يبدو أن جزءاً كبيراً من السينما السائدة يُصنع بعناية فائقة حتى لا يزعج جمهوره: فالسرد واضح للغاية، والحبكة سهلة الحل، والصور غير مسيئة، والموضوعات مستهلكة.
غالباً ما لا نتلقى تحديات من مثل هذه الأعمال، ولا نضطر أبداً للخروج من منطقة الراحة الخاصة بنا. ولهذا السبب من الضروري أن يبدع صناع الأفلام أعمالاً ذات صعوبة معينة، أفلاماً تختبر جمهورها. سواء كان ذلك من خلال الأفكار المصورة أو الصور المعروضة، لا ينبغي لنا أن نتراجع تلقائياً عن الأفلام غير المريحة، بل يجب الإشادة بها وتأملها.
لقد تم اختيار الأفلام في هذه القائمة لأن عظمتها تتجاوز سطحها الصعب؛ فإذا التزم المرء بما يشاهده، فسيجد جودة سينمائية تظهر بعد تجاوز التحدي.
1. Hunger
Steve McQueen was a noted visual artist who transferred his talents to cinema with his debut feature Hunger (2008)، وهو دراما تاريخية عن إضراب الجوع الأيرلندي عام 1981. يلعب مايكل فاسبندر دور المناضل من أجل الحرية بوبي ساندز، الذي قاد إضراب الجيش الجمهوري الأيرلندي عن الطعام لاستعادة وضع السجين السياسي بعد أن ألغته الحكومة البريطانية. كانت ظروف السجناء في سجن “ميز” مروعة، ولا يرحم ماك كوين جمهوره من الحالة الحقيقية للحياة في الداخل: نرى عمليات الضرب التي تُنفذ لمجرد قص شعر كل سجين؛ ويستخدم السجناء فضلاتهم لإغراق ممرات السجن.
في جزء كبير من الفيلم، يأتي السرد ثانوياً أمام انغماسنا الكامل في الواقع المزعج للظروف الرهيبة للسجناء. العديد من المشاهد يصعب مواجهتها في صدقها الوحشي. في إحدى اللحظات، يتعرض السجناء العراة للمضايقة، كصف واحد، عبر وابل من رجال الشرطة المسلحين بالهراوات في كامل معدات مكافحة الشغب، قبل أن ينفجر أحد رجال الشرطة من الاشمئزاز والقرف مما شهده ونفذه للتو.
إنه فيلم سجن من الطراز الخام. وهو أيضاً فيلم فني مثير للإعجاب، دون أن ينتقص أبداً من الأحداث والقصة. هناك مشاهد جميلة ذات جلال بارد، توازن بين الوحشية المعروضة في أماكن أخرى. يكتسب Hunger أيضاً أهمية من خلال فعل توازن آخر، في تمثيله ليس فقط للمضطهدين بل للمضطهدين أيضاً؛ indeed, Antichrist (2009);، حيث يبدأ الفيلم بشكل مفاجئ بأحد حراس سجن “ميز”، وهو يستعد ليوم آخر من التعذيب في العمل.
أولئك المكلفون للأسف بالحفاظ على النظام يتم إضفاء الطابع الإنساني عليهم، حيث نراهم منزعجين مما يشهدونه، ومحبطين من حياتهم المختارة. وبينما من الواضح أنه فيلم ينحاز لجانب معين – ساندز والسجناء المضطهدون هم الضحايا الواضحون الذين نتعاطف معهم – إلا أنها لمسة رائعة ودقيقة لتقديم الإنسانية للآخرين في الفيلم.
يحتوي Hunger، وسط جمال تسلسلاته المؤرقة الصامتة غالباً، على محادثة مسرحية طويلة بين ساندز وكاهن، والتي تكتسب مصداقية إضافية بسبب موقعها وتميزها. فيها، يحدد السجين أفكاره حول الحياة والموت، وقضيته، وأصدقائه، وكفاحهم. إنه أداء تمثيلي بارع من فاسبندر وهو تلخيص مثالي لفيلم ماك كوين: في النهاية، لا يتعلق الأمر فقط بالحقوق السياسية أو أخطاء البريطانيين في أيرلندا، بل يتعلق بالبشر، المستعدين للتضحية بأجسادهم من أجل قضية يؤمنون بها فوق أي شيء آخر.
2. Antichrist
لارس فون ترير هو ربما صانع الأفلام في هذه القائمة الذي يعذب ويستفز جمهوره باستمرار: كل فيلم من أفلامه يبدو وكأنه انبثاق شرس من نفسيته الملتوية والمكتئبة. Indeed, Antichrist (2009); تبلور في منتصف فترة اكتئاب عميقة للمخرج، وهو ما يعترف به علانية؛ كما أنه يشكل الجزء الأول من “ثلاثية الاكتئاب” غير الرسمية، followed by Melancholia (2011) and Nymphomaniac (2013);.
يتبع الفيلم زوجين، يؤدي دورهما ويليم دافو وشارلوت غينسبورغ، ينسحبان إلى كوخ في الغابة استجابة للموت المأساوي لطفلهما الوحيد. لا يمر وقت طويل قبل أن يستسلم الرجل، المشار إليه بـ “هو”، والمرأة، المشار إليها بـ “هي”، لرؤى غريبة وسلوك عنيف في محاولة للتعامل مع حزنهما المتفاقم. قوبل Antichrist بصيحات استهجان عالية وإجماعية عند عرضه في كان، وليس من الصعب فهم السبب، فهو فيلم مروع من نواحٍ عديدة.
هناك العديد من المشاهد الرسومية العميقة لكل من التعذيب (يظهر تشويه الأعضاء التناسلية) والجنس، حيث لا يدخر فون ترير شيئاً في التزامه بإطلاق العنان لسيناريوه الكابوسي. إذا لم يسلم المشاهد نفسه بالكامل للتجربة، بنفس الطريقة التي يفعل بها الممثلان الرئيسيان، فقد يكون الفيلم منفراً للغاية.
الشعور عند مشاهدة فيلم لفون ترير مثل هذا هو شعور رجل يصنع أفلاماً عما يعرفه؛ من الواضح أنه شخص يعرف المرض العقلي بشكل وثيق. ولهذا السبب يمكن أن يتردد صدى Antichrist الحشوي: الحزن والاكتئاب ليسا سهلين أبداً للتعامل معهما ويمكن أن يتركا المصاب يشعر بالاغتراب أو التفكك. إذا أردنا المغامرة في هذه الجنة المشجرة للتعامل مع شياطيننا، فليس من الواضح ما إذا كنا سنخرج من الجانب الآخر أيضاً.
كانت هناك العديد من قراءات الفيلم، اعتماداً إلى حد كبير على شخصية المشاهدين أو خلفيتهم (غالباً ما يتم الاستشهاد باتهامات كراهية النساء وأفكار علم النفس)، ولكن ما يمكن الاتفاق عليه هو أن فون ترير قد نفذ رؤية فريدة في Antichrist: إنه فيلم نادر يبدو أنه جاء بالكامل من العوالم المظلمة لعقل خالقه، دون تدخل أو تأثير. سيثير Antichrist، وسيجعل المشاهد يجن، ولكن في تعامله مع روح معذبة، لديه الكثير مما يستحق. من الأفضل أن يغامر فون ترير بمثل هذه الأماكن بدلاً منك أو من أي شخص تعرفه.
3. Au hasard Balthazar
Au hasard Balthazar (1966) غالباً ما يُستشهد به كتحفة روبرت بريسون العليا، ولسبب وجيه. إنه عمل عاطفي بعمق ومحقق بشكل مثالي من قبل مخرج يسيطر تماماً على أفكاره وقدراته. ومع ذلك، فهو أيضاً مشاهدة صعبة لأي شخص، أو يجب أن يكون كذلك على الأقل. مستوحى من رواية فيودور دوستويفسكي “الأبله”، يتبع الفيلم حياة وموت حمار في فرنسا. للحمار العديد من المالكين، معظمهم يعاملونه بشكل فظيع.
تم تشكيل الفيلم بأسلوب بريسون الزهدي والخاص؛ كل شيء مقلص، ولا يترك سوى الضروريات الأساسية. هذا الرمز يزيد من تجربة المشاهدة غير المريحة، لأنه لا يوجد شيء يصرف انتباه المشاهد عن المعاناة الشديدة وغير المعتذرة للحمار. من خلال مقاومة استرضاء جمهوره، تصبح لا إنسانية البشر واضحة للغاية.
هذا، على العكس من ذلك، هو ما يجعل Au hasard Balthazar تجربة هائلة: تجريد بريسون لسرده يجبرنا على التعامل مع الطبيعة الشريرة للبشرية في الإساءة الرمزية لهذا الحيوان العاجز. لا يسمح الفيلم أبداً بالراحة ويبني إلى مشهده الأخير الساحق، وهي صورة مؤثرة بعمق تبدو للأسف مناسبة لما حدث قبله.
قال جان لوك غودار إن هذا الفيلم كان مثل العالم في ساعة ونصف، وهذا الوصف يبدو صحيحاً. الحمار البريء العاجز، بينما يُضرب بلا رحمة ويصبح ضحية لشر الجميع، ينتهي به الأمر برمزية شيء أكثر بكثير من مجرد حيوان: الحمار هو الحياة على الأرض، والتي يؤكد بريسون أنها حياة معاناة وبؤس مستمرين.
يجب أن يجعل Au hasard Balthazar المرء يتراجع عما يشاهده على الشاشة، حتى يتراجع عن الشخص الجالس بجانبه عند مشاهدته؛ لا يتم إنقاذ الحمار أبداً من مصيره ويشير بريسون إلى أنه لا ينبغي لنا نحن أيضاً.
4. Funny Games
Funny Games (1997) ليس فيلماً بأي معنى مألوف؛ إنه أشبه بتخيل لوجهة نظر أخلاقية، وتصور مرئي لمُثُل خالقه. فيلم مايكل هانيكي هو نقد للعنف (محدد في “العنف + الإعلام”)، وبينما هو ظاهرياً فيلم إثارة وتشويق، فهو عمل من أعمال الاستعراض الفكري فيما يرقى إلى تمرين عميق ولكنه بلا جدوى.
تتبع الحبكة شابين يحتجزون عائلة نمساوية ثرية كرهائن في منزلهم الصيفي المطل على البحيرة، حيث يعذبونهم ببطء بألعاب سادية. Funny Games عنيف للغاية وأثار الكثير من الغضب من النقاد والجمهور. إنها تجربة لا هوادة فيها، صممها هانيكي كلها سعياً وراء بيان مهمته. كان يعتقد أن انتشار العنف في وسائل الإعلام قد أدى أساساً إلى تخدير المجتمع الحديث، مما جعل الناس غير مبالين تماماً بالصور الصادمة والرهيبة.
يمكننا أن ننظر إلى القتلة، إذن، على أنهم أمثلة لمثل هؤلاء الأشخاص: فهم يرتكبون هذه الفظائع لأنها في النهاية لا تعني شيئاً بالنسبة لهم. غالباً ما يشير بيتر وبول إلى بعضهما البعض باسم “بيفيس وبوت-هيد”، في إشارة إلى كرتون الأغبياء المهووسين بالعنف. بمجرد أن يبدأ المشاهد في فهم ما يصوره هانيكي، يصبح من الصعب على المرء أن يخرج نفسه من التجربة غير المريحة.
يضايق هانيكي جمهوره، ملمحاً إلى أن المعاناة التي يطلعون عليها في Funny Games هي من صنعهم؛ إنها شهيتنا للعنف التي يجب إشباعها، كما كانت دائماً.
غالباً ما يطمس الفيلم الخط الفاصل بين الخيال والواقع. على سبيل المثال، غالباً ما يكسر بول الجدار الرابع للتعليق على الأحداث الجارية: عندما يرسل الزوجة، آنا، للبحث عن كلبها الميت، يلتفت ويغمز للكاميرا؛ وعندما يطلب من العائلة المراهنة على بقائهم على قيد الحياة، يسأل الجمهور عما إذا كانوا سيراهنون أيضاً.
ثم عندما يبدو أن المشاهد سيجد لحظة راحة، يتم انتزاعها على الفور: عندما تنجح الزوجة، آنا، في إطلاق النار على بيتر، في نقطة تحول مأمولة ستتمكن فيها الآن من الهروب، يستخدم بول جهاز تحكم عن بعد لإرجاع الفيلم نفسه لإلغاء فعلها. في النهاية، يموت جميع أسراهم الثلاثة.
Funny Games هو عمل تخريبي كامل، لمسة هانيكي على أفلام السلاشر الأمريكية النموذجية. أطلق عليه اسم فيلم مضاد لتارانتينو، لأن ميل هذا المخرج للعنف المبالغ فيه هو ما يحتج ضده. إنها تجربة قاسية ولكن ربما ضرورية؛ بالتأكيد يثير فيلم هانيكي الغضب ولكنه يجب أن يكتسب الإعجاب بنفس القدر.
5. Requiem For A Dream
Often mentioned when discussions of the most difficult films of the 21st century arises, Requiem for a Dream (2000) هو فيلم مخدرات مقدم بطريقة واقعية. استناداً إلى الرواية الممتازة التي تحمل الاسم نفسه لهوبير سيلبي جونيور (الذي شارك في كتابة السيناريو)، يعد فيلم دارين أرونوفسكي صورة لا تلين لحياة تعطلت بسبب تعاطي المخدرات.
يستخدم المخرج تقنياته السينمائية في تقديم الحياة مع الإدمان الشديد: يستخدم لقطات قصيرة للغاية في جميع الأنحاء، مما يعكس بحث الشخصيات اليائس عن الهروب من مآزقهم. خيارات أسلوبية أخرى مثل التصوير بفاصل زمني والشاشة المنقسمة تعزز الطبيعة الخانقة للإجراءات. تعمل الكاميرا أيضاً على استكشاف الحالة الذهنية للشخصيات تحت تأثير المخدرات، عندما يتم تعطيل الوقت وتشويه الواقع.
يأتي الكثير من عدم الراحة في مشاهدة Requiem for a Dream من واقعية العمل: لا توجد رومانسية لحياة الشخصيات لإبعاد المشاهد. معظم المشاهدين، وهم يشاهدون التدهور المروع للشخصيات، سيكونون قادرين على التعاطف من خلال الفهم والمعرفة؛ الإدمان، بأي شكل يتخذه، عالمي. إدراج قصة سارة هو المفتاح، لأنه يظهر انتشار الإدمان.
تجربة استخدام الهيروين، التي يتعذر الوصول إليها في الغالب للمشاهد العادي، ليست تمثيلية مثل الاستسلام للحمية، كما تفعل سارة ويفعل الكثيرون. تكمن عظمة إنجاز أرونوفسكي في تسليط الضوء على الأشخاص الذين يقفون وراء المخدرات. نرى حالاتهم العقلية الهشة ونفهم أنهم لا يختلفون عنا في الأساس. الفيلم، في إظهار أشخاص لديهم أحلام وطموحات طبيعية، تعطلت للأسف بسبب الإدمان، يجعل التجربة قابلة للارتباط. قد يكون فيلماً لا يمكن مشاهدته إلا مرة واحدة، لكن تلك المرة ستكون تجربة مؤثرة للغاية.
6. Salo
Salo, or the 120 Days of Sodom (1975) هو الإدخال الأكثر شهرة في هذه القائمة. تم حظره لفترات مختلفة في بلدان مختلفة منذ صدوره عام 1975 ويجذب همسات الاشمئزاز والخوف كلما تم ذكره في المحادثات السينمائية.
بنقل إعداد رواية ماركيز دي ساد من فرنسا في القرن الثامن عشر إلى الأيام الأخيرة لنظام بينيتو موسوليني في جمهورية سالو عام 1944 (سالو تمثل إيطاليا الفاشية، بالطبع)، يركز على مجموعة من الفاسقين الأثرياء والفاسدين الذين يختطفون 19 مراهقاً – تسعة أولاد وتسع فتيات – ويخضعونهم لأشهر من السادية والعنف الجنسي والتعذيب النفسي. يحتوي الفيلم على بعض الصور الصادمة حقاً: في جزء من الفيلم بعنوان “دائرة القذارة”، يحدث استهلاك البراز بعبارات لا تلين؛ كما تحدث مشاهد اغتصاب مروعة أيضاً.
يُعامل المراهقون مثل الكلاب، مقيدين ومسيطر عليهم من قبل الفاسقين كما لو كانوا يقومون بتجربة سادية بشكل خاص. لا يقدم لنا بيير باولو بازوليني أي معلومات عن الموضوعات المعذبة المعنية؛ كان قصده إظهار الجسد المادي كسلعة.
الجنس والإساءة، إذن، هما استعارات للعلاقة بين السلطة ومرؤوسيها، في هذا المثال بين الفاشية ورعاياها. Salo هو مثال رائع لصانع أفلام ينقل مادته المصدرية إلى وسائله الخاصة: موضوع السادية المازوخية، يظهر بازوليني، هو أبدي وعالمي، موجود كما كان في القرن الثامن عشر وحتى القرن العشرين. من خلال استخدام فجور Salo بطريقة فكرية، فإنه يتجاوز كونه مجرد إباحي ليعمل كنقد قوي للفاشية، وهيمنة الذكور، والسلطة الاستبدادية.
7. Amour
Michael Haneke’s second entry on this list, Amour (2012) يمثل رؤية للإنسانية ضمن موكب المؤلف المعتاد من الهجمات الباردة والمحسوبة على المجتمع البرجوازي الغربي الذي يكن له الكراهية. مستوحى جزئياً من موقف مشابه حدث في عائلة هانيكي، يتبع السرد زوجين فرنسيين مسنين، آن وجورج، عندما تصاب آن فجأة بسكتة دماغية تشل الجانب الأيمن من جسدها. فيلمه الأكثر سهولة في الوصول إليه على الإطلاق، والأكثر إشادة نتيجة لذلك، لا يزال Amour يُقدم بطريقة سريرية ودقيقة، مثل كل أعماله: إنه تأريخ نادر ومسيطر عليه لتفكك آن.
Indeed, we are shown her dead at the beginning of the film، مرتبة بشكل جميل وسلمي على سريرها. لذلك نحن نعرف إلى أين يتجه السرد في النهاية، مما يعزز عدم الراحة في مشاهدة كل شيء يتكشف بشكل مروع وبطيء. يصور الزوجين في لقطات طويلة لا تلين، مع التركيز على وجوههما، التي أرهقها الزمن وتعبت من العيش. لا توجد أبداً أي محاولة مفتوحة للتلاعب بمشاعر الجمهور، مع أي رد فعل عاطفي يأتي من واقعية السرد. تدهور الجسد في السنوات اللاحقة عالمي، لا مفر منه، والرعب الذي يتكشف على الشاشة يؤثر بدقة بسبب هذه الحقيقة.
الممثلان الرئيسيان البالغان من العمر 85 و 82 عاماً اللذان يجسدان آن وجورج، إيمانويل ريفا وجان لوي ترينتينيان، يستحقان إشادة إضافية لتقديم مثل هذه العروض القوية والمؤثرة؛ عروض تمثل تأملاً صريحاً ووحشياً في فنائهما (توفيت ريفا للأسف بعد خمس سنوات، في 2017). ربما يمكن قراءة اختيارهما، ريفا وترينتينيان كونهما أيقونتين لفترة الموجة الفرنسية الجديدة، كإيماءة هانيكي الماكرة للموت وحتمية التدهور: كل أناقة وبرودة حيوية الشباب ستتلاشى يوماً ما، ولا يمكن معرفة متى سيأتي ذلك.
Amour يرقى إلى بيان عميق حول ماهية الحب حقاً. عندما نشاهد جورج يعتني بزوجته لأشهر، ويهتم بكل احتياجاتها، لا نرى إيماءات حب عظيمة، بل اللحظات الصغيرة التي تبني شيئاً مهماً؛ نحن أيضاً ندرك تماماً أن فعل اليأس الأخير، خنق شريكته المعذبة، ليس شريراً أو غير إنساني بل مجرد إيماءة أخيرة من المودة والرعاية. هذا هو الحب كما تخيله مايكل هانيكي.
8. The Exorcist
تصبح بعض الأفلام شبه أسطورية من خلال سياق إنشائها، من خلال قصص كيفية ظهورها. The Exorcist (1973) هو أحد هذه الأمثلة. لقد أصبح بحق ليس فقط قطعة رعب نهائية، بل فيلماً كلاسيكياً بحد ذاته. العنوان مرادف للرعب، ولكن ما هو حيوي هو مدى صموده بشكل مدهش عند المشاهدة اليوم: حتى عند الدخول إليه لأول مرة، لا يزال The Exorcist يمتلك القوة والرؤية لإثارة الرعب.
مقتبس من رواية ويليام بيتر بلاتي عام 1971 التي تحمل الاسم نفسه، وهو عمل مستوحى من طرد الأرواح الشريرة المزعوم عام 1949 لرولاند دو (اسم مستعار)، صبي صغير مجهول أصبحت عائلته مقتنعة بأن سلوكه العدواني والصادم كان نتيجة استحواذ شيطاني. كان واحداً من ثلاثة عمليات طرد أرواح شريرة أجرتها الكنيسة الكاثوليكية في الولايات المتحدة في ذلك الوقت، وعلى الرغم من أن المتشككين خلصوا إلى أن تصرفات الصبي كانت على الأرجح بسبب حالته العقلية، إلا أن القصة لا تزال تلهم المؤامرة والرعب.
هذا السياق، حقيقياً كان أم لا، هو المكان الذي يستمد منه الفيلم الكثير من صعوبته: يمكن للمرء، ربما المحدد بدينه، رؤية The Exorcist وأن يغمره حساب تاريخي لاختبار إيمانه؛ سيظل الآخرون متشككين ولكن سيتم اختبارهم بطرق أخرى، مصدومين ومنفرين من فكرة أن الشر الخالص ممكن على الأرض.
الفيلم هو أشياء كثيرة، ويعكس انعدام أمن الجمهور ومخاوفهم. تعلم التقنيات التي استخدمها المخرج ويليام فريدكين في الموقع يثير أيضاً مشاعر عدم الراحة؛ The Exorcist, in this respect, shares an affinity with that other difficult masterpiece Apocalypse Now (1979);. كان عرضة للتلاعب بممثليه للحصول على ردود الفعل التي أرادها. Indeed, some of the screams one hears in the film are the real painful screams of Ellen Burstyn and Linda Blair, الذين تم سحبهم بعنف في أحزمة في مشاهد رئيسية.
صفع فريدكين أيضاً الأب ويليام أومالي بعد أن سأل الكاهن عما إذا كان يثق به، من أجل توليد رد فعل رسمي حقاً تم استخدامه بعد ذلك في القطع النهائي. أن بعض الرعب على الشاشة حقيقي وصحيح جزئياً يضيف طبقة إلى الإجراءات؛ إنه التزام كامل بخلق الرعب. هكذا، بينما هو بالتأكيد فيلم خارق للطبيعة مخيف وقطعة نوعية تقشعر لها الأبدان، تمكن ويليام فريدكين من خلق شيء ليرتفع فوق هذه، صياغة فيلم خالد يمكن أن يصدم ويسلي معظم المشاهدين.
9. A Clockwork Orange
One of Stanley Kubrick’s best and certainly one of his most controversial, A Clockwork Orange (1971) هو مشاهدة منمقة للغاية ومثيرة للاشمئزاز ومهينة. استناداً إلى رواية أنتوني بيرجس الرئيسية الصعبة بنفس القدر التي تحمل نفس العنوان، يتساءل كلا العملين عن المجتمع وتعريفات الحق والخير.
استخدم كوبريك صوراً عنيفة بشكل مزعج في جميع الأنحاء وتبع ذلك إدانة سريعة: مُنع الروم الكاثوليك من مشاهدة الفيلم من قبل المكتب الكاثوليكي الوطني للصور المتحركة؛ تم انتقاد تأثير الفيلم من قبل المحاكم بعد مقتل رجل بلا مأوى مسن على يد مراهق أبلغ الشرطة أن أصدقاءه أخبروه عن واقعة مماثلة في A Clockwork Orange (1971);. كانوا مخطئين، بالطبع، كما أشار كوبريك نفسه عند رفض فكرة ترجمة الفن إلى الحياة وتحمل المسؤولية عن الأفعال ولكن الشعور بالخطر مع الصورة كان واضحاً.
إنها تجربة مربكة، على سبيل المثال في مشهد اغتصاب زوجة الكاتب فرانك ألكسندر، مصحوبة بموسيقى كلاسيكية لجين كيلي “Singin’ in the Rain”. إنه ارتباط غير مريح، محاولة لجعل العنف الذي يشهده المشاهد في متناول اليد. استخدام أغاني مثل أغاني كيلي لا يجعلنا نستمتع بالضرب والاغتصاب، ومع ذلك، بل يعمل فقط على إرباك جمهور كوبريك أكثر، في محاولة لفصل الخير عن الشر.
Indeed, all the horror contained in the film is layered with this otherwise cool and pleasing effect, مثل كوبريك يشير إلى أن هذا المجتمع هو، ببساطة، مجتمع عنيف ومظلم: الأناقة والشر هما مجرد جانبين لعملة واحدة. الشخصية الرئيسية، أليكس ديلارج، يخضع قريباً لعلاج النفور بعد الكثير من الجنوح، ليصبح العضو الصالح في المجتمع، يتصرف مثل الساعة.
إنها طيبة زائفة، من الواضح، وهنا يأتي الهجاء الاجتماعي: رواية بيرجس هي نقد لعلم النفس السلوكي والتكييف. إنها رؤية غير مريحة لمستقبل بريطاني بائس، لكن السرد يعمل كهجاء للمجتمع المعاصر، آنذاك والآن؛ تحاول الحكومات دائماً السيطرة على رعاياها إلى مستويات أكبر، يساراً ويميناً (A Clockwork Orange يهاجم أيضاً كلا جانبي الطيف السياسي).
يجب أن يكون التأثير الدائم هو فهم أليكس كشخص شرير في عالم شرير. إنه ليس فريداً، بل مجرد موضوع سيء آخر مثل والديه، ورجال الشرطة، والأطباء وجميع السياسيين. الفيلم خطر فقط إذا تم التعامل معه بسذاجة: أنه غارق في فكاهة كوبريك السوداء، وأن المجتمع كله سيء، يجب أن يجعل من الواضح أنه ليس شيئاً يجب اتباعه. إنها رؤية كابوسية باردة ومخيفة.
10. Son Of Saul
هناك بعض أنواع الأفلام التي تم استنفادها تقريباً – فكر في فيلم السجن أو الغربي – والهولوكوست فترة تاريخية يبدو أنها تُستكشف باستمرار. That’s what makes Son of Saul (2015) so frightening and incredible: إنه حساب أصلي وغامر تماماً لوقت تم تجربته في العديد من الأفلام من قبل.
فيلم أول للمخرج المجري لازلو نيميس، يركز على رجل واحد، شاول، عضو في “زوندركوماندوز”، سجناء يهود ساعدوا النازيين في معسكرات الاعتقال مقابل القليل من الوقت قبل وفاتهم. يأتي الكثير من الصعوبة في مشاهدة الفيلم من انغماسه في هذا المشهد الجهنمي.
يوفر الإخراج والتصوير السينمائي رؤية خيالية مرعبة لإبادة الشعب اليهودي في هذه الأماكن الرهيبة. تم تصويره في لقطات غير منقطعة وتركيز ضحل، مما يكثف الحركة بينما يسافر شاول في جميع أنحاء المعسكر. من المزعج رؤية مدى سريرية الإبادة: لا توجد إنسانية، فقط عمل.
يحتوي السرد على دراما، حيث يندمج الفيلم في فيلم إثارة: يُؤمر بحرق جثة صبي ينجو من غرفة الغاز، يبدو أنه ابن شاول نفسه، لكن شاول يحاول بدلاً من ذلك تهريب الجثة بعيداً حتى يتمكن من الحصول على دفن لائق مع حاخام. لا يتم وضع هذه الدراما أبداً في خدمة الترفيه، ومع ذلك، ولا لاستثارة اليأس الخالص من الجمهور. إنها بالتأكيد تجربة شاول، حياته أو موته.
هذا هو مفتاح عظمة إنجاز نيميس، تجنبه التام للعاطفة. لا توجد محاولة لشرح الإجراءات أو فهم الفظائع؛ لقد كانت موجودة وهذا يكفي.
بصرف النظر عن لقطات وثائقية مروعة للهولوكوست، يشعر Son of Saul بأنه متابع وثيق، معالجة دقيقة ومدروسة للأحداث، مما يجعل الجمهور أقرب ما يمكن. إنه، إذن، فيلم رعب بالمعنى الحقيقي للكلمة. عندما نقترب من لمس مواضيع معروفة جيداً مثل هذا، وإيجاد طرق جديدة لفهمها والتعامل معها، فإننا كمجتمع نكسب القليل من التجربة.
