يُعد المسرح بلا شك أول أشكال الترفيه التي عرفتها البشرية، حيث يعود تاريخه إلى اليونان القديمة والصين القديمة. يعشق الناس المسرح؛ فهم يحبون الضحك، ويحبون البكاء، ويحبون رؤية أنفسهم في تجسيدات الآخرين.
لطالما كانت أهمية المسرح ودلالته موضوعاً ساخناً للنقاش؛ فما الحاجة إلى المسرح بينما نلعب نحن أدواراً مختلفة في حياتنا اليومية؟ قد تكون الإجابة بسيطة للغاية – من أجل الترفيه الخالص – أو قد تفتح الباب أمام نهج فلسفي معقد. تخلق المسرحية مرآة اجتماعية للمشاهد – حتى لو كانت هذه المرآة واقعية أو سريالية أو ساخرة – مما يسمح له بفهم السلوك البشري بشكل أفضل، والأهم من ذلك، فهم النقص البشري. يُوصف العاملون في عالم المسرح بأنهم رائعون (من قبل معجبيهم) أو غريبو الأطوار ومجانين (من قبل معارضي عالم الفن).
الحقيقة هي أن الممثلين مثلنا تماماً (لديهم عيوب ومميزات) ولكن بخيال أوسع ينطلق بحرية عندما يؤدون أدوارهم. عالم المسرح ليس رائعاً دائماً، لأنه من صنع البشر والبشر بعيدون كل البعد عن الكمال، لكن منتجه النهائي لن يتوقف أبداً عن كونه محط إعجاب الجميع.
لم تظل السينما غافلة عن المسرح (حيث يُنظر إلى المسرحيات كسلائف للسيناريو) وخصصت قدراً كبيراً من أعمالها لهذا الفن بحد ذاته. هناك ملايين الأفلام المستندة إلى مسرحيات، ولكن هناك أيضاً الكثير من الأفلام التي تتخذ من المسرح موضوعاً رئيسياً لها. سيستغرق الأمر وقتاً طويلاً لسردها جميعاً، ولكن إليكم 30 من أفضل الأفلام عن المسرح. القائمة مرتبة زمنياً.
1. Les Enfants du Paradis (Marcel Carne, 1945)
يُعتبر هذا الفيلم الذي تبلغ مدته ثلاث ساعات، والمقسم إلى جزأين، أحد أفضل الأفلام الناطقة بالفرنسية على الإطلاق… ولسبب وجيه. تدور أحداثه في كواليس المسرح الباريسي في عشرينيات وثلاثينيات القرن التاسع عشر، ويروي قصة غارانس (أرليتي)، وهي عاهرة جميلة، والرجال الأربعة الذين يحبونها بطرقهم الخاصة: فنان إيماء، وممثل، ومجرم، وأرستقراطي.
ديكوراته الفخمة وإعداداته التي تكاد تكون جنونية (في محاولة رائعة لاستعادة سحر باريس في القرن التاسع عشر) تحول “Les Enfants du Paradis” إلى إنتاج مسرحي ضخم على الشاشة. ولأن أحداثه تدور في عالم المسرح، أراد المخرج مارسيل كارنيه أن يبدو فيلمه كمسرحية. يرتفع الستار وينسدل على مثلث حب ممتد والقصص المرتبطة به.
قد يبدو التمثيل ضعيفاً مقارنة بمعايير اليوم، ولكن مع تكشف دراما غارانس ومحبيها الأربعة، يصبح الفيلم أفضل فأفضل. مع تطور الفيلم، تزداد طموحات الشخصيات وتطلعاتها، فتتحول العاطفة إلى جريمة، وتُستبدل حياة الضواحي البائسة بحياة المجتمع الراقي.
تماشياً مع هيكل المسرحية، ينقسم الفيلم إلى حلقات، ويكون التمثيل بصوت عالٍ وأحياناً مبالغ فيه. “Les Enfants du Paradis” تحفة فنية خالدة تستخدم عالم المسرح كأساس للحياة الواقعية.
2. All about Eve (Joseph L. Mankiewicz, 1950)
جاء معظم ممثلي العصر الذهبي لهوليوود من خلفية مسرحية، وهو ما يظهر في الأسلوب التفسيري لتلك الفترة. “All about Eve” مثال مثالي على هذا الأسلوب؛ فالعديد من الحوارات تُلقى بصوت عالٍ أو بتمثيل مبالغ فيه، والحركة متصلبة، والممثلون يواجهون الكاميرا دائماً تقريباً. عند مشاهدة “All about Eve”، يشعر المرء تقريباً وكأنه يشاهد مسرحية في دار عرض. ومع ذلك، يظل الفيلم كلاسيكياً وتحفة فنية لا جدال فيها بسبب طريقة تصوره وتمثيله.
يبدأ الفيلم بقصة الشابة إيف هارينغتون (آن باكستر)، وهي معجبة مهووسة بالممثلة مارغو تشانينج (بيت ديفيس)، والتي تحصل على فرصة نادرة لمقابلة نجمتها المفضلة شخصياً. ستغير هذه المقابلة حياة إيف إلى الأبد. مارغو ظاهرة في برودواي لكنها تشعر بتهديد عميق بسبب تقدمها في السن – فقد بلغت الأربعين للتو. ومع ذلك، لا تدرك مارغو أن التهديد الحقيقي في حياتها ليس عمرها بل معجبتها المخلصة إيف التي تتلاعب بالموقف ببطء ولكن بثبات لصالحها.
دائماً ما تكون إيف لطيفة ومستعدة للمساعدة، مما يكسبها ثقة مارغو. من خلال تحركات دقيقة، لا تحل إيف محل مارغو كنجمة برودواي الجديدة فحسب، بل تبعدها أيضاً عن حياتها الاجتماعية. لم تعد إيف مجرد نجمة في برودواي، بل أصبحت مركز الدائرة الاجتماعية لمارغو التي يبدو أنها تعبدها وتنسى تماماً المرأة التي كانت مارغو تشانينج. “All about Eve” هو أحد أوائل الأفلام التي قدمت للجمهور الحقائق القاسية لعالم الاستعراض.
3. The Band Wagon (Vincente Minnelli, 1953)
يُقنع صديقان توني هانتر (فريد أستير)، نجم المسرح الموسيقي السابق، بالعودة إلى عالم الاستعراض من خلال عرض مسرحي يعتقدان أنه مثالي له. ومع ذلك، يقرر المخرج المتغطرس للعرض تغييره لدرجة لا يمكن التعرف عليه، محولاً إياه من كوميديا خفيفة إلى إعادة تفسير مظلمة لأسطورة فاوست.
يتضمن التوجه الجديد للعرض أيضاً راقصة باليه شابة لا يطيقها توني. شبابها يمثل تهديداً لتوني. بالطبع، ولأن الفيلم كوميديا رومانسية، فإن قصة الحب التي تشكل عموده الفقري أقرب مما يعتقده الجميع.
في جوهره، “The Band Wagon” هو مونتاج خلاب للأرقام الموسيقية التي تتخللها حوارات مضحكة وقصة حب صغيرة. يتم التعامل مع الطموح المهني والمنافسات والأنا في المسرح بخفة شديدة (مقارنة بـ “All about Eve”)، حيث تتضاءل أمام متعة الأداء والوقوع في الحب.
4. Floating Weeds (Yasujiro Ozu, 1959)
هذه الدراما التي لا مثيل لها هي إعادة إنتاج لفيلم المخرج أوزو الصامت بالأبيض والأسود “A Story of Floating Weeds”، الذي صُنع عام 1934. على الرغم من أن هذا الفيلم ينتمي إلى الفترة اللاحقة من مسيرة أوزو، إلا أنه ثاني فيلم له بالألوان. مثل مايكل أنجلو أنطونيوني، يظهر أوزو افتتاناً كبيراً بالألوان واستخدامها في الفيلم؛ فهو يتعامل مع اللون ببراعة الرسام.
تدور أحداث “Floating Weeds” خلال صيف حار عام 1958، وتروي قصة فرقة مسرحية متجولة تصل إلى بلدة ساحلية صغيرة. بينما تذهب الفرقة إلى المدينة للترويج لعروضها، يذهب مالكها والممثل الرئيسي، كوماجورو، للبحث عن ابنه المفقود.
يعتقد الصبي أن الممثل هو عمه، لذا يحاول كوماجورو تكوين رابطة معه (عن طريق اصطحابه للصيد) قبل إخباره بالحقيقة. في محاولته لتعويض الوقت الضائع، تصبح عشيقته الحالية غيورة بشكل مزعج وتهدد بتركه.
يجري المخرج تغييرات كبيرة على السيناريو الأصلي للفيلم الصامت. اختفت اللمسات الكوميدية والدرامية للفيلم الأصلي. نسخة 1959 أكثر غموضاً في حواراتها وتوصيف شخصياتها، باستثناء المشاهد المتعلقة مباشرة بالمسرح، ولها طابع حنيني وفلسفي، حيث تستكشف التفاعلات الهشة بين أفراد الأسرة من أجيال مختلفة. حياة عائلة فنان المسرح معقدة دائماً، وهذا ما يثبته هذا الفيلم مرة أخرى.
5. The Producers (Mel Brooks, 1968)
ما الذي يجمع بين منتج برودواي فاشل، ومحاسب قلق، وسكرتيرة سويدية كانت تعمل راقصة تعري، وكاتب مسرحي نازي؟ حسناً… إنهم جميعاً جزء من هذه الكوميديا الأسطورية التي لن تشيخ أبداً. المنتج الجشع والمحبوب في برودواي ماكس بياليستوك (زيرو موستيل) لم يحقق نجاحاً منذ سنوات.
لحسن الحظ، لدى محاسبه العصابي ليو بلوم (جين وايلدر) خطة رائعة لتغيير كل ذلك. معاً، يضع الاثنان خطة لجمع أموال أكثر بكثير مما يحتاجونه لتمويل مسرحية جديدة. بعد ذلك، سيجدون أسوأ مسرحية ممكنة، وينتجونها، ويتأكدون من أنها ستكون فاشلة. سيتم إلغاء المسرحية بعد بضعة عروض، وسيحتفظ الاثنان ببقية المال.
يقتنع الاثنان بأنهما وجدا أسوأ مسرحية على وجه الأرض عندما يصادفان النازي السابق فرانز ليبكيند وعمله “Springtime for Hitler”. وكما هو متوقع – تذكر أن هذه كوميديا – تأتي خطتهما بنتائج عكسية حيث تحقق المسرحية نجاحاً كبيراً ويتوقع المستثمرون عائداً مالياً أكبر مما يمكن دفعه.
“The Producers” هي مهزلة كلاسيكية بجرعة كبيرة من السخرية غير المتوقعة (منتج يهودي يخرج مسرحية عن هتلر) وبقدر أقل بكثير من الابتذال مقارنة بأفلام المخرج ميل بروكس اللاحقة. لن تعود أفلام المسرح الموسيقي كما كانت بعد ولادة “The Producers”.
6. Theater of Blood (Douglas Hickox, 1973)
من قال إن أفلام المسرح لا يمكن أن تكون أفلام رعب؟ “Theater of Blood” مخيف وممتع ومضحك في نفس الوقت. يمزج المخرج دوغلاس هيكوكس ببراعة بين الكوميديا والرعب ليقدم أحد أفضل أفلام الرعب في السبعينيات، مانحاً نجم أفلام الرعب من الدرجة الثانية فينسنت برايس أحد أفضل أدوار مسيرته. تماماً مثل مسرحيات شكسبير، التي تظهر بشكل كبير في الفيلم، فإن “Theater of Blood” مليء بالمأساة والميلودراما والعنف والكثير من الكوميديا السوداء.
يلعب فينسنت برايس دور إدوارد ليونهارت، وهو ممثل يحمل ضغينة ضد دائرة من النقاد الذين يعتقد أنهم خصوه بمراجعات لاذعة لموسم مسرحياته الشكسبيرية. يُعتقد أنه مات بعد أن ألقى بنفسه من شرفة عالية في نهر التايمز، لكن ليونهارت الحي في الواقع ينتقم بمساعدة هيبي غريب ومجموعة من المتشردين مدمني الكحول.
انتقام ليونهارت سريع ولا يرحم، وكل مشهد موت في الفيلم مبتكر للغاية (تماماً مثل الوفيات في مسرحيات شكسبير). على الرغم من أنه فيلم رعب، إلا أن هذا الفيلم مضحك للغاية، ويرجع ذلك في الغالب إلى أداء فينسنت برايس الساخر، وهو مقدمة لطيفة لعالم شكسبير المسرحي.
7. Opening Night (John Cassavetes, 1977)
فيلم آخر تدور أحداثه في برودواي من إخراج سيد الحد الأدنى جون كاسافيتس. يعتمد قسم التمثيل على اثنين من الممثلين المعتادين لدى كاسافيتس: زوجته جينا رولاندز، وصديقه المقرب بن غازارا، وهو نفسه.
تتدرب ممثلة برودواي ميرتل جوردون (جينا رولاندز) على مسرحيتها الأخيرة، التي تدور حول امرأة غير قادرة على الاعتراف بأنها تتقدم في السن. عندما تشهد وفاة معجبة شابة مخلصة، تبدأ في مواجهة الاضطرابات الشخصية والمهنية التي تواجهها في حياتها الخاصة.
تجد الممثلة طريقة لتحويل هذه الرؤية الجديدة لصالحها باستخدام مشاعرها المكتشفة حديثاً – مع خطر الجنون – لارتجال الشخصية التي تلعبها بشكل أكبر. يأخذها هذا إلى أماكن لم تذهب إليها من قبل – عاطفياً – ومع تغير شخصيتها، تتغير هي أيضاً (للأفضل أو للأسوأ)؛ فيلم كاسافيتس يمكن التعرف عليه بسهولة حول المشاعر الهشة للممثل والخط الفاصل بين الواقع والخيال.
8. All that Jazz (Bob Fosse, 1979)
من الصعب جداً تصنيف هذا الفيلم؛ فهو جزء سيرة ذاتية، وجزء خيال، وجزء موسيقي. الثابت الوحيد في الفيلم هو حب الشخصية الرئيسية للمسرح. روي شايدر مثالي في دور جو جيديون (الأنا الأخرى لبوب فوسي)، رجل مسرح مخلص لا يقول لا للملذات الدنيوية.
جو مدمن على الأمفيتامين – الطريقة الوحيدة للتعامل مع بروفات مسرحيته الجديدة، ومونتاج فيلمه الجديد، وعلاقاته مع زوجته السابقة وابنته وعشيقاته العرضيات العديدات. طوال الفيلم، يدرك جو أكثر من غيره موته الوشيك، لذا يخطط لاستقبال نهايته بتصميم رقصة حياته. أثناء انتظار نهايته المريرة، غالباً ما تزوره شخصية ملائكية تجبره على مواجهة فنائه وإعادة النظر في حياته.
من المعروف أن فوسي كان معجباً كبيراً بفيديريكو فيليني، وهذا ما يثبته هذا الفيلم الذي يستعير الكثير من “8 ½” (تماماً كما أن “Sweet Charity” هي النسخة الأمريكية من “Nights of Cabiria”). على الرغم من أن “All that Jazz” سيرة ذاتية جزئياً، إلا أن العدسة التي يتم من خلالها تحليل حياة فوسي لها طابع فيليني مميز.
مثل جيدو، الشخصية الرئيسية الأيقونية في “8 ½”، يتأمل جو جيديون في حياته والنساء اللواتي كن جزءاً منها بحنين، بينما يطلق المخرج العنان لخيال السينمائي برقصات باذخة وصور سريالية (مشهد سرير المستشفى الشهير على سبيل المثال). كان فوسي رجلاً مليئاً بالعيوب، ولكن عندما يتعلق الأمر بالمسرح (ربما حبه الحقيقي الوحيد في الحياة)، كان مدمن عمل وكمالياً؛ أراد أن يكون كل شيء مثالياً… تماماً مثل هذا الفيلم.
9. Le Dernier Metro (Francois Truffaut, 1980)
عندما كان شاباً، جعل فرانسوا تروفو هدفه في الحياة مشاهدة ثلاثة أفلام يومياً وقراءة ثلاثة كتب أسبوعياً. بعد أن أصبح مخرجاً بارعاً، وضع هدفاً جديداً لنفسه وهو إخراج 30 فيلماً ثم التقاعد لكتابة الكتب في أيامه المتبقية. للأسف، وقعت المأساة عندما توفي تروفو بسبب ورم في المخ عن عمر يناهز 52 عاماً – كان لديه 25 فيلماً مدرجاً تحت اسمه، مما جعله يقصر عن هدفه الشخصي.
تعكس جميع أفلامه الموضوعات والقضايا التي كان مهتماً بها في ذلك الوقت. في الجزء الأخير من مسيرته، قرر القيام بثلاثية غير رسمية حول عالم الترفيه (السينما، المسرح، والموسيقى). صنع “La Nuit Americaine” الذي تناول السينما في عام 1973، وفي عام 1980 صنع “Le Dernier Metro” الذي يتناول المسرح. للأسف، لم يتم صنع فيلمه عن عالم قاعات الموسيقى.
لن تجد فيلماً أكثر فخامة عن المسرح من “Le Dernier Metro”. في باريس التي يحتلها النازيون، يختبئ مخرج المسرح اليهودي لوكاس شتاينر، لذا تُترك زوجته ماريون (كاثرين دينوف) لإدارة المكان. تريد تقديم مسرحية إسكندنافية والاستعانة بنجم المسرح الصاعد برنارد جرانجر (جيرارد ديبارديو) كشخصية رئيسية. من خلال العمل معاً بشكل وثيق، يطور الاثنان علاقة وثيقة ويبدو أن بداية علاقة غرامية أمر مرجح للغاية.
لكن تروفو لا يسهب كثيراً في مخطط مثلث الحب. بدلاً من ذلك، يركز على الصورة الكبيرة، والصورة الكبيرة هي، بالطبع، عالم المسرح. يحرص على تسليط الضوء على المقاومة من خلال الفن باستخدام الأغاني والملابس والأشياء الخاصة بتلك الفترة الزمنية، من أجل إعادة خلق جو ما كانت عليه ليلة في المسرح في تلك الأوقات المضطربة.
10. Mephisto (Istvan Szabo, 1981)
قال المخرج إستفان زابو ذات مرة عن فيلمه: “الشيء الذي كان يهمنا دائماً ليس أصالة الشخصيات بل الموضوع نفسه، قصة الممثل الذي يلعب دور ميفيستو ويصبح هو في النهاية. كرس فيلمنا نفسه لهذه الشخصية، رجل موهوب، غير قادر على التعامل مع كونه في الظل؛ ومستعد لدفع أي ثمن ليتم قبوله ومحبته من قبل الجميع”. يستخدم الفيلم المسرح كمنصة انطلاق لقضايا أكبر مثل التسوية والخيانة والفداء.
يروي قصة ممثل مسرحي ألماني يدعى هندريك هوفجن (كلاوس ماريا برانداور) الذي يجد نجاحاً غير متوقع وبركات مختلطة في شعبية أدائه في مسرحية فاوستية بينما يتولى النازيون السلطة في ألمانيا قبل الحرب العالمية الثانية. لم يغفل النازيون عن أدائه، حيث أمنوا طريقه إلى القمة مقابل ولائه للحزب.
تماماً مثل الدكتور فاوست، يبيع هوفجن روحه للحزب النازي، متبرئاً من أصدقائه القدامى ومنكراً ماضيه من أجل الحصول على حاضر أكثر إشراقاً ومستقبل أكثر إشراقاً. في الأساس، تحصل قصة ميفيستوفيليس والدكتور فاوست الكلاسيكية على ملابس جديدة حيث يتم نقلها إلى عالم الحرب المضطرب وعالم الفنون الأكثر اضطراباً.
11. Author, Author (Arthur Hiller, 1982)
في سن 42، يرى إيفان ترافيلان (آل باتشينو) أخيراً حلمه يتحقق… مسرحيته الأولى التي ستُعرض في برودواي. لا يضيع وقتاً لبدء البروفات للمسرحية عندما تعلن له زوجته أنها ستتركه وأطفالهما الخمسة (جميعهم من زيجات سابقة). الآن يجب على إيفان التعامل مع ضغوط الافتتاح القادم لمسرحيته ورعاية الأطفال.
علاوة على ذلك، تطالب عشيقته أيضاً بجزء كبير من وقته. والآن يأتي السؤال الذي يواجهه معظم الفنانين: ما هو الأهم في الحياة؟ الفن أم العائلة؟
مع الأخذ في الاعتبار أن هذه كوميديا (مظلمة ولكنها لا تزال كوميديا)، فإن الإجابة سهلة التخمين، ولكن في الحياة الواقعية، هذه المعضلة أقوى، وسيخبرك معظم الفنانين أن المسرح يأخذ نصيبه من أرواح الممثلين وزيجاتهم.
12. Fanny och Alexander (Ingmar Bergman, 1982)
“Fanny och Alexander” ليس فيلماً عن المسرح، ولكن مرة أخرى، ليس فيلماً عن فاني وألكسندر. أسلوب إنغمار بيرغمان لا يشبه أي شيء آخر، لذا من الصعب جداً على أي شخص وضع تصنيف لأفلامه. “Fanny och Alexander” له طابع مسرحية كبيرة تم إنجازها بالطريقة القديمة.
يبدأ الفيلم بمشهد حفلة عيد ميلاد طويل جداً (حوالي 20 دقيقة) يتم من خلاله تقديمنا لجميع أفراد عائلة إيكدال، من الأخوين الصغيرين إلى والديهما، وأجدادهما، وأعمامهما، وعماتهما، وأبناء عمومتهما، وحتى الخادمات والخدم. هناك حرية أخلاقية موجودة في عائلة إيكدال، وهو أمر صادم جداً لاكتشافه؛ اللقاءات الجنسية العرضية شيء شائع، والغيرة كلمة غير موجودة في القاموس.
كل هذه الليبرالية – يجب أن نتذكر أننا نتحدث عن السويد في بداية القرن العشرين – يتم تفسيرها من خلال حقيقة أن عائلة إيكدال منخرطة بعمق في حب المسرح. يستخدم بيرغمان الليبرالية الأخلاقية للفنانين لتقديم قصته بنبرته المفضلة – جزء حنين، جزء قوطي، جزء كوميدي، وجزء درامي. تأخذ حياة الأخوين منعطفاً نحو الأسوأ عندما يموت والدهما الحبيب بنوبة قلبية وتتزوج والدتهما من أسقف محلي وأرمل.
تنتقل الأم والطفلان إلى منزل الأسقف الزاهد ليكتشفوا عالماً مختلفاً جذرياً عن ذلك الذي اعتادوا عليه. في منزل الأسقف، القواعد صارمة للغاية والعقوبات قاسية… لا توجد متعة وألعاب، لا حديث أو ضحك أثناء مائدة العشاء، وكل شيء معقم وحتى مخيف.
بالطبع، لم يكن بإمكان بيرغمان إنهاء أفلامه بهذه الطريقة، حيث كانت رسالته دائماً أن الأحمق يهزم الفارس. العالم الفوضوي ولكن الساحر للمسرح يتفوق على العالم المنضبط ولكن القاسي للأسقف (الذي يمثل الطبقة الممتثلة). سرعان ما يتم لم شمل فاني وألكسندر مع الطرق الليبرتارية للفنانين ومع مسرحهما العزيز.
على الرغم من أن إنغمار بيرغمان عاش حتى عام 2007، إلا أن هذا الفيلم كان آخر أعماله المسرحية الطويلة. في الجزء الأخير من مسيرته، ركز فقط على الإنتاجات التلفزيونية. كان من المقصود أن يكون “Fanny och Alexander” آخر أفلامه للشاشة الكبيرة حيث يلخص الفيلم جميع أفكار ومفاهيم بيرغمان حول الفن والفنانين. الفيلم له مقدمة، وينقسم بين فصلين، وله خاتمة… تماماً مثل أعظم مسرحية لم يكتبها بيرغمان قط.
13. The Dresser (Peter Yates, 1983)
عند قراءة ملخص هذا الفيلم – مساعد شخصي مخنث لممثل مخضرم متدهور يكافح لجعله يمر بأداء صعب لمسرحية الملك لير – قد يميل المرء إلى الاعتقاد بأن هذا فيلم عن الصداقة. لكن هذا أبعد ما يكون عن ذلك؛ أحياناً تكون أنا الفنانين وغرورهم كبيرين جداً لدرجة أنه لا يوجد مجال للصداقة أو الرفقة.
جوهر هذا الفيلم هو حقاً الحياة المعقدة لرجلين كرسا حياتهما للمسرح دون أدنى تحفظ. أحدهما (الممثل) يمكن أن يراه جمهور المسرح، والآخر (المساعد) لا يمكنه ذلك. خلال الأوقات المضطربة للحرب العالمية الثانية، يستمر ممثل شكسبيري مسن يُدعى ببساطة “سير” (ألبرت فيني) في التجول في إنجلترا ولكنه يضطر إلى استخدام ممثلين غير محترفين (رجال تم تسريحهم أو يعانون من إعاقات تجعلهم غير مؤهلين للخدمة العسكرية).
هذا، بالإضافة إلى عدم القدرة على قبول حقيقة أنه يتقدم في السن، يخلق إحباطاً لدى الممثل أكبر مما يمكن لأي شخص تخيله. الشخص الوحيد الذي يبقى بجانبه هو مساعده المخلص ولكنه مخنث بشكل غريب نورمان (توم كورتيناي). يصب “سير” كل غضبه وإحباطه على مساعده (الذي يعرف أيضاً جميع الحوارات من جميع مسرحيات شكسبير العظيمة عن ظهر قلب) دون أن يدرك أن نورمان هو صديقه الحقيقي الوحيد. “The Dresser” فيلم رائع ومتبصر حول العالم خلف الستائر المغلقة.
14. Noises Off (Peter Bogdanovich, 1992)
“Noises Off” يعزز النظرية التي تقول إن ما يحدث خلف الكواليس لا علاقة له بما يحدث على المسرح. ليس ذلك فحسب، بل إن فيلمه يثبت أن ما يحدث خلف الكواليس أكثر أهمية من العرض على المسرح. يفتتح الفيلم ببروفة الملابس النهائية قبل ليلة الافتتاح، مع استمرار الممثلين في نسيان الحوارات، وتفويت الإشارات، وسوء التعامل مع الدعائم.
يضطر مخرج المسرحية إلى التملق والصراخ والتوسل إليهم لجعل الأمور تسير بشكل صحيح. مما يزيد الأمور تعقيداً المشاكل الشخصية والعلاقات خلف الكواليس التي عززت الغيرة والمشاحنات التافهة وتدخلت في أي احترافية يمكن لهذا الطاقم المتنوع حشدها. يتبع “Noises Off” مفهوم مسرحية داخل مسرحية مما يخلق الوهم بأن الحياة والفن شيء واحد.
15. Bullets over Broadway (Woody Allen, 1994)
وودي آلن ليس غريباً على المسرح؛ فقد كتب بضع مسرحيات. لذا ليس من المستغرب أن يكون أحد أفضل أفلامه يتخذ من المسرح موضوعاً رئيسياً له. من أجل الجمع بين موضوعه ومزاجاته الحنينية وحبه لموسيقى الجاز، جعل أحداث هذا الفيلم تدور في العشرينيات.
ديفيد شاين (جون كوزاك يلعب نسخة أخرى من وودي آلن نفسه)، هو كاتب مسرحي شاب مثالي وصل حديثاً إلى برودواي. من أجل الحصول على تمويل لمسرحيته، يوافق على توظيف الممثلة/صديقة رجل عصابات لأحد الأدوار الرئيسية. إنها متطلبة وبلا موهبة، لكن مرافقها رجل العصابات تشيتش (تشاز بالمينتيري) يتبين أنه عبقري، ويأتي باستمرار بأفكار ممتازة لمراجعة المسرحية.
بينما يستعد الممثلون لليلة الافتتاح، سرعان ما يجد شاين نفسه غارقاً في ادعاء أن إعادة كتابة تشيتش هي من عمله، ويخون صديقته مع بطلة العرض المغرية والمدمنة على الكحول هيلين سنكلير (ديان ويست)، ويواجه مشاكل الأكل القهري لبطل مسرحيته. مرحباً بكم في عالم المسرح الرائع!
16. Vanya on 42nd Street (Louis Malle, 1994)
يا لها من طريقة لإنهاء مسيرة مهنية مذهلة! بفيلم حميمي وتفسيري حول أداء مسرحي لواحدة من أشهر وأكثر المسرحيات إشادة على الإطلاق: “العم فانيا” لأنطون تشيخوف. يظهر حب لويس مالي للمسرح الكلاسيكي في فيلمه الأخير – فقد توفي بعد عام.
كما يوحي العنوان، تدور أحداث الفيلم في مسرح نيو أمستردام في شارع 42، مدينة نيويورك. هنا يتم تجريد “العم فانيا” لتشيخوف إلى أساسياتها العارية عندما تتدرب مجموعة من ممثلي نيويورك في المسرح المتداعي بدون ديكورات أو دعائم، بل فقط بموهبتهم، مصحوبين باقتباس ديفيد ماميت الحديث للمسرحية.
بالطبع، قد يبدو الفيلم مسرحياً ومليئاً بالتقنيات، لكنك تقع تحت تعويذة الممثلين وهذا هو جوهر الأمر؛ هذا هو سحر المسرحية الجيدة.
17. In the Bleak Midwinter (Kenneth Branagh, 1995)
العديد من الممثلين الذين يتجهون للإخراج لا يستطيعون مقاومة عدم الظهور في أفلامهم. ولكن إذا أخرجوا أكثر من فيلمين أو ثلاثة، تبدأ الإغراءات في التلاشي. هذا هو الحال مع كينيث براناه، الذي قرر عدم الظهور في فيلمه السادس، المخصص لحب الإنسان للمسرح، والذي يحمل عنواناً جميلاً “In the Bleak Midwinter”.
يبدأ الفيلم بمونولوج للممثل العاطل عن العمل جو هاربر حول تدهوره البطيء نحو الاكتئاب. في محاولة للتغلب على اكتئابه، يتطوع جو للمساعدة في محاولة إنقاذ كنيسة أخته المحلية من مطوري الأراضي للمجتمع من خلال تقديم عرض عيد ميلاد لهاملت. بما أن الطاقم الذي يجمعه لا يزال متاحاً حتى في عيد الميلاد ومستعد للقيام بذلك على أساس “تقاسم الأرباح” (أي أنهم قد لا يحصلون على أي أجر)، فلا يمكنه توقع – ولا يحصل على – نخبة النخبة.
ولكن على الرغم من أنهم جميعاً يجلبون مشاكلهم ونقاط ضعفهم معهم، يبدأ شيء أكبر في الظهور في القرية التي ربما سُميت بشكل مناسب “الأمل”. يجسد هذا الفيلم الصراع المضحك والمفجع للممثل ضد الموقف وضد الحياة، وغالباً ضد بعضهم البعض. الشغف لا يعرف حدوداً!
18. Looking for Richard (Al Pacino, 1996)
من المعروف أن جميع الممثلين يحبون المسرح أكثر من السينما؛ إنه وسيط يسمح لهم بمزيد من الحرية الفنية ويمنحهم إثارة الجمهور الحي. معظم الممثلين الناطقين بالإنجليزية مغرمون بشكل ميؤوس منه بويليام شكسبير، لكن حب آل باتشينو للكاتب المسرحي يتجاوز ذلك. هذا الفيلم الوثائقي الجريء والمتمرد على القواعد هو رسالة حب مفتوحة من باتشينو إلى شكسبير.
يتم تقديم تأمل آل باتشينو العميق حول أهمية شكسبير وصلته بالعالم الحديث من خلال مقابلات وتحليل متعمق لـ “ريتشارد الثالث”. يلعبون أدوارهم الحقيقية ولكن أيضاً أدواراً في المسرحية داخل الفيلم كيفن سبيسي، أليك بالدوين، وينونا رايدر، أيدان كوين وغيرهم الكثير.
يلعب باتشينو أيضاً دور نفسه والشخصية الرئيسية ريتشارد الثالث. ينجرف الفيلم داخل وخارج الخيال موازياً بروفات المسرحية مع سلسلة من المقابلات حول شكسبير في المعاصرة والسؤال الكبير على شفاه الجميع… هل يستطيع الأمريكيون تمثيل شكسبير؟ آل باتشينو يعتقد بالتأكيد ذلك.
19. Shakespeare in Love (John Madden, 1998)
لطالما أحب الناس التكهن بالحياة الخاصة للمشاهير. في الوقت الحاضر، من السهل جداً البحث في جوجل عن مشهورك المفضل ومعرفة آخر القيل والقال، ولكن في إنجلترا الإليزابيثية لم يكن من السهل القيام بذلك. لذا، يقوم الفنانون، مثل مبدعي “Shakespeare in Love”، باختلاق قصص عن أصنامهم الرومانسية في حياتهم وأعمالهم.
“Shakespeare in Love” مثال كلاسيكي على مثل هذه القصة. تدور أحداث القصة في إنجلترا في القرن السادس عشر حيث نلتقي بالكاتب المسرحي الشاب ويليام شكسبير (جوزيف فينيس) وهو يكافح مع قفلة الكاتب. الكاتب الشاب مستعد لتجربة أي شيء لاستعادة إلهامه ولكن لا شيء يبدو أنه ينجح. وهكذا يجرب شيئاً أخيراً… الحب. الحب السري بينه وبين الجميلة الليدي فيولا (جوينيث بالترو) يجعل حوارات مسرحيته الجديدة تكتب نفسها تقريباً.
مع وجود الحب في قلبه وعودة الإلهام إلى نظامه، يقتنع شكسبير بأنه لا شيء يمكن أن يوقف طريقه إلى السعادة والشهرة؛ باستثناء أنه مفلس ولا أحد مستعد لتمويل مسرحيته وأن الليدي فيولا موعودة بالزواج من رجل آخر. كونه فيلماً رومانسياً، تجد الأشياء طريقة لتسوية نفسها حيث تتنكر الليدي فيولا، وهي معجبة شديدة بالمسرح، كرجل من أجل الحصول على الدور الرئيسي في مسرحية شكسبير الجديدة التي تحمل عنواناً بسيطاً “روميو وجولييت”.
20. Illuminata (John Turturro, 1998)
جهد جون تورتورو الإخراجي الثاني هو فيلم رومانسي صغير رائع حول الشغف والتضحية التي يبذلها الفنان في حرفته. يتبع الحبكة دراما خلف الكواليس لشركة مسرحية، في مطلع القرن العشرين في نيويورك، بينما تكافح لإنتاج مسرحية لم تنته بعد. اسم المسرحية “Illuminata” ومن المقرر أن تكون أفضل عمل للكاتب المسرحي توتشيو (جون تورتورو)… لو كان بإمكانه إنهاؤها فقط.
مثل أي تحفة فنية عظيمة، تتطلب المسرحية وقتاً وهذا بالضبط ما لا يملكه أصحاب الشركة المسرحية. بخلاف هذا الصراع الرئيسي، يجب على توتشيو مواجهة منافسيه، الذين سيفعلون أي شيء لمنع عرض مسرحيته، وإحدى نجمات المسرح التي ترى في إغوائه طريقة مؤكدة للوصول إلى القمة.
21. Topsy-Turvy (Mike Leigh, 1999)
مايك لي هو أحد هؤلاء المخرجين النادرين الذين لا يعملون بسيناريو. يأتي بفكرة لفيلم، ويجمع الممثلين الذين يعتقد أنهم مناسبون لأدوار مختلفة ويبدأ البروفات. بعد أسابيع من البروفات والارتجالات الثقيلة، منه ومن ممثليه، يأتي بقصة ويصورها.
معظم أفلامه تظهر رائعة حقاً ولكن من الصعب جداً عليه إنجازها لأن المنتجين يسألون دائماً عما يدور حوله الفيلم. بما أنه ليس لديه سيناريو، مجرد فكرة، فمن الصعب جداً إقناع المنتجين المتزمتين. ربما كانت “Topsy-Turvy” الحالة الوحيدة التي كان من الأسهل عليه فيها تأمين التمويل لأنها سيرة ذاتية موسيقية حول ثنائي المسرح الشهير جيلبرت وسوليفان.
بعد أن تعرضت مسرحيتهم الأخيرة لانتقادات عالمية من قبل النقاد، يفكر الكاتب المسرحي دبليو. إس. جيلبرت (جيم برودبنت) والملحن السير آرثر سوليفان (ألان كوردونر) في حل شركتهم المسرحية والاستقالة. إنهم محبطون لدرجة أنهم لا يملكون حتى الطاقة والإلهام لكتابة شيء سيعيدهم إلى نعمة النقاد. ومع ذلك، فإنهم يعطون فرصة أخيرة وبعد فترات طويلة من الدم والعرق والدموع يخلقون “The Mikado” التي كان مقدراً لها أن تصبح تحفتهم الفنية.
يركز الفيلم على الصراع الإبداعي بين الكاتب المسرحي والملحن، وقرار الرجلين بمواصلة شراكتهما، مما أدى إلى إنشاء العديد من أوبرا سافوي الشهيرة بينهما. في النهاية، الأمر كله يتعلق بالفن.
22. Cradle Will Rock (Tim Robbins, 1999)
على الرغم من أن المحافظين المتطرفين سيرفضون بلا شك “Cradle Will Rock” كفيلم دعاية يساري صارخ، إلا أن عشاق المسرح على حد سواء سيكونون مفتونين بالرؤى التي يقدمها لنا تيم روبنز وبالعلاقة المعقدة الموجودة بين الفن والسياسة.
تدور أحداث حكاية روبنز في الثلاثينيات المضطربة، وتركز على شركة المسرح الوطني، وهي منظمة أنشأها روزفلت خلال فترة الكساد لتزويد الفنانين العاطلين عن العمل بمركبة يمكنهم من خلالها ممارسة تجارتهم ومنح الجماهير المتعطشة للثقافة فرصة للاستمتاع بأمجاد العروض المسرحية الحية.
لسوء الحظ، كان أيضاً وقتاً للاضطرابات المدنية والسياسية الكبيرة، مع تنافس الشيوعية والفاشية على السيادة في الخارج وانقسام العديد من الأمريكيين على طول خطوط مماثلة في ولائاتهم. يركز الفيلم على إنتاج مسرحية موسيقية مثيرة للجدل تسمى “The Cradle Will Rock” تصور المجيء المجيد للنقابية إلى مصنع للصلب؛ سيناريو يوازي الأحداث في حياة العديد من الشخصيات في الفيلم.
على الرغم من التعاطف العقائدي، فإن الفيلم قادر على التركيز على السخرية المريرة التي تكثر على جانبي الطيف السياسي. بأسلوب ألتمان، جمع روبنز طاقماً من النجوم لخلق جو متوتر في ذلك الوقت.
من بينهم هانك أزاريا، روبن بليدز، جون كوزاك، جوان كوزاك، كاري إلويس، بيل موراي موري، فانيسا ريدغريف، سوزان ساراندون، جون تورتورو وإميلي واتسون. قد يكون من الصعب متابعة خطوط الحبكة المتعددة وتطورات الشخصيات، ولكن مع تطور الفيلم، يبدأ كل شيء في أن يكون منطقياً وينجذب الجمهور إلى هذا الفيلم الذي يشبه المسرحية الرائعة.
23. Being Julia (Istvan Szabo, 2004)
يحب المخرج إستفان زابو صنع أفلام عن الفنون المسرحية. بعد أفلام مشهورة مثل “Mephisto” و “Meeting Venus”، يزور مرة أخرى عالم المسرح بهذا الاحتفال الذكي والساخر والممتع أحياناً بالأنوثة وتجسيداتها اللانهائية.
تدور أحداث الفيلم في لندن في الثلاثينيات، ويروي قصة الممثلة جوليا لامبرت (أنيت بينينج) التي تقف عند مفترق طرق في حياتها. من خلال سلسلة من الظروف، تواجه عدداً من الأسئلة الوجودية مثل دورها في الحياة وهدفها على المسرح. بعد أن أصبحت واعية بذاتها، تدرك أكثر من أي وقت مضى أنها يجب أن تلعب الآن أكبر دور في حياتها: نفسها. بإعطاء الحياة لجوليا لامبرت،
تقدم أنيت بينينج أحد أفضل أدوارها. أداؤها مبالغ فيه عندما يحتاج الأمر إلى ذلك، وفي الوقت نفسه، يظهر ضعفاً مرتجفاً كما في المشاهد التي تتوسل فيها لعشيقها الشاب للبقاء معها. هذا أحد أفضل أفلام المسرح في القرن الحادي والعشرين بلا شك.
24. Stage Beauty (Richard Eyre, 2004)
في إنجلترا في القرن السابع عشر، لم يُسمح للنساء بالمشاركة في عالم المسرح، لذا كان الرجال يلعبون الشخصيات النسائية. هذا هو حال إدوارد “نيد” كيناستون (بيلي كرودوب)، الممثل الأكثر تقديراً في الأدوار النسائية، الذي يستخدم جماله وموهبته لتقديم بعض أكثر العروض النسائية إقناعاً في عصره، مما يجعل الجمهور ينسى أنه رجل. في ظله توجد مساعدته ماريا (كلير دانيس) التي تتوق إلى أن تكون على المسرح ولكن لا تستطيع بسبب جنسها.
كل شيء على وشك التغيير عندما يتم تقديم ماريا، من خلال سلسلة من الظروف المواتية، للملك تشارلز الثاني الذي يعجب بها. بعد الاجتماع، يصدر الملك مرسوماً يسمح للنساء بالأداء على مسارح المسرح وعلاوة على ذلك يعرض عليها الدور المرموق لديسديمونا في “عطيل”. هذه الأخبار لا تسير على ما يرام مع نيد الذي يرى مساعدته السابقة منافسة غير مرغوب فيها.
مدفوعاً باليأس، يشك في نفسه وفي قدراته التمثيلية وحتى يفكر في الانتحار. تأخذ الأمور منعطفاً للأفضل عندما يدرك أنه لا أحد ينوي إيذاءه وعندما يكتشف الحب السري له الذي كان يكمن في روح ماريا. “Stage Beauty” قصة حب عاطفية للغاية تدور أحداثها على خلفية المسرح التي تجمع بشكل جميل بين الحقيقة والخيال والشغف والحب.
25. Mrs. Henderson Presents (Stephen Frears, 2005)
“Mrs. Henderson Presents” ينتمي إلى فئة الأفلام المستندة إلى أحداث حقيقية ولكن على طول الطريق تأخذ حريات في تصوير الأحداث لتصبح عملاً فنياً منفصلاً. مع إخراج ستيفن فريرز وبطولة جودي دينش وبوب هوسكينز، لم يكن من الممكن أن يخطئ الفيلم… ولم يفعل.
تشتري الأرملة الغريبة الأطوار البالغة من العمر 70 عاماً السيدة لورا هندرسون (جودي دينش) مسرح ويندميل في لندن كهواية بعد الترمل. في عام 1937، بدأوا عرضاً منوعاً مستمراً يسمى “Revudeville”، ولكن بعد أن نسخت مسارح أخرى في لندن هذا الابتكار، بدأوا في خسارة المال. تقترح السيدة هندرسون إضافة عري نسائي، على غرار مولان روج في باريس، وهو أمر غير مسبوق في المملكة المتحدة.
يسمح اللورد تشامبرلين بذلك على مضض بشرط أن تظل المؤديات العاريات بلا حراك، حتى يمكن اعتبار العروض فناً، أي ما يعادل التماثيل العارية في المتاحف. بالطبع، لن تكتفي السيدة هندرسون الطموحة بذلك وستستمر في القتال حتى يتم تنفيذ طريقتها.
هناك مشهد تجادل فيه بشكل لا تشوبه شائبة ومسلٍ بموقفها قائلة إن مسرحها قد يكون الفرصة الوحيدة للجنود الشباب الذين يذهبون إلى الحرب لرؤية العري النسائي. تصور مشاهد أخرى من الفيلم الحياة في المسرح خلال تلك الفترة، مع الصدامات والمشاحنات التي تصاحبها.
26. Synecdoche, New York (Charlie Kaufman, 2008)
شهد عام 2008 الظهور الإخراجي الأول لتشارلي كوفمان، الذي شعر بالاستعداد للانتقال من كاتب سيناريو (“Being John Malkovich”، “Adaptation”، “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” من بين آخرين) إلى مخرج. “Synecdoche, New York” فيلم غريب جداً وسريالي مليء بتسلسلات الأحلام وهيكله كفيلم مسرحية داخل مسرحية داخل مسرحية داخل مسرحية.
تتبع الحبكة مخرج مسرحي مريض (هوفمان) وهو يعمل على إنتاج مسرحي متقن بشكل متزايد يبدأ التزامه الشديد بالواقعية في طمس الحدود بين الخيال والواقع. عنوان الفيلم هو تلاعب بكلمة شينيكتادي، نيويورك، حيث تدور أحداث الكثير من الفيلم، ومفهوم التناقض، حيث يمثل جزء من شيء ما الكل، أو العكس.
الجزء الغريب هو أن المخرج لا يدرك حتى أنه يبني نسخة طبق الأصل من نيويورك داخل مستودع. تمر سنوات عديدة ولم تر مسرحيته ضوء النهار بعد. هو لا يدرك هذا أيضاً لأنه مستهلك بالفلسفة الوجودية، وصراعات خلق الواقعية المثالية في الفن والعديد من النساء المتطلبات في حياته.
نحو نهاية الفيلم، تسيطر البارانويا والجنون على جسد وعقل المخرج الذي يوزع الأدوار في مسرحيته العملاقة اعتماداً على الأحداث في حياته الخاصة. يذهب إلى حد اختيار شخص ليلعب دور نفسه كمخرج شاب كان عليه في بداية الفيلم. مع تأثيرات مباشرة من لويس بونويل وفرانز كافكا، يأخذ “Synecdoche, New York” المسرح إلى مستوى جديد تماماً ويفجر عقل الجمهور على طول الطريق.
27. Me and Orson Welles (Richard Linklater, 2008)
يشعر ريتشارد صامويلز البالغ من العمر 17 عاماً بالملل من المدرسة، ويحلم بمهنة في برودواي. العام هو 1937 والمكان هو نيويورك. عن طريق الصدفة، يلتقي ريتشارد الشاب بمخرج شاب يدعى أورسون ويلز وبعد محادثة قصيرة ينتهي به الأمر بدور في الإنتاج القادم لـ “يوليوس قيصر”، أول إنتاج شكسبيري في برودواي.
على الرغم من أنه كان صغيراً جداً في ذلك الوقت، إلا أن أورسون ويلز كان يتمتع بالفعل بسمعة مخرج راسخ، لذا لم يكن ريتشارد أكثر سعادة بموقعه. ثم ينقسم الفيلم إلى خطين للحبكة. يتبع خط حبكة واحد متاعب البروفات ومخاوف ويلز من أن سلسلة الحظ الجيد التي كان يتمتع بها حتى الآن مع عمله قد تنتهي بالضبط الآن عندما يكون في أمس الحاجة إليها.
يتبع الآخر حياة ريتشارد وويلز العاطفية حيث كلاهما في حالة من الفوضى؛ أورسون على علاقة بممثلته الرئيسية بينما يخشى ريتشارد أن جاذبية مساعدة الإنتاج الطموحة سونيا له قد تؤدي إلى طرده. “Me and Orson Welles” فيلم حميمي صغير يمكن اعتباره حكاية مسرحية مسلية.
28. Vous N’avez Encore Rien Vu (Alain Resnais, 2012)
سيتم تذكر العظيم آلان رينيه دائماً كمخرج مبتكر مرتبط بمجموعة “الضفة اليسرى” من المؤلفين ولكن أيضاً بحركة “الموجة الجديدة”.
بدأ رينيه في صنع أفلام روائية في أواخر الخمسينيات وعزز سمعته المبكرة بـ “Hiroshima mon amour” (1959)، “Last Year at Marienbad” (1961)، و “Muriel” (1963)، والتي تبنت جميعها تقنيات سرد غير تقليدية للتعامل مع موضوعات الذاكرة المضطربة والماضي المتخيل. مع تقدمه في السن، بدأ رينيه في الابتعاد عن الرسائل السياسية والهياكل المعقدة في أفلامه لكنه لم يساوم أبداً على نزاهته الفنية مؤمناً بالسينما كشكل فني حتى النهاية.
“Vous N’avez Encore Rien Vu” هو أحد أفلامه الأخيرة وهو مستوحى بشكل فضفاض من مسرحيتين لجان أنويه. القصة غريبة نوعاً ما ولكن على الرغم من كل هذا، ليس من الصعب متابعتها على الإطلاق (على الأقل ليس مقارنة بروائعه المذكورة سابقاً). من وراء القبر، يجمع الكاتب المسرحي الشهير أنطوان دانثاك جميع أصدقائه الذين ظهروا على مر السنين في مسرحيته “يوريديس”.
يشاهد هؤلاء الممثلون تسجيلاً للعمل الذي أدته شركة تمثيل شابة. أثناء العرض، يغمر أصدقاء أنطوان ذكرياتهم عن المسرحية لدرجة أنهم يبدأون في أدائها معاً، على الرغم من عدم كونهم في العمر المناسب لأدوارهم المختلفة.
قد لا يكون هذا أعظم أعمال رينيه ولكن إذا كنت من محبي أسلوبه أو موضوع “أورفيوس”، فلا ينبغي تفويت هذا الفيلم.
29. Venus in Fur (Roman Polanski, 2013)
عندما يتعلق الأمر بأفلام رومان بولانسكي، يميل الناس إلى الحكم على الرجل بدلاً من الفنان. بسبب ماضيه المضطرب، يُوصف بولانسكي اليوم بأنه وحش ويتم نقل هذا الوصف تلقائياً إلى أفلامه. لكن كل محب حقيقي للأفلام يعرف أن بولانسكي عبقري سينمائي وأن معظم أفلامه رائعة. وهذا ما يثبته مرة أخرى بإعادة تفسيره لعام 2013 للقصة الكلاسيكية التي اشتهر بها ليوبولد فون ساخر-مازوخ.
فيلم بولانسكي “Venus in Furs” ليس اقتباساً مباشراً للرواية حيث يعتمد على المسرحية التي تحمل نفس الاسم والتي كتبها ديفيد آيفز (الذي استمد إلهامه من الرواية الأصلية). الفيلم حميمي جداً وبسيط في الديكور؛ تماماً كما يحب بولانسكي.
توماس هو كاتب ومخرج مسرحية جديدة، اقتباس لرواية عام 1870 “Venus in Furs”. وحيداً في مسرح باريسي بعد يوم من تجارب أداء الممثلات للشخصية الرئيسية، يندب توماس العروض الضعيفة التي ستأتي. بينما يستعد لمغادرة المسرح، تصل ممثلة تدعى فاندا مشعثة الشعر. في زوبعة من الطاقة والعدوانية غير المقيدة، تقنع فاندا المخرج بالسماح لها بالقراءة للدور.
لدهشة توماس، تظهر فاندا فهماً كبيراً للشخصية وتعرف كل حوار عن ظهر قلب. مع تقدم تجربة الأداء، تتضاعف الكثافة ويتحول انجذاب توماس إلى هوس. عاكساً، بطريقة ما، حادثة بولانسكي الشهيرة في السبعينيات، الفيلم عبارة عن إثارة حميمية منفذة بشكل مثالي لا تحتاج إلى دماء ومؤثرات خاصة لإبقاء الجمهور على حافة مقاعدهم.
30. Birdman (Alejandro Gonzalez Inarritu, 2014)
قبل بضع سنوات، كان لدى المخرج أليخاندرو غونزاليس إيناريتو فكرة مجنونة. تصوير فيلم مثل مسرحية وجعله يبدو وكأن الشيء كله لقطة واحدة مستمرة كبيرة. نصحه الجميع بعدم القيام بذلك محذرين إياه من فشل فكرته. على الرغم من كل هذا، ضغط إيناريتو بفكرته، وحولها إلى فيلم وفاز بأوسكار أفضل مخرج. غني عن القول أن الفيلم كان نجاحاً كبيراً.
تتعلق قصة الفيلم بممثل هوليوودي فاشل كان مشهوراً ذات مرة ببطولة امتياز شعبي حول البطل الخارق بيردمان. اختار الممثل الابتعاد عن بيردمان لشعوره بأن عالم السينما لن يأخذه على محمل الجد إذا استمر. لذا جاء إلى نيويورك لتقديم مسرحية مبنية على قصة ريموند كارفر القصيرة “عن ماذا نتحدث عندما نتحدث عن الحب”.
كل شيء ضده؛ ممثلوه، الذين لا يستطيعون أخذه على محمل الجد كمخرج مسرحي وبطل، ابنته وزوجته السابقة، اللتان تلومانه على كونه أباً وزوجاً سيئاً، نقاده، الذين لا يزالون يرونه كبطل خارق بلا معنى، ولكن أكثر من أي شيء آخر نفسه. لدى الممثل شكوك كبيرة حول ما إذا كان بإمكانه الارتقاء إلى مستوى تحدي التمثيل الحقيقي.
يتحدث الفيلم عن حالة الممثل وحرفته، ويتحدث عن تحديات اتخاذ خيارات مهنية صحيحة والمعضلة الكبيرة (التي يواجهها كل ممثل مشهور) بين المال واحترام حرفتك.
هناك ميزتان كبيرتان لهذا الفيلم. الأولى هي التصوير السينمائي المنفذ بشكل جميل ليبدو كلقطة مستمرة. الأخرى هي اختيار الممثلين المثالي. يلعب الدور الرئيسي مايكل كيتون. مثل الشخصية الرئيسية، أصبح مايكل كيتون مشهوراً بلعب دور باتمان في امتياز تيم بيرتون ثم تلاشى ببطء من النجومية من أجل القيام بأدوار “أكثر جدية”. يرى الكثيرون هذا الفيلم كعودة كيتون.
دور رائع آخر في الفيلم يقوم به إدوارد نورتون. يلعب دور ممثل، ملتزم 100% بحرفته، لكنه إنسان بائس في الحياة الواقعية. يتمتع نورتون بسمعة كونه ممثلاً يصعب العمل معه. زاك غاليفياناكيس أيضاً تم اختياره بشكل مثالي كوكيل الشخصية الرئيسية المجهد ولكنه مخلص، والمنتج والمحامي. الشخصيات النسائية مثالية أيضاً. تلعب إيما ستون دور ابنة كيتون المضطربة وتلعب ناعومي واتس دور صديقة نورتون الغاضبة.
لن ترى أبداً مسرحاً مصوراً بالطريقة التي تم تصويره بها في “Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)”.
