بعض الأفلام تثير الحيرة. بعضها يزعج. وبعضها يلتقط إدراكك للواقع، يدور به كدوران الطبل، ثم يعيده مقلوبًا، مما يجعلك تومض في الظلام، متسائلًا عما شهدته بالضبط. هذه هي الأفلام التي تبقى معك طويلًا بعد انتهاء الاعتمادات، ليس بسبب التقلبات في الحبكة فقط، ولكن لأنها تبقيك تتساءل عنها لأسابيع، وشهور، وحتى سنوات بعد ذلك. هذه هي 10 من أنقى التعبيرات السينمائية للعقل الذي ينحني حتى ينكسر.
سواء تم سردها من خلال سرديات متقطعة، أو رمزية متعددة الطبقات، أو تجريد بصري، تشترك هذه الأعمال في شيء واحد: إنها تدعونا لتجربة السينما ليس كمشاهدين سلبيين، بل كمشاركين نشطين، يفككون المعاني، ويتساءلون عن الحقيقة، وغالبًا ما يواجهون أنفسهم في هذه العملية.
1. Last Year at Marienbad (1961)
تحفة ألان رينيه الحلمية هي جد كل ألعاب العقل السينمائية. تدور أحداث الفيلم في قصر فاخر حيث يتوقف الزمن وتختلط الهويات، ويتحدى الفيلم السرد الخطي تمامًا. يصر رجل على امرأة أنهما التقيا في العام السابق في مارينباد؛ وهي تنكر ذلك أو ربما لا تتذكر. ما يلي هو هبوط حلزوني، مهيب في الذاكرة، الاقتراح، والوهم. نفس المشهد يُعرض بطرق متعددة، مما يستدعي على الفور Rashomon (1950)، ولكن ليس بشكل سلبي.
لا تشاهد مارينباد بقدر ما تسقط فيه، وبمجرد دخولك، تبدأ في التساؤل عن ذكرياتك الخاصة لما حدث من قبل. إنه جنوني، إنه رائع، وهو واحد من أعظم ألعاب العقل على مر العصور. تجبرك الغموض المتعمد في الفيلم على الدخول في حلقة تكرارية من إعادة التحليل، حيث تذوب حتى أكثر التفاصيل وضوحًا تحت التدقيق. إنه يتعلق بقدرة السينما على تغيير الزمن بقدر ما يتعلق بالزمن نفسه.
2. La Jetee (1962)
تتكون La Jetee لكريس ماركر تقريبًا بالكامل من صور ثابتة، وهي قصة سفر عبر الزمن مدتها 28 دقيقة تحمل وزنًا فلسفيًا أكبر من العديد من الملحمات التي تستمر ثلاث ساعات.
بعد حرب مدمرة، يُرسل رجل إلى الماضي لمحاولة تغيير الأحداث. ولكن بدلاً من التكنولوجيا المعتادة في الخيال العلمي التي قد نكون معتادين عليها، نحصل على صور مؤلمة بالأبيض والأسود والإدراك البطيء والثابت أن الزمن هو فخ. تت unfold القصة مثل ذاكرة تُعاد تجميعها، وتأثيرها على Memento (2000) لكريستوفر نولان لا يمكن إنكاره، وعندما تتماسك الأمور، يكون ذلك مدمرًا.
La Jetee هي العمل الفني الأصلي الذي ألهم Twelve Monkeys (1995) لتيري غيليام، والذي هو في الأساس نسخة مطولة ومفصلة من قصّة ماركر القصيرة؛ وعلى الرغم من أن تأثير La Jetee لا يزال محسوسًا اليوم، إلا أنه لا شيء يضاهي جمالها القاسي ورنينها الحزين. إنها مرثية للذاكرة، رسالة حب للسينما، وتذكير صارخ بأن الماضي يمكن أن يكون ملاذًا وسجنًا في آن واحد. إن غياب الحركة يجعلها تشعر بشكل متناقض بأنها أكثر حيوية، وأكثر إنسانية بشكل عاجل.
3. Persona (1966)
قليل من الأفلام تتناول الهوية بشكل مباشر، أو بشكل مزعج، مثل Persona لإنغمار بيرغمان. يتم تعيين مربية للعناية بممثلة توقفت فجأة عن الكلام. مع اقتراب المرأتين، تبدأ شخصياتهما في التداخل، حتى تبدو وكأنهما تندمجان في كائن واحد. أو ربما كانتا دائمًا واحدة؟ أو ربما لم يكن أي منهما موجودًا في البداية؟ يترك بيرغمان الإجابات مفتوحة للتفسير، وقد تم تصوير الفيلم بشغف شديد يجعل كل لقطة قريبة تشعر وكأنها أشعة سينية للروح، دون أن تجد فهمًا كاملًا.
لقد تم وصف Persona بكل شيء من فيلم رعب إلى دراما نفسية إلى بيان نسوي. ولكن في الحقيقة، يتعلق الأمر بالهشاشة المرعبة للذات، أم لا؟ قد تؤدي المشاهد المتكررة لتحفة بيرغمان إلى طرح المزيد من الأسئلة بدلاً من إيجاد الحلول، وPersona أفضل بكثير من أجل ذلك.
إنه فيلم ينظر مباشرة إلى الجمهور ويتحدىهم للنظر إلى الوراء، كاشفًا عن قناع الأداء، والسينما، والهوية نفسها. مثل النظر في مرآة لا تعكس، بل تنكسر.
4. Solaris (1972)
انسَ إعادة صنع جورج كلوني، فـ Solaris الأصلية لتاركوفسكي ليست مجرد خيال علمي، بل هي سينما ميتافيزيقية في أكثر صورها رعبًا. يسافر طبيب نفسي إلى محطة فضائية تدور حول كوكب Solaris، ليواجه تجسيدًا لزوجته المتوفاة، التي استدعتها الكوكب نفسه.
يبدو أن Solaris تقرأ عقلك وتعكس لاوعيك إليك. هذه ليست فيلمًا عن استكشاف الفضاء، بل عن الاستكشاف الداخلي، عن الحزن والذنب، عن استحالة معرفة شخص آخر حقًا. تجعل اللقطات الطويلة التأملية والمحادثات الفلسفية Solaris أكثر من حالة نفسية، وتقدم تأملاتها الحلمية تأثيرًا على Stalker (1979) الخاص بتاركوفسكي بعد بضع سنوات.
إنها خيال علمي للروح، شاسعة، ملحمية، ومربكة، كل ذلك بطريقة تأملية وغريبة. لا تختبر Solaris فقط، بل تمتصها. إيقاعها البطيء يحاكي الطريقة التي تعمل بها الذاكرة فعليًا: غير كاملة، دورية، أحيانًا ساحقة. هذا ليس فيلمًا لحله؛ إنه فيلم للاستسلام له.
5. Being John Malkovich (1999)
ماذا لو كان بإمكانك الزحف عبر بوابة وقضاء خمس عشرة دقيقة داخل رأس جون مالكوفيتش؟ هذه هي الفرضية الغريبة لفيلم Spike Jonze وCharlie Kaufman الكوميدي الغريب، العميق الفكاهة، والعميق المعنى. لقد اقترح الكثيرون أن أفضل أعمال كوفمان كانت في كتابة السيناريو بدلاً من الوقوف خلف الكاميرا، وBeing John Malkovich لا يفعل شيئًا لإلحاق الضرر بتلك الادعاءات، حيث يعمل جونز عجائب في كرسي المخرج، مطلقًا نصه الرائع مع كوفمان علينا.
يبدأ الفيلم كدعابة ميتافيزيقية غريبة وينتهي كتعليق على السيطرة، والهوس، والرعب الوجودي لكونك محاصرًا في وعي شخص آخر. مع دمى. إنه مضحك ومزعج بنفس القدر؛ تسلسل دخول مالكوفيتش إلى بوابته الخاصة والعثور على عالم مأهول بالكامل بنفسه هو واحد من أغرب الأشياء التي تم تصويرها على الإطلاق، ولكنه somehow makes perfect sense في هذا الكون الذي نجد أنفسنا محاطين به.
لكن تحت السخافة يكمن تأمل مأساوي في الحاجة البشرية للهروب من أنفسنا، وما يحدث عندما لا نستطيع. قد يكون Being John Malkovich أفضل قطعة من كتابة السيناريو التي أنتجها كوفمان على الإطلاق، ولكن يمكنك بالتأكيد أن تجادل بأن العديد من أفلامه تستحق أن تكون في هذه القائمة. لكن هذا هو الفيلم الذي اخترناه، في هذا العالم المجيد من الذاتية، ولحسن الحظ ليس واحدًا جاء من عقل كوفمان.
من النادر العثور على فيلم يجعلك تضحك، وتتوتر، وتفكر وجوديًا في مساحة مشهد واحد، ولكن هذا هو بالضبط ما ينجح فيه هذا الإبداع الغريب والرائع.
6. Paprika (2006)
فيلم Satoshi Kon الأخير هو حلم حمى متحرك يدور بين الخيال والواقع بمنطق حلم واضح. في Paprika، جهاز يسمح للمعالجين بدخول أحلام مرضاهم يقع في الأيادي الخطأ، مما يؤدي إلى نهاية العالم في الحلم.
ما يلي هو انفجار من الابتكار البصري، شيء يأخذ تأثيراته ويقوم بتوسيعها بطريقة مذهلة. Paprika came just over a decade on from the ground-breaking Ghost in the Shell (1995)، ومثل تحفة مامورو أوشي الساحرة، يblur الفيلم ليس فقط بين الحلم والحياة اليقظة، ولكن أيضًا أسئلة الهوية، والإدراك، والحرية.
لم يكن من المفاجئ أن يذكر كريستوفر نولان Paprika كأحد التأثيرات على Inception، لكن فيلم كون هو على الأرجح رحلة أكثر جنونًا، وغرابة، وإثارة. كل تسلسل يعمل على تردد مختلف من المنطق، مثل التصفح عبر قنوات متوازية من اللاوعي. إنه فيلم يشعر بأنه متحرك ليس فقط في الشكل، ولكن في الروح، مليء بالأفكار، والصور، والعواطف.
7. The Fountain (2006)
يمتد فيلم Darren Aronofsky The Fountain عبر ألف عام، وثلاث تجسيدات لنفس قصة الحب، وبحث رجل يائس عن الخلود. يلعب هيو جاكمان دور كونكيستادور، وعالم حديث، ومسافر فضاء يتأمل في فقاعة مع شجرة تحتضر. حتى الآن، لا شيء غير عادي.
The Fountain أقل عن الحبكة وأكثر عن العاطفة، والرمزية البصرية، والأسئلة الكبيرة: كيف نعيش مع الفقد؟ هل يمكن أن يستمر الحب بعد الموت؟ هل الأبدية لعنة أم هدية؟ كانت ردود الفعل النقدية متباينة عند الإصدار، ولكن مع مرور الوقت أصبحت كلاسيكية عبادة — ولم تحصل على التعرض السينمائي الذي حصل عليه فيلم Terence Malick The Tree of Life (2011)، على الرغم من كونه مشابهًا جدًا من حيث الموضوع والنطاق.
لقد كان الزمن أكثر لطفًا على فيلم أرونوفسكي، لكنه لم يجعل The Fountain أقل تعقيدًا، ومن المحتمل أن يكون استكشافًا أكثر نجاحًا للتأمل الفلسفي وما وراء العالم من فيلم أرونوفسكي Mother! (2017). يلعب الفيلم مثل قصيدة بصرية، مليئة بالرمزية والصدق. قد يتعثر سرديًا في بعض الأحيان، لكن صدى عواطفه وطموحه يبقيان لا يمكن إنكاره.
8. Inland Empire (2006)
أكثر أفلام ديفيد لينش صعوبة في الفهم حتى الآن هو هبوط مدته ثلاث ساعات في انهيار الهوية، والذهان، وشيء يشبه الرعب الميتافيزيقي، وهو ما ادعى أنه منطقي، وكل شيء مرتبط ببعضه.
يبدأ Inland Empire بشكل غامض، تلعب لورا ديرن دور ممثلة تتولى دورًا ملعونًا، ثم تذوب ببطء في هاوية من الواقع المتلألئ، وشخصيات كوميدية برؤوس أرنب، وقاتلين بولنديين، وممر لا نهاية له من الذوات. تم تصويره على فيديو رقمي بحافة منخفضة مزعجة، يشعر الفيلم كما لو كنت قد نقر مباشرة في لاوعي شخص ما المسكون، ويستدعي Lost Highway (1997) الخاص بلينش وHidden (2005) لمايكل هانيكه.
ليس من السهل مشاهدته، وغالبًا ما يكون مرهقًا، لكنه ساحر تمامًا. أداء لورا ديرن ليس أقل من رائع، وقد دعا لينش بشكل مفهوم إلى فوز ديرن بجائزة الأوسكار لأفضل ممثلة؛ كانت حملته من أجلها تتضمن جلوسه في زاوية هوليوود بوليفارد وLa Brea في لوس أنجلوس مع بقرة حية، وهو ما كان كلاسيكيًا من لينش.
مشاهدة Inland Empire تشبه الحلم بعينيك مفتوحتين، وعدم التأكد تمامًا مما إذا كنت تريد ذلك. قد يكون هذا هو تحفة لينش؛ من يدري. إنه فيلم لا يرفض فقط تقاليد السرد، بل يمزقها إلى أشلاء، ويبني نارًا، ويرقص حول اللهب. إنها السينما في أروع وأغرب أشكالها.
9. Cloud Atlas (2012)
طموح، شاسع، وغير قابل للتصنيف تمامًا، ينسج Cloud Atlas ست قصص عبر القرون، من رحلة بحرية في القرن التاسع عشر إلى مستقبل ما بعد الكارثة، مع ممثلين يلعبون أدوارًا متعددة عبر الزمن، والعرق، والجنس. في جوهره، تكمن الفكرة أن الأرواح تتجدد عبر الزمن، وأن اللطف يتردد صداه عبر الأبدية. إنه فوضوي ويمكن أن ينحرف نحو الميلودرامي، لكنه أيضًا مؤثر بعمق وغني فلسفيًا.
نطاق Cloud Atlas وحجمه مذهلان، ومن الصعب التفكير في فيلم أكثر طموحًا من أفلام العقد 2010؛ لكن الاستجابة النقدية كانت مختلطة للغاية. بالنظر إلى أن رواية ديفيد ميتشل اعتُبرت “غير قابلة للتصوير”، فإن فيلم واكوسكي هو قطعة فنية مذهلة، وعلى الرغم من عيوبه، فإنه ينجح في كثير من الأحيان أكثر مما يتعثر. إنه يتحدى تخيل عالم حيث تتجاوز القصص الحياة وتتحول الهويات مثل الأزياء، وهذا وحده يستحق الإعجاب. قليل من الأفلام تطمح إلى النجوم مثل هذا.
10. Holy Motors (2012)
فيلم Holy Motors لليوس كاراك هو إعجاز لا يمكن تصنيفه. يلعب دينيس لافانت دور مونسيو أوسكار، رجل يُنقل حول باريس في ليموزين، يرتدي أزياء معقدة وينزلق إلى أدوار غريبة: امرأة متسولة، رجل سحلية بتقنية التقاط الحركة، رجل مسن يحتضر، وأب يلتقط ابنته.
الإثارة في Holy Motors هي أننا لا نعرف أبدًا ما يعنيه أي من ذلك. كل تسلسل يغير النوع، والنغمة، والمنطق. هناك فاصلة أكورديون؛ تغني كايلي مينوغ في متجر مهجور. إنه عبثي، عاطفي، غير قابل للتفسير، ورائع تمامًا، ساحر بلا حدود.
مشاهدة Holy Motors تشبه دخولك إلى منشور سينمائي حيث يبدو كل شيء عاقل تمامًا وفي نفس الوقت مجنون، وأداء لافانت يجسد رؤية كاراك بشكل مذهل؛ يجرفك في هذه الرحلة الممتعة التي لا تتوقف، والتي تت culminate في واحدة من أعظم اللقطات السينمائية النهائية على مر العصور. إنه فيلم يحتفل بالأداء كتحول، والسينما كخداع، والهوية كشيء سائل بلا حدود. Holy Motors ليست مجرد فيلم عن التمثيل، بل هي عن ما يعنيه أن تكون حيًا، حتى عندما لا يشاهد أحد.
