لا يوجد حدث في عالم السينما يحظى بتاريخ وأهمية تضاهي مهرجان كان السينمائي. فحتى بين نظرائه من المهرجانات السينمائية الأوروبية الثلاثة الكبرى – البندقية وبرلين – يظل مهرجان كان الوجهة الأكثر عراقة ومكانة. وتُعد جائزته الكبرى، السعفة الذهبية، الإنجاز السينمائي الأكثر رغبة على الإطلاق.
تُمنح السعفة الذهبية بقرار من لجنة تحكيم تضم تسعة من صُناع السينما، يُختارون مجدداً كل عام. وتتمتع كل لجنة برؤيتها الخاصة؛ إذ يميل بعضها إلى فيلم يعكس قضايا اللحظة الراهنة، بينما تنجذب لجان أخرى لرؤية فريدة أو حقائق طبيعية. ومع ذلك، لا تخلو الجائزة من الحسابات السياسية، حيث تتسرب أحياناً شائعات حول خلافات لجان التحكيم. ولا أحد سوى اللجنة يعرف رسمياً سبب فوز فيلم بعينه، لكننا غالباً ما نُترك للتكهن بشأن الخيارات الغريبة. فربما تأخر تكريم المخرج، أو ربما عجزت اللجنة عن الاتفاق فلجأت إلى حل وسط.
في هذا القرن، حافظ مهرجان كان على قائمة من المنافسين الدائمين الذين يتسلقون مراتب الجوائز تدريجياً حتى ينالوا الذهب، ولو لمرة واحدة. وفي تاريخ المهرجان، حصد تسعة مخرجين الجائزة الكبرى مرتين، أربعة منهم في هذا القرن. ومع تقاعد نخبة من المؤلفين السينمائيين مثل مايكل هانيكي وكين لوتش، برز جيل جديد من صُناع الأفلام لتعزيز صفوف المنافسين المعتادين.
ومع انطلاق مهرجان هذا العام — حيث يسعى ثلاثة مخرجين لتحقيق فوزهم الثاني بينما يطمح آخرون لنيل جائزتهم الأولى — نُصنف الفائزين في هذا القرن.
26. The Image Book (2018)
قبل مهرجان 2026، لم يشهد هذا القرن فعلياً سوى 25 فائزاً بالسعفة الذهبية نظراً لإلغاء دورة 2020. وكأنها رؤية استباقية مستحيلة، منحت لجنة تحكيم كيت بلانشيت عام 2018 سعفة ذهبية خاصة لفيلم The Image Book للمخرج جان لوك غودار، وأكدت أنها ليست مجرد جائزة لجنة تحكيم أخرى أو تكريماً لمسيرته. وقد تبين لاحقاً أنه فيلمه الأخير، ورغم كونه وداعاً لائقاً، فإنه يمثل تجربة غريبة وغامضة على طريقة غودار المعهودة.
ما مدى الوضوح أو الفهم الذي يجب أن يتسم به الفيلم؟ على غرار أعماله المتأخرة، يُعد The Image Book مقالاً طليعياً يتأمل التاريخ، ولا سيما الاستشراق الغربي والنفاق الأخلاقي تجاه الفظائع التي تواجه الشرق الأوسط. ومع ذلك، فإن من لم يقرأ تحليلاً أو يفتقر إلى الإلمام بسينما الشرق الأوسط وشمال إفريقيا وتاريخ السينما عموماً، سيرى على الأرجح سلسلة من الصور والمقاطع المثيرة للاهتمام مصحوبة بتعليق غامض ومترجم بشكل غير متسق، مما يجعله ملفتاً ولكنه مربك. غالباً ما يُشعرك The Image Book وكأن شخصاً يتحدث إليك دون أدنى اهتمام بما تفكر فيه. إنها تجربة فنية ربما تهتم بإثارة المشاعر أو فك الرموز أكثر من اهتمامها بإيصال فكرة محددة.
انحصر المركز الأخير في هذه القائمة بين فيلمين يعانيان من مشكلتين متناقضتين: أحدهما غامض للغاية، والآخر شديد الوضوح. أحدهما مفرط في فنيته، والآخر يفتقر إليها. وفي النهاية، احتل The Image Book هذا المركز، ولكن فيما يتعلق بالتحدث إلى الجمهور، يجدر بكوبولا الانتباه؛ فهذا ما كان ينبغي لفيلم Megalopolis أن يكون عليه.
25. Fahrenheit 9/11 (2004)
أكثر من أي فائز آخر في هذا القرن (وربما على الإطلاق)، يُجسد Fahrenheit 9/11 السعفة الذهبية التي تُمنح لمخاطبة اللحظة السياسية. أصبح فيلم مايكل مور، الذي تلا نجاحه المفاجئ في شباك التذاكر مع Bowling for Columbine، أول فيلم وثائقي يفوز بالجائزة منذ The Silent World عام 1956، والوحيد الذي حقق ذلك في هذا القرن (ما لم نحتسب الفيلم السابق). وقد انتشرت شائعات كثيرة تفيد بأن الفوز كان مدفوعاً بدوافع سياسية – وأن رئيس لجنة التحكيم تارانتينو منحه الجائزة على مضض مفضلاً إياه على Oldboy – لدرجة أن تارانتينو عقد مؤتمراً صحفياً لنفي كل تلك الأقاويل.
بغض النظر عن قرار لجنة التحكيم، يصعب اعتبار Fahrenheit 9/11 أقوى مشاركات ذلك العام. لطالما كان مور ناشطاً أقوى منه صانع أفلام، ويُعزى جزء من نجاحه السينمائي السابق إلى عدم وجود سوق لأسلوبه الخاص في المحتوى آنذاك. سبق مور عصره كشخصية سياسية، لكن Fahrenheit 9/11 يبدو أشبه بمقال سياسي منه إلى فيلم متماسك. وباستثناء المونتاج الذي يعرض الفظائع الخارجية الأمريكية على أنغام أغنية “إنها حياة رائعة” للويس أرمسترونغ، يفتقر Fahrenheit 9/11 إلى الكثير من براعة السرد وروح التجميع التي جعلت Bowling for Columbine تجربة سينمائية فريدة. وبينما تواصل الأفلام الوثائقية التنافس في المسابقة الرسمية لمهرجان كان (وإن كان نادراً) والمهرجانات الكبرى الأخرى، يصعب تخيل عرض Fahrenheit 9/11 في مهرجان اليوم بدلاً من يوتيوب أو القنوات الإخبارية.
24. The Son’s Room (2001)
يُعد The Son’s Room فيلماً جيداً. وهو ليس سيئاً بأي حال من الأحوال – فبما أن هذه قائمة بالفائزين بالسعفة الذهبية، تتراوح الأفلام هنا بين الجيدة والتحف الفنية – بل هو فيلم رقيق ولطيف للغاية. كتب ناني موريتي، أحد أعمدة مهرجان كان الذي عرض كل أفلامه منذ عام 1993 في المهرجان، الفيلم وأخرجه وشارك في إنتاجه وبطولته. وفي دور جيوفاني، يمنح موريتي نفسه دوراً مميزاً كمحلل نفسي يكافح، إلى جانب زوجته وطفله، للمضي قدماً بعد فاجعة أليمة.
لا يعاني The Son’s Room من عيوب واضحة، رغم أنه يبدو قديماً بعض الشيء في المشهد السينمائي المعاصر. يبدو الفيلم وكأنه ينتمي إلى تسعينيات القرن الماضي أكثر من العقد الأول من القرن الحادي والعشرين. يقدم نظرة هادئة للحزن، لكنه يبدو أحياناً سطحياً وربما مفرطاً في الوعي الذاتي بإيقاعاته العاطفية وحبكاته. شهد ربع القرن تصويرات أكثر قسوة وكثافة للحزن (بما في ذلك In the Bedroom، الذي صدر في نفس العام)، ويصعب ألا نرى The Son’s Room اليوم كغوص لطيف وحنون في الحزن والبؤس، وهو ما ارتقى به معاصرو موريتي إلى مستويات أكثر عمقاً وتأثيراً.
23. The Square (2017)
شهد العقد الأول من القرن الحادي والعشرين انتصارات مثيرة للجدل بدت وكأنها تعكس خلافات لجان التحكيم واندفاعاً لمكافأة المفضلين القدامى في مهرجان كان. وكان هذا هو الحال مع اختيار لجنة التحكيم برئاسة بيدرو ألمودوفار لفيلم The Square. وتقول الشائعات إن ألمودوفار كان متحمساً لفيلم BPM للمخرج روبن كامبيلو، بينما دعم ويل سميث فيلم Jupiter’s Moon، فتوصلوا إلى حل وسط باختيار أول فيلم لروبين أوستلوند يدخل المسابقة الرسمية.
تدور أحداث The Square حول عمل فني تركيبي وأمينه كريستيان، الذي تنقلب حياته بشكل غريب بعد سرقة هاتفه. لكن فيلم أوستلوند يمثل مجموعة من المشاهد القصيرة التي تسخر من عالم الفن، ويبدو أشبه بحلقات متصلة ببعضها البعض أكثر من كونه سرداً متماسكاً. الفيلم طويل للغاية، وسخريته تخطئ الهدف أحياناً، إذ يسخر من نفس الانغماس الذي يقع فيه. وبينما انتقد فيلمه السابق Force Majeure ديناميكيات الأسرة وسلط فيلمه التالي عدسة ساخرة على الأثرياء، فإن انغماسات عالم الفن التي ينتقدها The Square لا تبتعد كثيراً عن تلك الموجودة في عالم السينما. وما يتبقى هو فيلم يتأرجح بين السحر والملل، وتتخلله ربما واحدة من أفضل المشاهد السينمائية في هذا القرن.
22. I, Daniel Blake (2016)
حقق فيلم I, Daniel Blake للمخرج كين لوتش نجاحاً شعبياً، حيث استعرض بجدية وجرأة عيوب سياسة التقشف في إنجلترا والإهانات التي تلحقها بالفئات الأكثر ضعفاً. لكن نقطة قوته الكبرى هي ذاتها نقطة ضعفه. فالفيلم يفتقر تماماً إلى الدقة، وتكمن أهميته في تفصيله الدقيق للإهمال الحكومي، لكنه يبدو أخرقاً في كيفية ترجمة ذلك على مستوى السرد. أحياناً يكون الافتقار إلى الدقة أداة سردية قوية – كما يستغلها فيلم آخر لاحقاً في القائمة لخلق الكوميديا – لكن مع هذه الدراما الواقعية الاجتماعية، يبدو الفيلم مؤثراً ومزعجاً في آن واحد.
لكن I, Daniel Blake التقط لحظته بطرق قلما حققها فائزون آخرون، وعلى عكس بعض الفائزين الآخرين، لا جدال في أن هذه لم تكن جائزة متأخرة عن مسيرته؛ فقد فاز لوتش بالفعل في عام 2006 (المزيد عن ذلك لاحقاً). يُعد I, Daniel Blake فيلماً مهماً أثار الجدل – حيث شعرت حكومة المحافظين بهجوم خاص – ولا يزال يثير النقاش، لكن السرد هنا عند لوتش يبدو باهتاً مقارنة بأفلام أخرى (بما في ذلك أفلامه الخاصة).
21. Blue Is the Warmest Color (2013)
ربما لم يخضع أي فائز حديث في مهرجان كان لإعادة تقييم (وفي مثل هذا الوقت القصير) بقدر Blue Is the Warmest Color. احتفت لجنة تحكيم ستيفن سبيلبرغ في البداية باقتباس عبد اللطيف كشيش للرواية المصورة لجول ماروه، مع شرط غريب يقضي بمنح السعفة الذهبية ليس فقط لكشيش بل أيضاً للبطلتين ليا سيدو وأديل إكزاركوبولوس. وأفادت التقارير أن القرار كان بالإجماع، واعتُبر Blue Is the Warmest Color أحد أفضل أفلام العام وعلامة فارقة في السينما الكويرية، لكن التقارير حول سلوك كشيش السيئ في موقع التصوير والنظرة الاستغلالية للفيلم ظهرت بعد فترة وجيزة. واليوم، لا تزال مكانة الفيلم مهتزة.
رغم هذه الانتقادات، يُعد Blue Is the Warmest Color عملاً مؤثراً وعميقاً. تروي القصة الصحوة الجنسية لامرأة وحبها الأول المفجع، وتعود بنا إلى وقت في السينما الحديثة بدا فيه المؤلفون السينمائيون، والعديد منهم فرنسيون، مصممين على إعادة تجسيد حقائق الحب، وخاصة الجنس، على الشاشة بطرق أكثر واقعية من كونها إباحية (أمثلة أخرى: Love لغاسبار نوي وNine Songs لمايكل وينتربوتوم)، مع نتائج غير متساوية ومملة أحياناً. قد يكون Blue Is the Warmest Color أفضل محاولة في هذا الصدد، إذ يمنح العلاقة الوقت الكافي – ثلاث ساعات – لنراها ونشعر بها ونراقب تحولاتها. وبعيداً عن الجدل، هناك محاولة جادة لنقل الدواخل العميقة لشوق شخص ما ونطاق المشاعر التي يختبرها. قد تثبت أعمال كشيش اللاحقة صحة الانتقادات الموجهة لنظرته، لكن لا يزال هناك قلب نابض داخل الفيلم يبدو صادقاً لكل من أحب، وعُشق، وعانى من لوعة الفراق.
20. Dheepan (2015)
يُعد فيلم Dheepan للمخرج جاك أوديار فائزاً آخر في مهرجان كان يمكن وصفه بالجيد ببساطة – فهو عمل راقٍ من مؤلف سينمائي محترم ومكرس في المهرجانات، يمزج الواقعية الاجتماعية بخصائص النوع السينمائي (أو العكس). كان فوزاً مفاجئاً ومثيراً للجدل بشكل ملحوظ، حيث طفت العداوات على السطح خلال المؤتمر الصحفي. ويُزعم أن عضو لجنة التحكيم كزافييه دولان فرض هذا الفوز بقوة، مقصياً في الوقت ذاته فيلم Carol لتود هاينز، الذي كان المفضل لدى النقاد ومعظم أعضاء اللجنة.
في حد ذاته، يبدو Dheepan وكأنه جائزة ترضية لأوديار بعد أن كاد يقتنصها عن فيلم Un Prophete في عام 2009. في المشهد الافتتاحي، يُجمع البطل الذي يحمل الفيلم اسمه مع امرأة وطفلة، ويتظاهرون جميعاً بأنهم عائلة للحصول على حق اللجوء في أوروبا. وبمجرد وصولهم إلى فرنسا، يُكلفون بالعمل في مجمع سكني حيث يعيد الفقر وتجارة المخدرات ذكريات الحرب الأهلية المدمرة التي ظنوا أنهم تركوها وراءهم. إنه فيلم مفعم بالجمال والبراعة، ويتطرق إلى قضايا اجتماعية، باحثاً في الشتات والقضايا التي غالباً ما تتجاهلها السينما الأوروبية. تعرض الفصل الأخير من الفيلم لانتقادات بسبب انحرافه نحو حركة خيالية ذكورية ثم انتهائه فجأة. في النهاية، يمثل Dheepan مزيجاً بين أوديار وتشارلز برونسون، قصة مهاجر يرويها مؤلف سينمائي فرنسي، مما يجعله ربما الخيار المثالي لمهرجان كان.
19. The Tree of Life (2011)
كان مهرجان عام 2011 غريباً بالفعل، وبدا قرار لجنة تحكيم روبرت دي نيرو بمنح الجائزة لتيرينس ماليك منطقياً للغاية. كان هناك على الأرجح حماس كبير لمكافأة المؤلف السينمائي المرموق والمنعزل على ما بدا وكأنه عودته إلى السينما السائدة، وهو خيار أثبت بُعد نظره بالنظر إلى أن ماليك لم يُظهر منذ ذلك الحين سوى اهتمام ضئيل بالسرد التقليدي.
يمثل The Tree of Life السرد في أبهى صوره الملحمية، حيث يدمج ماليك نشأة الكون في قصة بلوغ ليصنع ما يمكن اعتباره “فيلم الطفولة”. إنه فيلم جميل ومترامي الأطراف يتخلله صور سريالية والتعليق الصوتي المميز لماليك، مدعوماً بأداء براد بيت وشون بن، وخاصة جيسيكا شاستين. في النهاية، استقر القرار على فيلم يتناول ولادة الكون ونهاية الكوكب، ورغم أنه من الغريب التفكير في أن لارس فون ترايير خسر سعفته الذهبية الثانية بسبب تعليقات قد تجعله اليوم يُنتخب رئيساً للولايات المتحدة، يظل The Tree of Life فائزاً مستحقاً.
18. L’Enfant (2005)
في فيلم L’Enfant (الطفل)، الذي منح الأخوين داردين فوزهما الثاني بالسعفة الذهبية، قد يشير الطفل في العنوان إلى المولود الجديد الذي يحرك الحبكة. وقد يشير أيضاً إلى طالب المدرسة الابتدائية الذي يساعد الشخصية الرئيسية، برونو، في ارتكاب جرائم صغيرة. ولكن، في تضليل متعمد، الطفل الحقيقي في المركز هو برونو نفسه، البالغ الذي لا يستطيع التخلص من دوافعه الصبيانية. تتسم علاقته بوالدة طفله بالطفولية في مزاحها الحنون. كما يشير عجزه عن العمل الشريف أو إدراك عواقب أفعاله الأنانية إلى توقف نموه النفسي. ومن منظور الواقعية الاجتماعية للأخوين داردين، تبدو قصته قاتمة، قصة رجل-طفل يهدد كل من حوله بعدم نضجه.
يبدو L’Enfant خياراً بديهياً للجائزة الكبرى، حتى لو كان ذلك نتيجة لبعض الخلافات داخل لجنة التحكيم. قلة من صُناع الأفلام اقتربوا من الفوز بسعفة ذهبية ثالثة، وقد حصد الثنائي الإخراجي عدداً من جوائز الإخراج والكتابة في المهرجان منذ ذلك الحين. من حيث موضوعه ونبرته وإيقاعات الحبكة الدقيقة، يُعد L’Enfant عملاً كلاسيكياً ونموذجياً لمهرجان كان، وهو بالضبط نوع الأفلام المتوقع أن يكتسح دور السينما الفنية في العقد الأول من القرن الحادي والعشرين. تتربص المأساة دائماً في الزوايا، والرهبة التي يثيرها هذا الفيلم وهو يتخبط من خيار كارثي إلى آخر تمنحه شعوراً خفياً بالرعب.
17. Winter Sleep (2014)
نوري بيلجي جيلان هو مؤلف سينمائي آخر مكرس في مهرجان كان. دخل المسابقة الرسمية لأول مرة في عام 2003 وفاز بجوائز أربع مرات. وبحلول الوقت الذي منحت فيه لجنة تحكيم عام 2014 برئاسة جين كامبيون السعفة الذهبية لفيلمه Winter Sleep، كان يُفترض أنها مسألة وقت فقط قبل أن يحصد الجائزة الكبرى. وكما هو الحال مع العديد من الأفلام المتوجة في هذا العقد، كان هناك شعور بأن الجائزة جاءت تعويضاً عن تجاهل تحفته الحقيقية Once Upon a Time in Anatolia، لكن يصعب الجدال ضد فيلم كلاسيكي بامتياز في كان مثل Winter Sleep.
يمتد Winter Sleep لأكثر من ثلاث ساعات، ويتألف معظمه من حوارات فلسفية بإيقاع بطيء، ليروي قصة أيدين، الممثل السابق الثري الذي يدير نزلاً هادئاً في منطقة شتوية نائية في تركيا. يتجادل مع شقيقته المطلقة وزوجته التي تصغره بكثير، والتي تثير محاولاتها للانخراط في خدمة المجتمع المحلي استياءه. يقتبس جيلان من تشيخوف بلمسة من دوستويفسكي، ويستحضر فيلمه حساسيات الأدب الروسي الكلاسيكي في كشفه الصبور والبطيء لليأس والغطرسة. تتسم أفلام جيلان بفنية لا تعتذر عنها، ومع Winter Sleep، يبتكر جيلان فيلماً يليق بالأدب العظيم. تحلق الشخصيات والمشاعر والمواضيع في الأفق قبل أن تتحطم في إدراكات قاسية تتسلل إلى المشاهد كبرد الشتاء القارس.
16. The Class (2008)
وفقاً لرئيس لجنة التحكيم شون بن، كان قرار منح الجائزة لفيلم The Class للمخرج لوران كانتيه بالإجماع، وليس من الصعب معرفة السبب. يتأرجح The Class بين كونه فيلماً وثائقياً ودرامياً، ويركز على دورة في اللغة الفرنسية والأدب يدرسها فرانسوا بيغودو، الذي يلعب نسخة من نفسه في اقتباس لروايته الصادرة عام 2006. يقدم الفيلم نظرة صادقة وثاقبة لعام دراسي في فصل بمدرسة إعدادية باريسية. تدور أحداث الفيلم بأكملها داخل المدرسة، بحساسية غامرة تجعل حتى أولئك الذين لم يمارسوا التدريس قط يتوقون بشدة لعطلة الصيف.
وضع The Class إصبعه بقوة على النبض، وأصبحت مواضيعه المتعلقة بالهوية وعدم المساواة الاجتماعية والفروق الطبقية أكثر صلة بالواقع. إنه فيلم عميق التأثير لا يملك إلا أن يكون مزعجاً في أصالتة. يتسم بالصدق في تصويره لغطرسة المؤسسات ووقاحة أولئك الذين يكافحون للعثور على إحساس بالذات داخلها. وكلما أوشكت الأحداث على الخروج عن السيطرة، يفرض واقع معيش نفسه، لينتهي الفيلم بنبرة مفجعة بهدوء تتناقض مع حماس مباراة كرة قدم مرتجلة بين المعلمين والطلاب.
15. The Wind That Shakes the Barley (2006)
كان فوز كين لوتش الأول بالسعفة الذهبية بعد مسيرة حافلة بالمنافسة بمثابة خروج عن المألوف. غابت الإعدادات الحديثة ودراما المطبخ، رغم بقاء الواقعية الاجتماعية بقوة. يتتبع The Wind That Shakes the Barley حرب الاستقلال الأيرلندية والحرب الأهلية اللاحقة، ورغم أن لوتش قد يبدو خياراً غريباً لدراما حرب تاريخية، فإن عدسته الثاقبة والدقيقة تجعله خياراً مناسباً لاستكشاف طبقات صراع لا يزال يطارد العالم الحديث.
يروي The Wind That Shakes the Barley قصة شقيقين يقاتلان أولاً من أجل الاستقلال ثم يتقاتلان فيما بينهما لاختلافهما حول المعنى الحقيقي للاستقلال. يقدم لوتش، معتمداً على سيناريو لمتعاونه القديم بول لافيرتي، قصة عالمية حول كيف يمزق الصراع الطائفي، المدفوع بالاستعمار، المجتمع ووحدة الأسرة ذاتها. حقق لوتش ولافيرتي نجاحاً إضافياً بالعودة إلى الدراما الواقعية الاجتماعية التي تسلط الضوء بشق الأنفس على تعقيدات وإهانات هياكل السلطة، لكن نادراً ما كان السرد لديهما دقيقاً ورشيقاً كما كان هنا.
14. Anora (2024)
قصة سندريلا للمخرج شون بيكر هي في حد ذاتها قصة سندريلا. يروي Anora قصة راقصة تعرٍ تتزوج بتهور من الابن الروسي لأحد الأوليغارشيين، ورغم أن القصة تميل إلى أسلوب الأخوين غريم أكثر من والت ديزني، فإن مسار بيكر بعد مهرجان كان كان بمثابة حذائه الزجاجي الخاص. يحقق معظم المخرجين شهرة واسعة بالتوجه إلى هوليوود، وإخراج فيلم أبطال خارقين وتسطيح مواضيعهم لتناسب الجماهير العريضة. لكن بيكر، المستقل بشراسة، واصل سرد قصص دقيقة ومأساوية وفكاهية رغم كل شيء، تدور غالباً حول المشتغلين بالجنس، وانتهى به المطاف بفيلم فائز في كان، ونجاح متواضع في شباك التذاكر، ومجموعة من جوائز الأوسكار بما في ذلك أربع جوائز قياسية لبيكر، وأجر أكبر لفيلمه القادم.
ويُعد Anora فيلماً يليق بسرديته الساخرة نوعاً ما. فهو مألوف وجريء في آن واحد. مضحك حين تتوقع أن يكون درامياً، ودرامي حين تتوقع أن يكون مضحكاً. كما أن ردود أفعال شخصياته مفاجئة ودقيقة تماماً (انظر إلى الأب في مكتب المحامي لتشهد لحظة إبداع حقيقية). جعلت لجنة التحكيم برئاسة غريتا غيرويغ فيلم Anora أول فيلم أمريكي يفوز بالسعفة الذهبية منذ 13 عاماً، وتساءل البعض عما إذا كان هذا جزئياً تكريماً من مخرجة مستقلة سابقة لمخرج مستقل آخر. ولكن حتى وسط قائمة المنافسة القوية للغاية لعام 2024، يظل Anora فائزاً مستحقاً – وتذكيراً بأن السينما يجب أن تكون ممتعة وجادة في الوقت نفسه، ولا تزال قادرة على تقديم تجارب لا تضاهيها وسائط أخرى بفضل ذلك.
13. Anatomy of a Fall (2023)
من المرجح أن يرتفع تصنيف Anatomy of a Fall في قوائم كهذه بمرور الوقت. حقق الفيلم نجاحاً كبيراً عند إصداره وفاز بالسعفة الذهبية وسط منافسة شرسة – خاصة من فيلم The Zone of Interest – وهو كائن غريب وفريد مغلف بفرو مألوف. منحت لجنة تحكيم برئاسة روبين أوستلوند، بعد عام من فوزه الثاني، السعفة الذهبية لجوستين ترييه بعد ضجة كبيرة، ويبرز عام 2023 كأحد تلك الأعوام التي كان فيها الفائز متوقعاً إلى حد كبير ولكنه مستحق بجدارة.
يمثل Anatomy of a Fall أشياء عدة — لغز جريمة قتل، دراما قاعات المحاكم، تنقيب في العلاقات، دراسة للحزن — ولا شيء منها في الوقت ذاته. إنها قصة عن عدم اليقين، وكيف يشكل هذا الغموض كلاً من الواقع والسرد. يتبنى فيلم ترييه، الذي كتبته مع شريكها آرثر هراري، وجهات نظر متعددة، بما في ذلك وجهة نظر كلب العائلة، لكنه لا يستقر أبداً على واحدة، بل يطلب من الجمهور تقبل التعقيد والاستسلام للمجهول. ورغم الكتابة والإخراج والمونتاج والتصوير السينمائي الاحترافي، لم يكن لأي من هذا أن ينجح لولا الأداء المركزي لساندرا هولر. فبدونها، يصبح الفيلم مجرد صندوق ألغاز. أداؤها يبعث الحياة في كل شيء.
12. Elephant (2003)
يُستبعد فيلم Elephant للمخرج غاس فان سانت أحياناً باعتباره من الأعمال الأقل شأناً في مهرجان كان، لكنه أحد أكثر الفائزين إلهاماً في المهرجان، وهو بالضبط نوع الأفلام الذي يسعى كان للارتقاء به. شرع فان سانت، المخرج المستقل المفضل الذي انتقل إلى النجاح السائد في هوليوود، في حقبة من التجريب مع Elephant، لكنه كان وقت إصداره نظرة عميقة وصادمة في النفسية الأمريكية المضطربة.
عُرض Elephant لأول مرة بعد أربع سنوات من هجوم مدرسة كولومباين الثانوية، والذي كان يُعتبر حينها شذوذاً صادماً حتى بين حوادث إطلاق النار في المدارس. يقدم Elephant منظوراً لما يبدو عليه مثل هذا الحدث داخل أسوار المدرسة بالنسبة للضحايا والجناة، ويُعرض بصدق لا يتزعزع يشترك مع السينما الأوروبية أكثر مما يشترك مع القواعد السينمائية لموطن فان سانت. وكما هو الحال مع العديد من الأفلام في هذه القائمة، أصبح Elephant أكثر صلة بالواقع. قلة من الأفلام تنجح في أن تكون حازمة وغير متسرعة في آن واحد، ومع ذلك تمكن فان سانت من التقاط رعب مثل هذه الأحداث وموقف الأمة المستمر تجاهها.
11. Triangle of Sadness (2022)
انضم روبين أوستلوند إلى نادي الفائزين مرتين بهذا العمل الساخر الواسع الذي ينتقد الأثرياء، والذي ينفر المشاهدين بقدر ما يمتعهم. يُنتقد Triangle of Sadness أحياناً لكونه واضحاً ومبتذلاً ومباشراً. هذا جيد. يدرك أوستلوند، أكثر من غيره، أننا نعيش في عالم ما بعد الدقة، وتخصيص جزء من فيلمه الطويل الثالث لمشاهد الأثرياء الفاحشين وهم يتقيأون على أنفسهم أثبت أنه تطهير نفسي غريب.
تتجذر بعض الأفلام الفائزة في كان في الواقع. ويلتقط بعضها ببراعة جوانب غير مروية من الحالة الإنسانية. ويسلط الكثير منها العدسة على الفقر والحزن والمعاناة. أما Triangle of Sadness فهو في الغالب متعة كبيرة حول أشخاص أنانيين. ككوميديا عن أشخاص يجمعهم الثروة – سواء ثروتهم أو قدرتهم على تلبيتها – ثم تجمعهم الظروف، يُفضل النظر إلى فيلم أوستلوند كنوع من الرسوم المتحركة. إنه نوع من الأعمال غير الملتزمة بنبرة محددة والتي يرفضها الناس باعتبارها سطحية ويستنكرونها كخطيرة، لكنها ليست أياً منهما. إنها مرآة في بيت مرح.
10. The Pianist (2002)
قبل أن يصبح ثقل ماضي رومان بولانسكي أمراً لا يمكن إنكاره بالنسبة للجمهور (الليبرالي على الأقل)، قدم رؤية لصدمته الخاصة في هذا الاقتباس لمذكرات فلاديسلاف شبيلمان. يُعد The Pianist، الذي كتبه رونالد هاروود ويتمحور حول الأداء الحائز على جائزة الأوسكار لأدريان برودي في دور شبيلمان، فيلماً مؤثراً ومقوياً ومرعباً في استخدامه للتفاصيل. منحت لجنة تحكيم ديفيد لينش الجائزة الكبرى لفيلم The Pianist متفوقاً على أعمال أكثر مغامرة من حيث الأسلوب مثل Russian Ark وIrreversible و24 Hour Party People. وبينما تظل قدرة بولانسكي على مواصلة العمل مثيرة للجدل بحق، فإن هذا الفوز ليس كذلك.
بتقديم الهولوكوست عبر عيون وتجربة ناجٍ واحد، يقدم The Pianist رؤية للرعب الهائل من منظور كان جديداً نسبياً في ذلك الوقت. كان معظم السرد غير الوثائقي عن الهولوكوست يُصفى عبر الدراما الهوليوودية والمأساة المشحونة بالعاطفة. وإذا كان Schindler’s List بحاجة إلى تجريد قصته من كل الألوان تقريباً ليرويها، فإن The Pianist يفتح رؤيته الكاملة على المعاناة، ليركز فقط على التفاصيل. رجل على كرسي متحرك يُلقى من النافذة بدم بارد. رجل يلعق الطعام من الأرض في يأس. كرسي يوضع بجوار نافذة تحسباً لأي طارئ.
9. Titane (2021)
كان الفائزون بالسعفة الذهبية في عشرينيات القرن الحالي بمثابة غنيمة غنية لعشاق السينما (والموزع نيون)، ويُعد فيلم Titane للمخرجة جوليا دوكورنو من بين أكثر الخيارات إلهاماً. ربما أخطأت لجنة التحكيم برئاسة سبايك لي في الإعلان، لكن اختيارهم كان تذكيراً بأن مهرجان كان يتجاوز أعمال المؤلف السينمائي الجامدة وواقعية سينما الفن. هذه قصة عن قاتلة متسلسلة بجمجمة معدنية تمارس الجنس مع السيارات. كل هذا حرفي ويُكشف عنه في الدقائق العشر الأولى.
بغض النظر عن الحبكة، هناك شيء منوم مغناطيسياً تقريباً في Titane والطريقة التي ترويه بها دوكورنو. في عصر يُتوقع فيه بشكل متزايد أن تكون الأفلام وعظية وتخاطب الخطاب السائد، ها هو فيلم لا يهتم بأي من ذلك. Titane فيلم عميق وصادم تطارد فيه شخصيته العنيفة الأصوات والكروم وشيء لا يمكننا إدراكه تماماً. إذا حاول ديفيد لينش صنع مزيج بين Crash (نسخة كروننبرغ) وMartyrs (النسخة الفرنسية)، فقد يبدو الأمر شبيهاً بهذا.
8. Amour (2012)
قلة من المخرجين بدوا قادرين على استيعاب الأعراف الاجتماعية المتغيرة في الربع الأول من القرن كما فعل مايكل هانيكي، وتعكس سعفتاه الذهبيتان ذلك. قد يجادل البعض بأنه فاز بهما عن الأفلام الخطأ، لكن الحقيقة هي أن مسيرته من منتصف العقد الأول إلى منتصف العقد الثاني من القرن الحادي والعشرين كان يمكن أن تسفر عن جائزة كبرى أخرى على الأقل. يُعد Amour فيلماً لا تشوبه شائبة إن لم يكن مثالياً، وهو فيلم يبدو فيه هانيكي، الذي مضى ليقبل سعفته الذهبية الثانية دون جدال، وكأنه نفذ رؤيته بدقة متناهية.
بالنسبة لفيلم يُترجم عنوانه إلى “الحب”، فإن هذه الصفة مركزية وغائبة بشكل غريب في الوقت ذاته، على طريقة هانيكي الحقيقية. يجمع الحب بين الزوجين المسنين آن وجورج (إيمانويل ريفا وجان لوي ترينتينيان)، رغم أن حالة آن العقلية تترك جورج وحيداً فيه بشكل متزايد. ولا يأتي الحب بسهولة من ابنتهما، المخلصة ولكن البعيدة، أو من تلاميذ آن السابقين في العزف على البيانو، أو من مجتمع لا يهتم كثيراً بكبار السن. في الواقع، يتسم فيلم هانيكي بطبقات خادعة في بساطته. فالحب يختبئ بعيداً عن الأنظار في كل زاوية، في ذكريات ومساحات لا يستطيع الجمهور تفعيلها ولكنه يستطيع الشعور بها.
7. Shoplifters (2018)
يستوفي فيلم Shoplifters للمخرج هيروكازو كوري إيدا الكثير من معايير مهرجان كان. فهو من إبداع مؤلف سينمائي مفضل في كان يروي قصة عن شخصيات تعيش على هامش المجتمع. وكما هو الحال مع العديد من جوائز السعفة الذهبية الأخرى، كان هناك سرد يفيد بأنه حان وقت كوري إيدا، ويجسد Shoplifters الكثير من أسلوب المخرج ومواضيعه، لكنه فيلم متعاطف ومصنوع ببراعة يقف كأحد أبرز الإنجازات السينمائية لعام 2018.
لصوص المتاجر في العنوان هم عائلة مؤقتة من اللصوص والمحتالين، ولكن بينما تتجذر نسخ أخرى من هذه القصة في القسوة والقذارة والصدمة، توحد عصابة كوري إيدا من اللصوص المرحين أحياناً اللطف والرغبة المشتركة في تكوين أسرة. وعندما تستشعر الأم البديلة روحاً مهملة مماثلة، تُدفع هذه العائلة المؤقتة إلى سلسلة من الأحداث التي لا يمكنهم الاحتيال أو الفرار منها. لكن حتى هذا الوصف يمنح Shoplifters إلحاحاً يفوق ما تريده القصة أو تتطلبه. تتكشف الحبكة حول هذه الشخصيات، لدرجة أننا لا نملك إلا أن نرى العالم الخارجي كقوة قاسية ومتقلبة ومتطفلة لا تقدم سوى القواعد والعقاب. ويُعد هذا دليلاً على براعة السرد لدى كوري إيدا، إذ لا يسعنا إلا أن نشعر بأن شخصياته على حق حتى عندما تكون مخطئة بشكل ميئوس منه.
6. Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (2010)
يُعد Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives فيلماً مذهلاً، وخياراً ملهماً من لجنة تحكيم تيم بيرتون وسع الجائزة الكبرى لتتجاوز السينما الغربية. كان أبيتشاتبونغ ويراسيثاكول بالفعل أحد أعمدة مهرجان كان بحلول وقت فوزه، لكن لم يكن هناك أي تلميح لتكريم مسيرته، وقلة من الأفلام تضرب بقوة ونعومة كما يفعل Uncle Boonmee….
يقتبس الفيلم من كتاب ألفه راهب بوذي بناءً على روايات رجل ادعى تذكر حيواته السابقة، ويسافر Uncle Boonmee… عبر الزمان والمكان والغابة بينما يفقد البطل قبضته على الحياة. يحتضر بونمي بسبب مرض في الكلى. وإدراكاً لذلك، تأتيه أرواح الغابة وأشباح الماضي بينما تزوره الندم والمخاوف الكارمية والألغاز القديمة. يُعد Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives تجربة جميلة وفريدة من نوعها، فنية بشكل ميئوس منه في لقطاتها الطويلة والثابتة المصحوبة بموسيقى الطبيعة التي تعصف بها الرياح، ومنعشة في مزيجها من التقاليد الأرواحية والسرد القصصي والإشارات إلى الأحداث الاجتماعية والسياسية الماضية. تتناول العديد من الأفلام رحلة ما، لكن Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives هو الفيلم النادر الذي يبدو وكأنه رحلة بحد ذاته.
5. It Was Just an Accident (2025)
حقق It Was Just an Accident، الفائز الأخير بالسعفة الذهبية، إنجازاً كبيراً على صعيد الجوائز. فبه، أصبح جعفر بناهي رابع مخرج فقط يفوز بالتاج الثلاثي للسينما الأوروبية – بحصوله على الجائزة الكبرى في كان وبرلين والبندقية – والمخرج الوحيد الذي فاز أيضاً بجائزة الكاميرا الذهبية في كان عن فيلمه الأول. يمكن بسهولة اعتبار It Was Just an Accident جائزة مسيرة، حيث انتهزت لجنة التحكيم الفرصة لمكافأة مؤلف سينمائي محترم بينما لا تزال الفرصة سانحة، لكن هذا الفوز لم يكن مجرد صدفة.
يعرض فيلم بناهي براعة في السرد السلس. بعد أن أمضى سنوات في صناعة الأفلام سراً، من المحتمل جداً أن يكون جعفر بناهي قد أصبح أفضل كاتب/مخرج يعمل اليوم. يُعد It Was Just an Accident تنويعاً على تيمة الانتقام. يقتنع ميكانيكي سُجن سابقاً بأن محققه في السجن قد دخل متجره. وما يحدث بعد ذلك هو مزيج من الإثارة والدراما النفسية والمهزلة غير المتوقعة وغيرها. وكما هو الحال مع الفيلم الذي احتل المركز الأول في هذه القائمة، يتنقل الفيلم ببراعة بين الأنواع السينمائية، وينحرف من الفكاهة إلى اليأس في لحظة، ويترك الجمهور يعيش قلق شخصياته. وباعتباره من أحدث الفائزين في كان وقت كتابة هذا التقرير، سيكشف الوقت ما إذا كان It Was Just an Accident سيصمد أمام اختبار الزمن، لكن عمليات إعادة التقييم اللاحقة ستضعه على الأرجح في مرتبة أعلى في قوائم كهذه.
4. The White Ribbon (2009)
كان The White Ribbon أول فوز لمايكل هانيكي بالسعفة الذهبية، وحتى حينها كان متأخراً كثيراً حيث أذهل المخرج الجماهير وأرعبهم بأفلام مثل The Piano Teacher وTime of the Wolf وCache. لكن The White Ribbon كان بمثابة قفزة كبيرة، نوع الأفلام الذي يجسد أسلوب المخرج ومواضيعه الأساسية، وينجح هانيكي في سرد قصة واسعة وملحمية بينما تظل حميمية ومحلية (بشكل يثير رهبة الأماكن المغلقة).
في قرية صغيرة يسيطر عليها إلى حد كبير البارون والطبيب والقس في الفترة التي سبقت الحرب العالمية الأولى، تتسبب مقالب وتصرفات غير مبررة في إثارة الاضطرابات بين القرويين. يتحول هانيكي من مواضيع العزلة الاجتماعية ليركز على الطرق التي يفسد بها الظلم الاجتماعي والنفاق الأخلاقي المجتمعات ويتركها تتعفن. يُعد The White Ribbon بمثابة الجزء السابق غير الرسمي لفيلم Cache، ووصفه المخرج بأنه قصة عن أصول الشر. وعلى طريقة هانيكي الحقيقية، يتسم The White Ribbon بالغموض والإبهام وعدم الحسم – حيث يصبح قلقه المستمر وتداعيات المستقبل مرعبة بهدوء مع اقتراب النهاية.
3. 4 Months, 3 Weeks and 2 Days (2007)
يُعد اعتبار 4 Months, 3 Weeks and 2 Days أحد أفضل الفائزين في كان في هذا القرن (أو على الإطلاق)، ولكنه ربما ليس الأفضل في المسابقة أو في ذلك العام، دليلاً على مدى روعة العام السينمائي 2007. ومع ذلك، لا ينبغي أن يقلل هذا من شأن دراما الإجهاض المكثفة والمتقنة لكريستيان مونجيو. كان فوز مونجيو في كان بمثابة انطلاقة للموجة الرومانية الجديدة، مما أثار موجة من الروائع السينمائية في السنوات اللاحقة والتي لا تزال مستمرة حتى اليوم.
في رومانيا خلال ثمانينيات القرن الماضي، تسجل الطالبتان الجامعيتان غابيتا وأوتيلا دخولهما إلى فندق رخيص. إحداهما، غابيتا، حامل. والإجهاض غير قانوني. وما يتبع ذلك هو رحلة قاتمة عبر حقائق دولة قمعية تأخذنا جزئياً عبر متاهة من السلطة والإكراه دون مغادرة الفندق لفترة طويلة. منح موضوع الفيلم وإعداده الزمني غير البعيد (20 عاماً) الفيلم أهمية لا تزال قائمة حيث يشبه الغرب في عشرينيات القرن الحالي رومانيا في الثمانينيات بشكل متزايد، ولا يحظى 4 Months, 3 Weeks and 2 Days بالتقدير الكافي لإطلاقه النوع السينمائي الفرعي “البحث عن الإجهاض” الذي سيبرز بعد عقد من الزمان.
لكن فيلم مونجيو يتجاوز تأثيره أو خطابه الموازي. فهو مصنوع ببراعة، ومثير للتوتر بشكل جنوني، وممثل ببراعة من قبل البطلتين أناماريا مارينكا ولورا فاسيليو، بالإضافة إلى فلاد إيفانوف في دور الوغد المناسب لتلك الحقبة. استُبعد الفيلم بشكل شهير من جوائز الأوسكار، مما دفع فرع الأفلام الأجنبية في الأكاديمية إلى مراجعة الذات التي لا تزال مستمرة حتى اليوم، ولكن هذا يوضح أيضاً مدى تميز وتأثير الفيلم الفائز لمونجيو: قطعة لا يمكن إنكارها من السرد تجبر الجمهور على مواجهة حقائق المجتمع والامتثال والإكراه.
2. Dancer in the Dark (2000)
ليس من المستغرب أن يكون فيلم Dancer in the Dark للمخرج لارس فون ترايير خياراً مثيراً للجدل (كما يُزعم). حتى بطلته كرهت العمل فيه (ولم تمثل مرة أخرى، حقاً، لعقود). ولكن إذا كان هناك اختيار للجنة تحكيم أثبت الزمن صحته، فهو هذا الاختيار. يُعد Dancer in the Dark فيلماً مأساوياً وجميلاً ورائعاً وحزيناً. نقد لاذع لأمريكا يُروى في مزيج ما بعد حداثي مزدهر وسابق لعصره بين المسرحيات الغنائية الهوليوودية والواقعية الأوروبية، وهو مزيج لا يزال وثيق الصلة ومؤثراً اليوم كما كان عندما عُرض لأول مرة كفانتازيا ملتوية لدانماركي شاب حاد الطباع.
تلعب بيورك دور سلمى، وهي أم تعمل لتوفير تكاليف عملية جراحية لمنع ابنها من الإصابة بالعمى حتى مع تدهور بصرها. وباعتبارها عاشقة للمسرحيات الغنائية الهوليوودية، يتخلل واقعها الكئيب حلقات موسيقية غير متوقعة – أغانٍ شارك في كتابتها أمثال سيون وتوم يورك (تُعد هذه الموسيقى التصويرية أيضاً واحدة من أفضل ألبومات القرن حتى الآن) – تبرز عبثية وقسوة وضع سلمى (وبالتالي أمريكا) بالإضافة إلى بهجة الحياة. مع Dancer in the Dark، مزج فون ترايير بين التصنع الهوليوودي ومبادئ حركة دوغما 95، كاسراً قواعده الخاصة في هذه العملية، وصانعاً شيئاً صادقاً وخاماً بقدر ما هو مُدبر.
1. Parasite (2019)
مرة أخرى، يشق Parasite طريقه إلى صدارة قائمة أفضل أفلام القرن، ولا يخلو ذلك من إجماع دولي. كان Parasite أول فائز بالسعفة الذهبية في هذا القرن (وواحد من اثنين فقط) يحصد جائزة الأوسكار لأفضل فيلم. إنه الفائز النادر الذي تُرجم إلى نجاح عالمي في شباك التذاكر، ويظل أحد أكثر اختيارات لجنة تحكيم كان إلهاماً.
مع كل هذه الأوسمة، من السهل أن ننسى أن فوز Parasite لم يكن مضموناً. لم يكن بونغ من ملوك كان تماماً، حيث عُرض فيلم واحد فقط من أفلامه السابقة في المسابقة الرسمية. لقد تفوق على منافسة من مفضلين دائمين مثل تارانتينو وألمودوفار وعناوين أخرى جديرة بالاهتمام مثل A Portrait of a Lady on Fire وBacurau. ولكن أكثر من أي فيلم في ذلك العام، التقط Parasite اللحظة في استكشافه للهشاشة وعدم المساواة في الدخل، وفعل ذلك بكونه ممتعاً للغاية: مندفعاً، ومضحكاً بسخرية، ومفاجئاً باستمرار. ساعد نقده الاجتماعي الممزوج بعناصر النوع السينمائي في قيادة عودة رائعة للنوع السينمائي الفرعي الذي ينتقد الأثرياء، والذي استفاد منه فيلم واحد آخر على الأقل في هذه القائمة.
ولكن على عكس العديد من الحكايات الطبقية الشريرة الأخرى، يتسم Parasite بالدقة (على الأقل لفترة من الوقت)، والفروق الدقيقة، والصبر، والتعاطف (على الأقل لفترة من الوقت). ومع مرور الوقت، قد يكون Parasite عرضة لرد فعل عنيف حيث يفكك عصر وجيل جديدان ما سبقهما. بالتأكيد، تركت النهاية البعض غير راضين. ربما ستبدو دقته التي تشبه دقات الساعة مفتعلة. ولكن في الوقت الحالي، يكاد يكون مثالياً، وبعد مرور ربع قرن، يُعد أفضل فائز بالسعفة الذهبية حتى الآن.
