في غضون خمسة وعشرين عاماً وتسعة أفلام روائية طويلة، طوّر Paul Thomas Anderson مسيرة سينمائية لا تضاهى في السينما المعاصرة. فبينما اتجه مخرجون آخرون من جيل “متاجر الفيديو” نحو النوع السينمائي (مثل Quentin Tarantino)، أو نحو أفلام الحركة الضخمة (مثل Christopher Nolan)، ظل Anderson وفياً للنبض العاطفي لسينما الواقع (cinéma vérité)، مع خوضه غمار ما يسمى بالفنون الأقل شأناً. ومثل Stanley Kubrick، يغمرنا Anderson في عالم مختلف مع كل فيلم جديد، لكن المثير للإعجاب هو قدرته على البقاء وفياً لأسلوبه المميز، مع تقديمه دائماً شيئاً جديداً.
سواء كان الأمر يتعلق بفيلم Hard Eight أو Phantom Thread، إذا كانت أفلام PTA تتمحور حول شيء جوهري، فهو الوحدة والاغتراب. لنأخذ فيلم Magnolia، وهو فيلم جماعي يشعر فيه كل بطل بثقل هذه القضايا، أو شخصية Barry التي أداها Adam Sandler في Punch Drunk Love، مع آفاق عمله الفاشلة وعجزه الاجتماعي. تتكرر العديد من المواضيع في أفلام المخرج الثمانية (التي ستصبح تسعة قريباً)، مثل مشاكل الأبوة في Boogie Nights، وMagnolia، وThere Will Be Blood، لكن ما يترك انطباعاً دائماً بما يسمى “الأسلوب المميز” ليس فقط القواسم الموضوعية، بل الجوانب التقنية أيضاً.
هنا يأتي دور تاريخ السينما، وتحديداً أهمية إلهام المخرج العظيم. لحسن الحظ، كان PTA صريحاً نسبياً بشأن تأثيراته على مر السنين. لم يكن يوماً مهتماً بالدعاية، وبالنسبة لعشاق أعماله، لن يستغرق الأمر طويلاً لاستنفاد المقاطع القليلة خلف الكواليس وجلسات الأسئلة والأجوبة المنتشرة على الإنترنت. ومع ذلك، من خلال التعليقات المختلفة في المقابلات المكتوبة والإشارات الصريحة في أعماله، يمكننا البدء في تحديد الأفلام التي تحدد لمسة PTA بدقة، والأفلام التي يوصي بها لمحبي السينما.
Shoot the Piano Player (1960)
في قائمة عام 1998 بعنوان “10 أفلام أثرت في Boogie Nights”، أشار Anderson إلى فيلم النوار الكلاسيكي للمخرج François Truffaut بعنوان Shoot the Piano Player لتأثيره الدائم عليه، مشيداً بقدرة Truffaut البارعة على التلاعب بالنوع السينمائي، حتى أنه وصفه بالفيلم الذي علمه كيف يرتدي ملابسه. عند المشاهدة، يمكن فهم هذا التصريح، حيث يرتدي كل بطل بدلة أنيقة أو ربطة عنق مربوطة بشكل فضفاض أو سترة براقة، وهو ما يشبه عناصر من أزياء PTA في ظهوراته العامة المبكرة.
للأسف، نحن لسنا هنا لمناقشة اتجاهات الموضة، بل لأسباب توصية Anderson بهذا الفيلم في المقام الأول، وهي كثيرة. أحد الجوانب البارزة التي أشاد بها المؤلف السينمائي هو استخدام تقنية Cinemascope، التي كانت في ذلك الوقت مقتصرة على أفلام هوليوود ذات الميزانيات الضخمة. هذه المساحة الإضافية على الشاشة، رغم أنها تبدو غير مهمة، سمحت بمزيد من التركيز على الشخصية، مما خلق عالماً كانت فيه خلفية باريس مجرد مشهد آخر بجانب الوجوه المتعددة التي تتراقص عبر الإطار.
وجد العديد من المخرجين المعاصرين الإلهام من الموجة الفرنسية الجديدة، حتى أن Quentin Tarantino سمى شركة إنتاجه A Band Apart تيمناً بفيلم Jean-Luc Godard الكلاسيكي الذي يحمل اسماً مشابهاً. ما يجعل توصية PTA مثيرة للاهتمام، هو أنها ليست من بين أكثر الأعمال شهرة في الحركة السينمائية الفرنسية، حيث تحظى أفلام مثل Jules and Jim وBreathless وThe 400 Blows بتقدير أكبر في الدوائر النقدية الأوسع. ومع ذلك، عندما تتراجع خطوة إلى الوراء، فلا عجب أن هذا الفيلم هو المفضل للمخرج المخضرم. فمن بين جميع أفلام Truffaut، يقترب Shoot the Piano Player أكثر من غيره من محاكاة نهج PTA الفريد، مما ينتج عنه مزيج سهل بين سينما المؤلف والنوع السينمائي.
Stray Dog (1949)
باعتباره عملاً استثنائياً مقارنة بأعظم أعمال مخرجه، يعد Stray Dog جوهرة مخفية في مسيرة المخرج الكبير Akira Kurosawa الأسطورية، ويسلط الضوء بشكل عام على أفلامه البوليسية. كان هذا فيلماً آخر ذُكر كتأثير أساسي على Boogie Nights، وعند تخصيص الوقت لتنحية الاختلافات جانباً، يظهر ذلك بوضوح. يتمحور الفيلم حول محقق ناشئ يفقد مسدسه، والتداعيات التي تلي ذلك. أشاد Anderson ببساطة الفيلم المذهلة، قائلاً: “لديه أبسط حبكة يمكنك قولها في جملة واحدة: شرطي مبتدئ يفقد مسدسه، وعليه استعادته. إنه أمر لا يصدق”.
خارج وتيرة Boogie Nights المتسارعة وحرارتها الخانقة، يشترك Stray Dog في العديد من أوجه التشابه مع أعمال PTA الأخرى، ويعد Inherent Vice مثالاً واضحاً. كان Inherent Vice أول فيلم نوار كامل لـ Anderson، لذا فمن المنطقي أن أفلام النوار التي يعشقها يمكن رؤيتها في فرضيتها المتعرجة، حيث يحمل بطل Joaquin Phoenix، المسمى Doc، العديد من نفس سمات المحقق Murakami الذي أداه Toshirō Mifune. شخصية Mifune هنا هاوية بشكل غير معهود، وتفتقر إلى الثقة والصلابة التي تتميز بها شخصياته الأكثر شهرة. إنه دور يظهر بشكل أفضل تنوع الممثل المحبوب، وقدرته على الانغماس في الشخصيات التي يؤديها.
مثل فيلم Kurosawa الأكثر تبجيلاً High and Low، يمكن تمييز Stray Dog عن بقية أعمال المخرج العملاق بمعنى أنه ليس فيلماً تاريخياً ولا مغامرة ساموراي، بل نظرة لاذعة على العواقب النفسية للمسؤولية الحكومية، والضغط الاجتماعي في طوكيو ما بعد الحرب. يتبع فيلم The Master لـ PTA مواضيع مماثلة، ولكن بدلاً من النظر إلى اليابان، فإنه يركز على أولئك الموجودين على الجانب الآخر من البحر. وكما هو الحال مع معظم أفلام Anderson، هذا فيلم يشمل كوناً كاملاً من المواضيع الانتقائية، مع التمسك بجديته البسيطة وهو يتعثر في طريقه نحو النهاية.
The Big Sleep (1946)
إذا كان Stray Dog يشترك في بعض أوجه التشابه مع Inherent Vice، فإن The Big Sleep يستخدم طريقة سرد قصصي متطابقة تقريباً. مثل فيلم النوار لـ PTA عام 2014، فإن علامة Howard Hawks الفارقة في هذا النوع السينمائي معقدة للغاية، وتتحدى المشاهد بنشاط ليضيع في متاهتها المليئة بالألغاز المحيرة. الفيلم مقتبس من الرواية الأصلية لـ Raymond Chandler، الذي اعترف علناً بأنه لا يعرف من هو قاتل قصته الخاصة، ويحكي الفيلم قصة المحقق الخاص Philip Marlowe الذي أداه Humphrey Bogart، والقضية المعقدة التي يجد نفسه غارقاً فيها.
قال PTA ذات مرة عن الفيلم: “من المستحيل متابعة The Big Sleep، لكن هذا لا يهم. أنت فقط تريد الاستمرار في مشاهدته، لترى إلى أين يتجه”. هذه، بطرق عديدة، هي صيغة Inherent Vice؛ اقتباس فوضوي لمادة مصدر فوضوية. علاوة على ذلك، يشبه التوتر المتصاعد في The Big Sleep العديد من أفلام PTA الأخرى، مما يجعله فيلماً أثر على مسيرة المخرج المهنية بأكملها. عدد الأزواج الأيقونيين الذين شهدتهم الشاشة الكبيرة لا ينتهي، وبينما لن يتفوق أحد على John Cassavetes وGena Rowlands في مستوى الهدوء، لن يضاهي أحد Lauren Bacall وHumphrey Bogart في مستوى الرقي.
سيكون من السهل رفض The Big Sleep باعتباره مجرد تجميع مشوش للأفكار، لكن هذا سيكون تقليلاً من تأثيره الأسطوري على النوع السينمائي. يثبت Hawks هنا أن الجمهور لا يحتاج دائماً إلى فهم القصة. إذا كانوا يستمتعون بالأداء أو الصور على الشاشة، فستبيع التذاكر نفسها. فيلم النوار هو نوع سينمائي شهد سنواته الحاسمة في الأربعينيات، حيث ولدت سخريته المميزة من صدمة الحرب العالمية الثانية التي عانى منها الجميع، مما يجعله مثل أفلام الويسترن في أن قضايا الحياة الواقعية غذت مبادئ أسلوبه. بالنسبة لإصداره عام 1946، جاء The Big Sleep في نهاية هذا الوقت الرهيب، مما يجعله ليس مجرد فيلم للعصور، بل فيلماً يعمل كصرخة أخيرة حزينة. إنه فيلم النوار الذي ينهي كل أفلام النوار.
Something Wild (1986)
بصرف النظر عن سيد السينما الأمريكية Robert Altman، لم يكن لأي مخرج تأثير على PTA مثل الحرفي المخضرم Jonathan Demme. لطالما دافع Anderson عن Demme باعتباره “مخرجه المفضل والأول”، مشيراً إلى فيلموغرافيا Demme الانتقائية واستخدامه البارع لحركة الكاميرا الذاتية. يمكن تتبع الكثير من تقنيات Anderson البصرية إلى هذا، خاصة عند دراسة لقطاته القريبة. ليس من قبيل المصادفة أن لقطات Freddie Quell الذي أداه Joaquin Phoenix أو Peggy Dodd التي أدتها Amy Adams في The Master تذكرنا بلقطات وجهة النظر لـ Jodie Foster وAnthony Hopkins في The Silence of the Lambs، لكن فيلم Something Wild هو الذي يشبه اندفاع PTA، وتحديداً الجاذبية الشبابية لأعماله المبكرة.
Something Wild هو، في الغالب، بالضبط ما يوحي به اسمه. عندما يتم اختطاف رجل الأعمال الناجح Charles Driggs من قبل الشابة المتحررة Audrey ‘Lulu’ Hankel، يثير الثنائي غير المتوقع الفوضى في رحلة برية عبر أمريكا، بينما يلاحقهما زوج Lulu السابق، رجل العصابات Ray Sinclair. مع أداء لاهث من Melanie Griffith وJeff Daniels، وتحول مناسب في دور الرجل القاسي من Ray Liotta، تفيض تحفة Demme الكوميدية بقيمة ترفيهية، مما يجعله واحداً من أكثر أفلام الطريق إثارة في الثمانينيات.
ليس لغزاً كبيراً لماذا يعد Something Wild مفضلاً لدى PTA. إنه عمل منعش نموذجياً من مخرج يصعب تصنيفه، ويكمله تأطير مدير التصوير البارع Tak Fujimoto. مثل PTA، كان Demme مخرجاً يفخر بتحقيق عالم جديد شجاع في كل مرة يقف فيها خلف الكاميرا، حيث أنتج أفلاماً موسيقية مثل Stop Making Sense، ودراما قاعة المحكمة مثل Philadelphia، أو وثائقيات سياسية مثل The Agronomist. للأسف، توفي Demme في أبريل 2017 بعد صراع مع أمراض متعددة، تاركاً انطباعاً كبيراً على Anderson لدرجة أنه أهدى فيلمه Phantom Thread عام 2017 لذكراه. لا توجد لحظة في تتر النهاية مشحونة عاطفياً مثل هذه؛ إنها تحية من فنان عظيم لآخر، مما يختتم صداقة طويلة لا تقدر بثمن.
The Passionate Friends (1949)
كان David Lean مخرجاً يعشقه العديد من المخرجين العظماء، من الأساتذة الإيطاليين مثل Sergio Leone إلى الأيقونات الأمريكية مثل Stanley Kubrick، لكن PTA كان دائماً أحد أكثر معجبيه حماساً. في The Passionate Friends، الفيلم الذي يتم فيه تشريح مثلث حب كلاسيكي إلى إيجابياته وسلبياته المختلفة، نجد أصداءً لأعمال Anderson، وتحديداً الجمالية الباروكية لفيلم Phantom Thread. مع جباله المغطاة بالثلوج، وتسلسل ليلة رأس السنة، وخلفية بريطانيا في تلك الحقبة، هناك انعكاسات لا حصر لها لفيلم Anderson عام 2017 هنا، لكن ما يجعل الفيلم استثنائياً هو مدى التقليل من قيمته بشكل إجرامي.
Lean، بالطبع، معروف بأعماله الأكثر شهرة Lawrence of Arabia، وBridge on the River Kwai، أو Brief Encounter. ومن المثير للاهتمام أن Brief Encounter يركز على العديد من نفس قضايا The Passionate Friends وتم إصداره قبل بضع سنوات فقط، لذا من السهل رؤية الأسباب الكامنة وراء طغيان شهرته عليه. أكد Anderson أن الفيلم كان مؤثراً على عمله في العديد من جلسات الأسئلة والأجوبة، معبراً عن حيرته حول سبب عدم الحديث عنه أكثر. عند رؤية الفيلم، لا يسع المرء إلا الموافقة على هذه التعليقات. هذا هو Lean الكلاسيكي الرومانسي المؤلم، الذي يمثل وقتاً أكثر حلاوة قبل أن تهيمن الملاحم الواسعة على كتالوج أعماله.
إذا لم يثر إعجابك الإخراج النجمي، فسيقوم الأداء بذلك بالتأكيد. مع أدوار مفجعة من Ann Todd وTrevor Howard، وأداء متميز من Claude Rains، يعد هذا الفيلم أكثر بكثير من مجرد تقليد لفيلم Brief Encounter كما ظن النقاد. The Passionate Friends هو تصوير دقيق ومؤلم للحب، بقدر ما هو صورة دقيقة للغيرة. ما قصة الحب والقطارات، ولماذا يجعلها Lean تبدو مناسبة جداً لبعضها البعض؟ ربما هو الذهاب والإياب، أو تلك القفزة في القلب عند قول الوداع. Lean – دائماً سيد العاطفة أثناء التنقل.
The Earrings of Madame De… (1953)
تأثير آخر على Phantom Thread، فيلم Max Ophüls بعنوان The Earrings of Madame De… هو أحد تلك الأفلام التي تسبق عصرها بسنوات ضوئية. قبل أكثر من عشرين عاماً من اختراع الـ Steadicam، كان Ophüls يبتكر حركات كاميرا لا تضاهى في دقتها المتناهية، محققاً نوعاً من السكون الباليه الذي كان يُعتقد أنه مستحيل في ذلك الوقت. من اللقطة الافتتاحية، التي تستمر لدقيقتين ونصف ساحرتين، يمكننا رؤية العديد من لقطات التتبع المتقنة لـ PTA منعكسة في مجدها بالأبيض والأسود، ناهيك عن حركة الكاميرا الذاتية التي سيستخدمها Jonathan Demme لاحقاً.
تبدأ القصة في القصر الفخم للجنرال André de… (Charles Boyer)، وزوجته الثرية الكونتيسة Louise de… (Danielle Darrieux). في اللحظات الأولى، نحصل على لمحة عن الإسراف المادي الذي له الأولوية لهؤلاء الناس، وكيف لم يعد الحب أولوية بينهما. عندما تتعثر Madame بـ Lothario ذي الخدين الورديين، الذي أداه ببراعة المخرج الإيطالي Vittorio De Sica، ننتقل إلى صراعها بين الحفاظ على شرفها واتباع قلبها، والتداعيات التي تلي ذلك.
أشاد PTA بهذا الفيلم في مناسبات عديدة، حتى أنه ساهم في إصدار Criterion، ولكن فوق حركات الكاميرا الطموحة والرومانسية المخذولة، فإن ثقل القدر هو الذي ترك انطباعاً دائماً على المخرج. خذ قصة Sydney Barringer من افتتاحية Magnolia؛ تسلسل ممتد يستكشف الاحتمالات التي لا يمكن تصورها للمصادفة، والمأساة التي غالباً ما تترك في أعقابها. يأخذ Anderson صفحة من كتاب Ophüls من خلال تجاهل سهولة هذا النوع من السرد، مع الاستمرار في إيجاد طريقة لجعل غير المحتمل يبدو حقيقياً.
The Treasure of the Sierra Madre (1948)
“احكِ القصة! هذا ما رأيته في The Treasure of the Sierra Madre. الأفلام التي أحبها هي قصص مباشرة جداً، مثل الأشياء القديمة الطراز”، قال PTA في عام 2007 في جولة صحفية لفيلم There Will Be Blood. قد يكون The Treasure of the Sierra Madre بسيطاً في فرضيتة، ولكن مثل ملحمة النفط التي حددت مسيرة Anderson، فإن التعقيدات العاطفية لشخصياته عميقة بشكل لا يصدق. حيث يتم دفع Daniel Plainview الذي أداه Daniel Day Lewis برغبة في النفط، يتم دفع Fred C. Dobbs الذي أداه Humphrey Bogart بجوعه للذهب، مما يجعل الفيلم المخطط النهائي للحكاية التحذيرية القديمة عن الجشع.
على غرار David Lean، كان John Huston معروفاً أيضاً بعلاماته السينمائية الفارقة، من The Maltese Falcon إلى The African Queen، لكن لم يقترب شيء من يأس الصحراء في Sierra Madre. لا يمثل هذا الفيلم ربما أكثر أداء Humphrey Bogart تعذيباً فحسب، بل يشهد أيضاً واحدة من أعظم التعاونات العائلية في السينما. تولى الممثل المخضرم Walter Huston، المعروف بوالد John Huston، دور Howard المنقب، مما أدى إلى أفضل أداء لـ “رجل عجوز مجنون” شهده الغرب المتوحش على الإطلاق. فاز بجائزة الأوسكار لأفضل ممثل مساعد، إلى جانب ابنه الذي حصل على جائزة أفضل مخرج، مما يجعله أول فوز أب/ابن في تاريخ جوائز الأوسكار.
من أي زاوية تنظر إلى هذا، لا يمكن إنكار أنه تحفة فنية من كل النواحي. بينما تغلق خلفية صحراء Tampico القاحلة ببطء حول صائدي الكنوز المشؤومين، لا يسعنا إلا التعاطف مع رغباتهم الأنانية، بقدر ما قد نكرههم عليها. كان قرار Huston بالتصوير في الموقع غير مسموع في ذلك الوقت، مما يجعله واحداً من أوائل الإنتاجات الأمريكية التي تفعل ذلك. في نظرة إلى الوراء، هذه القرارات الصغيرة هي التي تسمح للفيلم بالصمود، والحفاظ على مكانته كنقطة تحول مهمة في السينما، ونوع الويسترن ككل.
Rebecca (1940)
فيما يتعلق بالحبكة، ربما لا يعكس أي فيلم الغموض الشبحي لفيلم Phantom Thread بقدر Rebecca. حيث يركز Phantom Thread على الفراغ الذي تركته والدة Reynolds Woodcock، يدور Rebecca حول فراغ زوجة متوفاة، وكيف تتناثر هزات وجودها مثل الماء في جميع أنحاء غرفه الواسعة ومساحاته الفارغة. كانت هذه أول مغامرة لـ Alfred Hitchcock في إنتاج أمريكي عالي المخاطر، وعبقريته واضحة من الإطار الأول. كما هو الحال مع Madame de…، يستخدم Hitchcock لقطات عربة التصوير المعقدة في جميع أنحاء مباني Manderley الضبابية، محققاً قصراً شاهقاً غارقاً في صدمة الماضي.
بقاءً وفياً إلى حد ما لرواية Daphne du Maurier الشهيرة، يعد Rebecca اقتباساً مثالياً للمادة المصدر، حيث يوفر كل سمات Hitchcock الجوهرية. مع أداء مذهل من Laurence Olivier كأرمل ثري Maxim de Winter، وJoan Fontaine بدور Mrs. de Winter، هذا الفيلم أقرب إلى فيلم رعب كامل منه إلى دراما برجوازية باكية. سيُذكر Psycho دائماً كإنجاز الرعب الدائم لـ Hitchcock، ولكن بقدر ما يرعب Norman Bates الذي أداه Anthony Perkins، لا يوجد شرير أكثر إثارة للرعب من مدبرة المنزل Mrs. Danvers التي أدتها Judith Anderson.
Anderson هو مجرد واحد من العديد من المخرجين الراسخين الذين اعترفوا بـ Rebecca كعمل مؤثر، ولا عجب عند الوصول إلى سماته. تم إصداره قبل عام كامل من Citizen Kane، ويعرض Rebecca عملياً كل السمات المحددة التي نحتفل بها لما يسمى “أعظم فيلم صنع على الإطلاق”. ببراعة لا تقل عن براعة Orson Welles، استخدم Hitchcock التركيز العميق، ونماذج مصغرة واقعية للغاية، وحركة كاميرا ديناميكية لخلق تحفة روائية من التوتر المتصاعد، وهو ما لم تشهده السينما من قبل. حتى يومنا هذا، يظل فيلم Hitchcock الوحيد الذي فاز بجائزة أفضل فيلم، مما يؤكد مكانته كمثال مدرسي لكيفية التخويف من خلال الجو وحده، بدلاً من الاعتماد فقط على رعب الصدمة.
I Am Cuba (1964)
من بين جميع الأفلام المدرجة في هذه القائمة، لا يتجاوز أي منها البراعة التقنية لفيلم I Am Cuba. تم تصويره بواسطة ثنائي الكاميرا الروسي Mikhail Kalatozov وSergei Urusevsky، وهذا فيلم تكون فيه الكاميرا هي المكون الرئيسي، حيث يعمل الممثلون غير المحترفين المختلفون في الإطار كبيادق مجردة في اللعبة السياسية الأكبر. لا تخطئ، I Am Cuba هو قطعة دعائية بشكل عام، تعبر عن وجهات نظر تميل للشيوعية لم تتقدم في العمر بشكل جيد بمرور الوقت. ومع ذلك، من المهم اعتبار هذه المواضيع نتاجاً للوقت، واحتفالاً حتمياً بنهاية الديكتاتورية العسكرية لـ Batista. مثل فيلم Sergei Eisenstein الثوري Battleship Potemkin، أو حتى الدعاية النازية مثل Triumph of the Will لـ Leni Riefenstahl، تتجاوز الفنية الجوانب البغيضة لتحيزاتها السياسية.
في جوهره، I Am Cuba عبارة عن أربع لقطات لأشخاص طيبين يصارعون غضب الله والحزن، مما يتوج في معركة محتدمة من الأرض المفقودة والشمس الحارقة. إنه ميلاد Martin Scorsese وFrancis Ford Coppola، وكل من بينهما، لكن Paul Thomas Anderson هو الذي تأثر بشكل خاص بحركة الكاميرا هنا. في Boogie Nights، اقتبس Anderson تسلسل المسبح بلقطة واحدة من فيلم Kalatozov، محاكياً إياه وصولاً إلى أدق تفاصيل متابعة امرأة إلى المسبح وغمر الكاميرا تحت الماء. يعكس بقية الفيلم أيضاً حساسية Anderson خلف الكاميرا، حيث يصيغ أسلوب تصوير متحرر وكلي العلم بشكل متزايد.
على الرغم من أن حركة الكاميرا هنا لم يتم التفوق عليها منذ ذلك الحين، إلا أن نهج Kalatozov في سرد القصص الجماعي هو أيضاً نقطة عالية رئيسية، مما يمنحه جاذبية لا تختلف عن أفلام Robert Altman، بطل سينمائي آخر لـ Anderson. ومع ذلك، فإن الكاميرا هي التي تجذب أنظارنا. في الوقت الحاضر، نتعجب من أفلام مثل 1917 لقهرها للقطة المستمرة، دون التوقف للنظر في رموز الغش CGI وخدع المونتاج المتقدمة للتكنولوجيا الحديثة. كل ما يمكنني قوله هو أنك لم ترَ شيئاً حتى تشاهد هذا. ارمِ Goodfellas وThe Player من النافذة، I Am Cuba يحدد اللقطة المستمرة للعصور.
Short Cuts (1993)
عند إعداد قائمة بالأفلام التي يفضلها Paul Thomas Anderson، يبدو من المناسب فقط أن نختتم بـ Robert Altman، المخرج الذي كان له التأثير الأكثر وضوحاً على المؤلف السينمائي الذي لا يضاهى. من Nashville وتقييمه المثير لأمريكا، إلى Secret Honor الأقل شهرة واختياره المذهل للممثل Philip Baker Hall (Hard Eight, Boogie Nights, Magnolia) بدور Richard Nixon، Altman هو مخرج ألهم Anderson بكل فيلم من أفلامه، مما ساعد في تشكيل الحمض النووي الذي لا يقلد لأسلوبه المميز. أفلام Altman قابلة للتبادل بشكل أساسي فيما يتعلق بأيها أثر على PTA أكثر، لكن Short Cuts هو الفيلم الذي يشبه عمله أكثر، وتحديداً أعماله الجماعية مثل Boogie Nights أو Magnolia.
ربط النقاط هنا مهمة تبدو هائلة، خاصة عند التفكير في عدد أوجه التشابه مع عمل Anderson. خذ اختيار Julianne Moore، أو ظروف الطقس الغريبة شبه المروعة، أو تصرفات Jennifer Jason Leigh في الهاتف الجنسي، والتي تبدو وكأنها مقدمة لتجربة Adam Sandler القصيرة مع الكلام القذر في Punch Drunk Love. بالطبع، تحفة Altman الجماعية لديها الكثير من العروض اللذيذة أكثر من علامات تأثيرها على أعمال أخرى، كون طاقمها واحداً منها. بطولة Andie MacDowell، Jack Lemmon، Julianne Moore، Matthew Modine، Jerry Dunphy، Fred Ward، Jennifer Jason Leigh، Chris Penn، Lili Taylor، Robert Downey Jr.، Robert DoQui، Tim Robbins، Frances McDormand، Lily Tomlin، Tom Waits، Annie Ross وHuey Lewis، هذا بالتأكيد واحد من أعظم الطواقم الجماعية في كل السينما، مما يعطي Nashville أكثر من مجرد فرصة لأموالها الأدائية.
إذا كان هناك موضوع شامل في أعمال Altman وAnderson، فهو فكرة الشخصيات الأمريكية التي لا جدال فيها والتي ترتبط بانتظام بالناس، ومع ذلك، سواء كانت مترابطة أم لا، فإنهم لا يزالون وحيدين بشكل مؤلم. قال Altman ذات مرة عن رواية Raymond Carver الأصلية لـ Short Cuts: “نظرة Carver للعالم، وربما نظرتي الخاصة، قد يصفها البعض بالمظلمة. نحن مرتبطون بمواقف مماثلة حول الطبيعة التعسفية للحظ في مخطط الأشياء”. هذا، في جوهره، هو مثال Altman، وAnderson، إلى حد ما. مكان الحظ في مخطط الأشياء.
سواء كان ذلك مصادفة حلوة ومرة، أو غضب الطبيعة غير المبالي، أو كيان متقلب يقع في السحب أعلاه، فإن الدور الذي يلعبه الحظ في هذه الأفلام يحتل مرتبة أعلى من أي شيء آخر، تماماً كما في الحياة الواقعية. في بعض الأحيان تكون مجرد حالة وجود في المكان المناسب في الوقت المناسب، ومن الآمن القول إن هذين السيدين للكاميرا لم ينتميا أبداً إلى أي مكان سوى كرسي المخرج. إذا قمت بعرض Short Cuts وMagnolia معاً، فسيستمر العرض لما يقرب من ست ساعات ونصف، لكنني على استعداد للمراهنة على أنه سيبدو وكأنه ثلاث ساعات. نعم، لطالما بدا الحظ في جانب هؤلاء الرجال، لكنه أيضاً العبقرية والمثابرة والخيال التي تشكل المكونات وراء قدراتهم على سرد القصص، وهز الأرض التي نقف عليها.
