من السرديات الشائعة حول السينما السائدة (الأمريكية) في وقتنا الحالي أنها سريعة وسطحية للغاية. يبلغ متوسط طول اللقطة في أفلام الحركة في هوليوود حوالي ثانيتين. لا يوجد وقت مخصص للسماح للعقل بالراحة، فكل شيء عبارة عن حركة مستمرة؛ مونتاج سريع، لقطات قصيرة، موسيقى صاخبة، والكثير من المؤثرات الخاصة. يمكننا الجدال حول قيمة هذه الأفلام، لكن من الواضح أن السينما السائدة أصبحت أسرع بمرور السنين. غالبًا لا تتطلب هذه الأفلام أي شيء من المشاهد، ولا تدعوه للتأمل فيما يُعرض على الشاشة، بل هي محاولة يائسة تقريبًا للحفاظ على انتباه المشاهد في عصر مليء بالمشتتات.
غالبًا ما تسير السينما البطيئة جنبًا إلى جنب مع تقدير الرموز وحب اللغة السينمائية. تميل الأفلام الأبطأ إلى أن تصبح تجارب متعالية، ومتطلباتها من المشاهد هي جزء مما يجعل الفيلم مجزيًا للغاية، إذا تم تنفيذه بشكل جيد. ومع ذلك، إذا كان صانع الفيلم يضع متطلبات على المشاهد دون أن يقدم شيئًا مميزًا، فقد يصبح الفيلم محبطًا للغاية. لذا، يجب على الفيلم البطيء (والطويل) أن يبذل جهدًا إضافيًا.
هذا لا يعني أن السينما الأبطأ أو الأكثر تطلبًا أفضل بطبيعتها. بل هي مجرد سينما ذات مزايا مختلفة. تعمل السينما البطيئة بشكل جيد مع صناع الأفلام والمشاهدين المهتمين بالسينما التأملية أو الوجودية؛ أولئك الذين يرغبون في خوض رحلة تأملية ويحبون الحصول على مساحة للتفكير أثناء الفيلم. لهؤلاء المشاهدين، إليكم عشر روائع سينمائية لا ينبغي تفويتها.
10. Solaris (1972)
قد يكون المخرج Andrei Tarkovsky واحدًا من أكثر صناع الأفلام بطئًا بشكل معروف. تتميز أفلام Tarkovsky بإيقاعها التأملي، وغالبًا ما تظهر بجودة حالمة. يميل إلى تصوير الأفلام وفقًا لمنطق حدسي يتطلب من المشاهد التخلي عن توقعات الفيلم القياسية، وبدلاً من ذلك السماح لأنفسهم بالانغماس في مشاهده الرمزية للغاية والمصورة ببراعة. في فيلم ‘Solaris’، نرى رائد فضاء يذهب إلى كوكب غريب يتكون من بحر، حيث أصيب الطاقم السابق بالجنون.
أكثر من عمله الشهير الآخر في الخيال العلمي ‘Stalker’، يأخذ فيلم ‘Solaris’ وقته الخاص ولا يأخذ المشاهد من يده. الفيلم رحلة جميلة ومخيفة أحيانًا ومحيرة غالبًا. ليس من الشائع تصوير الذكاء الفضائي على أنه غريب جدًا عن طريقة تفكيرنا. إنه عمل آخر يجب مشاهدته لمحبي السينما البطيئة، وكلاسيكية أخرى من المخرج Tarkovsky.
9. Harakiri (1962)
في اليابان في القرن السابع عشر، يعني السلام نهاية فائدة الساموراي. بدون هدف، إحدى طرق الرحيل بشرف هي الانتحار الطقسي: hara-kiri. يصل ساموراي عجوز (Tatsuya Nakadai) إلى منزل عشيرة طالبًا السماح له بأداء هذا الطقس، لكن العشيرة تشك في جديته، وتروي له قصة ساموراي آخر طلب الشيء نفسه في العام الماضي.
فيلم ‘Harakiri’ يدور حول الشرف. ببطء ولكن بثبات تتكشف القصة، كاشفة في كل مرة عن مزيد من المعلومات حول ما حدث بالفعل. يطرح الفيلم أسئلة صعبة؛ ما هو الشرف حقًا، هل هو رعاية عائلتك إذا كان ذلك يعني التخلي عن الطقوس المقدسة والقواعد الأخلاقية؟ يصور المخرج Masaki Kobayashi فيلم ‘Harakiri’ بتأنٍ، بلقطات ثابتة وموضوعة بعناية، ويأخذ وقتًا طويلاً لبناء قصته وموضوعاته التي تنتهي بخاتمة متفجرة. الفيلم تأثير واضح على أفلام الويسترن الإيطالية (Spaghetti-Westerns)، بمشاهد المبارزة فيه، وقد ألهم صناع أفلام أكثر توجهاً نحو الحركة مثل Quentin Tarantino، وفي الوقت نفسه يعمل كتحفة سينمائية لا تخشى طرح أسئلة صعبة.
8. Once Upon a Time in Anatolia (2011)
المخرج Nuri Bilge Ceylan (صاحب أفلام ‘Three Monkeys’ و ‘Winter Sleep’) هو مخرج تركي مهتم بالموضوعات الوجودية، ويفضل اللقطات الطويلة، وحوارات الشخصيات، والإيقاع التأملي. ليس من المستغرب أنه متأثر بمخرجين مثل Andrei Tarkovsky و Yasujiro Ozu و Michelangelo Antonioni. يحكي فيلم ‘Once Upon a Time in Anatolia’ قصة مجموعة من رجال الشرطة والأطباء يذهبون إلى ريف الأناضول للعثور على جثة ضحية جريمة قتل، لكن المشتبه به لا يتذكر مكان الاختباء بدقة.
هناك الكثير من أسلوب Tarkovsky في كيفية إظهار مناقشات الرجال، العالقين معًا ليوم وليلة، لوجهات النظر المختلفة المحيطة بالموضوعات التي يريد المخرج Ceylan معالجتها. دفع الأطفال ثمن خطايا الآباء موضوع مهم في ‘Once Upon a Time in Anatolia’، وكذلك فكرة “الحقيقة” المعقدة والعابرة. تم تصوير الفيلم كما هو متوقع من المخرج Ceylan، في لقطات طويلة وبطيئة مع الكثير من الاهتمام بالمكان والعديد من اللقطات الرمزية التي تشبه أسلوب Tarkovsky. دراما جميلة تتكشف ببطء من صانع أفلام في ذروة عطائه حاليًا.
7. Love Streams (1984)
واحد من أكثر أفلام المخرج John Cassavetes غموضًا، إن لم يكن أكثرها على الإطلاق. يلعب المخرج متعدد المواهب أيضًا أحد الشخصيات الرئيسية، روبرت هارمون، وتضيف الحالة الصحية السيئة لـ Cassavetes إلى الشخصية. كان هذا آخر فيلم أخرجه. يحكي ‘Love Streams’ قصة أخ يدعى روبرت (Cassavetes) وأخت تدعى سارة (Gena Rowland، زوجة Cassavetes والمتعاونة المتكررة معه)، كلاهما تائه في الحياة ومحروم من الحب. روبرت سكير بائس يدفع المال للعاهرات بشكل متكرر لكنه يصد أي تواصل حقيقي، وسارة تحتاج بلا هوادة إلى الحب من زوجها السابق وابنتها التي تبتعد عنها بسبب حالتها العقلية.
‘Love Streams’ فيلم يقوم بكل شيء بشكل مختلف قليلاً. عندما تترك زوجة سابقة ابن روبرت المفترض، لا تتحول القصة إلى لم شمل. في الواقع، يبدو روبرت غير قادر على رعاية أي شيء بما في ذلك نفسه. قد تكون العديد من المشاهد قد أُديت للضحك في أفلام أخرى، لكن في ‘Love Streams’ هي مأساوية للغاية. إنه ليس فيلمًا بقوس شخصية للخلاص، ويحتوي على شخصيتين غير محبوبتين تمامًا، وإن كانتا مثيرتين للشفقة، في المركز. أضف إلى ذلك اللمسات الصغيرة التي يضيفها المخرج Cassavetes، مثل القفزات المفاجئة في المونتاج والموسيقى المباغتة التي تخلق تأثيرًا مزعجًا، وستحصل على تجربة مشاهدة صعبة ومتطلبة. ‘Love Streams’ غير محبوب مثل شخصياته الرئيسية، لكنه فيلم غني لأولئك الذين يجرؤون على خوض مياهه. إنه يذهب إلى تلك الزوايا من العقل البشري والتجربة الإنسانية التي نفضل عدم زيارتها.
6. The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford (2007)
المخرج Andrew Dominik صانع أفلام مثير للاهتمام. لم يخرج سوى ثلاثة أفلام روائية طويلة منذ عام 2000، وجميعها مختلفة تمامًا في الأسلوب. الخيط الرابط الوحيد هو اهتمامه بالشخصيات العنيفة والمدمرة للذات. يتابع فيلم ‘The Assassination…’ روبرت فورد (Casey Affleck) المهووس بـ جيسي جيمس (Brad Pitt) والذي يصبح جزءًا من عصابته. إنها قصة يمكن استقراؤها بسهولة إلى العصر الحالي، مع مراعاة مخاطر عبادة المشاهير والتأليه. في الواقع، لا يستطيع جيسي جيمس الارتقاء إلى مستوى صورته الملفقة، فهو رجل معذب ومدمر للذات، وتنمو التوترات بين فورد المتملك والخارج عن القانون جيمس أكثر فأكثر.
يجب توجيه ملاحظة خاصة لعمل مدير التصوير Roger Deakins الذي يتفوق على نفسه حقًا هنا، فمشهد سرقة القطار في بداية الفيلم وحده يقدم بعضًا من أجمل وأكثر لقطات التصوير السينمائي التي لا تُنسى منذ فترة طويلة. مدير التصوير Deakins هو بالتأكيد أحد الأسباب الرئيسية التي تجعل الفيلم يتمتع بهذه الجودة الأثيرية، وهو أمر ملحوظ بشكل خاص لأن ‘The Assassination…’ يتابع مثل هذه الشخصيات الوحشية. إنه فيلم جميل عن أشخاص غير جميلين ومتصارعين.
5. Synecdoche, New York (2008)
المخرج Charlie Kaufman معروف بأفلامه الوجودية والمعقدة. ‘Synecdoche, New York’ هو أحد أكثر صوره غموضًا. مثل معظم كتابات المخرج Kaufman وجهوده الإخراجية، هذا الفيلم أيضًا استبطاني وشخصي على ما يبدو، يتابع هذه المرة مخرج مسرحي يدعى كوتارد (Philip Seymour Hoffman) بينما يحاول إعداد مسرحية عملاقة يعيد فيها بناء مدينة نيويورك نفسها داخل مستودع.
‘Synecdoche, New York’ هو مشروع بجنون العظمة يصور على ما يبدو الحياة نفسها، وهو أمر ميتا-سينمائي للغاية عند التفكير في مشروع كوتارد الخاص. يحاول كل من كوتارد و Kaufman التقاط ماهية الحياة الحقيقية من خلال مشاريعهم. إلى جانب كونه صعب الفهم في بعض الأحيان، فإن ‘Synecdoche, New York’ هو أيضًا فيلم ذو جمال عظيم في لحظات صغيرة. لذلك يستحق الأمر المضي قدمًا عبر تجريداته للوصول إلى شيء ذي معنى وعميق حقًا.
4. L’Avventura (1960)
‘L’Avventura’، والتي تعني “المغامرة” أو “العلاقة العابرة” بالإيطالية، هي صورة كثيفة بشكل معروف للمخرج الإيطالي الكبير Michelangelo Antonioni. عند إصداره، تعرض الفيلم للمضايقات من قبل الجمهور (الصراخ بكلمة “قص” أثناء اللقطات الطويلة) وتم إطلاق صيحات الاستهجان في مهرجان كان. على مر السنين، بنى الفيلم قاعدة دعم قوية بين بعض النقاد واسمًا سلبيًا بين آخرين: السرد الرئيسي للمعارضين هو أنه لا يحدث شيء في ‘L’Avventura’!
يتابع الفيلم مجموعة من الأثرياء وهم يستكشفون بعض الجزر الصخرية بيختهم. أهمهم الثري ساندرو (Gabriele Ferzetti)، وعشيقته آنا (Lea Massari)، وصديقتها كلوديا (Monica Vitti). في إحدى الجزر، تختفي آنا دون أثر، وأثناء البحث، يبدأ ساندرو وكلوديا في الشعور بمشاعر تجاه بعضهما البعض.
‘L’Avventura’ مصور ببراعة. نتابع الشخصيات عبر ميزات معمارية وطبيعية جميلة، لكن دواخلهم شحيحة مثل التصوير السينمائي الكئيب. قلة من النساء بدين سينمائيات مثل Monica Vitta في ‘L’Avventura’ لكن جمالها خارجي فقط. هذا ليس فيلمًا عن الحب الرومانسي، في الواقع تبدو الشخصيات غير قادرة على ذلك. إنهم قادرون فقط على نوع من الملل الثري من كل شيء.
3. Caché (2005)
عندما ترى أن فيلمًا من إخراج Michael Haneke، فأنت تعلم أنه لن يكون تجربة ممتعة، وبالفعل ‘Caché’ أبعد ما يكون عن المتعة. تتلقى عائلة باريسية ثرية، جورج (Daniel Auteuil) وآن (Juliette Binoche) وأطفالهما، أشرطة مجهولة تحتوي على مقاطع فيديو لحياتهم مصورة من مسافة بعيدة. تتشكل خلفية القصة من التوترات في المجتمع الفرنسي بين الطبقات العليا والدنيا، وخاصة فيما يتعلق بماضي فرنسا الاستعماري ووجود مجموعات كانت مستعمرة سابقًا كطبقات دنيا.
تم تصوير ‘Caché’، مثل الأشرطة، في لقطات ثابتة طويلة. هذا “الواقعية” التي لا تلين تجعل الفيلم يبدو كوثائقي، ولا ترى للحظة الممثلين المشهورين كأي شيء آخر غير عائلة عادية من الطبقة العليا. لا يسمح المخرج Haneke للمشاهد بالنظر خارج إطار الكاميرا، ولا يسمح لك بالنظر بعيدًا أثناء المشاهد الرئيسية. إنه يجعل من المستحيل أن تكون سلبيًا كمشاهد. إلى جانب اختبار صبرك، يضع الفيلم أيضًا متطلبات على أخلاقيات المشاهد وقدرته على التعامل مع لغز يبدو من المستحيل حله. لكن بالنسبة لأولئك الذين يستمرون حتى النهاية، سيحصلون على واحد من أكثر أفلام الإثارة المصنوعة بدقة مع الكثير لتقوله.
2. Barry Lyndon (1975)
أحد أكثر أفلام المخرج Stanley Kubrick عدماً هو بشكل متناقض (أو ربما لا؟) أحد أجمل أفلامه تصويرًا. إنه أحد تلك الأفلام النادرة حيث يمكن أن تكون كل لقطة لوحة فنية، حتى أن Kubrick حصل على عدسات خاصة استخدمتها ناسا سابقًا لتصوير المشاهد على ضوء الشموع. إلى جانب مظهره الخارجي المذهل، يتابع الفيلم شابًا أيرلنديًا محيرًا، ريدموند باري (Ryan O’Neal) الذي تبدو دواخله كئيبة إلى حد ما. شخصية ذات أخلاق قليلة وموهبة في التخطيط التافه، ينجرف باري عبر بعض أكثر لحظات التاريخ الأوروبي دموية مع حرب السنوات السبع، منتحلاً شخصية أفراد في جوانب مختلفة، وأخيرًا يغازل كونتيسة ثرية.
‘Barry Lyndon’ فيلم بطيء بشخصيات غير محبوبة إلى حد ما، ويمكن أن يكون متوترًا بشكل مفاجئ في بعض الأحيان. نقاط رئيسية متعددة في الفيلم هي مبارزات يبنيها المخرج Kubrick بعناية. كما هو الحال دائمًا، يهتم Kubrick بالأجزاء الأقل لذة من البشرية وازدواجياتها العديدة. في ريدموند باري، وجد شخصية يصعب حبها ويصعب الوصول إليها؛ في الواقع غالبًا ما يبدو أنه لا يوجد شيء يمكن الوصول إليه في الأيرلندي، ربما لديه فقط رغبات جشعة أساسية. تظهر لنا خاتمة ‘Barry Lyndon’ قطعة صغيرة من الإنسانية، والتي لا يمكن أن تكون أكثر سخرية في نتيجتها. كل هذا يجعل ‘Barry Lyndon’ متميزًا حتى في فيلموغرافيا Kubrick الرائعة.
1. Satantango (1994)
المخرج Béla Tarr ليس معروفًا بأفلامه السريعة، لكن الطول الملحمي لفيلم ‘Satantango’ سيتطلب الكثير من أكثر المشاهدين خبرة. في مدة تزيد عن 7 ساعات، يحكي ‘Satantango’ قصة مجتمع ينهار؛ قرية مليئة بأشخاص بسطاء ذوي دهاء منخفض. إنهم جاهزون للاستغلال من قبل إيريمياس الكاريزمي العائد (Mihály Vig، الذي يضع أيضًا الموسيقى التصويرية لمعظم أفلام المخرج Tarr).
يكشف هذا الملخص البسيط بالفعل أن ‘Satantango’ تجربة مشاهدة عدمية تمامًا. تم تصويره في المجر ما بعد الشيوعية، وهو يستمتع بأسود وأبيض كئيب لدرجة أنه يصبح ساحرًا تمامًا. يبدو الفيلم مناسبًا لما بعد نهاية العالم في بعض الأحيان، متوافقًا مع نهاية العالم للنظام المجتمعي للاشتراكية. يصور Tarr أفلامه في لقطات طويلة تضيف إلى الإيقاع التأملي العام، ولا يخشى إبقاء المشاهد أسيرًا في بعض أكثر المشاهد قتامة.
إنه لأمر مثير للإعجاب عندما يمكن لفيلم أن يحتوي على مشاهد ذات جمال وحزن هائلين، ولكن أيضًا جنون مرعب ولا يشعر أبدًا بأنه خليط من الأنواع والعواطف. بالتأكيد لن يجعلك ‘Satantango’ تشعر بتحسن تجاه الإنسانية، لكنه قمة في صناعة الأفلام الفريدة التي لا ينبغي لأي سينيفيلي تفويتها.
