يُعد فيلم الإثارة أحد أكثر الأنواع السينمائية توافقاً وقابلية للوصول في عالم السينما. فهو يكمل الأفلام من جميع الأنواع، بما في ذلك الأفلام التي لا تندرج تحت تصنيف محدد، كما أنها تعمل بكفاءة عالية بمفردها. يمكن للحبكة أن تصبح ثانوية عندما توضع في قالب فيلم إثارة آسر.
عندما يتم تنفيذ أفلام الإثارة بشكل صحيح، فإنها تحقق التوازن المثالي بين الفن العميق والجذاب والترفيه الخالص. ففكرة “التشويق” متأصلة في قوة السينما. تحتوي العديد من الأفلام العظيمة في الماضي والحاضر على عناصر مثيرة، ولكن هناك الكثير من الجواهر الخفية في هذا النوع التي تضخ الأدرينالين في عروق المشاهدين وتستحضر تأملات حول الروح البشرية.
1. Marnie (1964)
في لعبة تداعي المعاني، يرتبط اسم Alfred Hitchcock دائماً بأفلام الإثارة. لقد دفع “سيد التشويق” حدود الإثارة السينمائية لعقود. كانت عبقريته تكمن في التلاعب النفسي بالجمهور، تاركاً إياهم دائماً في حالة ترقب. في عام 1964، وفي ما يُعرف الآن بنهاية العصر الذهبي لـ Hitchcock الذي بدأ في الخمسينيات، أخرج فيلم Marnie، وهو أحد أكثر أفلامه تجاهلاً وأكثرها إرهاقاً ذهنياً في مسيرته السينمائية.
في قصة مألوفة من قصص Hitchcock، تعاني البطلة Marnie (Tippi Hedren) من صدمات نفسية عميقة، ويحاول زوجها Mark (Sean Connery) حل مشاكلها، رغم أن زوجته لصّة محترفة. من حيث الحبكة، الفيلم بسيط. يُترك الجمهور ليركب أمواج هذه العلاقة المضطربة. وبأسلوب Hitchcock العبقري المعتاد، يحافظ على منظور قوي للمشاهد تجاه الأزمات العقلية المختلفة التي تمر بها Marnie. إن اللغة البصرية المكثفة لإخراج Hitchcock في عرض معاناتها العقلية هي أقرب ما وصل إليه المخرج من الرعب، حتى أكثر من Psycho أو The Birds.
مع فيلم الإثارة هذا، تخلص Hitchcock من هيكله الصارم وسمح للصدمة بتوجيه القصة. وبسبب العنف العاطفي الكامن وراء كبت الصدمة، ربما يكون Marnie هو أكثر أعمال المخرج إيلاماً على الإطلاق. يمثل الفيلم Hitchcock في أكثر حالاته مواجهة مع انحرافاته الجنسية وفحصه لظلام الروح البشرية. شخصية Connery هي نظرة تنقيحية لبطل Hitchcock، حيث يتم تقويض بطولته المفترضة فوراً بإحساس متأصل بجنون الارتياب. لا حاجة لأي “ماكغافين” أو مشهد استعراضي، فالاضطراب النفسي مثير بما يكفي كأداة درامية. بشكل عام، يستحق Marnie أن يوضع في مكانة عالية ضمن أعمال Hitchcock.
2. Snake Eyes (1998)
غالباً ما يُصنف Brian De Palma، وأحياناً يُنتقد لذلك، على أنه الوريث الشرعي لـ Alfred Hitchcock، فقد كان سيد أفلام الإثارة الجنسية المنحرفة والتلصصية في هوليوود الجديدة. جعلت كفاءته الميكانيكية أسلوبه السينمائي يبدو حيوياً وأصلياً حتى عندما بدت قصصه مكررة. بعد عقد من تجربة أنواع جديدة، عاد De Palma إلى جذوره في عام 1998 بفيلم Snake Eyes، وهو تكريم تلصصي لـ Hitchcock يظهر فيه De Palma في أقصى حالاته التعبيرية.
في لغز جريمة قتل تدور أحداثه في أتلانتيك سيتي، يصور Snake Eyes محققاً مشبوهاً، Rick Santoro (Nicolas Cage)، يشهد اغتيالاً سياسياً في مباراة ملاكمة ويسعى للعثور على القطع المفقودة والثغرات في التحقيق حول الجاني والمؤامرة الكبرى. بعيداً عن إشارات Hitchcock، بما في ذلك الفرد المحبط المتورط عن غير قصد في قضية قتل، يدين الفيلم لفيلم Rashomon للمخرج Akira Kurosawa، الذي يستخدم أداة درامية مماثلة تركز السرد حول وجهات النظر المختلفة للاغتيال من شخصيات متنوعة.
يفهم De Palma، أكثر من أي من معاصريه، دور صانع الأفلام كمتلاعب، وتسمح له هذه الأداة بتطوير هذا المفهوم. إن مراقبة كل وجهة نظر للاغتيال تبدو جديدة ورائعة، مما يترك المشاهد غير متأكد من الحقيقة. بالنسبة لفيلم إثارة يبدو رخيصاً من الخارج، فمن المذهل إلى أي مدى يذهب De Palma لتأكيد براعته السينمائية الرياضية، مع الإنجاز الأبرز وهو لقطة واحدة غير مقطوعة لـ Cage وهو يمشي عبر أرضية الكازينو. تقوم الكاميرا بأشياء لا ينبغي أن تكون ممكنة، لكن De Palma يسعى لتشغيلها ببراعة في كل فيلم. لا توجد لقطة مملة. في حين أن Snake Eyes هو سرد أسلوبي بحت، إلا أنه يتضمن تعليقاً على الزيف في السينما. إنه واعٍ جداً بخدعه، ومع ذلك لا يفشل De Palma أبداً في التلاعب بجمهوره.
3. Play Misty for Me (1971)
كان عام 1971 عاماً بارزاً لـ Clint Eastwood. فقد جسد شخصية Harry Callahan الأيقونية على الشاشة لأول مرة، وقدم أول إخراج له بثقة، وهو أمر لا يتوقعه المرء من الممثلين. تحت إشراف معلمه ومخرج Dirty Harry، Don Siegel، تقاسم Eastwood مهام البطولة والإخراج في Play Misty for Me. وبشكل مفاجئ، لم يبدأ مسيرته الإخراجية اللامعة بفيلم غربي أو فيلم شرطة، بل اتجه نحو فيلم إثارة نفسي. كان هذا النوع مناسباً لعرض مهارات Eastwood خلف الكاميرا.
يتمحور الفيلم حول مذيع راديو شهير، Dave (Eastwood)، والمعجبة المهووسة، Evelyn (Jessica Walter)، التي تدفع حياته نحو الانهيار. لا يتم إبلاغ المشاهدين أبداً بكيفية أو سبب انجذاب Evelyn لـ Dave إلى درجة غير صحية، لكن هذا الشعور يتردد صداه مع قوة سحر Eastwood. في حين أن جعل فيلمه الأول يتعلق بالشهرة والبروز يبدو مغروراً، إلا أن Eastwood يمتلك لمسة رشيقة في فحص نفسه ونجوميته، وقد مارس ذلك على مدى الخمسين عاماً التالية. كفيلم إثارة، يفي Play Misty for Me بجميع المتطلبات المتوقعة والمرغوبة – لدرجة أن Eastwood ربما يعتمد بشكل مفرط على شكليات النوع.
بالإضافة إلى ذلك، يفتقر الفيلم إلى الجودة التأملية التي ستكون القوة الدافعة لأفلامه المستقبلية. يترك Eastwood عملاً شخصياً مقنعاً على الطاولة. عناصر النوع فعالة بما يكفي لرفع مستوى سيناريو واسع، ولدى المخرج عين على الصور الحادة التي تكمل الطبيعة المبتذلة للقصة. كانت خطوة جريئة من Eastwood للتعمق في فيلم إثارة يتناول مشاعر استفزازية، حيث سبق Play Misty for Me أفلام إثارة إيروتيكية بارزة في المستقبل مثل Fatal Attraction وBasic Instinct. منذ البداية، أظهر Eastwood قدراته كحرباء سينمائية.
4. Three Days of the Condor (1975)
استجابة للاضطرابات السياسية في ذلك الوقت، كانت أفلام المؤامرة المثيرة للريبة ركيزة أساسية في السبعينيات. لم تكن هناك جهة أكثر شراً من الحكومة المحلية. قبل عام من All the President’s Men، قام Robert Redford ببطولة أحد أكثر أفلام الإثارة السياسية تسلية في ذلك الوقت. مع إخراج متعاونه المتكرر Sydney Pollack، أظهر Three Days of the Condor أن أفلام الإثارة الكئيبة حول الحياة أو الموت في مواجهة القوى المتفوقة كانت ترفيهاً راقياً في السبعينيات.
في الفيلم، يُقتل زملاء باحث في وكالة المخابرات المركزية في مانهاتن، Turner (Redford)، ويضطر للهروب من القتلة الذين يلاحقونه بينما يكتشف الحقيقة وراء هذه المؤامرة. أكثر شعبية وأقل ثقلاً من أفلام الإثارة السياسية لـ Alan Pakula، يعمل Three Days of the Condor على مشهدية مبهرة. إخراج Pollack لتسلسلات المطاردة المليئة بالطاقة والمواجهات المشوقة رائع. كفيلم تدور أحداثه في نيويورك في السبعينيات، يتمتع الفيلم بميزة جمالية على المنافسة. حضور Redford وFaye Dunaway على الشاشة يجذب انتباه الجمهور، حتى لو كانوا غير واضحين بشأن الآليات الدقيقة للحبكة.
في نواحٍ كثيرة، الفيلم عبارة عن مزيج من الأدوات الموضوعية المجمعة للسينما الأمريكية في السبعينيات. في بعض الأحيان، يحاول Pollack معالجة كل شيء دون التطور المناسب. بعض الحبكات، خاصة فيما يتعلق بالحبكة الشاملة لشخصية Max Von Sydow، تُترك بشكل أفضل عندما لا يتم ذكرها صراحة. إنه لا يقول الكثير عن أمريكا كما يعتقد الفيلم. في كلتا الحالتين، Three Days of the Condor نص يستحق المشاهدة بسبب حرفيته ونبرته الدقيقة. هذا هو الفيلم المتوسط المثالي الذي يتوق إليه جمهور السينما السائد اليوم.
5. Sorcerer (1977)
كان William Friedkin أحد المخرجين البارزين في السبعينيات، حيث رسخ نفسه كمؤلف سينمائي مع The French Connection وThe Exorcist. طاقته الحركية التي لا تلين خلف الشاشة ولغته البصرية المبتكرة والجريئة جعلته نقطة اهتمام تلقائية في المجتمع السينمائي. بالنسبة لفيلمه التالي بعد نجاحه الساحق في الرعب، ذهب Friedkin بعيداً مع نسخته من The Wages of Fear. بالذهاب بعيداً، كان يعني أن Sorcerer سيتميز بواحدة من أكثر إنتاجات الأفلام كارثية خلف الكواليس على الإطلاق – لدرجة التهور. تم تجاهله في ذلك الوقت، ويقف فيلم 1977 كواحد من أكثر مآثر صناعة الأفلام إثارة للإعجاب ورحلات الإثارة السينمائية على الإطلاق.
يتتبع Sorcerer أربعة مجرمين منفصلين هاربين من القانون يلتقون في بلدة صغيرة في أمريكا الجنوبية ويُعرض عليهم 10,000 دولار ومواطنة قانونية إذا قاموا بنقل شحنة من النيتروجليسرين غير المستقر بشكل خطير إلى بئر نفط على بعد 200 ميل. يحافظ Friedkin على زخم مثير للسرد حتى عندما تتوقف الحركة والتوتر الدرامي. التصوير السينمائي اليدوي الذي اشتهر به The French Connection حي وموجود في هذا الفيلم. كما تظهر تسلسلات القيادة المذهلة، هناك مستوى من السلاسة يمنع صناعة الأفلام من أن تكون هاوية. على الرغم من أن المشاهدين مقيدون عمداً من معرفة الكثير عن الشخصيات الأربع الرئيسية، إلا أن Friedkin يجلب لهم ما يكفي من الشفقة التي تجعل المخاطر الثقيلة بالفعل للقصة تبدو ساحقة.
كفيلم إثارة، لا يتفوق النوع كثيراً عن Sorcerer. يفترس التحلل العدمي للإنسانية الشخصيات بينما يتمسكون بالحياة في شاحنة متهالكة على أمل ألا يمزقهم مخزون النيتروجليسرين. يغريهم احتمال المال والمواطنة بالخلاص، لكن الشاحنات المستخدمة للنقل ليست سوى وسيلة لموتهم.
6. Don’t Look Now (1973)
تعمل بعض الأفلام على تردد مختلف مقارنة ببقية الأفلام. Don’t Look Now، فيلم عام 1973 للمخرج الرؤيوي Nicolas Roeg، يجعل الكثير من الأفلام الأخرى تبدو مبتذلة، بفضل الحرفة المبتكرة والرؤية الساحرة. هذا الفيلم البريطاني، الذي زاد تقديره بين الجماهير الأمريكية والدارسين، يدفع حدود المونتاج السينمائي والزخارف الاستفزازية وهو مشاهدة مروعة كفيلم إثارة وحده.
بعد وفاة ابنتهما، يسافر الزوجان Laura (Julie Christie) وJohn Baxter (Donald Sutherland) إلى البندقية بعد أن قبل John وظيفة ترميم كنيسة. الصدمة النفسية لوفاة ابنتهما هي في قلب السرد، حيث تؤثر على اللغة البصرية للفيلم والأداء، خاصة بمجرد أن يعلم الزوجان أن طفلتهما قد تحاول تحذيرهما من الحياة الآخرة من خطر وشيك. لوحة الألوان الصارخة، التي يكملها المونتاج الرائد ووابل من الألوان، مصممة للتلاعب بالجمهور، مما يخلق شعوراً بعدم اليقين.
الفيلم هو أقرب شيء سيحصل عليه الجمهور السائد للرسم الانطباعي. في بعض الأحيان يكون رعباً أكثر من كونه إثارة، يضع Don’t Look Now المشاهدين في عقول Laura وJohn الملتوية. حتى في أكثر لحظاته خيالية، يستند فيلم Roeg إلى الحزن الإنساني وصراع محاولة عيش حياة طبيعية بعد مأساة. يحافظ جو المخرج المزعج بشكل روتيني على المشاهدين على حافة الهاوية، تاركاً إياهم غير متأكدين مما إذا كانت قوة أسطورية أو صدمة داخلية ستتسبب في زوال الأبطال. مشهد جنسي مثير للجدل، والذي أثار أسطورة بأن Christie وSutherland انخرطا بالفعل في الجماع، لا يؤدي إلا إلى تعزيز الشعور بالتحديق في الشمس الذي يثيره الفيلم. الفحص الميتافيزيقي الكئيب للحزن في Don’t Look Now ينجح في أن يكون تأملياً وعميقاً بشكل مثير.
7. A Simple Plan (1998)
في فترة انتقالية بين أحاسيس الأفلام المستقلة والترفيه الضخم، شحذ Sam Raimi صناعته للأفلام من خلال رفع مستوى القصص المتوسطة. خلال هذا الوقت عندما كان المخرج يثبت أنه يستطيع التعامل مع أي نوع من النصوص بصناعة أفلام بسيطة، قام باقتباس حكاية على طراز Coen Brothers عن جريمة سارت بشكل خاطئ. حتى الآن، لا يوجد فيلم مثل A Simple Plan في فيلموغرافيا Raimi – فيلم آسر بنفس القدر كقطعة من النوع ودراما شخصية.
يتمحور A Simple Plan حول ثلاثة أصدقاء يعثرون على ملايين الدولارات في مخبأ مفقود ويوافقون على الاحتفاظ بالمال. أثناء إخفائه عن السلطات، ينشأ عدم الثقة بين المجموعة، وتتحول حياتهم إلى فوضى. يتم حمل القوس العاطفي للقصة من خلال ثلاثي استعراضي من الممثلين Bill Paxton وBilly Bob Thornton وBridget Fonda. يخلق الإعداد الثلجي شعوراً بالترقب الوحيد. بعد اللحظة التي يحصل فيها الشخصيات على المال، ينشأ التوتر في شكل سقوط الحذاء الموعود في أي لحظة. فهم نوع الفيلم الذي يشاهدونه، يدرك الجمهور تدريجياً الخطوات التي ستؤدي إلى سقوطهم.
بينما يرتكز كفيلم إثارة، فإن تفكيك روح هؤلاء العمال ذوي الياقات الزرقاء على مخبأ من المال يعمل كمأساة حديثة، يكملها دوامة بطيئة في الفوضى. يجلب Raimi جودة أسطورية مناسبة تظهر إغراءات الشخصيات وذنبهم. A Simple Plan فضولي بصدق بشأن القرارات الصعبة التي يتخذها الأشخاص العاديون في ظروف مرهقة، وهو متعاطف مع الصراع الداخلي لشخصياته. بدعم من دراما مثيرة حول ظروف مؤسفة تشمل أشخاصاً حقيقيين، أتقن Raimi بشكل غير متوقع حرفة النوع في A Simple Plan.
8. Unstoppable (2010)
الراحل Tony Scott، الذي تم تجاهله كمؤلف سينمائي حقيقي خلال حياته، حيث أدت مونتاجه المفرط في النشاط وجمالياته التجارية إلى نفور النقاد، يتم استعادته بحق. لم يفهم أحد إثارة أفلام النوع مثله. جعل إحساسه المتساوي بالصدق العاطفي مع استعداده ليكون مكثفاً في لغته البصرية وتصوير العنف منه صانع أفلام ديناميكياً. سار Scott نحو الغروب بأناقة مع Unstoppable. فيلم إثارة يبدو دنيوياً، كان فيلمه الأخير في عام 2010 تذكيراً مدوياً بأنه كان سيد الشكل طوال الوقت.
كما يشير العنوان، Unstoppable يدور حول قطار شحن يفقد السيطرة، حيث يحاول المهندس المخضرم Frank (Denzel Washington) والموصل الشاب Will (Chris Pine) منعه من الاندفاع نحو مدينة. تستحضر الفرضية صورة الأجرة الرخيصة المباشرة للفيديو. بفضل الحضور الآسر لـ Washington وPine، وإخراج الحركة الرائع لـ Scott، فإن الفيلم أفضل بكثير مما كان يحتاج إليه. المونتاج المتقاطع بين عربة القطار وغرفة التحكم سريع، ويحافظ على زخم مكثف بغض النظر عما تعرضه الشاشة.
Unstoppable غير خجول في اعتماده على الإثارة الخالصة، لكن Scott يؤتي ثماره بفضل سيناريو محكم وسرد محكوم. هذا ينطبق على جميع أفلام Scott، لكن الرومانسية عالية المستوى المضمنة في هذه الشخصيات والظروف رائعة. تطور العلاقة بين Frank وWill طبيعي وجذاب. تعاطف الفيلم مع أمريكا ذات الياقات الزرقاء والفن وراء هندسة القطارات يبلور فقط الجوهر العاطفي لفيلموغرافيا Scott. أفلام الحركة منذ إصدار Unstoppable تبدو باهتة بالمقارنة، ولم يأخذ صانعو الأفلام والاستوديوهات أي دروس من أعمال المخرج.
9. Fail Safe (1964)
كأحد نتاجات ظاهرة الفيلم التوأم (The Prestige وThe Illusionist، Armageddon وDeep Impact)، لن يكون Fail Safe أبداً فيلم الحرب الباردة الأكثر أيقونية أو شهرة حول تجنب الحرب النووية الذي تم إصداره في عام 1964. فاز فيلم Stanley Kubrick الكلاسيكي Dr. Strangelove بقلوب الجماهير والنقاد، بينما تم التخلي عن فيلم Sidney Lumet في الظلام. قد يفتقر Fail Safe إلى الهجاء اللاذع والفكاهة السوداء المرحة لنظيره، لكنه يفضل بدلاً من ذلك دراما مثيرة حول الخوف المروع من الدمار العالمي الوشيك من خلال النطاق المقتضب للمسؤولين الذين يتحدثون في الغرف.
يتمحور Fail Safe حول خلل فني يرسل طائرات أمريكية إلى موسكو لشن هجوم نووي. يتم تنسيق فريق أزمة لمنع الهجوم من قبل الرئيس الأمريكي (Henry Fonda) والجنرال في القوات الجوية Black (Dan O’Herlihy). كان Lumet سيد دراما الغرف. عندما تقتصر القصة على بضعة مواقع، وتتكون بشكل أساسي من أشخاص يتحدثون مع بعضهم البعض في مواقف مرهقة، كان إخراج Lumet البسيط والمبتكر مثالياً. إنه يترجم ثقل الحرب النووية إلى محادثات هاتفية بين الرئيس والطيارين.
كما هو الحال مع أي فيلم لـ Lumet، يتم دفع Fail Safe بواسطة حوار حاد وسرد مركز. إنه ينخرط في قضايا الساعة دون أن يكون متكلفاً أو مبالغاً فيه. يستخدم الفيلم نوع الإثارة لجذب الجماهير إلى الآليات السياسية للقصة، مما يجعل المشاهدين يفكرون في حالة البلاد وعلاقاتها العالمية في ذلك الوقت. يعكس إخراج Lumet لهذا الإجراء الهزيل والمترابط الأحداث الجارية، بغض النظر عن العصر. يفتح Fail Safe نافذة على السقوط المحتمل لأمريكا والديمقراطية الدولية دون إظهار أي حرب.
10. Shallow Grave (1994)
بالتزامن مع طفرة الأفلام المستقلة الأمريكية في التسعينيات، كانت السينما البريطانية تشهد استيلاء صوت جديد لصناعة الأفلام المتمردة والمتحررة. في قلب هذه الحركة كان Danny Boyle. بينما كان ناجحاً في الولايات، جاء أفضل أعمال المخرج وأكثرها إلهاماً من وقته في المملكة المتحدة، حيث كان أقرب شيء إلى نظير بريطاني لظاهرة Quentin Tarantino. قبل صنع Pulp Fiction الخاص به في Trainspotting، أعلن Reservoir Dogs الخاص بـ Boyle، Shallow Grave، عنه كرؤيوي حقيقي في عام 1994.
يتبع أول إخراج لـ Boyle سيناريو جريمة سارت بشكل خاطئ لثلاثة زملاء في الغرفة يكتشفون رابعهم ميتاً في غرفته ويقررون الاحتفاظ بمخزون من المال تركه خلفه وتقطيع جسده. يتم استخدام إعدادات Scotting المختلفة كشخصية وتساعد في نكهة موقف DIY للفيلم. يستخدم Shallow Grave استعارات Hitchcock المألوفة في شيء جديد، بفضل وتيرة الفيلم السريعة وحساسية البانك روك حول الجريمة والجشع.
من خلال جعل هذه الشخصيات غير قابلة للاسترداد، حيث لم يكن المال مشكلة لهؤلاء الأشخاص من الطبقة العليا، يستمتع Boyle باللعب بسقوط هذه الشخصيات. تأتي الإثارة في شكل حبس الأنفاس في كل لحظة ذروة حيث قد يضيع المال أو يتم اكتشاف الجثة. يُترك المشاهدون ليتساءلوا إلى أي مدى يمكن أن يزداد هذا المأزق سوءاً للثلاثي. لا يظهر Boyle أي ضبط للنفس من العنف الوحشي في تصادمه مع الإعداد الثري للبيئة المحيطة. Shallow Grave هو مثل مثير حول كيف يمكن لجنون الارتياب أن يفكك الصداقة والإنسانية الأساسية ككل. تفوق المخاطر العاطفية بكثير أي آثار للحبكة – وهي سمة أساسية لفيلم إثارة عالي الجودة.
