منذ انطلاقها قبل قرن تقريباً، أثارت جوائز الأوسكار نقاشات حادة وجدالات لا تنتهي بين عشاق السينما. وبحكم الثقل الثقافي للحفل وانتشاره العالمي، لا يسع حتى أكثر المتشككين إلا الانخراط في التقليد السنوي المتمثل في مناقشة الأفلام التي تم تكريمها، وتلك التي لم تستحق، وتلك التي كان ينبغي أن تكون ضمن القائمة. يميل موسم الجوائز بشدة نحو الأفلام الضخمة التي تروج لنفسها بقوة في أكبر المحافل، ونتيجة لذلك، غالباً ما تضيع الإنتاجات المتواضعة التي لا تملك ميزانيات ضخمة للتسويق وسط الزحام.
لم تكن القائمة القصيرة لأفضل فيلم لعام 2021 استثناءً. فقد غضت الأكاديمية الطرف مرة أخرى عن بعض أكثر الأعمال جرأة في ذلك العام، واكتفت بتقديم سلسلة من النسخ المكررة الباهتة، والسير الذاتية العاطفية المبتذلة، والأعمال الساخرة الفارغة التي تفوح منها رائحة الامتثال المؤسسي، والتي قوبلت في الغالب بلامبالاة. تهدف هذه القائمة إلى تسليط الضوء على تلك الأفلام التي تم تجاهلها ظلماً -سواء بسبب ضعف التسويق أو انحياز الأكاديمية للشعبوية- والتي رغم ذلك أسرت قلوبنا في الأشهر الاثني عشر الماضية.
1. The Worst Person in the World
حقق فوز Bong Joon-ho التاريخي في أوسكار 2019 خطوات كبيرة نحو توسيع آفاق المشاهد الغربي العادي وإزالة بعض الوصمة المزمنة التي لا تزال ملتصقة بالأفلام الناطقة بلغات أجنبية. ويبدو أن فيلمي Minari و Drive My Car -وهما إنتاجان ناطقان بلغات آسيوية حصلا على ترشيحات لأفضل فيلم في السنوات اللاحقة- دليل كافٍ على هذا الاختراق الثقافي. ومع ذلك، لا يزال أمام هوليوود طريق طويل لتجاوز حاجز الترجمة.
أحدث ضحايا لجنة تحكيم الأكاديمية المنغلقة هو فيلم The Worst Person in the World، وهو أطروحة وجودية كاملة قُدمت في قالب كوميدي رومانسي يتمركز حول شابة مضطربة. لا يمكن تصنيف فيلم Joachim Trier كعمل عدمي أو مثالي، بل هو عمل واقعي في تناوله لمرحلة البلوغ، والحب، والشعور بالذنب، والشك في الذات من خلال بطلة معيبة بعمق ولكنها قريبة من الواقع. تظل مساعيها الروحية فريدة وعالمية في آن واحد، كلاسيكية ومعاصرة، ومعظمها نابع من التوقعات المجتمعية المفروضة على النساء في مثل عمرها.
تعد أزمات منتصف العمر واحدة من أكثر السرديات استهلاكاً في السينما، لذا يميل المرء إلى تجاهل The Worst Person in the World تلقائياً. ومع ذلك، لا يتعامل الفيلم أبداً مع الكليشيهات، بل يتجنب ببراعة الدروس الأخلاقية الشائعة في هذا النوع من الأفلام، مؤكداً على حقيقة بديهية: أن الحياة رحلة أعظم وأكثر فوضوية من أن تُحصر في أي سردية مقيدة.
2. Titane
لا مفر من حقيقة أن الأكاديمية تميل إلى تفضيل الأفلام الجماهيرية على الأعمال التجاوزية التي قد تكون صعبة التذوق. وبالنظر إلى ذلك، فإن غياب Titane عن القائمة النهائية ليس مفاجئاً، لكنه مخيب للآمال. للوهلة الأولى، قد يبدو فيلم Julia Ducournau مناسباً لعروض منتصف الليل أكثر من لجان التحكيم النخبوية؛ فهو فيلم إثارة جسدي يشبه أفلام الرعب الميكانيكي لـ Cronenberg، حيث يأخذ كل الأعراف النوعية ليقلبها رأساً على عقب.
التعمق في تفاصيل الحبكة يفسد متعة الفيلم. فعبارة “امرأة فرنسية تحمل من سيارة” هي مدخل رائع، لكنها اختزالية تقلل من قيمة العمود الفقري العاطفي القوي الذي يربط الفيلم. في جوهره، Titane هو دراما عائلية مؤثرة تبحث في معنى العائلة والجنس والصدمات المكبوتة من خلال إجبارنا على تحدي كل مفاهيمنا المسبقة. الحائز على السعفة الذهبية ليس بالتأكيد لضعاف القلوب، بل هو رحلة غير متوقعة ومثيرة للأعصاب لا تكتفي بجذب انتباهك، بل تطالب به صراحة.
3. The Green Knight
ضمت القائمة القصيرة لأفضل فيلم هذا العام اقتباساً للخيال العلمي يعتمد كلياً على تفكيك “رحلة البطل” النمطية، وتحديداً نزع القداسة عن الطريقة التي نعبد بها القادة الكاريزميين. لا جدال في أن Dune استحق التقدير، لكن من المؤسف أن الأكاديمية نسيت نظيره المقنع بنفس القدر في نوع الفانتازيا.
فرضية The Green Knight بسيطة خادعة: ينطلق السير Gawain، ابن شقيق الملك آرثر الشاب والطموح، في مهمة ملحمية لإثبات جدارته. من خلال هذا الإعداد الكلاسيكي، يقلب الفيلم الأعراف النوعية عبر استجواب القوة الدافعة وراء الفلكلور في العصور الوسطى. يشير الفيلم إلى أن الخير قد يكون بنفس قدر أهمية أي فضيلة بطولية أخرى.
لم يكن مفاجئاً أن هذا الفيلم لم يجد حلفاء كثيرين داخل الأكاديمية. فرفضه تلبية توقعاتنا أو شرح موضوعاته بوضوح -على Adam McKay أن يتعلم منه- ربما أضر بفرصه، ناهيك عن إيقاعه الهادئ قبل الوصول إلى خاتمته القوية.
4. Shiva Baby
يحقق فيلم Emma Seligman الأول في 77 دقيقة أكثر مما يحققه معظم مرشحي الأوسكار في ضعف مدته. فيلمها هو دليل قاطع على أن البساطة هي قمة التعقيد؛ موقع واحد، ومجموعة من الشخصيات، وسيناريو يحبس الأنفاس، هي كل ما يتطلبه الأمر لتقديم واحدة من أكثر التجارب توتراً وذكراً لهذا العام. يضعنا Shiva Baby في حذاء Danielle، طالبة جامعية يهودية تضطر للتعامل مع أقاربها المنتقدين، وحبيبتها السابقة، وعشيقها السري في آن واحد أثناء مراسم عزاء.
هناك حيوية صارخة تشع عبر القصة بأكملها، وهي نسمة هواء منعشة في عام مليء بالأعمال الجامدة. يعيش Shiva Baby بين الكوميديا السوداء وفيلم الإثارة الكامل، ويشعر المشاهد بالتوتر في كل لحظة. الفيلم يرمي لنا مفاجآت في كل منعطف، وصولاً إلى ذروة صاخبة تلتقط تماماً ذلك القلق الغامر الذي يجعلك تتمنى لو كان بإمكانك الهروب من جلدك.
5. Red Rocket
صنع Sean Baker اسماً لنفسه كواحد من أكثر الأصوات إثارة للاهتمام في السينما الأمريكية المعاصرة، مع أعمال لا تخجل أبداً من الحقائق المرة لمرحلة البلوغ. تلتقط أفلامه تفاصيل الحياة اليومية بواقعية قاسية، دون اللجوء إلى الدراما الرخيصة أو الوعظ المبتذل.
من بائعات الهوى العابرات جنسياً إلى المهاجرين غير الشرعيين، تسلط قصص Sean Baker الضوء على كل النفوس التائهة التي تعيش على هامش المجتمع. تدور أحداث أحدث أعماله في ضواحي بلدة تكساس المتدهورة حيث يعود Mikey، نجم الأفلام الإباحية السابق، إلى وطنه. يقدم Simon Rex أداءً مذهلاً كبطل مضاد سام للغاية يتمسك بشهرته المتلاشية ويستخدم ذكاءه وسحره للتلاعب بكل من حوله.
Red Rocket هو دراسة شخصية أفضل من The Power of the Dog، وهجاء اجتماعي أفضل من Don’t Look Up، وقصة حب أفضل من Licorice Pizza، وبسهولة هي القصة الأكثر أصالة التي تم تصويرها هذا العام.
6. The Tragedy of Macbeth
Joel Coen، الذي يعمل منفرداً لأول مرة في مسيرته، هو الأحدث في قائمة طويلة من المخرجين المشهورين الذين غاصوا في اسكتلندا في العصور الوسطى لاقتباس مسرحية شكسبير على الشاشة الفضية. بدا الارتقاء إلى مستوى المادة الأصلية -ناهيك عن الإرث السينمائي المرتبط بها- مسعىً طموحاً، لكن المؤلف السينمائي المخضرم أثبت جدارته وقدم نسخة خالدة تقف على قدميها بثبات.
يتأرجح The Tragedy of Macbeth في الخط الرمادي بين المسرح والفيلم السينمائي، مستخدماً ديكورات إنتاج بسيطة وتصويراً سينمائياً أحادي اللون وأنيقاً لاستحضار صور مذهلة والحفاظ على الحميمية والوقار اللذين حددا القصة الأصلية. لقد ثبت أن ترجمة غنائية شكسبير على الشاشة صعبة في التكرارات السابقة، لكن الفيلم يستفيد من أداءين قويين من Denzel Washington و Frances McDormand، اللذين نقلا ببراعة اليأس الذي ينهش شخصياتهما دون ذرة من التكلف.
المعجبون الذين يتوقعون شخصيات غريبة وفكاهة ساخرة سيصابون بخيبة أمل. ومع ذلك، كمنعطف فني، يعد Macbeth عملاً مثيراً للإعجاب كان يجب أن يكسبه ترشيحه الخامس لأفضل فيلم.
7. The French Dispatch
ولد أنثولوجيا Wes Anderson المنتظرة ضجة كبيرة بعد عرضه في كان، وبدا مقدراً له أن يبرز كأحد أكبر المنافسين في موسم الجوائز. إن فشله في الحصول على ترشيح لأفضل فيلم أمر محير بما فيه الكفاية، لكن عدم وجوده ضمن المتنافسين الخمسة النهائيين لأفضل تصميم إنتاج يبدو كأنه تلاعب.
سواء للأفضل أو للأسوأ، The French Dispatch هو أكثر أفلام Wes Anderson تمثيلاً لأسلوبه حتى الآن؛ لوحة مفتوحة حيث استخدم المخرج كل خدعة بصرية في جعبته. على المستوى التقني، أحدث أعماله مشهد يستحق المشاهدة، مع كل إطار تم تحقيقه بدقة مذهلة. من حيث القصة، تمتزج الطبيعة العرضية جيداً مع إيقاع Anderson السريع، على الرغم من أن الفيلم قد يبدو مبالغاً فيه حتى بمعاييره المعتادة.
من المؤكد أن تجربة The French Dispatch تكون أفضل عندما يستسلم المرء تماماً لإيقاعاته المحمومة وتجاوزاته غير المعتذرة. على الرغم من أن الفيلم قد لا يمنح Wes Anderson العديد من الأتباع الجدد، إلا أنه لا يزال يتفوق بأشواط على معظم المرشحين الذين حصلنا عليهم هذا العام.
8. Petite Maman
كيف تتابع فيلماً كلاسيكياً فورياً مثل Portrait of a Lady on Fire؟ يبدو أن الإجابة هي بتجريد فيلمك التالي من أساسياته، والعودة إلى الجذور. أحدثت Céline Sciamma ضجة عالمية برومانسيتها التاريخية قبل عامين، وإذا كان أحدث جهودها مؤشراً، فهي لا تزال في قمة مستواها.
قلة من المخرجين اليوم يمكنهم استحضار السحر من العادي واستخراج فيض من المشاعر من اللحظات الدنيوية بالطريقة التي تفعلها Sciamma. في Petite Maman، تصادق فتاة في الثامنة من عمرها طفلاً جاراً أثناء إقامتها في كوخ جدتها الراحلة. النطاق المحدود يخدم الفيلم فعلياً؛ حيث يبقى راسخاً في الواقع مع التلميح إلى اكتشافات كونية. يتم فحص اكتشاف الذات والروابط بين الأجيال والذاكرة بدقة من خلال طبقة دافئة ومريحة، مع كل مشهد صغير مشحون بالهدف.
قارن هذا بـ Belfast، قصة النضج المبتذلة ذات الرنين العاطفي لقائمة بقالة، ومن الصعب فهم كيف فات القائمة هذا الفيلم الأكثر دفئاً وتأكيداً للحياة لهذا العام.
9. C’mon C’mon
مشاهدة فيلم Mike Mills الجديد يمكن أن تكون تجربة متناقضة. بالتأكيد، فيلم مستقل بالأبيض والأسود من إنتاج A24 تدور أحداثه في نيويورك، بقيادة ممثل حائز على جوائز مع حوار طبيعي، قد يبدو مألوفاً. بدا C’mon C’mon وكأنه أحدث عمل منسي في قانون الـ mumblecore؛ وهو نوع فرعي مرتجل قاده أمثال Richard Linklater و Noah Baumbach. هل يجلب هذا الفيلم أي شيء جديد إلى الطاولة؟
بالنسبة لهذا السؤال، يجيب C’mon C’mon بنعم قاطعة. يتتبع الفيلم الرابطة غير المتوقعة التي تتشكل بين منتج إذاعي في نيويورك (Joaquin Phoenix) وابن شقيقه المتهور البالغ من العمر تسع سنوات (Woody Norman) أثناء سفرهما معاً عبر البلاد لإجراء مقابلات. هناك بالتأكيد بعض التداخل مع كلاسيكيات مثل Frances Ha و Almost Famous، لكن النتيجة النهائية تظل جديدة ومثيرة؛ ميلودراما صادقة تنجح بطريقة ما في تجنب كل الكليشيهات البالية التي بدت في البداية مقدرة لها.
10. Bergman Island
يبدو أن ملك الكآبة والظلام رائج مرة أخرى. لم تقم HBO مؤخراً بإعادة إنتاج Scenes from a Marriage لـ Ingmar Bergman فحسب، بل كان العملاق السويدي أيضاً الإلهام الرئيسي لأحدث فيلم لـ Mia Hansen-Løve.
يمكن القول إنه لم يسبق لأي مخرج أن سكب اضطرابه الوجودي في عمله بقدر ما فعل Bergman طوال مسيرته الطويلة، تاركاً لنا أعمالاً مليئة بالروائع التأملية التي يتردد صداها حتى يومنا هذا. تم تصور معظمها في جزيرة Fårö المنعزلة، حيث وجد الفنان منزلاً وخلفية مثالية لدراماته الغرفة الكئيبة. في Bergman Island، يقرر صانعا أفلام متزوجان الذهاب في رحلة حج سينمائية وإنهاء نصوصهما تحت نفس السقف الذي كُتبت فيه Persona و Shame و Hour of the Wolf.
هناك حداثة في كيفية صدى الفيلم لهذه الأعمال الفنية، ليس فقط في الإعداد ولكن أيضاً في الطريقة التي يفسح بها المجال للاستبطان، حيث تغمرنا في فيلم داخل فيلم تمتزج فيه طبقات مختلفة من الخيال. من المساعي الروحية المعروفة لكل فنان إلى التطهير العاطفي للتغلب على عائق الكاتب، تقدم Hansen-Løve عملاً موضوعياً معقداً بما يكفي لتبرير مشاهدته مراراً وتكراراً.
