منذ سنواته الأولى، كان السينما في بحث دائم عن هويتها. لقد شكلت محاولات التعريف المستمرة لماهية السينما تاريخها المليء بالحركات السينمائية والمؤلفين المستقلين الذين سعوا في لحظة أو أخرى إلى دفع الحدود التعبيرية لهذا الفن.
فيما يلي قائمة بـ 10 أفلام عظيمة حددت ما يمكن أن تكون عليه قواعد اللغة السينمائية، سواء من خلال تلخيص آليات حقبة معينة أو تحديها. تعرض هذه الأفلام تقنيات سمحت للسينما بأن تصبح فناً ناضجاً قادراً على أن يكون معبراً مثل الكتابة أو المسرح، وأن تصبح ما هي عليه اليوم.
1. The Birth of a Nation (1915)
قبل إخراج الفيلم الذي اعتُبر العمل الذي جمع مختلف المحاولات والتجارب لتطوير لغة سينمائية حصرية، أخرج د. و. غريفيث العديد من الأفلام القصيرة التي مارس فيها تقنيات أشاد بها النقاد لاحقاً في فيلم “The Birth of a Nation”.
بدأ غريفيث مسيرته كمخرج عام 1908، حيث وظفته شركة “بايوغراف” لإنتاج فيلم أو فيلمين قصيرين أسبوعياً، ومن خلال هذه الأفلام تعلم غريفيث كيف يمكن للسينما التلاعب بالزمان والمكان لخلق العاطفة.
قبل غريفيث، كان هناك العديد من السينمائيين الذين دفعوا بمفهوم السينما إلى آفاق جديدة. بدأ هؤلاء الرواد في التعامل مع الفيلم ليس كمجرد وسيلة لتسجيل الواقع، بل كوسيط لتحويله.
كان ميلييس وزيكا وبورتر من بين المخرجين الذين عرضت أفلامهم تقنيات استوعبها غريفيث وطبقها لترسيخ لغة سينمائية، ورغم أنها لم تكن تمتلك الطلاقة التي ستتمتع بها الأفلام لاحقاً، إلا أنها امتلكت بنية درامية وبصرية واضحة استخدمت أدوات التقطيع السينمائي لخلق مشاعر لدى المشاهد.
كانت هذه القفزة ضرورية للسينما لتتمكن من الخوض في مواضيع أكثر تعقيداً وحساسية، ومع فيلم “The Birth of a Nation” رسخ غريفيث تلك القفزة.
2. Sunrise (1927)
كان هذا أول فيلم يخرجه ف. و. مورناو في هوليوود، وقد فاز بجائزة الأوسكار لأفضل فيلم، إنتاج فريد وفني في حفل توزيع جوائز الأوسكار الأول. صُنع الفيلم بحماس المخرج الألماني الأسطوري الذي قدم كلاسيكيات ألمانية مبكرة مثل “Nosferatu” (1922) و”Faust” (1926)، وبالتالي توفرت ميزانية ضخمة وقدر كبير من الحرية الفنية لمورناو.
تعززت هذه الحرية بالمسافة التي اتخذها مورناو من التعبيرية الألمانية، والحرية العامة التي يكتسبها الفنان عندما يبتعد عن السياق الذي تطور فيه عمله.
تجسدت هذه الحرية، إلى جانب النضج الذي اكتسبه مورناو بعد إخراج العديد من الأفلام، في عمل يجمع بين السمات التعبيرية والرمزية والواقعية. في هذا الفيلم، روى مورناو قصة رجل تغلبه التجربة، لكن حبه لزوجته يمنحه الخلاص.
في هذه الحكاية، استطاع مورناو خلق تصوير نفسي واقعي للبطل من خلال الكاميرا. وباستخدام تقنيات مثل لقطات التتبع، والشفافية، واللقطات القريبة، والتمييز بين اللقطة المزدوجة واللقطة الفردية، نقل مورناو الرحلة العاطفية والمعضلة الأخلاقية التي كان يعيشها البطل. بهذه التقنيات، خلق مورناو فيلماً سمح للسينما باتخاذ خطوة أخرى نحو الفن الناضج الذي ستصبح عليه قريباً.
3. El Compadre Mendoza (1933)
صاغ المخرج المكسيكي الأسطوري فرناندو فوينتيس في عام 1933 فيلماً كانت تقنياته بمثابة ملخص لأحدث الأساليب التي طورت في السينما الأمريكية والأوروبية، وخطوة متقدمة لتقنيات ستُستخدم في أفلام بعد سنوات طويلة.
تماشياً مع تقدم السينما العالمية كوسيط قادر على التعبير عن مواضيع وعمليات أكثر تعقيداً، ومع التقدم التكنولوجي للصوت، ابتكر فوينتيس فيلماً معبراً بعمق من نواحٍ عديدة. عرض الفيلم قصة مزارع مكسيكي، بسبب تعاطفه مع جميع أطراف الثورة والحكومة، يجد نفسه في معضلة أخلاقية تشمل الصداقة والشرف والطموح.
هيكل فوينتيس الفيلم بطريقة مثيرة للاهتمام، درامياً وبصرياً. يحتوي الفيلم على خطوط فرعية يتجسس فيها خادم أصم على المزارع وقائد حكومي، وهو أسلوب هيكله فوينتيس بشكل يشبه مشهد فيلم “2001: A Space Odyssey” حيث يتجسس هال على رواد الفضاء. كما يحتوي على لحظات من المودة غير المنطوقة وتفاهم متبادل حيث يصبح الصمت معبراً من خلال الإخراج المشهدي والتقطيع الذي يقوم به فوينتيس عبر الكاميرا.
4. La Grande Illusion (1937)
أحد أعظم أساتذة السينما الفرنسية هو جان رينوار، الذي كان يحظى بتبجيل “الأطفال الرهيبين” في دائرة أندريه بازان، الذين اعتبروه واحداً من أعظم المخرجين الذين عاشوا على الإطلاق.
ربما تكون تحفته الأولى هي “La Grande Illusion”، وهو فيلم كان نتيجة للواقعية الشعرية الفرنسية في الثلاثينيات، والتي استخدمت التطورات التكنولوجية لخلق سينما كان موضوعها المدينة ومنبوذيها. صُنع هذا الفيلم بعناية ودقة فائقتين، وهي سمة مميزة لأفلام رينوار، ولكن أيضاً بحساسية كبيرة واهتمام بنقل جانب من الحالة الإنسانية.
بخصوص هذا الفيلم، قال أورسون ويلز إنه سينقذه إذا كان بإمكانه إنقاذ فيلم واحد فقط في العالم. يمكن فهم هذا التأكيد من ويلز عند التفكير في التقنيات الرئيسية التي طورت في هذا الفيلم وفي الواقعية الشعرية الفرنسية، والتي أثرت بقوة على الأفلام التي سيخرجها ويلز لاحقاً.
كان الحوار والأجواء والإخراج المشهدي هي الأدوات التعبيرية الرئيسية التي استخدمها رينوار لصياغة هذا الفيلم. في تصوير الحرب الذي قدمه رينوار في “La Grande Illusion”، تم تكوين الإطارات بطريقة تكتسب قيماً تعبيرية قوية لم يسبق لها مثيل في شكل سينمائي.
5. Citizen Kane (1941)
تم إبرام صفقة مع رجل تمكن من خداع الولايات المتحدة من خلال اقتباس إذاعي لـ “The War of the Worlds”. سمحت هذه الصفقة لأورسون ويلز الشاب ببدء فيلم كان سيتمتع فيه بحرية فنية شبه كاملة، ورغم أنه كان أول فيلم في مسيرته، إلا أنه أصبح واحداً من أكثر الأفلام تأثيراً في التاريخ.
لم يتلقَّ ويلز تعليمه في صناعة السينما بل في المسرح، وبالتالي اقترب من السينما بطموحات فنان وقدر كبير من الجهل أو الشجاعة (ربما كلاهما)، مما قاده إلى إنشاء فيلم أعاد تعريف قواعد اللغة السينمائية ومفهوم ما يمكن أن يكون عليه الفيلم.
صاغ ويلز “Citizen Kane” بالتعاون مع رجل كان، على عكسه، يمتلك خبرة كبيرة في صناعة السينما: مدير التصوير غريغ تولاند. أراد هذا المخضرم في السينما العمل مع شخص مثل ويلز، كان قادراً على دفعه إلى ما هو أبعد مما اعتاد عليه المخرجون الآخرون المعتادون على الفكرة الشائعة للسينما.
كان هذا التعاون هو الذي سمح لكليهما بأخذ تقنيات التركيز العميق إلى أقصى إمكاناتها. لقد خلقوا صورة نفسية لتشارلز فوستر كين حيث سمح لهم التركيز العميق للكاميرا بتكوين الإطارات بطريقة تجعلها أكثر ديناميكية، وأصبح الإخراج المشهدي أكثر تعبيراً بسبب موقع الكاميرا.
6. Ossessione (1943)
كان أول فيلم للواقعية الجديدة الإيطالية هو “Ossessione”، من إخراج لوتشينو فيسكونتي. في هذا الفيلم ظهر الأسلوب الوثائقي والاهتمام بالحياة اليومية لأول مرة في السينما الإيطالية.
على الرغم من أنه لم يمتلك نضج الحركة الذي يمكن رؤيته لاحقاً في العقد، مع أفلام مثل “Bicycle Thieves” (1948) أو “Germany, Year Zero” (1948)، إلا أن الواقعية الجديدة الإيطالية بدأت مع هذا الفيلم. بعد هذا الفيلم، بدأ رواد الحركة الآخرون، فيتوريو دي سيكا وروبرتو روسيليني، في صنع أفلام عرضت خصائص الحركة.
إن النقاش حول ماهية الواقعية الجديدة الإيطالية بالضبط أمر معقد، خاصة بسبب حقيقة أن العديد من المخرجين الذين يُعتبرون جزءاً منها نفوا أن أفلامهم صُنعت لتكون واقعية جديدة. ولكن هناك بالفعل تفاهم مشترك على أن هذه الأفلام كانت استجابة “ثورية” لما كانت عليه السينما حتى ذلك الحين.
سمح تغيير الموضوع من مشاكل الأرستقراطيين إلى الصراع اليومي للطبقات الدنيا، إلى جانب لغة منقحة، للإيطاليين بصنع أفلام روت قصصاً مختلفة تماماً عما رآه العالم من السينما حتى ذلك الحين.
7. A Man Escaped (1956)
أقدم روائع روبير بريسون، المخرج الفرنسي الذي أثر في مخرجين مثل أندريه تاركوفسكي، ومايكل هانيكي، وأكي كاوريسمكي. أول فيلم يعرض في أقصى درجاته أسلوب بريسون الزهدي والدقيق وغير المتنازل. في هذا الفيلم، يتم تصوير الصراع العاطفي والنفسي لرجل يحاول الهروب من السجن بأسلوب تم تنقيته ليكون “سينما نقية”، خالية من تأثيرات المسرح والفنون الأخرى.
كان لدى بريسون فكرة أن السينما يجب أن تطور لغتها الخاصة، لغة تستخدم فقط تجاور الأجزاء التي لم تكن ذات معنى بمفردها، ولكنها كانت ذات معنى فيما يتعلق بالهيكل. في هذه الأفلام، التمثيل ليس مهماً: وفقاً لبريسون، التمثيل هو زيف في السينما وبالتالي يجب تجنبه.
في نوع أكثر سوفيتية من السينما، تُخلق العاطفة فقط من خلال آلية السينما (أو على الأقل تلك التي اعتقد بريسون أنها حصرية للسينما). في “A Man Escaped”، نرى سينما التفاصيل والنظرات التي تصبح ذات معنى في نفس الوقت الذي تكون فيه غامضة.
8. Breathless (1960)
بدأ الأمر في مجلة “كراييه دو سينما”، كتمرد ضد الفكرة الشائعة لماهية السينما العظيمة، وإعادة تقييم المخرجين الذين تم إهمالهم حتى ذلك اليوم. تحول تمرد هؤلاء النقاد إلى حركة سينمائية متمردة حيث تمكنوا من صنع أفلامهم وبدء الموجة الجديدة الفرنسية. أحد أوائل الأفلام التي صُنعت في هذه الحركة كان من إخراج جان لوك غودار، وقد تحدى العديد من القواعد التي لم يتم التشكيك فيها حتى ذلك الحين.
حقيقة أن أفلام الموجة الجديدة الفرنسية أُنتجت في ظل مخططات مستقلة جداً سمحت لمخرجين مثل غودار بالصياغة بطريقة شخصية أكثر بكثير، وتحمل مخاطر لم يتم تحملها من قبل في السينما، ورواية قصص بمواضيع وآليات لم يسبق لها مثيل.
أحد السمات الرئيسية لفيلم “Breathless” هو استخدام المونتاج. يعد التحرير المفاجئ والانتقالات أمثلة على كيفية بدء أفلام الموجة الجديدة الفرنسية في كسر قواعد السينما وبالتالي دفع حدود لغة، وفقاً لهم، بدأت في النمو بشكل راكد.
9. Persona (1966)
كان إنغمار بيرغمان مخرجاً ناضجاً بحلول الوقت الذي صنع فيه “Persona”، وربما كان ذلك بسبب سمعته التي مكنته حتى من صنع هذا الفيلم. بعد روائع مثل “Wild Strawberries” (1957)، و”The Seventh Seal” (1957)، و”Winter Light” (1963)، قرر بيرغمان صنع واحد من أكثر أفلامه تحدياً. تعاون مع طاقمه الطويل من الممثلين والتقنيين الذين اعتادوا العمل معه، وقال إن سيناريو الفيلم كان مقطوعة موسيقية ساعده متعاونوه في تحويلها إلى موسيقى.
يتضمن الفيلم تفاعلاً معقداً بين شخصية تظل صامتة لمعظم الفيلم، وأخرى تحاول جعلها تتحدث، وبسبب فشلها تبدأ في الحديث عن نفسها. الشخصيات هي موضوع عملية نفسية معقدة جداً يصورها بيرغمان من خلال التقنيات العديدة التي تمتلكها السينما كفن ناضج، والتي فهمها هو كمخرج ناضج. وهكذا، انعكس الفيلم من خلال تفرد لغته وتفرد قصته.
10. The Mirror (1975)
كافح أندريه تاركوفسكي لصنع كل فيلم من أفلامه السبعة، وربما كان “The Mirror” هو الفيلم الذي كان من الصعب عليه إقناع المخرجين الآخرين به.
باعتباره فيلماً سيرة ذاتية عميقاً، قد يكون هذا أكثر أفلام تاركوفسكي شخصية، حيث ادعى ذات مرة أنه في أي لحظة إذا شعر أنه يفعل شيئاً فعله شخص آخر من قبل، فسيغيره على الفور. تتحدى حبكة الفيلم أي محاولة لتلخيصها: فهي لا تحتوي على حلقات درامية واضحة، وبدلاً من ذلك تعرض أجزاءً عديدة في حياة شخصيات متعددة دون اتصال واضح.
إنه فيلم غامض للغاية يخلق لغته الخاصة. تكمن تفرد اللغة المستخدمة في هذا الفيلم في أنها تعتمد بشكل كبير على المشاهد. وضع تاركوفسكي المشاهد في موقف نشط، مع مسؤولية تفسير ما يراه بشروطه الخاصة.
مع هذا الفيلم، اقترح الأستاذ الروسي نوعاً مختلفاً من السينما عما تم القيام به حتى ذلك الحين، حيث يتم توجيه المشاهد عبر الرحلة العاطفية والنفسية للشخصية.
