تُعد نظرية المونتاج، وهي الركيزة الأساسية في فصول دراسات السينما الجامعية، أن تجاور الصور عبر المونتاج يمكن أن يخلق معنى يتجاوز ما يتم تمثيله بصرياً. وقد وجدت هذه النظرية طريقها إلى هوليوود وما بعدها بعد أن وصفها صناع الأفلام السوفييت في العشرينيات، الذين سعوا لتطبيق فلسفة بلادهم الجديدة (الجدلية) على هذا الفن السينمائي المثير. وقد أضفى العديد من المخرجين لمساتهم الخاصة على المونتاج بنتائج مذهلة. ستستكشف هذه القائمة الأفلام التي تبرز إمكانات المونتاج وتأثيره على تاريخ السينما.
1. The Smiling Madame Beudet (1923)
بصفتها واحدة من أوائل المخرجات النسويات، كتبت جيرمين دولاك أيضاً في نظرية الفيلم، وجادلت ذات مرة بأن المعنى يحدث داخل اللقطات وفيما بينها. وعلى الرغم من ميل أفلامها إلى الانطباعية والسريالية، إلا أنها تستخدم المونتاج لتأسيس العالم الداخلي للشخصية.
يمكن العثور على مثال رائع لما أسمته دولاك “المونتاج الأولي” في فيلم The Smiling Madame Beudet (1923)، وهو بورتريه مدته أربعون دقيقة للشخصية التي تحمل الاسم نفسه في زواج قمعي، حيث توضح لقطات متنوعة أفكارها ومشاعرها. عندما يسأل زوجها عما إذا كانت ترغب في حضور الأوبرا، يرى المشاهد خيال مدام بوديه لرجال يرتدون أزياء سخيفة يحيطون بامرأة ويغنون لها. حتى هذا المشهد الكوميدي يصور بطريركية قمعية. تواصل دولاك استخدام المونتاج بهذه الطريقة؛ فداخل حدود المنزل، تصبح اللقطات القريبة لأشياء مثل الساعات والزهور أكثر من مجرد تفاصيل، بل دلالات أعمق على صراعات البطلة. وعلى الرغم من أنه ليس مثالاً حقيقياً على المونتاج، إلا أن عمل دولاك في هذا الفيلم يظهر تطور المونتاج في الفيلم السردي وكيف يمكن استخدامه لتحقيق تأثير فني وفلسفي.
2. Battleship Potemkin (1926)
مارس سيرجي أيزنشتاين، المروج الرئيسي لنظرية المونتاج، ما كان يدعو إليه في أفلامه. يستكشف فيلمه His October: Ten Days That Shook the World (1928) ببراعة ما يسميه “المونتاج الفكري” (المونتاج المصمم لجعل المشاهد يفكر بدلاً من أن يشعر). يعرض هذا المونتاج لقطات لتماثيل آلهة مختلفة من ثقافات متنوعة، متسائلاً عن فكرة “الله” في عبارة “من أجل الله والوطن”. ومع ذلك، فإن “المونتاج العاطفي” في فيلم Battleship Potemkin (1926)، حيث يذبح الجنود مدنيين عزل أثناء احتجاجهم على سلالم أوديسا، يظل خالداً في تاريخ السينما لرعبه المؤثر.
تعمل اللقطات المتبادلة لأشخاص يفرون ويصرخون ويموتون وينوحون على طي الزمان والمكان في لحظة من المعاناة المشتركة رغم قلة العنف الظاهر على الشاشة. على سبيل المثال، في إحدى اللحظات يطلق الجنود النار على امرأة في عينها. لا يظهر التأثير على الشاشة أبداً، لكن اللقطات السابقة واللاحقة، بينما تصرخ المرأة والدم يسيل على وجهها خلف نظارتها المكسورة، ممزوجة بلقطات رعب أخرى، تنطبع في ذهن المشاهد. لقد ألهم مشهد سلالم أوديسا، واللحظة الشهيرة لطفل في عربة يندفع أسفل السلالم بعيداً عن أمه الميتة، العديد من الأعمال التكريمية بما في ذلك فيلم The Untouchables (1987).
3. Man with a Movie Camera (1929)
يخلق فيلم Man with a Movie Camera (1929)، الذي أخرجه وحرره الزوجان دزيجا فيرتوف وإليزافيتا سفيلوفا، بورتريه ساحراً لمدينة سوفيتية وسكانها دون أي حبكة درامية من خلال المونتاج. في بداية الفيلم، تستيقظ امرأة وتغسل وجهها. تفتح عينيها، ثم ينتقل الفيلم إلى مصاريع النوافذ وهي تفتح، ثم إلى الكاميرا نفسها بينما تركز العدسة على الزهور.
هناك تجاورات أخرى ذات طابع كوميدي مظلم. على سبيل المثال، في أحد المشاهد، يوقع زوجان حديثان الأوراق بفرح في المحكمة. تظهر اللقطة التالية زوجين مختلفين يوقعان أوراق الطلاق في نفس المكان. بعد ما يقرب من قرن من الزمان، يظل Man with a Movie Camera (1929) واحداً من أكثر الأفلام ابتكاراً عندما يتعلق الأمر بالمونتاج وكيفية خلق المعنى.
4. Psycho (1960)
مثل مشهد سلالم أوديسا في Battleship Potemkin (1926)، يشتهر مشهد الاستحمام في فيلم Psycho (1960) بعنفه رغم إظهار القليل جداً، وذلك بفضل قوة المونتاج. يبدأ المشهد بينما تستمتع البطلة ماريون كرين (جانيت لي) بالاستحمام، حتى يدخل دخيل مقنع ويسحب الستارة كاشفاً عن سكين مرفوعة. إلى جانب الموسيقى التصويرية التي لا تُنسى والمكونة من أصوات كمان حادة وصاخبة، تحاكي اللقطات المتبادلة السريعة لسكين لامعة وطاعنة ووجه لي المذعور وجلدها المكشوف عنف الطعن.
يحافظ هيتشكوك على قوة المونتاج السريع من خلال متابعته بلقطة طويلة لعيون ماريون الميتة، ثم دمائها وهي تتدفق ببطء في البالوعة، مما يجبر المشاهدين على استيعاب ما رأوه، مما يرسخ Psycho (1960) كفيلم رعب كلاسيكي.
5. The Godfather (1972)
يظل مشهد التعميد في فيلم The Godfather (1972) للمخرج فرانسيس فورد كوبولا، والذي لا يقل شهرة عن مشهد سلالم أوديسا أو مشهد الاستحمام في Psycho (1960)، ركيزة أساسية في مدارس السينما ونظرية المونتاج. في هذا المشهد، يحضر البطل المضاد مايكل كورليوني تعميد ابنة أخته ويتبرأ رسمياً من الشيطان ليصبح عرابها. في الوقت نفسه، ينفذ مرؤوسوه عمليات قتل متعددة بأمره.
يتجاوز المونتاج هنا مجرد القطع المتبادل، رغم أن الأحداث تقع في وقت واحد. ومع ذلك، فإن التجاور يرسم رابطاً بين الدين والمافيا، وكلاهما جزء لا يتجزأ من هوية مايكل وعائلته وثقافته. الطقس الحقيقي، مع ذلك، ليس تعميد الطفل، بل تعميد مايكل، حيث يقبل دوره في المافيا. مرة أخرى، يخلق أسلوب المونتاج هذا معنى أعمق لكلا المشهدين (التعميد وعمليات القتل) مما كان لأي منهما بمفرده.
6. Rocky (1976)
أصبح مونتاج التدريب، الذي تم محاكاته ببراعة في فيلم Team America: World Police (2004)، ركيزة أساسية في أفلام هوليوود. توضح أغنية Team America: “أظهر الكثير من الأشياء تحدث في وقت واحد/ ذكّر الجميع بما يجري/ ومع كل لقطة، أظهر القليل من التحسن/ فإظهار كل شيء سيستغرق وقتاً طويلاً/ هذا يسمى مونتاج”. لكن كل هذا بدأ مع فيلم Rocky (1976)، حيث كان يركض ويمارس الملاكمة وتمارين الضغط ببدلته الرياضية الرمادية الأيقونية في أحياء فيلادلفيا العمالية على أنغام أغنية بيل كونتي الكلاسيكية “Gonna Fly Now”.
يعزز المشهد بالتأكيد أيديولوجية الحلم الأمريكي، بأن العمل الجاد هو كل ما يتطلبه الأمر لتجاوز الفقر، ولكن، يا له من مشهد ملهم عندما يركض سيلفستر ستالون على درجات متحف فيلادلفيا للفنون ويرفع ذراعيه بانتصار وهو ينظر إلى المدينة. على الرغم من أنه ليس طليعياً مثل الأمثلة الأخرى في هذه القائمة، إلا أن مونتاج التدريب يطوي الزمن ويستخدم تجاور اللقطات لخلق معنى أكبر من أجزائه للدلالة على التصميم والتحمل وتحسين الذات. ساعدت صناعة الأفلام الذكية مثل هذه في جعل Rocky (1976) نجاحاً غير متوقع وكلاسيكية من كلاسيكيات السينما الأمريكية.
7. Archangel (1990)
يظهر المؤلف السينمائي الكندي غاي مادين، الذي يتمتع حالياً بعرض لأعماله على Criterion Channel، تأثيرات الأفلام الصامتة بوضوح، وحبه للأفلام السوفيتية المبكرة والمونتاج ليس استثناءً. يروي فيلمه Archangel (1990) حكاية سريالية عن الحب في خضم الحرب العالمية الأولى.
يبدأ الفيلم بمونتاج بينما يتأمل الراوي في طبيعة الحب وسط صور للعائلات (آباء، رضع، أطفال، وكلب)، ثم العشاق، قبل أن يتحول إلى القوة المدمرة لـ “حب الذات” والكبرياء فوق صور الحرب والدمار (نيران، خوذات عسكرية، لوحة يتم تمزيقها بالسكين)، وأخيراً فرقة إعدام تطلق النار على صبي صغير. بهذا المونتاج، يشير مادين إلى تأثيراته، وتحديداً سيرجي أيزنشتاين، بينما يحدد أيضاً النغمة السريالية والجدية لهذا الفيلم الفريد من نوعه.
8. Requiem for a Dream (2000)
يستعرض فيلم دارين أرونوفسكي المؤثر ما أسماه “مونتاج الهيب هوب”، حيث يكمل الإيقاع التجاور. بينما يتعاطى شخصياته المخدرات، يقطع أرونوفسكي بسرعة بين لقطات قريبة جداً: بؤبؤ عين يتسع، خلايا تتمدد، معصم ينثني، زجاجة دواء تفتح، ولاعة تشتعل، حقنة تمتلئ، إلخ.
يحاكي هذا الاستخدام للمونتاج العاطفي اندفاع المخدرات للمشاهدين الذين ربما لم يجربوه، مع صور مباشرة ومكثفة مرعبة ومبهجة في آن واحد. Though this editing is much more artsy than your typical Hollywood film, this rapid-pace editing would also become more common at the turn of the millennium with the popularity of films like The Bourne Identity (2002).
9. The Royal Tenenbaums (2001)
في أول نجاح كبير له، استخدم ويس أندرسون مجموعة متنوعة من تقنيات المونتاج جنباً إلى جنب مع الإخراج المشهدي الخاص به ليروي قصة عائلة موهوبة ولكنها مختلة وظيفياً. يمكن العثور على مونتاج ممتع عندما يشاهد رالي سانت كلير (بيل موراي) ملف محقق خاص عن زوجته مارغو (جوينيث بالترو) وماضيها الصاخب. تظهر لقطات زمنية قصيرة تدخن في سن الثانية عشرة، وتهرب من مدرسة داخلية في سن الرابعة عشرة، ثم سلسلة من العشاق من باريس إلى بابوا غينيا الجديدة. ومع ذلك، يحدث المونتاج الأفضل في نهاية الفيلم عندما يحاول ريتشي تينينباوم (لوك ويلسون) الانتحار.
بدءاً بسلسلة من القطع القفزي بينما يقص ريتشي شعره ويهذب لحيته بشكل منهجي، ينتقل المشهد إلى مونتاج لآخر أفكاره العابرة (صقره، نفسه في طفولته، والدته تحمل كعكة عيد ميلاد، وأخيراً مارغو تمشي ببطء نحوه) بينما يقطع معصميه. كل ذلك على أنغام أغنية إليوت سميث المؤثرة “Needle in the Hay”، ينقل المشهد مشاعر ريتشي ودوافعه لأفعاله المروعة. على غرار دولاك، يستخدم أندرسون المونتاج ببراعة لبناء شخصية أعمق، وهو أمر بالغ الأهمية في فيلم يضم طاقماً كبيراً، ويربط قصته الغريبة بالعاطفة.
10. Up (2009)
كما هو الحال مع Rocky (1976)، يطوي المونتاج الافتتاحي في فيلم Up (2009)، الذي نرى فيه حياة كارل وإيلي معاً، الزمن مع الاستمرار في بناء الشخصية وتأسيس الصراع. لأسباب مختلفة، لم يسافر كارل وإيلي أبداً رغم أحلامهما بالمغامرة البعيدة. عندما ينتهي المونتاج وتبدأ قصة الفيلم حقاً، يكون كارل وحيداً وغير محقق لأحلامه. تكمن عبقرية هذا المونتاج في بساطته وقوته.
بينما هو بسيط بما يكفي ليفهمه الجمهور المستهدف من الأطفال، فإن المشهد مؤثر حقاً وغالباً ما يظهر في قوائم أكثر اللحظات حزناً في أفلام بيكسار. إن سرد القصص الذكي وصناعة الأفلام مثل هذه تجعل أفلام بيكسار ترفيهاً عالي الجودة، مما يظهر أن الفن والربح ليسا متناقضين.
