إنه يجعل كل ضربة، وارتداد، وتسكين كرة في الحفرة ذات قوة ملموسة. بيئات The Color of Money أنيقة وحميمية وواقعية. لا يزال سكورسيزي على اتصال بعمله في اختيار المواقع وتصميم الديكور. هذا ينطبق على بقية قدرات سكورسيزي كمخرج. على الرغم من أنه ليس نصاً شخصياً، إلا أن The Color of Money ليس جهداً ضائعاً.
7. The Age of Innocence (1993)
في السنوات الأخيرة، ارتبط مارتن سكورسيزي بقدر مرهق من الجدل، ومعظمها ادعاءات كاذبة. إحدى المغالطات التي لازمت المخرج هي نقص التمثيل النسائي واهتمامه بالنساء. أخرى، أكثر عدم دقة، هي أنه لا يتفرع أبداً عن قصص الجريمة/المافيا. لا يعد The Age of Innocence فيلماً مذهلاً فحسب، بل كان يجب أن يدحض هذه الأساطير بشكل دائم.
مقتبس من رواية إديث وارتون التي تحمل نفس الاسم، يحكي The Age of Innocence قصة نيولاند آرتشر (دانيال داي لويس)، محامٍ ينتمي إلى المجتمع الراقي يقع في حب امرأة مستقلة ومتحررة، إلين أولينسكا (ميشيل فايفر)، على الرغم من خطوبته لماي ويلاند (وينونا رايدر). نيولاند محاصر في هذا المجتمع الجامد. يجب عليه اتباع روتين وهو مرتبط بزواج تم ترتيبه مسبقاً من قبل عائلته. هو ليس منجذباً جنسياً لإلين بقدر ما هو مفتون بافتقارها للقبلية الصارمة. يتم مواجهة إغراء نيولاند الناري للتحرر ومتابعة علاقة مع الكونتيسة بولائه الطبيعي للنظام وهيكل الأسرة. هذا التوتر عاطفي ومؤثر مثل أي تسلسل عنيف في Taxi Driver أو Casino.
كان لدى سكورسيزي ارتباط شخصي برواية وارتون، ويشعر به من خلال استكشاف الفيلم المؤلم لرغبات القلب الحقيقية. The Age of Innocence يبدو وكأن دراما رومانسية تاريخية تم قمعها عاطفياً من أن تزهر حباً صادقاً. يعلق سكورسيزي على ظاهرة المجتمع الذي يمحو روح الإنسان من خلال خلفية مجتمع يقتل باللطف. عالم المجتمع الراقي في نيويورك جميل من الخارج، لكن قاعات الرقص والأزياء الرقيقة تتحول تدريجياً إلى رموز للقمع. كل هذه الأفكار تم تنفيذها بغنى من قبل سكورسيزي، الذي تبين أنه المرشح المثالي لوضع The Age of Innocence في سياقه للجماهير الحديثة.
8. Bringing Out the Dead (1999)
في تعاون آخر مع كاتب السيناريو بول شريدر، فحص مارتن سكورسيزي مرة أخرى نفسية عامل في نوبة ليلية في مدينة نيويورك، هذه المرة حرفياً. ما بدا وكأنه تكرار، في الواقع، بلغ واحداً من أكثر أفلام المخرج غرابة وفضولاً وإثارة للاهتمام بشكل أبدي. تلقت معظم أفلام سكورسيزي التي تم التقليل من شأنها موجة كبيرة من إعادة الاعتبار، لكن Bringing Out the Dead لا تزال مهملة.
إن قوة ومسؤولية إنقاذ حياة الناس مزعجة للمسعف المنهك في مانهاتن فرانك بيرس (نيكولاس كيج) في Bringing Out the Dead. عبر ثلاث ليالٍ مضطربة، يغوص سكورسيزي مباشرة في عقل بطل مشوه نفسياً. هذا عنصر أساسي في أفلام المخرج، لكن الفرق يكمن في خيرية الشخصية الرئيسية. قد يكون متوافقاً مع خط شريدر للرجال الوحيدين، لكن فرانك فرد نبيل ذو مهنة شجاعة. مشاهدته وهو يغمر نفسه في مشهد جحيمي، يشبه شوارع نيويورك، أمر مروع. تفاعلاته المتنوعة مع ثلاثة زملاء عمل منفصلين، في أداءات بارزة من قبل جون غودمان، وفينغ رامز، وتوم سيزمور، تظهر مجمعاً لملاك وشيطان على كتفه. يتم سحبه باستمرار ذهاباً وإياباً بين الاهتمام بحياة الأشخاص الذين لم يستطع إنقاذهم وتعلم التوقف عن القلق. حتى عندما يميل فرانك نحو الخيار الأخير المفضل، فإنه محصور في العدمية.
بقدر ما هو بارز في أي فيلم لسكورسيزي، يجسد الفيلم بشكل مؤلم المقدس والمدنس. Bringing Out the Dead هو تصادم بين العذاب والشعور بالذنب المسيحي وحساسيات شوارع نيويورك في الساعات المتأخرة. الديناميكية المعكوسة لمسعف في سعي يائس لخلاصه وخلاصه هي بالتأكيد من سمات سكورسيزي.
9. Shutter Island (2010)
بعد الفوز بجائزة أفضل فيلم المرغوبة عن The Departed، قام مارتن سكورسيزي بانعطافة غير متوقعة إلى منطقة أفلام الدرجة الثانية. مستوحى بشدة من ألفريد هيتشكوك وأفلام النوار القذرة في الأربعينيات، Shutter Island هو محاولة المخرج لصنع نسخة أرقى من فيلم غموض نوار رخيص. منذ إصداره في عام 2010، اكتسب الفيلم متابعة شغوفة لسرد قصصه الكئيب ولغته البصرية المذهلة، على الرغم من جودته الخارجة عن المألوف فيما يتعلق بفيلموغرافيا سكورسيزي.
في الفيلم، المستند إلى رواية دينيس ليهان، يتم إرسال مارشالين أمريكيين للتحقيق في اختفاء مريض في جزيرة Shutter Island، حيث يكشف أحد الوكلاء، تيدي دانيلز (ليوناردو دي كابريو)، حقيقة مزعجة حول المنطقة والواقع. استكشاف سكورسيزي الأخير للندم والانعكاس المسكون للحياة والروحانية الذي شوهد في Silence و The Irishman نشأ في هذا الفيلم من الدرجة الثانية. يواجه المخرج بقوة عذاب شخصية دانيلز، مما يسمح له بأن يكون متعاطفاً عند بناء دراسة شخصية ومضطرباً بشكل لا يمكن إصلاحه عند الميل إلى مكياج النوع الرخيص للفيلم. في حين أن هذا التوازن فعال، إلا أن Shutter Island سيكون أكثر جاذبية إذا مال حصرياً إلى الرعب القذر في جوهره.
تصوير روبرت ريتشاردسون لا تشوبه شائبة، وهو أمر غير بديهي عند صنع رعب نفسي مختل. تصوير سكورسيزي لرجل مثقل بالذنب يائس بشكل مؤلم. في حين أن أبطاله عادة ما يتم تزويدهم بنافذة ضيقة للخلاص، فإن دانيلز، دون علمه، يترك في دوامة من القلق. يفترض Shutter Island أن الحقيقة والخيال كلاهما قوتان للشر. لم يكن لهذا الفيلم أي سبب ليكون مثيراً للتفكير ووجودياً كما هو، ولكن بغض النظر عن النص المقدم له، يجب على سكورسيزي الكشف عن أحلك جيوب الروح.
10. Hugo (2011)
هل كان أي شخص ينتظر فيلماً عائلياً أو فيلماً ثلاثي الأبعاد لمارتن سكورسيزي؟ على الأرجح لا، ولكن ما كان ممكناً هو أن يتحول إلى رسالة حب للسينما. العبارة، التي أصبحت الآن كليشيه، تُستخدم غالباً بشكل ساخر لوصف فيلم سكري عن سحر الأفلام. في حالة Hugo، فهم سكورسيزي المتطلبات النغمية للنص ووضع القصة بدفء من منظور الأطفال.
في فيلم 2011، يتورط يتيم، هوغو، (آسا باترفيلد)، يعيش في جدران محطة قطار في لغز يتعلق بوالده الراحل. على طول الطريق، يلتقي بإيزابيل (كلوي غريس موريتز) وجورج ميلييس (بن كينغسلي) ويصبح مفتوناً بالعجب الخيالي للسينما. بينما يُصنف كفيلم عائلي، تم بناء Hugo ليكون أكثر جاذبية للبالغين. يثير تقاطع الأتمتة والسينما ديناميكية مثيرة للاهتمام بين العملية الميكانيكية لصناعة الأفلام. ما يحدده سكورسيزي هو سحر خلق الفن، بدلاً من مجرد تجربته فقط على الشاشة الكبيرة. هناك لحظات من الكوميديا الجسدية التي تبدو مبسطة لإرضاء تصنيف PG، ولكن في الغالب، لا يرضخ الفيلم لجمهور أصغر سناً، حتى في المشاهد ذات العاطفة الصريحة.
هذه رمزية لرومانسية سكورسيزي العميقة للسينما. مكانة Hugo كقصة تدافع بشكل فضفاض عن الحفاظ على الأفلام ذات صلة بشكل مذهل اليوم. نغمة الفيلم ومنظوره مؤشران على علاقة سكورسيزي بالفيلم والجمهور. خارج The Aviator، Hugo هو فيلمه الوحيد الذي يتعامل مباشرة مع شكل الفيلم. من خلال وضع تاريخ ومستقبل الوسيط في سياقه من خلال عيون الأطفال، يبدو الأمر أكثر أهمية وجلالاً.
