في المجتمع الحديث، أصبحت السينما واحدة من أكثر جوانب الحياة اليومية تأثيراً وضرورة. فمن الأفلام الضخمة إلى الكلاسيكيات الشهيرة وصولاً إلى الأفلام التجريبية الحديثة، تلعب جميع أنواع السينما دوراً فريداً في التأثير على حياة الناس والمجتمع.
تمنحنا إطارات الأفلام التي نحبها ونعجب بها لمحة ليس فقط عن الديناميكيات السياسية والاجتماعية لمناطقها، بل أيضاً عن التقاليد والمعتقدات الثقافية القيمة. إنها وسيط للتواصل مع الماضي والحفاظ على الأوقات والذكريات التي مضت.
لذلك، أصبحت السينما حتماً حافزاً للتغيير والحقيقة. عندما يُمنع فيلم ما، فإن ذلك لا يعكس محتوى الفيلم فحسب، بل يعكس أيضاً حالة المجتمع؛ فما الذي كان في الفيلم حساساً جداً لدرجة لا تسمح للجمهور برؤيته؟ هل احتوى على مواد كانت عنيفة جداً بالنسبة للمشاهد العادي، أم كان هناك احتمال أن يثير نقاشاً يهدد الحكومة نفسها؟ وبدورها، ماذا يقول هذا عن قوة ونطاق الحكومة؟
عند دراسة فترة زمنية معينة، غالباً ما يحلل المؤرخون الأفلام الأكثر شعبية ومحبة التي تم إنتاجها. ومع ذلك، هناك شيء لا يقل أهمية ويجب دراسته بالتوازي، وهو الأفلام التي تم منعها. في بعض الحالات، تتداخل هذه القوائم؛ فعلى سبيل المثال، على الرغم من منعه في إيطاليا بسبب انتقاده اللاذع للحكومة، لا يزال فيلم Salo or the 120 Days of Sodom أحد أشهر الأفلام في تاريخ السينما.
ومع ذلك، في حالات أخرى، تُنسى الأفلام الممنوعة بمرور الوقت -غالباً بسبب الرقابة الأولية- على الرغم من أهميتها في توصيف فترة مهمة من التاريخ. تسرد القائمة أدناه بعض هذه الأفلام العظيمة التي نعتقد أنها لا تحظى بالقدر الكافي من الحديث عنها…
1. Hail Mary (1985)
ضمن فيلموغرافيا مخرج الموجة الفرنسية الجديدة جان لوك غودار الواسعة، يُعد فيلم Hail Mary أحد أقل أعماله شهرة. في هذا الاقتباس الحديث لقصة الميلاد العذري، مريم طالبة عادية تلعب كرة السلة وتعمل في محطة وقود والدها. حبيبها، جوزيف، سائق سيارة أجرة طيب القلب وترك دراسته الجامعية. عندما تصبح مريم حاملاً رغم عفتها، يرشد الملاك جبرائيل الزوجين خلال هذه العملية لتقبل رؤية الله. من خلال التأمل والتفكير في عناصر الأرض، تتصالح مريم مع النبوءة الإلهية.
عند صدوره، أثار فيلم Hail Mary على الفور جدلاً وإشادة في آن واحد. في مهرجان كان السينمائي، تعرض غودار لهجوم من رجل قذف في وجهه فطيرة كريمة حلاقة. بالإضافة إلى ذلك، لم يلقَ الجمع بين الموضوعات الدينية والتعري الكامل قبولاً لدى المسيحيين، حتى أن البابا يوحنا بولس الثالث ادعى أن الفيلم “يجرح بعمق المشاعر الدينية للمؤمنين”. حظي الفيلم بعرض محدود للغاية في فرنسا ومُنع في الأرجنتين والبرازيل.
على الرغم من الاستقبال السلبي الأولي، يُعتبر فيلم Hail Mary الآن أحد أكثر الإنتاجات السينمائية أناقة وذوقاً لقصة توراتية. سيكتشف معجبو غودار أسلوبه المميز في المونتاج المبتكر وحركة الكاميرا؛ وسيجد أولئك الذين يميلون إلى أعماله فيلماً يقدم رؤية فريدة حول مبادئ الحياة المختلفة. بفضل التصوير السينمائي الجميل والفرضية الفلسفية، يعد فيلم Hail Mary فيلماً يتجاوز زمانه وحتى جمهوره.
2. Faces of Death (1978)
من تأليف وإخراج جون آلان شوارتز، يُعد فيلم Faces of Death، كما يوحي العنوان، نظرة تصويرية ومثيرة للاهتمام حول الموت. من خلال لقطات تتراوح بين مقاطع الفيديو المنزلية وبث الأخبار المختلفة، يقدم الفيلم وفرة من الأعمال العنيفة وطرق الموت؛ جراحات القلب المفتوح، وتضحيات الحيوانات، والكوارث الطبيعية هي مجرد بعض من هذه المجموعة. من خلال وضع هذه المشاهد المثيرة للجدل جنباً إلى جنب مع تعليق صوتي رتيب، يصبح الفيلم مثيراً للاهتمام ومخيفاً في آن واحد.
عند عرضه لأول مرة، كان الجمهور في كل مكان تحت انطباع أن كل ما يظهر على الشاشة حقيقي. لسنوات، كان الفيلم لغزاً، وناقش المشاهدون وبحثوا باستمرار لتمييز الحقيقي من الزائف. الآن، ومع رؤية طاقم العمل، تم الكشف عن أن حوالي نصف اللقطات حقيقية، بينما النصف الآخر مُعد ومصنوع باستخدام المكياج والمؤثرات الخاصة.
على الرغم من أن فيلم Faces of Death غالباً ما يتم الإعلان عنه بأنه “ممنوع في أكثر من 40 دولة”، إلا أنه مُنع رسمياً فقط في النرويج ونيوزيلندا وفنلندا وأستراليا والمملكة المتحدة. إن وصف الاستقبال بأنه متباين هو تقليل من شأنه؛ فبينما يعتبره بعض النقاد أحد أعظم التجارب في نوع الرعب، يصنفه آخرون على أنه دموي بشكل غير ضروري ولا معنى له في دراسته للموت. ومع ذلك، لأي شخص مهتم بتاريخ السينما، يعد فيلم Faces of Death بلا شك مغامرة أساسية؛ فتأثيراته على التسويق وصناعة الأفلام الوثائقية لا تزال سائدة حتى يومنا هذا.
3. L’Age d’Or (1930)
صدر فيلم L’Age d’Or في الأصل عام 1930، ويمثل التعاون الثاني بين المخرج الإسباني لويس بونويل والفنان سلفادور دالي. مثل فيلمهما الأول Un Chien Andalou، فإنه يتميز بتقنيات سريالية منتشرة إلى جانب صور مذهلة.
ومع ذلك، حيث لا يزال التفسير الرسمي للفيلم الأول محل نقاش واسع، فإن الموضوعات السياسية والانتقادات المجتمعية للفيلم الثاني أقل دقة بكثير: صبي صغير يُطلق عليه النار كنوع من المزاح، ورجل برجوازي يحيط به سرب من الذباب على وجهه، وامرأة تمارس الجنس الفموي مع إصبع تمثال ديني، هي من بين بعض المشاهد المعروضة. ينتهي الفيلم بإشارة صادمة إلى الرواية المثيرة للجدل 120 Days of Sodom، والصورة النهائية هي صليب مسيحي مزين بفروة رأس نساء.
في البداية، لاقى فيلم L’Age d’Or نجاحاً وشعبية كبيرة. ومع ذلك، بعد حوالي 3 أيام من عرضه الأول في باريس، غضبت جماعة “Ligue des Patriotes” (أو رابطة الوطنيين) اليمينية من الموضوعات المعروضة في الفيلم. احتجاجاً على ذلك، ألقوا الحبر على شاشة السينما، واعتدوا على المشاهدين المعارضين، ودمروا أعمالاً فنية في الردهة.
غضبت مجموعات رجعية إضافية أيضاً: حتى أن صحيفة إسبانية أدانت الفيلم باعتباره “أكثر فساداً مقززاً في عصرنا، السم الجديد الذي تريد اليهودية والماسونية والطائفية الثورية المسعورة استخدامه من أجل إفساد الناس”. بسبب رد الفعل العنيف، سحب أصحاب دور العرض الفيلم من العرض العام والتوزيع التجاري لأكثر من أربعين عاماً، ولم يحظَ فيلم L’Age d’Or بعرضه القانوني الأول في الولايات المتحدة حتى عام 1979.
اليوم، أصبح فيلم L’Age d’Or أقل إثارة للجدل، لكنه لا يزال يُعتبر أحد أهم الأعمال المؤثرة في السينما السريالية. إلى جانب أهميته كأحد أوائل الأفلام الناطقة التي صدرت في فرنسا، فإنه يمثل أيضاً قوة السينما في إثارة النقاش السياسي. بفضل تصويره السينمائي الجميل وأسلوبه البصري المبتكر وموضوعاته ذات الصلة، يقدم فيلم L’Age d’Or نظرة عميقة على عمل المجتمع الحديث وصناعة الأفلام كأداة للتغيير.
4. A Moment of Innocence (1996)
عندما كان المخرج الإيراني محسن مخملباف في السابعة عشرة من عمره، طعن شرطياً لسرقة سلاحه وقضى عقوبة بالسجن لمدة خمس سنوات ثمناً لهذا الفعل. ستعود جهوده كمتمرّد أصولي للإطاحة بنظام الشاه لاحقاً في حياته؛ فبعد عشرين عاماً، عندما كان يختار ممثلين غير معروفين لفيلمه Salaam Cinema، جاء الشرطي نفسه، مير هادي طيبي، لتجربة الأداء.
وبالتالي، كان هذا اللقاء الرائع هو الذي ألهم فيلم مخملباف A Moment of Innocence، الذي يعيد سرد الأحداث التي تكشفت جنباً إلى جنب مع كيفية تصالح الشخصيات مع ما حدث. في الفيلم، يلعب الممثلون أدوار أنفسهم وتترابط قصصهم مع إضافة شابة خيالية. المنتج النهائي هو فيلم عميق فكاهي وجميل وشخصي للغاية.
من خلال التشكيك في كل شيء بدءاً من النشاط السياسي وصولاً إلى مفهوم الذاكرة نفسه، مُنع فيلم A Moment of Innocence في إيران بسبب هذه الموضوعات المعقدة. من خلال تقابلات مختلفة، مثل تلك التي بين الماضي والحاضر أو الدراما وإعادة التمثيل، يقدم مخملباف فيلماً متعدد الطبقات ببراعة وذاتي الانعكاس.
ومع ذلك، على الرغم من المزيج المذهل بين الخيال والواقع، فإن الفرضية البسيطة للفيلم تبقيه واقعياً بما يكفي للجمهور لفهم ما يتكشف في جميع الأوقات. بالإضافة إلى ذلك، لا يشعر المشاهد بأن الموضوع الثقيل للفيلم حزبي أو جدلي؛ بل هو تعليق صادق على الحالة الإنسانية وقدرتها على التعاطف والتسامح والحب.
عندما عُرض فيلم A Moment of Innocence لأول مرة في أمريكا، انقسم النقاد حول الفيلم. بينما أعلن البعض أنه تحفة فنية رائعة، وجده آخرون بطيئاً وحتى هاوياً في أسلوبه السينمائي. ومع ذلك، على الرغم من هذا الانقسام في الرأي، لا يوجد جدل حول أنه لا يزال تجربة فريدة للغاية ولا يوجد فيلم آخر يشبهه تقريباً.
حتى الآن، بعد حوالي 20 عاماً من صدور الفيلم، لا تزال موضوعاته العالمية ذات صلة ومهمة. يُعد فيلم A Moment of Innocence مثالاً آخر على كيف أن بعض أكثر الأفلام ابتكاراً في التاريخ غالباً ما يتم التقليل من شأنها بشكل كبير.
5. The Cow (1969)
تماماً مثل A Moment of Innocence، يُعد فيلم The Cow شهادة أخرى على أصالة وبراعة السينما الإيرانية. من إخراج داريوش مهرجوي وتأليف غلام حسين ساعدي، يروي فيلم The Cow قصة رجل عجوز يدعى حسن يشعر بأنه مُعرَّف بامتلاكه للبقرة الوحيدة في القرية. إلى جانب حبه العظيم للمخلوق، يشعر أيضاً أن البقرة هي ما يمنحه احترام وإعجاب القرويين الآخرين.
عندما تموت البقرة، يعجز عن التعامل مع مفاهيم الموت والفقد؛ وبينما يصاب بالجنون ببطء، يبدأ في تخيل نفسه كالبقرة ذاتها. من خلال الفرضية الفلسفية والميتافيزيقية، يكون الفيلم مجازياً بعمق ويصف زوال كل الوجود.
يُعتبر فيلم The Cow أول فيلم في الموجة الإيرانية الجديدة، وقد استلهم من حركات أخرى، مثل الواقعية الإيطالية الجديدة والتعبيرية الألمانية. من خلال الجمع بين تقنيات من كل منهما، كانت النتيجة تحفة فنية ميزت حقبة جديدة للسينما الإيرانية. بدلاً من الحكايات التقليدية عن المدن الحديثة والأبطال العظماء، كان الفيلم سرداً كئيباً لقرية ريفية ورجل عادي يتعامل مع زوال الكون.
يخلق التمثيل البارع، والتصوير السينمائي الرائع، والقصة المتسامية في قلب الفيلم تجربة قوية ومؤثرة للغاية. في حين أن التفسيرات الأكثر شهرة لما تمثله البقرة هي السينما والمجتمع الإيراني قبل الثورة الإيرانية، فإن الرسالة الإنسانية الأوسع هي رسالة ذات صلة وذات مغزى للجماهير في كل مكان.
يُعد فيلم The Cow مهماً تاريخياً بقدر أهميته فنياً. قبل الثورة الإيرانية، منعه الشاه بسبب تصويره لإيران كمجتمع ريفي وعفا عليه الزمن. بعد الثورة، كانت السينما على وشك المنع أو، على الأقل، الرقابة لدرجة أنه سيكون من المستحيل التعبير عن أي رسائل حقيقية؛ ومع ذلك، يُقال إن الزعيم، آية الله الخميني، استمتع بفيلم مهرجوي لدرجة أنه سمح للسينما الإيرانية بالبقاء مفتوحة ومتاحة. فيلم The Cow هو تحفة فنية يجب مناقشتها لتأثيرها على صناعة الأفلام والمجتمع ككل.
6. Peeping Tom (1960)
يُعد فيلم Peeping Tom أحد أكثر أفلام الرعب تأثيراً، ومع ذلك فهو الأقل مناقشة على الإطلاق. لم تخلق تقنياته الرائدة أساس نوع “السلاشر” فحسب، بل قدمت أيضاً بعض أكثر الموضوعات تعقيداً التي تم عرضها على الشاشة الكبيرة. الشخصية المركزية، مارك لويس الخجول والمتحفظ، يقتل النساء لتسجيل وجوههن المذعورة لحظات قبل الموت.
عندما يصادق شابة تدعى هيلين، يبدأ الرعب في التكشف؛ مارك، الذي تطارده التجارب التي أجبره والده على المشاركة فيها كطفل، يخطط لصنع فيلمه الوثائقي الخاص باللقطات التي يلتقطها. بفضل استخدامه للكاميرا ذاتية الانعكاس، يغمر الفيلم الجمهور تماماً في الأحداث المروعة التي تجري على الشاشة.
غالباً ما يُقارن فيلم Peeping Tom لمايكل باول بتحفة فنية لمؤلف سينمائي آخر؛ فيلم Psycho لألفرد هيتشكوك. يتميز كلا الفيلمين بشاب ندبته صدمة عائلية بالإضافة إلى امرأة جميلة كضحية. كلاهما يحظى بالثناء لعمقهما النفسي وتعقيدهما. بالإضافة إلى ذلك، تم إصدارهما في عام 1960 مع صدور الأخير، Psycho، بعد شهرين فقط.
ومع ذلك، بينما مُنع فيلم باول في دول مختلفة بعد عرضه الأول في المملكة المتحدة وتأثرت مسيرته المهنية سلباً بهذه النكسة، تم الإشادة بفيلم هيتشكوك فور عرضه الأول في نيويورك. على الرغم من أن هذا قد يكون نتيجة للوفيات العنيفة في العمل الأول، إلا أنه يعكس أيضاً العديد من التوترات في بريطانيا في ذلك الوقت. لم تكن الصحافة الإنجليزية منزعجة من الصور البصرية المذهلة، بل من الطبيعة المنحرفة للموضوعات المستكشفة.
على الرغم من صنع بعض أكثر الأفلام شهرة في التاريخ بما في ذلك The Red Shoes و A Matter of Life and Death، انتهت مسيرة مايكل باول المهنية بسبب الاستقبال السلبي الساحق لفيلم Peeping Tom.
ومع ذلك، في الوقت الحاضر، لم يكتفِ الفيلم بتأسيس نوع فرعي رئيسي من الرعب فحسب، بل أصبح أيضاً كلاسيكية مهمة في السينما البريطانية؛ كما عبر باول نفسه، “أصنع فيلماً لا يريد أحد رؤيته، ثم بعد ثلاثين عاماً، يكون الجميع قد شاهدوه أو يريدون رؤيته”. بفضل براعته الفنية وتأثيره المستقطب بمرور الوقت، يظل فيلم Peeping Tom فيلماً لا بد من مشاهدته لصناع الأفلام الطموحين ومحبي الرعب في كل مكان.
7. Blind Chance (1987)
من تأليف وإخراج المؤلف السينمائي البولندي كريستوف كيشلوفسكي، يقدم فيلم Blind Chance ثلاثة سيناريوهات لحدث بسيط؛ بينما يركض رجل خلف قطار، يتم تقديم ثلاث نتائج مختلفة للموقف. في كل منها، تؤثر ردود أفعاله تجاه الأشخاص من حوله بالإضافة إلى ما إذا كان يلحق بالقطار أم لا على تسلسل الأحداث التي تلي ذلك.
على الرغم من أن الحادث الأولي يبدو دنيوياً، إلا أن كيشلوفسكي يوضح ثقله من خلال ردود الفعل المتسلسلة التي تلي ذلك. ومع ذلك، على الرغم من القصص المختلفة، ينتهي كل منها بكارثة كاملة: ربما يعبر كيشلوفسكي عن أنه مهما حدث، لا يمكننا الهروب من قدرنا في النهاية.
إلى جانب تعليقه على مفهوم القدر، ينتقد فيلم Blind Chance أيضاً المناخ السياسي لبولندا في الثمانينيات. يعكس سرد الفيلم الحالة المتوترة للبلاد في ظل الشيوعية ورد فعل الناس تجاهها؛ في أحد السيناريوهات، ينضم الشخصية الرئيسية حتى إلى الحركة المناهضة للشيوعية للإطاحة بالحكومة. حتى بقية القصص تعكس هذا الشعور مع وجود عناصر من الاضطراب السياسي في كل منها.
لسوء الحظ، كان هذا هو السبب في منع الفيلم لمدة ست سنوات تقريباً ولم تُشاهد النسخة الكاملة بالكامل حتى قامت مجموعة Criterion Collection بترميمها. ومع ذلك، على الرغم من الطبيعة الساخرة للحبكة، فإن فيلم Blind Chance هو نظرة إنسانية على مفهوم الاختيار على نطاق واسع وشخصي.
على الرغم من أنه ليس معروفاً مثل ثلاثية The Three Colours أو فيلم The Double Life of Veronique، إلا أن فيلم Blind Chance لا يزال فيلماً مؤثراً للغاية مع تأثيرات على السينما لا تزال موجودة حتى اليوم. يُعد فيلم Sliding Doors و Run Lola Run مثالين من أكثر الأمثلة وضوحاً على ذلك، لكن آخرين، مثل Mr. Nobody، يستكشفون أيضاً روايات مماثلة.
حتى لو كان فيلم كيشلوفسكي مشبعاً بشدة بتعليقات خاصة بالحكومة الشيوعية في بولندا، فإنه يحتوي على موضوعات عالمية يمكن الوصول إليها لكل شخص. من خلال التساؤل عما كان يمكن أن يحدث، يقودنا فيلم Blind Chance للتفكير في أفعالنا ومسار الحياة الذي نسير فيه.
8. Zulu (1964)
من بين ملاحم الحرب العظيمة التي تم تخليدها اليوم، نادراً ما يتم ذكر فيلم Zulu على الرغم من كونه أحد أكثر الأفلام روعة وبراعة. من إخراج ساي إينفيلد وبطولة مايكل كين في أول دور رئيسي له، يصور الفيلم معركة رورك دريفت، وهي معركة من حرب الأنجلو-زولو التي تمكن خلالها 150 جندياً بريطانياً من هزيمة 4000 من الزولو.
يُشاد بالفيلم لكونه سرداً دقيقاً تاريخياً في الغالب لحرب الأنجلو-زولو، التي دارت بين الإمبراطورية البريطانية ومملكة الزولو في جنوب إفريقيا. لا يحتوي فيلم Zulu على أي رسائل سياسية أو قصة مفتعلة؛ بل هو نظرة أصيلة على نقطة تحول رئيسية في التاريخ.
أحد أكثر جوانب فيلم Zulu إثارة للإعجاب هو أنه لم يقدم أي تحيز يمكن التعرف عليه. طوال الفيلم، لا يتم تصوير البريطانيين أو الزولو كخصوم. هذا يزيد من الانغماس للجمهور، حيث لا يعرض الفيلم تمجيد الحرب، بل واقعها الوحشي.
مع بعض أعظم مشاهد المعارك التي تم تصويرها على الإطلاق، فإن المشكلة الوحيدة في فيلم Zulu هي مدى واقعيته؛ وبالتالي، فقد مُنع حتى في جنوب إفريقيا في ظل نظام الفصل العنصري لإظهاره انتفاضة الزولو. ومن المفارقات لرسالة الفيلم الأصلية المناهضة للإمبريالية، أنه لم يُسمح إلا للبيض بمشاهدته في دور السينما المنفصلة الخاصة بهم.
اليوم، يُعتبر فيلم Zulu أحد أعظم الأفلام في التاريخ البريطاني. ومع ذلك، فإن الفيلم ليس معروفاً لبقية العالم؛ قد يكون هذا بسبب أسباب مختلفة، مثل كون فرضية الفيلم نابعة من حدث تاريخي لم تتم دراسته على نطاق واسع أو الرقابة التي تلت صدوره.
في كلتا الحالتين، إنه أمر مؤسف للغاية حيث توجد العديد من أجزاء فيلم إينفيلد التي يمكن لصناع الأفلام في كل مكان التعلم منها. إن التصوير الدقيق للصراع الطبقي، ووجهات النظر المتوازنة، ووجهة النظر الأخلاقية تجعل من فيلم Zulu أحد أكثر أفلام الحرب تقدماً من الناحية الفنية والثقافية في تاريخ السينما.
9. WR: Mysteries of the Organism (1971)
صدر فيلم WR: Mysteries of the Organism عام 1971، وأخرجه المخرج الصربي دوشان ماكافييف، أحد أبرز مخرجي الموجة السوداء اليوغوسلافية. من خلال وضع لقطات من أفلام وثائقية مختلفة جنباً إلى جنب مع صور بصرية مذهلة، يقدم ماكافييف نظرة فنية ولكن وحشية على كل من النظام الشيوعي في يوغوسلافيا ومفهوم الحكومة نفسها.
كما يستكشف العمل المثير للجدل لـ فيلهلم رايش، وهو محلل نفسي نمساوي اشتهر بنظرياته التي تستخدم الجنس البشري والعاطفة لفهم الأنظمة الشمولية والفاشية. الفيلم، الذي يستخدم شخصيات لتمثيل مفاهيم مجردة، يحدد الثورة على نطاق فردي وعالمي.
ليس من المستغرب، بسبب محتوياته السياسية، أن فيلم Mysteries of the Organism مُنع في يوغوسلافيا لمدة 16 عاماً في ظل النظام الشيوعي للديكتاتور الفاشي جوزيف بروز تيتو. بالإضافة إلى ذلك، تم توجيه اتهامات جنائية لـ ماكافييف بعد التعليق على المنع لصحيفة ألمانية غربية. حتى أنه نُفي من البلاد حتى نهاية النظام.
على الرغم من الإشادة بفيلمه في مهرجان كان السينمائي عام 1971، إلا أن عدداً محدوداً فقط من الجماهير تمكنوا من مشاهدته في السنوات التي تلت ذلك. يُعد فيلم Mysteries of the Organism مهماً ليس فقط لابتكاره في صناعة الأفلام، بل أيضاً لطموحه في إظهار عيوب النظام الفاسد في ذلك الوقت.
يتميز فيلم Mysteries of the Organism بمقاطع من أفلام الدعاية النازية والستالينية ولقطات من الأنظمة المقابلة. تقدم تسلسلاته الغربية عدداً كبيراً من الفنانين، مثل بيتي دودسون وجاكي كيرتس، الذين يجسدون الازدراء لجمود المجتمع في السياسة والجنس.
يظهر التحدي الجدلي للفيلم من خلال محتوياته وأسلوبه التجريبي. راديكالي ورائع، يُعد فيلم Mysteries of the Organism حجر الزاوية في السينما الثورية التي تظل حتى يومنا هذا تذكيراً بأهمية الفن في المجتمع.
10. Ciguli Miguli (1952)
من إخراج المخرج الكرواتي برانكو ماريانوفيتش وتأليف جوزا هورفات، يُعد فيلم Ciguli Miguli أحد أكثر الأمثلة أصالة وشغفاً على الهجاء السياسي. في الفيلم، يصل بيروقراطي يدعى إيفان إيفانوفيتش إلى بلدة صغيرة كبديل لمسؤول محلي.
إنه مصمم على غرس المثل الاشتراكية في البلدة ولتحقيق ذلك، يبدأ سلسلة من الإصلاحات الدرامية بما في ذلك إلغاء جميع جمعيات الموسيقى الخمس والأمر بتدمير أهم نصب تذكاري في المدينة؛ تمثال لأكثر مواطني البلدة احتراماً، الملحن الراحل Ciguli Miguli. ومع ذلك، بدلاً من الخضوع لسلطته، يتحد أهل البلدة في ثورة، مما يظهر وحدة وتصميم الروح البشرية.
يُعد فيلم Ciguli Miguli التعاون الثاني بين ماريانوفيتش وهورفات؛ الأول هو فيلم الحرب الواقعي Zastava عام 1949. بالنسبة للأخير، اعتقد الفنانون أن السخرية من النظام الاشتراكي لستالين ستكمل التحرير في يوغوسلافيا بعد الانقسام اليوغوسلافي-السوفيتي أو تيتو-ستالين في 1958. علاوة على ذلك، كانوا يأملون أن يتمكن فيلمهم من تحفيز هذه العودة إلى الديمقراطية.
بسبب ارتباط هورفات بمسؤولي الحزب الشيوعي اليوغوسلافي، كانت الرقابة والاستقبال السلبي للفيلم غير متوقعة تماماً. ما لم يدركه صناع الأفلام في ذلك الوقت هو مدى صلة Ciguli Miguli بحكومة يوغوسلافيا في السنوات القادمة.
على الرغم من فرضية الفيلم الخيالية، كانت الآثار التي وضعها Ciguli Miguli على المجتمع لاذعة. عند عرضه الأول، شعر المسؤولون الحكوميون بالإهانة فوراً من التصوير البسيط وغير المتطور للبيروقراطي الاشتراكي. تردد أن حتى زعيم الحزب، جوزيف بروز تيتو، كان غاضباً من الفيلم، مما أدى إلى منعه لاحقاً. كان أول عرض عام له في عام 1977، بعد خمسة وعشرين عاماً من الإصدار الأصلي.
على الرغم من أن صناع الأفلام لم يكونوا على علم في ذلك الوقت، إلا أنه تنبأ بمستقبل النظام الشيوعي وتأثيره على المجتمع؛ فبفضل رؤيته للحكومة وأهميته التاريخية كأول فيلم ساخر يوغوسلافي بعد الحرب العالمية الثانية، يمثل فيلم Ciguli Miguli أهمية التضامن، خاصة في مواجهة الفساد.
