مع التركيز على العناوين الأقل شهرة، تقدم هذه القائمة نظرة موجزة على عالم الرسوم المتحركة الحديث. من تقنية إيقاف الحركة (stop-motion) إلى التقنيات التقليدية، ومن أفلام الفن التجريبي إلى خيالات الأطفال، يتضمن المقال عشرة أفلام قصيرة وعشرة أفلام طويلة تم ابتكارها في زوايا مختلفة من العالم.
سواء استُخدم هذا الوسيط لأسباب تتعلق بالميزانية أو ببساطة لأنه أكثر ملاءمة من التصوير الحي، فإنه غالباً ما يتيح للمبدعين إطلاق العنان لخيالهم بحرية للحصول على نتائج مذهلة. إن الأشهر أو حتى السنوات التي يقضونها في تحريك الدمى بدقة أو الرسم إطاراً تلو الآخر تستحق التقدير.
ملاحظة: عدد من هذه الأعمال متاح على منصات Vimeo أو YouTube أو DailyMotion.
1. Allerleirauh (Anja Struck, 2004) / Germany
مستوحى من حكاية الأخوين غريم الخيالية التي تحمل الاسم نفسه، يُعد فيلم “Allerleirauh” فانتازيا غامضة لا تبدو أنها تشترك في شيء مع العمل الأصلي. في هذه النسخة، يتم استبدال الأميرة التي تهرب من رغبات والدها المحرمة وتختبئ تحت عباءة من الفراء، بفتاة ذات عينين غير بشريتين وساقين مبتورتين، محاصرة في كابوس سريالي متكرر.
تتحدث الرسامة الألمانية أنيا ستراك بلغة العقل الباطن الباطنية لتروي، أو بالأحرى لتُظهر، حكاية رمزية عن إساءة معاملة الأطفال، وبذلك تظل وفية للجذور الأدبية للقصة القاتمة. تظهر دمية قرد تقرع الصنج، ورجل برأس ثعلب، وظبية صغيرة، ومرضعة من ضباب طفولة مسلوبة، مما يزعج سلام البطلة المأساوية. تمتزج ذكرياتها، الجيدة والسيئة، في كلٍّ مثقل بالهموم، مما يجعل عزلتها المفروضة على نفسها أكثر صعوبة.
من خلال الصور القوطية والشعرية والغامضة التي تكملها مقطوعة Goldfrapp الأثيرية “Felt Mountain”، تحقق ستراك أجواء من رهاب الأماكن المغلقة و”العنف الخفي”، محركةً ممثليها المقنعين كما لو كانوا دمى غريبة بالحجم الطبيعي. في الإخراج المشهدي البسيط الخاص بها، يعمل قلب الغابة المظلمة كقفص للبطلة، ويشير الصليب المصنوع من المسامير الذي يظهر أحياناً على سرير حديدي إلى أن الوالد المسيء قد يكون رجل دين.
على الرغم من أن مدته سبع دقائق فقط، يترك فيلم “Allerleirauh” انطباعاً دائماً. وهو قابل للمقارنة بأوائل أعمال الأخوين كواي، مثل الفيديو الموسيقي لأغنية “Are We Still Married?” لفرقة His Name Is Alive.
2. Blade of the Phantom Master (Jōji Shimura, 2004) / Japan | South Korea
يغطي الفيلم الفصول الأولى من المانها التي تحمل الاسم نفسه – والتي كان عنوانها الأصلي “Shin Amen Osa” (أو “Shin Angyō Onshi” باليابانية) والمستندة إلى الكلاسيكية الكورية “أسطورة تشون هيانغ” – ويُعد الظهور الإخراجي الأول لجوجي شيمورا، وهو أول تعاون من نوعه بين اليابان وكوريا الجنوبية. يجمع الفيلم بين الأكشن والفانتازيا والمغامرة والرعب وقليل من الكوميديا في قصة من فصلين تركز على المآثر الأولى لـ “مونسو”، البطل المناهض الذي يُعد آخر عملاء الملك السريين المعروفين باسم “أمين أوسا”.
بعد أن يقدم لنا المشهد الاستهلالي القصير الإطار العام – أرض “جوشين” الخيالية التي كانت مزدهرة يوماً ما والمصممة على غرار كوريا الإقطاعية – نلتقي بـ “مونسو” وهو يتجول في الصحراء الحارقة ويفقد وعيه في النهاية. يساعده باحث شاب يُدعى “مونغ ريونغ”، الذي – قبل أن يُقتل وتلتهمه غيلان الرمال المتوحشة – يشرح خططه لإنقاذ حبيبته “تشون هيانغ”، المحتجزة من قبل الحاكم الطاغية الجديد لبلادهم. وبذكائه المعهود، ينجح “مونسو” في الهروب، ويقبل على مضض مهمة إنقاذ ذلك المسكين (وحيوانه الأليف خفاش الرمال).
ما يتبع ذلك هو لقاء “مونسو” بـ “تشون هيانغ” الهادئة والجميلة، ولكن الشرسة، التي تصبح حارسته الشخصية (Sando) لتكريم ذكرى حبيبها الميت. يسافر الاثنان معاً ويصلان إلى جزيرة نائية ومسالمة حيث لا شيء على ما يبدو…
يتميز الفيلم بشخصيات رائعة (سواء الرئيسية أو الأشرار)، ورسوم صلبة، وأداء صوتي ممتاز (سواء شاهدته مدبلجاً باليابانية أو الكورية)، ورسوم متحركة حركية، وموسيقى تصويرية مناسبة تستلهم من الموسيقى الشرقية التقليدية. يعمل فيلم “Blade of the Phantom Master” تقريباً كحكاية شعبية تحذيرية ممزوجة بـ “مغامرات” على طراز كاواجيري (مع تخفيف كراهية النساء بشكل كبير). ليس فيلماً يجب مشاهدته بأي ثمن، لكنه أنمي ساحر رغم ذلك.
3. The Island of Dr D. (Aija Bley, 2005) / Latvia
في ثلاثة عشر دقيقة، يقدم فيلم “The Island of Dr. D (Doktora D. Sala)” مزيجاً غريباً من الفانتازيا والغموض المستوحى نوعاً ما من التعبيرية الألمانية. يركز الفيلم على ممرضة جذابة تُدعى “جوليا”، تصل إلى الجزيرة التي تحمل الاسم نفسه لحل قضية اختفاء سابقاتها. وعلى عكس توقعاتها، تجد جميع زميلاتها على قيد الحياة وبصحة جيدة، يغنين ويرقصن في عقار الدكتور “دي” الغامض…
بالنظر إلى أن المضيف المخيف والمضياف يشبه كلاوس كينسكي في فيلم “Nosferatu the Vampyre” لهيرتزوغ، فمن السهل تخمين أنه مصاص دماء. ومع ذلك، وبما أنه ليس معتاداً على غرس أنيابه في أقرب رقبة، فإنه يحتاج إلى مساعدة العاملين الطبيين. لكن اللغز الذي يصعب حله هو الوافدة الجديدة التي يمكن لجسدها المثير وشعرها الأحمر أن يدفعا الرجال إلى الجنون بسبب الشهوة ويسببا تغيراً مفاجئاً في الفصول.
تستند البطلة إلى الممرضة الجذابة التي التقت بها المؤلفة في سويسرا، في محطة التبرع بالدم. مستوحاة من الزيارات المتكررة للشباب الذين كانوا يتحملون وخز الإبر المتعدد لمجرد مغازلة الفتاة، كتبت “آيجا بلي” قصة عن الشغف والأنوثة والقوة السحرية والخطيرة للجمال.
متجنبةً الحوار، تبني السرد على تكوينات بصرية رائعة تكشف عن تأثير هنري ماتيس، وفن البوب، وسيكيدلية السبعينيات. تصميم الشخصيات المنمق يذكرنا برسوم الكاريكاتير الواقعية الاشتراكية، حيث يبدو أحد المشاهد كتحية مباشرة لخداع بصر إيشر. الرمزية الغامضة والموسيقى التصويرية الأثيرية تكمل الأجواء الحالمة.
4. The Torchbearer (Václav Švankmajer, 2005) / Czech Republic
في جنح الليل، بينما حتى القمر ينام بعمق، يصادف جندي يرتدي درعاً يونانياً رومانياً حصناً ويدخله. يسكن التصميم الداخلي الشبيه بالمتاهة لهذا الصرح تماثيل نسائية مسحورة، بالإضافة إلى فئران متعطشة للدماء. ما هي التحديات التي تنتظر بطلنا الشجاع؟
يُعد فيلم “The Torchbearer (Světlonoš)” الفيلم القصير الثالث (وحتى الآن الأخير) لفاتسلاف – ابن يان – شفانكماير، وهو أشبه باقتباس لأسطورة قديمة، حيث الشخصيات (الصامتة) نمطية والقصة رمزية. الصور المظلمة والغامضة التي يستند إليها السرد تشير إلى زوال الوقت وصراع القوى الذي لا ينتهي، ومع ذلك فإن الفيلم مفتوح لتفسيرات أخرى، خاصة إذا تم النظر إلى البطل كمتسلل.
شفانكماير، الذي يعمل أيضاً كرسام وطباع وفنان كولاج، يستفيد إلى أقصى حد من وقت العرض القصير، مظهراً حسه المرهف بالتفاصيل مع كل من الدمى وتصميم المشهد. وبفضل التصوير السينمائي الرائع لمارتن شتيبانيك، وتصميم الصوت المؤثر لأوندريه جيجيك، والموسيقى التصويرية الكئيبة والبسيطة لفرقة Envoi (لا يجب الخلط بينها وبين فرقة البوب روك من كليفلاند)، فإنه يؤسس لأجواء كثيفة من الرعب المستمر.
تشير معلومة مثيرة للاهتمام من قاعدة بيانات الأفلام التشيكوسلوفاكية إلى أن العنوان الأصلي “Světlonoš” هو الترجمة التشيكية الحرفية للكلمة اللاتينية “لوسيفر”.
5. Aachi and Ssipak (Jo Beom-jin, 2006) / South Korea
بعد سنوات عديدة من الآن، يُحكم على الناس بمصدر واحد فقط للطاقة – فضلاتهم الخاصة. يُكافأ المواطنون الأكثر “إنتاجية” بقضبان مثلجة غنية بالملينات. الأوقات العصيبة تتطلب تدابير صارمة، والتي في هذه الحالة تشمل مجرمين صغاراً، مثل “آتشي” و”سيباك”، اللذين يبيعان الحلوى المسروقة التي كسباها بشق الأنفس على مقعد المرحاض.
في سلسلة من الأحداث التجارية الغامضة، يتواصل الثنائي مع ممثلة طموحة ذات صدر كبير (والنجمة الجديدة لصديقهما مخرج الأفلام للبالغين)، “بيوتيفول”، التي تستهدفها “عصابة الحفاضات” المتحولة، وضابط شرطة سايبورغ يُدعى “جيكو”، وعمدة قاسية تشبه طالبة المدرسة ذات جبهة عريضة. وإذا كنت تتساءل لماذا يريد الجميع الإمساك بالفتاة، فالسبب هو “رقم اثنين” الفاخر الخاص بها.
يُعد فيلم جو بيوم-جين الأول (وحتى يومنا هذا، الوحيد) فيلماً طويلاً مبتذلاً وعنيفاً ووقحاً وغير محترم وساخراً ولا يعتذر وغير صحيح سياسياً، وهو أيضاً ممتع بلا هوادة ومليء بالسخرية الحادة. يتميز بإيقاع ديناميكي وتغذيه فكاهة المرحاض (حسناً، هذا منطقي)، ويشعر المرء في الغالب أنه تسلسل أكشن طويل ومستمر مدفوع بموسيقى الروك/التكنو/الميتال عالية الأوكتان.
كلمتان من أكثر الكلمات استخداماً في الحوارات هما، منطقياً، “مؤخرة” و”قذارة”، حيث الشخصيات غريبة تماماً ومنحرفة و”غارقة” في العديد من الإشارات إلى أفلام شهيرة، من “Battleship Potemkin”، مروراً بـ “Dr Strangelove” و”Alien” و”Robocop” وصولاً إلى “Matrix”. تأتي جرعة إضافية من الاستفزازات مع العمل الفني الغريب والفريد نوعاً ما ذي الألوان الزاهية الذي يعمل كمنعش للمحتوى “المسيء”.
لذا، إذا كنت تحب “رسوم” باكشي و/أو سلسلة “South Park”، فمن المؤكد أنك لن تكره “Aachi and Ssipak”.
6. Going Nuts (Juan José Ramírez Mascaró, 2006) / Spain
يحل الظهور الإخراجي الأول لخوان خوسيه راميريز ماسكارو المعضلة الأبدية: “هل من الممكن للفول السوداني أن يُجن، مع الأخذ في الاعتبار أنه تقنياً من البقوليات؟” إنه أيضاً فيلم الرعب الكوميدي المتحرك الوحيد في العالم بأسره الذي يقوم ببطولته حبات فول سوداني مرسومة يتم تحريكها بواسطة أيدي بشرية – تقنية دمى غير عادية، لكنها تعمل بسحر.
تروي القصة تجارب ومحن رسام كتب أطفال بارز يتم توظيفه من قبل مدير “مركز للمنتهية صلاحيتهم عقلياً” يقع في غابة مظلمة حيث دُفن إدغار آلان موند (هل فهمت؟). ستكون وظيفة البطل هي تزيين جدران المستشفى المتعفنة وجلب بعض الفرح إلى المكان الكئيب. ما يبدو في البداية كمهمة سهلة يتحول تدريجياً إلى كابوس يبلغ ذروته بمجرد دخول الفنان إلى ممر غير مضاء مليء بالصرخات المروعة…
بالنظر إلى أن المجموعات المخيفة قد تم بناؤها باستخدام مواد معاد تدويرها، يمكن تصنيف “Going Nuts (Gritos en el pasillo)” على أنه “فيلم رعب صديق للبيئة”، على الرغم من أن المرء لا يسعه إلا الاستمرار في الابتسام طوال الطريق حتى النهاية، عندما يتم تقديم حل “deus sex machina”. هناك الكثير للاستمتاع به هنا، سواء كان السيناريو الذكي لماسكارو، أو الأداء الصوتي الرائع، أو المرئيات المجنونة والمقنعة بما في ذلك الجداريات الملونة (والتي تصبح لاحقاً مريضة).
7. Fear(s) of the Dark (Blutch, Charles Burns, Marie Caillou, Pierre Di Sciullo, Lorenzo Mattotti & Richard McGuire, 2007) / France
تُعد مختارات الرعب المتحركة بالكامل نادرة جداً، حتى بين أنمي السينين، لذا يبدو فيلم “Fear(s) of the Dark” فريداً جداً. إنه يمثل جهداً رائعاً لستة فنانين من فرنسا وإيطاليا والولايات المتحدة يجتمعون لتقديم رؤاهم الأكثر أو الأقل رعباً إلى الشاشة الفضية، “بالأبيض المضيء، والأسود النابض، والرمادي الرائع”، كما تقول جانيت كاتسوليس في مراجعتها لصحيفة نيويورك تايمز.
يوفر بيير دي سكيولو فواصل تنويم مغناطيسي “تلتف حول” التجريد الهندسي نستمع خلالها إلى امرأة تعبر عن مخاوفها من خلال مونولوج يشبه الجلوس على أريكة الطبيب النفسي. تتناول هذه الأجزاء العديد من المخاوف المعاصرة وهي الأكثر تجريبية، لكنها الأقل رعباً.
يذهب كريستيان هينكر المعروف باسم “بلوتش” إلى أسلوب جريء مع سخريته القاتمة (من الرأسمالية؟) التي تشبه أسلوب بيوتر دومالا، والتي تصور نبيلاً نحيفاً وشرريراً يتجول في الريف، ويطلق كلابه الأربعة المتعطشة للدماء، واحداً تلو الآخر، على الضحايا المطمئنين. من قلمه الرسومي تظهر الخطوط المعقدة والمرتجفة المتشابكة مع الرعب نفسه.
في مشهد CGI منمق للغاية غارق في ظلال سميكة ومسننة، يستكشف تشارلز بيرنز انعدام الأمن الجنسي والهوس غير الصحي. لذا، فهو يركز على انطوائي ذكي، “إريك”، الذي يتم تقويض اهتمامه بالحشرات في علاقة رومانسية تبدأ بحلاوة، لكنها تتحول تدريجياً إلى جحيم عالم الحشرات.
الفتاة الوحيدة في الفريق، ماري كايو، تستلهم من الفولكلور الياباني وتقدم الجزء الأكثر غرابة المهيكل كحلم سيء داخل حلم أسوأ. بطلتها، طالبة مدرسة مصدومة تُدعى “سوماكو أياكاوا”، تتلقى علاجاً سريرياً مشكوكاً فيه لكوابيسها التي تتعرض فيها للتنمر الشديد من قبل زملائها في الفصل وتطاردها روح ساموراي. بضع لمسات من الأحمر (الدموي) (تطفل اللون الوحيد في الفيلم) تقطع الصور أحادية اللون مثل السكين.
بعد “أنمي كايو الزائف” تأتي حكاية لورينزو ماتوتي المخيفة والموضحة بالفحم ذات الوتيرة المتعمدة والانتقالات السلسة حيث تلتقي ذكريات الطفولة بالخرافات الريفية. يضيف ملمسها الناعم والحبيبي طبقة إضافية من الخوف إلى الأحداث.
والأكثر سواداً في النهاية هو تناول ريتشارد ماكغواير لقصة منزل مسكون. خالٍ من الحوار ومقدم في تكوينات “تشياروسكورو” (الضوء والظل) البسيطة والفعالة، هذا الغموض المزعج أكثر شبهاً بأسلوب بو من فيلم “Extraordinary Tales” لراؤول غارسيا.
8. North Dragon (Riho Unt, 2007) / Estonia
إذا كنت تحب أفلامك (القصيرة) غريبة ومحيرة، فإن “North Dragon (Põhjakonn)” هو بالتأكيد الفيلم المناسب لك. مقتبس من الحكاية الخيالية “ضفدع من الشمال” كما سجلها فريدريش راينهولد كرويتزوالد (الذي يُعتبر أباً للأدب الوطني الإستوني)، تتركك هذه الفانتازيا السريالية تحك رأسك، بغض النظر عن عدد المرات التي تشاهدها فيها.
وفقاً للملخص الرسمي، فإنه يصور قصة جندي شاب ينقذ العالم من الوحش الذي يحمل الاسم نفسه، بمساعدة عذراء أسطورية من الجحيم، “بورغونيتسي”. عندما يدرك أن شيئاً لم يتغير للأفضل، يقود العالم إلى الخراب مرة أخرى.
يذهب ريهو أونت إلى سرد غنائي، مختزلاً الحوار إلى الحد الأدنى ومعتمداً على فنه في إتقان الدمى. من خلال مزج الرسوم المتحركة المذهلة بتقنية إيقاف الحركة مع بعض مشاهد التصوير الحي الحالمة التي تبدو تقريباً كعرض باليه، يبدو عمله كأسطورة شعبية مفككة – صوفية وغنية بالرمزية.
مصمماً بعناية فائقة، يظهر مهرج مشاكس، وملوك شرهون، وغرابين أشعثين (يبدوان وكأنهما تائها عن موقع تصوير فيلم “The Storyteller” لجيم هينسون) وبطلنا في شكل دمية من المشهد الأبيض المتسخ الذي يشبه الأطلال القديمة. بفضل العين الثاقبة لمدير التصوير أورماس جوميس، كل لقطة تستحق أن تُؤطر وتُعلق في معرض.
9. Alice’s Birthday (Sergei Seryogin, 2009) / Russia
استناداً إلى كتاب عام 1974 من سلسلة أطفال كير بوليشوف “أليسا سليزنيوفا” (1965-2003)، يحيي الظهور الأول للفيلم الطويل لسيرجي سيريوجين الخيال العلمي السوفيتي عبر رسومه المتحركة ذات الطراز القديم على غرار فيلم رومان كاتشانوف (الموصى به بشدة) “The Mystery of the Third Planet (Tayna tretey planety, 1981)” الذي هو أيضاً اقتباس لعمل بوليشوف. تدور أحداث القصة في نهاية القرن الثاني والعشرين وتؤرخ لمغامرة البطلة التي تحمل الاسم نفسه المثيرة عبر الزمن.
ابنة عالم حيوان الفضاء سليزنيوف الفضولية والمشاكسة، “أليس”، ترسب في امتحان التاريخ (حول موضوع إيفان الرهيب) قبل أسبوع واحد من عيد ميلادها، بينما تسبب ضجة في الفصل الدراسي مع حيوانها الأليف الذي يشبه الحبار. ومع ذلك، تقرر إبقاء درجتها السيئة سراً عن نفسها ومشاركتها فقط مع صديق والدها ذي الأذرع الأربعة من تشوماروزيان “جروموزيكا” الذي يقدم لها رحلة إلى كوكب كوليدا الميت المكتشف حديثاً.
بمجرد وصولهم إلى هناك، يعلم أعضاء البعثة أن السكان قد أُبيدوا بسبب الطاعون غير المعروف قبل 100 عام، لذا تسافر “أليس” وعالم فضائي، “ررر”، الذي يشبه قطة بعين واحدة، إلى الماضي من أجل منعه من الانتشار.
على الرغم من أننا نعلم جميعاً أن الفيلم سينتهي بنبرة سعيدة، حتى عندما تواجه “أليس” عقبات (ظاهرياً) لا يمكن التغلب عليها، ينجح سيريوجين في إبقائنا منخرطين ومستمتعين، بالإضافة إلى سحرنا بالعمل الفني الغريب والملون. من خلال مزج الرسوم المتحركة الكلاسيكية والكمبيوتر بسلاسة، يحقق فريقه مظهر كتاب صور غريب من السبعينيات ينبض بالحياة، مع شخصيات زاهية ومحددة بجرأة تبرز من الخلفيات “المخملية”. إذا كنت ترغب في إيقاظ طفلك الداخلي (والمهووس)، فلا تبحث عن المزيد.
10. Cages (Juan José Medina, 2009) / Mexico
بعد تسع سنوات من ظهوره الأول الممتاز – فيلم الرعب بتقنية إيقاف الحركة “The Eighth Day of Creation (El octavo día de la creación)”، يقدم خوان خوسيه ميدينا صورة مصغرة أخرى رائعة – فانتازيا رمزية لما بعد نهاية العالم “Cages (Jaulas)”. إنها تصور “دورة من الإساءة والاستغلال في خضم الخراب”، وفقاً للملخص الرسمي، حيث يكتنف الغموض أبطالها الغريبين.
في البداية، نرى رجلاً عجوزاً يتجول في الصحراء، بينما يحمل عدة أقفاص خشبية على ظهره. بعملة ذهبية في يده اليسرى، يرسم علامة الصليب، قبل أن تحرر عاصفة رملية مفاجئة أحد أسراه – كيوبيد بوجه طفل، وصوت عذب، وعمود فقري عارٍ كذيل – وتغير حياته إلى الأبد.
بالتعاون مرة أخرى مع مدير التصوير سيرجيو أولوا والمدير الفني ريتا باستولتو، يظهر ميدينا مهارات تحسد عليها ويثبت أنه يستحق المقارنة بأمثال الأخوين كواي أو حتى يان شفانكماير. من خلال التحدث عبر الصور المذهلة المصحوبة بموسيقى جوقة ألفريد سانشيز جوتيريز المؤثرة، فإنه يعتمد على دمى ليون فرنانديز المخيفة والمصنوعة بدقة والتي تعكس نظرتها الجليدية كآبة المستقبل الخيالي.
بالإضافة إلى ذلك، فإن لوحة الألوان “الذابلة” التي تهيمن عليها النغمات الترابية تكثف أجواء اليأس والحتمية المزعجة.
11. Eleanor’s Secret (Dominique Monféry, 2009) / France | Italy
“لا أحد يستطيع العيش بدون أحلام.”
للتأكد من أننا نتذكر هذه الكلمات، يخلق دومينيك مونفيري، صاحب شهرة “Destino”، مغامرة جميلة وفخمة مصنفة G على طراز “Honey, I Shrunk the Kids”، مرسلاً كل الرسائل الصحيحة للأطفال ومذكراً الكبار بطفولتهم.
البطل الرئيسي هو ناثانيال، البالغ من العمر سبع سنوات والمصاب بعسر القراءة، والذي ينتقل إلى منزل الشاطئ الخاص بعمته الكبرى إليانور، مع والديه وأخته الكبرى، أنجليكا. هناك، يعلم أن العانس الغريبة الأطوار الراحلة إليانور تركت له مجموعتها الضخمة من الكتب، وهو ما يشبه “إعطاء نظارات قراءة لشخص أعمى”، على حد تعبير أنجليكا.
عن طريق الخطأ، يكتشف ناث أن المكتبة تأوي جميع أبطال أدب الأطفال الذين يعتقدون أن الصبي هو حاميهم الجديد. يجب حمايتهم، لأن مغادرة منزلهم ستتسبب في اختفائهم مع قصصهم، إلى الأبد. لذا، الأمر متروك لناثانيال (الذي قلصته كارابوس، المعروفة أيضاً باسم ماليفيسنت) لإنقاذ أصدقائه الصغار بمجرد أن يقرر تاجر تحف ماكر استغلال الوضع المالي الصعب للعائلة.
مغلفاً بقوام ناعم، يتميز فيلم “Eleanor’s Secret (Kérity, la maison des contes)” برسوم متحركة ساحرة وملونة تكملها موسيقى تصويرية مثيرة وأداء صوتي مثير للإعجاب، مع الكثير من الدفء الذي ينضح من كل إطار. ويمكنك تقريباً شم رائحة الورق القديم والشعور بالسحر أثناء الانزلاق إلى أسفل جحر الأرنب…
12. Sintel (Colin Levy, 2010) / Netherlands
في جبل مغطى بالثلوج، تتعرض فتاة شابة وجريئة ومثابرة، “سينتل”، للهجوم من قبل محارب أصلع، لكنها تنجح في التغلب على الصعاب وهزيمته، لتفقد وعيها في أعقاب معركتهما. يأخذها شامان خير إلى كوخه حيث تخبره كيف ولماذا وصلت إلى هناك.
من خلال ذكريات الماضي، يتم تعريفنا بماضي “سينتل” وصداقتها مع شبل تنين جريح تم أخذه منها من قبل “ابن عمه” المعادي. مصممة على استعادته، تنطلق في رحلة شاقة وخطيرة في الصحراء والبرية…
جنباً إلى جنب مع كتاب السيناريو الخاص به إستر وودا ومارتن لودويك، ينسج كولين ليفي قصة ذات قوة عاطفية كبيرة، تجمع بين الأكشن والفانتازيا والدراما. إنه يستفيد إلى أقصى حد من وقت العرض القصير للفيلم ويجلب بنجاح شخصيات قابلة للتصديق إلى الحياة، ولا يخجل من إظهار الدم والموت، على عكس العديد من معاصريه المائلين إلى التجميل. قد لا تكون الأصالة هي نقطة قوته، لكن وليد فكرته يأتي كقطعة مصممة جيداً من سينما CGI.
من الناحية الفنية، يُعد فيلم “Sintel” متعة للعين والأذن، حيث يتميز بتصميم شخصيات وخلفيات مثير للإعجاب وغني بالتفاصيل، بالإضافة إلى ألحان جميلة تشبه السلتيك ومناسبة تماماً للإعداد القروسطي البديل. كما يستحق الثناء العمل الصوتي لهالينا ريجين وتوم هوفمان (اللذين قاما ببطولة فيلم “Black Book” لفيرهوفن). علاوة على ذلك، كل مشهد مدروس بعناية ومخرج ببراعة.
13. Time of Eve (Yasuhiro Yoshiura, 2010) / Japan
يشير عنوان الظهور الأول للفيلم الطويل لياسوهيرو يوشيورا إلى مقهى مريح حيث يمكن للبشر والأندرويد على حد سواء قضاء بعض الوقت الجيد، دون أن يتم تصنيف الأخير بواسطة “هالات” هولوغرافية ملزمون بعرضها في أماكن أخرى. في ذلك المكان بالذات – منطقة خالية من التمييز، سيتعلم طالب في المدرسة المتوسطة يُدعى “ريكو” أنك لست بحاجة إلى جسد من لحم وعظام لتكون قادراً على الشعور.
يدمج فيلم “Time of Eve (Eve no Jikan)” الحلقات الست من الـ ONA (اختصار لـ original network animation) التي تحمل الاسم نفسه، ويقدم، جنباً إلى جنب مع بعض المشاهد الإضافية، المراجعة النهائية للقصة التي تم تصورها في “Aquatic Language (Mizu no Kotoba, 2002)”. إن إعداد المستقبل غير البعيد الذي يرى كائنات اصطناعية تخدم احتياجاتنا ليس بالتأكيد حداثة، لكن هذه الدراما الكوميدية للخيال العلمي هي وحش مختلف ومروض ومحبوب.
أجواؤها المريحة والمتفائلة منعشة للغاية لدرجة أنك تتمنى لو كان “Eve no Jikan” موجوداً حقاً، حتى تتمكن من الذهاب إلى هناك والدردشة مع باريستا “ناجي” أو روادها، أثناء الاستمتاع بكوب من المشروب الدافئ. وبفضل السيناريو المحكم وطاقم الممثلين الصوتي الرائع، تظهر الشخصيات – التي يتمتع كل منها ببعض الغرابة الصغيرة – مقنعة تماماً. لكن أفضل شيء عنها وعن حكايتها هو غياب كليشيه “استقلال الذكاء الاصطناعي يؤدي إلى صراع مدمر”.
يتفوق الفيلم في القسم السمعي البصري أيضاً، مع العمل الفني المحدد والألوان الناعمة والممتعة، و”عمل الكاميرا” غير العادي والموسيقى التصويرية الهادئة التي تجعله المعادل الأنمي لحفل عازف بيانو موهوب.
14. Black Doll (Sofía Carrillo, 2011) / Mexico
تمثل الحكاية الخيالية الغامضة (المناهضة) “Black Doll (Prita Noire)” الفيلم الثالث لصوفيا كارييو – فانتازيا قوطية متطورة أخرى تكسب مؤلفتها مكاناً في مجمع كبار الرسامين المتحركين. تم ابتكارها كقصة ليلة سعيدة مخيفة، لمدة ثماني دقائق تغمر المشاهد في عالم حالم لأختين مسجونتين في فراغ زماني مكاني.
يُعهد بدور البطلة التي تحمل الاسم نفسه – الفتاة عديمة الذراعين ذات الابتسامة الخبيثة والعينين الملونتين المختلفتين – إلى دمية لطيفة بشكل مريض ومصنوعة بإتقان تنبض بالحياة إطاراً تلو الآخر، بينما تغزل العناكب السوداء شبكة مصيرها. من الضجر والفضول، تغادر منطقة راحتها في حضن أختها الكبرى النائمة (تطفل تصوير حي لميتزلي روبلز) وتدفع نفسها إلى حافة الوجود.
تحت السطح المشرق لعالم “بريتا” البيج المتسخ، تخفي كارييو رموزاً مظلمة والخوف من فقدان طفلها الداخلي – المساعد في استنباط آليات العقل الباطن أثناء العملية الإبداعية. بينما تخترق إبرة القلق والانفصال الأحلام الهادئة ظاهرياً، يزحف صوت الراوي الهامس تحت جلدك، متشابكاً مع صفير الرياح.
لاحقاً، الصور الملهمة التي تكملها الموسيقى التصويرية على طراز بارتون هي التي تتحدث. رقيقة مثل الدانتيل الفيكتوري، يوفر المزيج الفخم من التصوير الفوتوغرافي بفاصل زمني ورسوم إيقاف الحركة الكثير من اللقطات الساحرة.
15. Arjun: The Warrior Prince (Arnab Chaudhuri, 2012) / India
يُعتبر فيلم “Arjun: The Warrior Prince” علامة فارقة في صناعة الرسوم المتحركة الهندية من قبل الخبراء، وهو مغامرة خيالية مبنية على دوافع من “ماهابهاراتا”. إنه يؤرخ لقصة بلوغ سن الرشد للبطل الذي يحمل الاسم نفسه – رامي سهام بارع متورط في صراعات بين إخوته (الباندافا) وأبناء عمومته (الكاورفا المائة)، منذ طفولته المبكرة.
في تشكيله كمحارب لا يعرف الخوف، يتحمل “أرجون” العديد من التجارب والمحن ويتأثر بمعلمه وعائلته وآلهته وأعدائه. على عكسه، لا يصيب أرناب شودري الهدف دائماً، لكنه ينجح في الحفاظ على التوازن بين الجدية والعظمة، وكذلك جعل الفيلم يروق للجمهور المحلي والغربي. باستخدام بعض الحرية الفنية، يبتعد هو وكاتبه راجيش ديفراج عن المادة المصدر، ومع ذلك يظلان وفيين للتقاليد.
على الرغم من تعاملهم مع موضوعات مألوفة، إلا أنهم ينسجون سرداً مقنعاً ويقدمون عملاً بأبعاد ملحمية وأسطورية – مزيج فريد من حكاية ليلة سعيدة متواضعة ومشهد شبه تاريخي رائع. يساعدهم الأداء الصوتي الرائع والوجوه التعبيرية في إحياء الشخصيات الأسطورية التي يكشف مظهرها عن تأثير المنتج المشارك – ديزني الهند.
ومع ذلك، يتجنب رسامو UTV Motion Pictures المحليات وإشارات الثقافة الشعبية والحيوانات الناطقة من أجل بعض العنف الرسومي الذي يعد إلزامياً نوعاً ما عندما يتعلق الأمر بإعداد الحرب. لا يوجد أيضاً غناء ورقص كما في أفلام بوليوود، باستثناء مشهد واحد مثير للإعجاب يصور حفل زفاف “سواميفارا”. وبالحديث عن الإعجاب، يتميز فيلم “Arjun: The Warrior Prince” برسوم متحركة مبهجة للعين وموسيقى تصويرية مفعمة بالحيوية مع تأثيرات شعبية تؤسس لأجواء جديرة بالثناء.
16. Exordium (Morgan Galen King & Josh Jones, 2013) / USA
مع ثلاثة أفلام رسوم متحركة قصيرة فقط تحت حزامه، يسير مورغان جالين كينج على الطريق الصحيح ليصبح رالف باكشي القرن الحادي والعشرين ويواصل من حيث توقف جيرالد بوترتون مع “Heavy Metal”. بعد بضعة “اختبارات” تركز على مرتزق مخصي، “مونجريل”، يخلق فانتازيا جريئة ووحشية “Exordium” التي تعمل كإعلان لفيلمه الطويل الأول (الذي طال انتظاره) “The Spine of Night”.
مستوحى من أفلام العبادة مثل “Lord of the Rings (1978)” و”Fire and Ice (1983)”، يروي قصة عن “اختيار العثور على معنى فردي في حياتنا القصيرة جداً، حتى في مواجهة كون واسع وغير مبالٍ”، كما يدعي في المقابلة مع Legendarium Media. يُجبر حفنة من المحاربين الذين يبحثون عن الأمل على مواجهة عدو متفوق بشكل كبير – كيان خارق للطبيعة يسمونه “حارس البوابة”. خلف الباب الثقيل الذي فتحه سيف ذهبي، يجد الناجي الوحيد، ابن الإنسان، زهرة غامضة…
في نصفه الثاني، يأخذ فيلم “Exordium” منعطفاً متشائماً وعدمياً نوعاً ما، مطارحاً أسئلة وجودية ومشيراً إلى الطبيعة الدورية للتاريخ. إنها جوهرة منخفضة الميزانية تبدو وكأنها عمل حب، خاصة تجاه تقنية الروتوسكوب التي يراها كينج وسيطاً مثالياً لمزج الواقعية والفانتازيا.
مخرجه المشارك، الرسام ومصمم الصوت جوش جونز، هو أيضاً واحد من القلائل غير المحترفين خلف أصوات الشخصيات، حيث يتم توفير لوحات القصة والأعمال الفنية الإضافية من قبل جان دينسفورد، والدعائم من قبل أليكس كينج، والموسيقى التصويرية الرائعة – مزيج من الإلكترونيكا والروك السيكيدلي – من قبل Strand of Oaks و After Future. فريق صغير، في الواقع، لكن جهدهم المشترك هو وعد كبير.
17. The Gold Sparrow (Daniel Stessen, 2013) / USA
متعة أخرى للعين لمحبي رسوم الروتوسكوب، “The Gold Sparrow” هي فانتازيا موسيقية تم تصورها في البداية كفيديو لأغنية تحمل الاسم نفسه من قبل فرقة Oliver Future المنحلة الآن. بصرياً، إنها مشابهة لدراما النوار “Alois Nebel”، وكذلك لفيلم إثارة الخيال العلمي “A Scanner Darkly” الذي لا ينبغي أن يكون مفاجأة، بالنظر إلى أن الرسام الرئيسي مايكل جارزا تعاون مع لينكليتر في اقتباس ديك المذكور.
على أصوات الروك الانتقائي، يمثل الصدام المثير بين الألوان الفاحشة والكآبة أحادية اللون الفن كقوة تهدم الجدران الرمادية لحياتنا اليومية. تدور أحداثه في مدينة مستقبلية قديمة، ويرى الكيان الذي يحمل الاسم نفسه (نيكيا فينيكس) ورفيقها المخلص، “رينج ليدر” الخبيث (ستيسن نفسه)، يجوبان الشوارع ويحرمان الجميع من ألوانهم. الأمر متروك لـ “ذا سترونجمان” (سام رافر)، و”ذا فول” (نوح ليت)، و”ذا مونك” (جوشوا ليت) لإيقافهم، بغض النظر عن التكلفة.
تُترك الهوية الحقيقية لـ “The Gold Sparrow” لتفسير الجمهور. هل هي ملهمة في حالة غضب شديد فقدت السيطرة أم امتداد لذراع ديكتاتور طويل – أداة لخنق الإبداع والحفاظ على قبضة قوية على المواطنين؟ أو ربما، شيء أكثر شراً مخفي خلف ابتسامتها السرية؟ مهما كانت الإجابات على هذه الأسئلة، يمكن لستيسن وشركائه أن يفخروا بنتائج تجربتهم.
18. Long Way North (Rémi Chayé, 2015) / France | Denmark
ريمي شاييه الذي تعاون سابقاً مع جان فرانسوا لاجيوني (في Black Mor’s Island و The Painting)، وتوم مور (في The Secret of Kells) ودومينيك مونفيري (في Eleanor’s Secret) يقوم بظهوره الإخراجي الأول مع “Long Way North (Tout en haut du monde)” الذي يبدو كأنه اقتباس لرواية من القرن التاسع عشر على غرار فيلم العصر الذهبي لهوليوود.
من منظور راوي القصص الكلاسيكي، ينسج السرد حول أرستقراطية جريئة تبلغ من العمر خمسة عشر عاماً، “ساشا”، التي تستبدل راحة منزلها في سانت بطرسبرغ برحلة محفوفة بالمخاطر إلى القطب الشمالي، مقتنعة بأنها ستجد سفينة جدها في وجهتها النهائية. هاربة من تملق الطبقة الراقية ومكائد أمير متعجرف، تصل إلى ميناء غير مسمى حيث ستتعلم درساً أو اثنين عن الحياة بدون ملعقة فضية في فمها.
العمل الجاد لصالح صاحبة نزل فظة ولكن رحيمة، “أولجا”، يثبت أنه تدريب جيد للتعامل مع طاقم بحارة فظ نوعاً ما كان على “ساشا” الانضمام إليه. قدرتها السريعة على التكيف تأتي في متناول اليد أيضاً في المواجهات ضد كلاب البحر الخرافية والمتحيزة جنسياً، والراحة الوحيدة هي صبي ودود في عمرها.
ومع ذلك، يجب تعليق علاقتهما الرومانسية، لأنه من الأهمية بمكان البقاء صافي الذهن بين الجبال الجليدية والأنهار الجليدية التي تهدد بإتلاف أو سحق السفينة. مراراً وتكراراً، تثبت “ساشا” أنها على مستوى مهمتها المفروضة على نفسها، وفي “قوة فتاتها”، بالإضافة إلى المرئيات الفريدة والمنمقة للغاية، تكمن قوة الفيلم.
19. Prologue (Richard Williams, 2015) / UK
يعاملنا الرسام المتحرك المخضرم ريتشارد ويليامز، صاحب شهرة “Who Framed Roger Rabbit?” و “The Thief and the Cobbler”، بواحد من أكثر الأفلام القصيرة روعة في الذاكرة الحديثة. كما ربما خمنت بالفعل، فإن فيلمه “Prologue” ليس أكثر من مقدمة لمشروع واسع النطاق – اقتباس لكوميديا أريستوفانيس “Lysistrata” – الذي عنوان عمله الهزلي هو “هل سأعيش لأنهيه؟”
كعرض لبراعة مؤلفه، يفتتح بمشهد تصوير حي يلمح بوضوح إلى التقنية المطبقة من خلال إظهار أقلام تلوين خشبية يتم بريها. تضع يدا ويليامز المتجعدتان الورق ويبدأ السحر مع اللقطة الأولى للبراعم والزهور التي تنبض بالحياة. تتفكك صورة الطبيعة المثالية عندما يظهر الجنود الأربعة.
يتواجه زوجان من الجنود الأثينيين والإسبرطيين في المرعى ويقاتلان حتى الموت. تتوهج عيونهما بالكراهية وعدم الخوف، ولكن بمجرد تدفق الدم، تصبح وجوههما مشوهة في عذاب. تركض فتاة صغيرة تشهد معركتهما إلى حضن جدتها، وتمثل نظرة المرأة الثاقبة النهاية.
يعكس العمل الفني الواقعي للغاية والجودة المثيرة للإعجاب للرسوم المتحركة عقوداً من دراسة جسم الإنسان وحركاته. هناك الكثير من المساحة السلبية على “لوحة” ويليامز، لأنه يركز على تفاعل الأبطال، مذكراً إيانا بأن العنف يظل قبيحاً، بغض النظر عن مدى جمال الصورة التي تصوره. إن دقته وشاعرية مقتطفاته تثير الرهبة.
20. Nova Seed (Nick DiLiberto, 2016) / Japan | Canada
تحية رائعة لرسوم صباح السبت المتحركة، “Nova Seed” هو دليل على أنهم في بعض الأحيان يصنعونها كما اعتادوا. استغرق صنعه أربع سنوات، تم إنجاز هذه الجوهرة الخام من الرسوم المتحركة القديمة في الغالب من قبل رجل واحد فقط – الرسام المتحرك الكندي المولد والمقيم في اليابان نيك ديليبيرتو الذي لديه بثور وضمادات تتحدث عن تفانيه.
من حيث القصة، يستخدم هذا المؤلف الشاب استعارات وأنماط الخيال العلمي والفانتازيا والمغامرة، مقدماً مزيجاً مقنعاً، إن لم يكن أصلياً، من الأفكار. هناك عالم مجنون وبطل متردد سينقذ اليوم وسيدة غامضة في محنة، هاربين من صائد جوائز عنيد.
على الرغم من بساطته وقصره، يفيض عمل ديليبيرتو المدفوع بالحنين بالابتكار، ناهيك عن الألوان المهلوسة التي تتحدث عدة لغات، بصوت أعلى بكثير من الكلمات. تتشابك موضوعات البيئة، والانحطاط المجتمعي، بالإضافة إلى الطبيعة الفاسدة والمدمرة للسلطة في عمل يُوصف بشكل أفضل بأنه “Heavy Metal” يلتقي بـ “Rock & Rule” يلتقي بـ “Mad Max” يلتقي ببعض أنمي ماساكي يواسا عن طريق رينيه لالوك.
هناك سحر خاص في المؤثرات الصوتية “المؤداة بالفم” (التي قد ينتجها صبي أثناء اللعب بشخصيات الأكشن الخاصة به) والخطوط المتقطعة والنابضة لرسوم متحركة تقليدية خام قليلاً، ولكنها مبهجة – نسمة هواء منعشة تشتد الحاجة إليها في عصر CGI اللامع. صادق في “إحراجه”، فإنه يبقي طفلنا الداخلي في حالة من الفضول واسع العينين.
إنجاز مذهل.
10 إشارات شرفية: Gorgonas (Salvador Sanz, 2004) / Cathedral of New Emotions (Helmut Herbst, 2006) / You Shoumei Bijutsukan: Line (Yuu Nakai, 2006) / La Competitiva (Mono & Peca, 2007) / Technotise: Edit & I (Aleksa Gajic & Nebojsa Andric, 2009) / Love Like Aliens (Rashad Haughton, 2012) / The Life of Guskou Budori (Gisaburō Sugii, 2012) / Heart String Marionette (M dot Strange, 2012) / The Flight (Inbal Breda, 2014) / Phantom Boy (Jean-Loup Felicioli & Alain Gagnol, 2015)
