السينما وسيط دائم التغير. وهذا صحيح بالتأكيد فيما يتعلق بتقدمها التقني، الذي يضع أمام أعيننا تغيراً ملموساً في طريقة تجربة الفيلم، سواء كان ذلك يعني سماع الصوت على الشاشة لأول مرة، أو تجربة المشاهدة ثلاثية الأبعاد. تتيح الابتكارات التقنية خلف الكاميرا لصناع الأفلام استغلال برمجيات متطورة بشكل متزايد للمونتاج، والمؤثرات البصرية، وتصحيح الألوان، وما إلى ذلك.
إن حقيقة أن التقدم التقني هو الأكثر وضوحاً لا ينبغي أن تجعل أحداً ينسى مدى أهمية التقدم في الجانب السردي للفيلم. السينما تتحرك دائماً إلى الأمام، ولكن لكي تفعل ذلك، عليها أن تجد بطريقة مقنعة طرقاً جديدة لسرد قصصها.
بالتأكيد، كانت أنواع معينة من السرد مربحة دائماً (فتى يلتقي بفتاة، بطل يقاتل شريراً، وما إلى ذلك)، ولكن الأفلام التي تتجاوز الحدود في أسلوب السرد هي فقط القادرة على إبقاء السينما متجددة وجذابة. هذا صحيح بالنسبة للمؤلفين السينمائيين الأكثر تجريبية وجرأة، ولكن أيضاً لصناع الأفلام التجاريين، الذين يحتاجون إلى إيجاد طرق مثيرة للاهتمام لسرد قصصهم مراراً وتكراراً.
تلقي هذه القائمة نظرة على عشرة أفلام في تاريخ السينما أثبت أسلوبها السردي أنه مؤثر للغاية ووضع معياراً جديداً للطريقة التي تسرد بها السينما قصصها.
La Dolce Vita
اختيار أفضل مخرج إيطالي على الإطلاق هو خيار صعب، لكن فيلموغرافيا فيليني تقدم حجة قوية لصالحه. من الخمسينيات إلى 1990 (عام فيلمه الأخير)، أخرج فيليني أعمالاً لا تُنسى، والأهم من ذلك أنه منحها جميعاً لمسة فريدة جعلتها قابلة للتمييز فوراً على أنها “فيلينية” (صفة دخلت المعجم السينمائي). لقد مزج بين حس إيطالي خالص لبهجة الحياة وشعور دقيق بالكآبة والوجودية.
The best channel for his cinematic style was Marcello Mastroianni, who by the time Fellini directed Ginger and Fred (1986) had become an on-screen alter-ego of his. يعجب المخرجون الآخرون بمعظم أعمال فيليني، ولكن من بين أفضل فترات مسيرته، قد يكون La Dolce Vita هو الأكثر شهرة وتأثيراً.
يتبع الفيلم مارتشيلو، صحفي في مجلة فضائح في روما في الخمسينيات (وبشكل أكثر تحديداً، نهاية الخمسينيات)، عبر سلسلة من حلقات الحياة التي تسلط الضوء على أسلوب حياته المبالغ فيه ونهجه الكئيب تجاه الحياة.
في La Dolce Vita، يطور فيليني إيقاعاً فريداً يبني ببطء ويرسم في النهاية صورة شاملة ودقيقة للبطل. أظهر فيليني كيفية الجمع بين لحظات الفرح والملل، مما يمتع الجمهور ويتحدىه في آن واحد. حاول الكثيرون بعده تقليد أسلوبه، ودخل La Dolce Vita التاريخ كمثال جوهري للسرد السينمائي.
The Apartment
قد يكون The Apartment هو التحفة الفنية الحقيقية لبيلي وايلدر. بالتأكيد، هذا خيار صعب، بالنظر إلى عدد الأفلام الرائعة التي كتبها وأنتجها وأخرجها، لكن The Apartment يحتل بالتأكيد مكاناً خاصاً في فيلموغرافيا أعماله. لم يفز له بثلاث جوائز أوسكار فحسب، بل رسخ بشكل نهائي قوته كعبقري سينمائي. يظل Some Like It Hot فيلمه الأكثر شعبية، لكنه لا يصل إلى مستوى العمق والقيمة الجوهرية التي تمتلكها جوهرة مثل The Apartment.
يستحق الفيلم مكاناً في هذه القائمة لأنه أنجح مزيج من الكوميديا والدراما شهده العالم حتى تلك اللحظة. بتعلم الدرس من عظماء السينما مثل إرنست لوبيتش، منح وايلدر The Apartment لمسة من الواقعية التي لا تلين ودمجها مع السحر الذي لا يمكن إنكاره للأبطال الذين لعب أدوارهم جاك ليمون وشيرلي ماكلين.
تأثير الفيلم واضح بوضوح في العديد من الكوميديا الرائعة في السنوات التالية، وأيضاً في واحد من أعظم البرامج التلفزيونية الحديثة، Mad Men، الذي قال مبتكره ماثيو وينر علانية إنه استلهمه منه. هذه ليست مصادفة: يلتقط The Apartment وقته بشكل مثالي (الانتقال بين الخمسينيات والستينيات) ومكانه (نيويورك).
إنه إنجيل سردي لنوع سينمائي معين، وهو كئيب وممتع بشكل صارخ في نفس الوقت. على مر السنين، حاول الكثيرون التقاط نفس الشعور، لكن القليل منهم نجح.
Annie Hall
يُعرف وودي آلن ككاتب ومخرج يتمتع بذكاء وسحر هائلين. على الرغم من أنه معروف لدى الجمهور العريض بكوميدياته، إلا أن أعماله الإخراجية الدرامية تحظى بتقدير واسع، مع إشارات صريحة إلى أعمال بيرغمان وفيليني، وتأثير واضح من الأدب (دوستويفسكي وغيره من الروس) والفلسفة (العدمية، الوجودية).
اللحظة التي انتقل فيها آلن من كونه كاتب/ممثل/مخرج كوميدي ذكي إلى كونه صانع أفلام مقدراً هي Annie Hall. بالتأكيد، استغرق الأمر بضعة أفلام أخرى (خاصة Manhattan وبعد عقد من الزمان، Hannah and Her Sisters) ليُنظر إليه على أنه المؤلف السينمائي الكامل الذي نعرفه الآن، لكن كل البذور كانت مزروعة بالفعل في Annie Hall. لأول مرة، أدخل عنصراً درامياً واقعياً في السيناريو، ولعب أيضاً بهيكل الفيلم، مستخدماً الفلاش باك، وكسر الجدار الرابع، والسرد الميتا-سينمائي بطريقة أصلية.
هذا هو السبب في أن Annie Hall موجود في هذه القائمة: بعد فترة وجيزة من صدوره (وحصوله أيضاً على عدد من الجوائز، بما في ذلك من الأكاديمية)، أصبح الفيلم عنصراً أساسياً في الكوميديا الدرامية الأمريكية التي تتمحور حول الرومانسية، وظل أفضل مثال لهذا النوع الفرعي.
ليس ذلك فحسب، بل إن Annie Hall مثال رائع على كيفية تمثيل العلاقات بين الشخصيات (ليس بالضرورة العشاق) على مدى فترة زمنية طويلة دون فقدان اهتمام المشاهد. كما قلنا، في هذا الفيلم يلعب آلن بالسرد، سواء من حيث الزمان أو المكان، ولا يزال نهجه الفريد مؤثراً.
Wild Strawberries
Wild Strawberries هي مجرد واحدة من روائع إنغمار بيرغمان الشهيرة، لكنها قد تكون تلك التي جعلت اسم المخرج مشهوراً في جميع أنحاء العالم. فازت بجوائز في دول مختلفة، وحظيت بإشادة عالمية لتصويرها السينمائي وعمقها وابتكارها. منح بيرغمان جميع أفلامه سمة نفسية واضحة، وWild Strawberries ليست استثناءً.
تدور القصة حول بعض الموضوعات المتكررة في فيلموغرافيا أعماله: الموت، الأحلام، ثقل الماضي والشعور بالذنب. الجهاز السردي الرئيسي للفيلم بسيط ولكنه فعال حقاً: الفيلم هو قصة رحلة بالسيارة يحتاج البطل (البروفيسور إيزاك بورغ) إلى القيام بها من أجل الحصول على تكريم أكاديمي. قبل وأثناء هذه الرحلة، يستعيد بورغ اللحظات الأكثر أهمية وتكوينية من ماضيه، ويتعامل مع الرجل الذي أصبح عليه والعواقب التي خلفتها أفعاله على عائلته.
Wild Strawberries فيلم مؤثر للغاية، لأنه مثال شبه مثالي لكيفية الجمع بين العناصر النفسية والقصة الرئيسية، والأهم من ذلك، يظهر بالضبط كيف يمكن لمخرج عظيم الجمع بين الأقسام الحلمية والإعداد الواقعي. منحت لمسة بيرغمان وحساسيته القصة تدفقاً مثالياً، وجعلتها تحفة فنية للأجيال.
Citizen Kane
يُعترف عالمياً بـ Citizen Kane كتحفة أورسن ويلز وواحد من أفضل الأفلام التي تم تحقيقها على الإطلاق. إنه التحفة السينمائية الأساسية وحجر الزاوية في تاريخ صناعة الأفلام. أصدره ويلز في عام 1941 باستقبال متباين. استغرق الأمر بعض الوقت للنقاد والجمهور لتقديره حقاً، ولكن بعد أن فعلوا ذلك، لم ينسوه أبداً.
التصوير السينمائي بواسطة غريغ تولاند هو سبب كبير للإشادة الخالدة بالفيلم، لكن هيكل قصته هو سبب شهرته الكبيرة. القصة مبنية حول كلمة واحدة، “Rosebud”؛ اللغز وراءها يدعم الفيلم بنجاح طوال مساره.
جهاز سردي ذكي آخر هو الرواة المتعددون، حيث يروي كل منهم حلقة مختلفة من حياة تشارلز فوستر كين ويظهر جانباً معيناً من شخصيته، على الرغم من أن الرجل الذي يجري مقابلات معهم لا يستطيع حقاً إكمال صورة الرجل بسبب جوانبه المتناقضة العديدة.
يروي Citizen Kane قصة تغطي حياة كاملة، لكنه ليس فيلماً سيرة ذاتية مبتذلاً، ويأسر الجمهور بسرده. تأثير Citizen Kane على السينما الكلاسيكية التي جاءت بعده هائل، أيضاً بسبب طريقته الفريدة في سرد قصته.
The Discreet Charm of the Bourgeoisie
تحتاج قائمة حول السرد إلى لويس بونويل. في الواقع، سيكون المدخل الجدير هو فيلمه الأول، Un Chien Andalou: على الرغم من أنه قد يبدو غريباً أن يكون فيلماً قصيراً سريالياً كمثال للسرد، إلا أن ظهور بونويل الأول (بالتعاون مع سلفادور دالي) كان المثال المحدد لنوع جديد من القصة السينمائية، النوع السريالي. في السنوات التالية، استمر بونويل في صنع العديد من الروائع الأخرى بأسلوبه الخاص.
The Discreet Charm of the Bourgeoisie (1972) هو واحد منها، ويمكن القول إنه الأكثر نجاحاً. أولئك الذين لم يتابعوا فيلموغرافيا أعماله حتى تلك اللحظة اضطروا لسماع أخبار الفيلم، أيضاً بسبب جوائزه العديدة (بما في ذلك جائزة الأكاديمية لأفضل فيلم بلغة أجنبية). أعطى هذا لـ The Discreet Charm of the Bourgeoisie اهتماماً دولياً، مما جعله الفيلم السريالي المحدد من السبعينيات فصاعداً.
مزيج بونويل المميز من السرد الحلمي والتعليق الاجتماعي في أرقى حالاته في هذا الفيلم، ويصيب هدفه حقاً. الانتقالات بين الأحلام وما يبدو أنه واقع فعالة بشكل مذهل، وكذلك الهجوم المتواصل على غرور وفراغ الأبطال الأثرياء. كل من يصنع فيلماً يجمع بين تسلسلات الأحلام والواقع، أو يغامر في أراضٍ سريالية، يدين بشيء لتأثير بونويل.
City Lights
القصة وراء City Lights معروفة جيداً وواحدة من أكثر القصص إثارة للاهتمام في تاريخ السينما: بينما أصبحت “الأفلام الناطقة” (أول أفلام ذات صوت) النوع الأكثر شعبية من الأفلام، قرر تشارلي شابلن إنتاج فيلم صامت مثل تلك التي صنعها حتى تلك اللحظة، وظل مخلصاً للأسلوب الذي طوره. عندما صدر في عام 1931، أثبت City Lights أنه نجاح هائل مع الجمهور، ووقع النقاد في حبه.
ليس ذلك فحسب، بل مع مرور السنين، حصل الفيلم على مزيد من التقدير، وأصبح المفضل الشخصي للعديد من أعظم مخرجي السينما الكلاسيكية: أحبه كوبريك، وكذلك أندريه تاركوفسكي، الذي اعتقد أن الفيلم (بالإضافة إلى بقية فيلموغرافيا شابلن) “لا يمكن أن يشيخ أبداً”. تأثر به أيضاً فيديريكو فيليني ووودي آلن. هذا يفسر التقدير العالي الذي لا يزال الفيلم يحظى به.
القصة هي كوميديا مثالية مع تصوير مؤثر للرومانسية في أنقى صورها. يعمل عمى الفتاة وسذاجة المتشرد معاً لصنع قصة مثيرة ومضحكة ومؤثرة.
Rashomon
Rashomon هو أحد أعمال أكيرا كوروساوا الأكثر شهرة. إنه أيضاً أحد أكثر الأفلام اليابانية شهرة ومعرفة، وعادة ما يكون أحد أول الأفلام الكلاسيكية التي يواجهها المبتدئ من ذلك البلد. أصبحت حبكته واحدة من أكثر الأمثلة تأثيراً على السرد المتعدد.
يتم توظيف هذا الجهاز السردي في الفيلم من خلال سرد نفس الحلقة من خلال وجهات نظر مختلفة، مما يترك شعوراً بعدم اليقين لدى المشاهد. تعرضت امرأة للاغتصاب، وقُتل زوجها، وهو ساموراي. نرى كيف سارت الأمور من خلال حكاية القاتل المزعوم، ثم الزوجة، متبوعة بشاهد موضوعي على ما يبدو مر بمشهد الجريمة، وحتى الساموراي المقتول، الذي يتم استحضاره بواسطة وسيط.
بحلول نهاية الفيلم، لا يتم الكشف عن أي وجهة نظر على أنها الحقيقية، ويُترك المشاهد يتساءل عما حدث بالفعل. يمكن للمرء اختيار أحد التقارير، أو اختراع تقريره الخاص من خلال الجمع بين عناصر الروايات الأربع.
كوروساوا هو راوٍ معروف بلمسته الناعمة، ولديه نهج دقيق للقصة وهو عنصر مشترك بين مخرجين يابانيين عظماء آخرين مثل أوزو. وصل تأثير Rashomon على السرد أيضاً إلى البرامج التلفزيونية، التي تستخدم أحياناً جهازاً سردياً مشابهاً (وعادة ما يعترف مديرو العروض بتأثير الأفلام عليهم).
Pulp Fiction
دفع فيلم كوينتن تارانتينو الروائي الثاني به إلى الشهرة والتقدير الدوليين، وجعله المخرج القوي الذي لا يزال عليه الآن. صدر الفيلم في عام 1994، ويُنظر إليه بحق على أنه لحظة محددة في التسعينيات، ليس فقط في عالم السينما ولكن للثقافة المشتركة بشكل عام. شهد صامويل إل جاكسون، وجون ترافولتا، وأوما ثورمان، وبروس ويليس جميعاً دفعة في مسيرتهم المهنية وأصبحوا أيقونات لجيل جديد.
حدث كل هذا بسبب صوت تارانتينو السينمائي الأصلي حقاً. من الناحية الأسلوبية، يستمد تارانتينو من معرفته الهائلة بالسينما، ولكن من وجهة نظر سردية صارمة، هو أصلي حقاً.
تكمن قوة نصوصه في القدرة على الجمع بين وجهات نظر مختلفة واللعب بها من خلال سرد غير خطي؛ في الواقع، يتم إثبات تأثير Pulp Fiction من خلال الشعبية الكبيرة التي شهدها مفهوم السرد غير الخطي في السنوات اللاحقة. حوار تارانتينو هو أيضاً أحد أكثر جوانب الفيلم تقليداً. حاول الكثيرون نسخ أسلوبه المذهل والغني بالحوار في الكتابة، وعادة ما يفشلون في جعله قابلاً للتصديق.
The 400 Blows
يمكن تسمية العديد من الأفلام بحق روائع، لكن القليل منها فقط أحدث تحولاً نموذجياً في تاريخ السينما. يعني التحول النموذجي تغييراً جذرياً في المنظور في الطريقة التي يمكن بها صنع شيء ما، في هذه الحالة فيلماً.
من حركة الموجة الجديدة جاءت طريقة جديدة للنظر إلى الأفلام، تمزج بين تقدير الكلاسيكيات وإعادة تقييم ذكية للسينما التجارية (مثل سينما ألفريد هيتشكوك). سرعان ما وضع خبراء السينما مثل فرانسوا تروفو وجان لوك غودار هذه الأفكار موضع التنفيذ.
فيلم تروفو The 400 Blows ليس تقنياً أول فيلم يخرج من حركة الموجة الجديدة، لكنه بالتأكيد الأكثر تأثيراً من هذه الفترة الأولى من تاريخ السينما. التصوير السينمائي، والسيناريو، والواقعية، والتصوير غير المعتذر لباريس في أفضل وأسوأ جوانبها: كل هذا، وأكثر، جعل الفيلم تجربة مشاهدة أصلية تماماً.
الفيلم يجب مشاهدته وكان له تأثير هائل على السينما من بقية الستينيات، ولكن أيضاً على السينما الحديثة، التي نظرت إلى لمسة تروفو للواقعية وتصوير الكآبة الحضرية. أعطى The 400 Blows رؤية لطريقة جديدة للسرد في السينما، ولهذا السبب لا يزال مؤثراً للغاية.
