الفيلم المخيب للآمال ليس بالضرورة فيلماً سيئاً، لكن كليهما عادةً ما يسلك الطريق نفسه. شهد هذا العام أعمالاً ناجحة ضخمة ومفاجآت رائعة، وربما حتى بعض كلاسيكيات المستقبل، إلى جانب نصيبه من الأعمال الفاشلة. وإنصافاً للواقع، ليس كل فيلم سيئ مخيباً للآمال. فقد نال رجل المثلجات لإيلي روث مراجعات قاسية، وتعرض الصورة الأخيرة لزاك سنايدر لهجوم عنيف في تورونتو، لكن هذه الآراء القاتمة لم تكن مفاجئة. وعلى المنوال ذاته، كان محارب الصحراء فشلاً تاريخياً خيّب على الأرجح ممثليه وفريق عمله ومموليه، لكن غياب الترقب حوله كان جزءاً من المشكلة.
لذلك ترصد هذه القائمة الأفلام التي رفعت الآمال ثم أوقعتها. وقد قُيّمت وفق محورين: الجودة والضجيج. وبينما ندخل موسم الأوسكار وقد أطلّت موجة جديدة من أعمال “طُعم الأوسكار” المخيبة، تأتي هذه فرصة للعودة إلى الأفلام التي امتلكت الجاذبية ثم أهدرتها.
10. Supergirl
لا مفر من ذلك. فبرغم كل النوايا الطيبة التي زرعها جيمس غان لمصلحة عالم DC، لم تستطع Supergirl مواصلة الزخم. إنه الخاسر الأكبر في الصيف، وفيلم فاشل على صعيد شباك التذاكر لم يلقَ استحسان النقاد. وزاد على ذلك أنه تعرض للانتقاد بسبب مؤثراته البصرية، وهو ما يشكل ناقوس موت لفيلم أبطال خارقين ضخم تكون إحدى شخصياته الرئيسية مبنية بالكامل بالمؤثرات الحاسوبية. ومن المؤكد أن جزءاً من عار Supergirl يعود إلى التوقعات التي حملها الجمهور إلى الصالات.
كان فيلم سوبرمان في العام الماضي ناجحاً، ومهّد ظهور ميلي ألكوك الخاطف بدور Supergirl الطريق لهذا الفيلم ببراعة. كما كانت فكرة تقديم Supergirl كوجه آخر منهك ومصدوم يقابل سوبرمان المخلص الذي يجسده ديفيد كورينسويت مثيرة للاهتمام. كان من المفترض أن يبيّن Supergirl ما يحدث حين يُربّى أحد أبناء كريبتون في بيئة قاسية بدلاً من مزرعة وسط عائلة محبة. غير أن أياً من ذلك لم يطر.
باتت مشكلة Supergirl واضحة منذ الحركة الباهتة في الإعلان التشويقي، والمؤثرات الحاسوبية الثقيلة، والاستخدام الآلي لأغانٍ بوب معاد تدويرها. كان يبدو ويُحسّ كأي فيلم أبطال خارقين باهت آخر. وقد يُغرى المرء بإلقاء اللوم على متصيدي الإنترنت المناهضين للنساء ممن هاجموا ألكوك وفكرة المرأة عموماً. لكن ألكوك نالت أفضل المراجعات في الفيلم، ورأت الغالبية العظمى من النقاد فيلماً لم يكن سيئاً بقدر ما كان مخيباً. وفي النهاية، لم يرقَ الفيلم إلى ما تستحقه الشخصية أو ألكوك.
9. Disclosure Day
كان ثمة زمن يصير فيه طرح فيلم لستيفن سبيلبرغ في الصيف حدثاً ضخماً. أما اليوم فليس ذلك الزمن. أثار Disclosure Day ترقباً واسعاً، إذ عمل سبيلبرغ مجدداً على سيناريو من ديفيد كويب، الذي كتب نجاحات الصيف الحديقة الجوراسية وحرب العوالم. كان التسويق غامضاً ومثيراً للفضول، لكنه وعد بقصة أخرى عن المخلوقات الفضائية على طريقة كلاسيكيات إي تي ولقاءات قريبة من النوع الثالث. وفي النهاية، هذا هو المخرج الذي حوّل الصيف إلى موسم الأفلام الضخمة منذ أيام الفك المفترس. بل حتى سلسلة سيناريوهات كويب الأخيرة لمخرج آخر يُدعى ستيفن (سودربرغ) أضافت إلى الحماس.
تبيّن أن Disclosure Day كان أيضاً من الفريق نفسه الذي قدّم لنا العالم المفقود: الحديقة الجوراسية وإنديانا جونز ومملكة الجمجمة الكريستالية. وهو ما يعني أن Disclosure Day لم يكن الفك المفترس القادم. لم يكن سيئاً بالمطلق، ولا حتى سيئاً، بل هزيلاً غريب النبرة ومفرطاً في عاطفيته. ربما كان Disclosure Day تسلية ممتعة لصيف 1990s، لكن الإلحاح والثقل اللذين بثّهما سبيلبرغ وكويب بدوا مترهلين ومتوقعين وفقيري الأنياب. أما النقاش الذي يدور في دير حول الروحانية والحقيقة فكان سطحياً ومنفصلاً عن الواقع، وكأن صنّاع الفيلم أرادوا لنا جميعاً أن نخوض حواراً غدا غير ذي صلة منذ عقد على الأقل. وفي عصر تنتشر فيه نظريات المؤامرة في التيار السائد، يبدو مسعى Disclosure Day نحو ترفيه استرجاعي ساذجاً وعجائزياً، لا حنيناً ولا مثيراً للاهتمام.
8. Evil Dead Burn
قد يأتي جزء آخر في 2028، لكن Evil Dead Burn قد يكون النقطة التي فقدت فيها السلسلة بريقها المتبقي أخيراً. قد يبدو ذلك مفاجئاً لمن انضموا إليها مع إعادة الإطلاق، لكن السحر الحقيقي لسلسلة Evil Dead لم يكن يوماً مجرد الدماء أو الرعب أو الفكاهة. بل كان في طريقة جمعها الثلاثة معاً، وبالأخص في كيف امتزج العنف والأهوال بطابع خاص من الفكاهة المبالغ فيها والغامزة.
كانت الأجزاء الحديثة ذكية بما يكفي لاستقطاب مخرجين قادرين على بث الفكاهة داخل الرعب القاسي. وقد حملت إعادتا إطلاق Evil Dead لفيدي ألفاريز ولي كرونين سحراً، لكن Evil Dead Burn عامي أكثر مما تحتمله السلسلة. فهو يستبدل الفكاهة كلها بإشارات غامضة إلى… الفرنسية. إنه فيلم رعب مقتدر، لكنه آلي بشكل مؤلم لهذه السلسلة تحديداً، إذ يتصل بالأسطورة لكنه لا يبدو فاهماً لأي من السحر أو النبرة التي ميزت Evil Dead من الأصل. ويربط مشهد بعد شارة النهاية هذا الفيلم بفيلم كرونين Evil Dead Rise من 2023، ويسطّح السلسلة إلى مجرد مادة مملوكة أخرى تصلها الأسطورة والإشارات الخفية والكسل الإبداعي. ولا عجب أن الفيلم التالي يُقال إنه جزء سابق.
7. Star Wars: The Mandalorian and Grogu
أفلام Star Wars قائمة في جوهرها على خيبة أمل المعجبين ودعم جوانب أخرى من شركة ديزني. ومن المرجح أن الثلاثية الأخيرة من الأجزاء التالية كانت أكبر سوء إدارة لمادة مملوكة في التاريخ. ولم يكن ثمة نجاح حديث لا جدال فيه لهذه العلامة سوى Andor، وهو مسلسل يختلف تماماً في نبرته ومقاربته عن بقية السلسلة. حتى The Mandalorian، المسلسل الرائد الناجح على Disney+، أصابه الجمود في المواسم اللاحقة. وقد علّقت ديزني آمالاً كبيرة على أن يعكس The Mandalorian and Grogu هذا المسار ويضع مسافة بين Star Wars والفرصة المهدرة التي غدت تحدد ملحمة سكاي ووكر. لا جدوى. حتى إيراداته التي تجاوزت 300 مليون دولار من شباك التذاكر كانت مخيبة.
كان أمام النقاد والجمهور الكثير مما يستمتعون به في هذا الفيلم. وقد حظي سحر الثنائي الرئيسي والمؤثرات العملية التي بعثت الحياة في أنواع وأماكن مختلفة بإشادة خاصة. ومع ذلك، كان الإحساس العام أن الفيلم لم يفعل ما يكفي. فقد كانت حبكته معاد تدويرها بالكامل، وإيقاعه حلقياً، وكان من الصعب تحديد ما يميز هذه المغامرة عن تلك المجزأة التي استمتع بها الجمهور على منصة الشركة. كان من المفترض أن يرسم The Mandalorian and Grogu مساراً جديداً لعالم Star Wars. لكنه صار رمزاً للحال بلا حياة التي تركها الحصاد الجائر للشركة الأم بالسلسلة، وتذكيراً بأن قاعدة معجبين كانت مخلصة وشبه دينية تتأرجح بين الإحجام والعداء الصريح.
6. The Last House
لن يلوم أحد على الأرجح فاغنر مورا وغريتشن لي على تقاضي أموال نتفليكس، لكن The Last House مخيب للآمال بشكل مفاجئ حتى بمقاييس تلك المنصة. تسيطر عليه أجواء إغلاق كوفيد بقوة، لكنه مفاجئ في خفته من الرهبة أو التوتر رغم التزامه ببث الرعب في جزء من مدته. وهنا تكمن إحدى مشكلات The Last House: إنه يحاول أن يكون أشياء كثيرة ولا يجيد أياً منها.
The Last House فيلم بطاقم صغير ومكان واحد في معظمه، لكنه مثقل بالمؤثرات على نحو غريب. إنه يريد في آنٍ رهبة الحصار المشدودة على طريقة Await Further Instructions أو Vivarium، ومغامرة عائلية من طراز أمبلين في 1980s، وكأنه كاد يسبق The End of Oak Street إلى الفكرة. لكن القليل جداً مما يزرعه يثمر. فالمكاشفات سخيفة وباهتة وسيئة التفسير، ما يترك الفيلم معلقاً على كتفي ممثلين رئيسيين يتناوبان بين الجاذبية واليأس. ونظراً لتراجع أسهم المنصة مؤخراً، يصعب ألا نرى في The Last House دلالة على مشكلات نتفليكس في وسط إعلامي حديث يتجاوز سخافته. إنه فيلم صُنع للجميع ولأحد في الوقت نفسه، ويعمل أفضل كضجيج خلفي أثناء التمرير القلق.
5. In the Hands of Dante
كان هذا الموضع محصوراً بين عرضين أوليين في مهرجان البندقية 2025 لمؤلفين سينمائيين فشلا فشلاً ذريعاً: The Wizard of the Kremlin لأوليفر أساياس، و In the Hand of Dante لجوليان شنابل، وكان التنافس متقارباً. فيلم أساياس يضم على الأقل أداءً رائعاً من جود لو. أما In the Hand of Dante فهو طويل بالقدر ذاته لكنه أكثر عجزاً وإرباكاً. أفلام شنابل لا تأتي إلا نادراً، لذا كانت التوقعات مرتفعة جداً، لكن In the Hand of Dante أول عمل فاشل له بلا مواربة، وجاء بعد عام من ظهور ابنه أولمو بفيلمه الأول الفاشل في البندقية.
In the Hand of Dante فيلم طموح يُروى عبر خطين زمنيين: في مطلع 1300s يكتب دانتي أليغييري (أوسكار آيزاك) الكوميديا الإلهية، بينما في 2001 يُجنَّد الكاتب نيك توشيس (آيزاك أيضاً) من جانب المافيا لسرقة مخطوطة نادرة من تحفة دانتي. كانت الموضوعات والنسب والمدى الملحمي والطاقم (مالكوفيتش، باتشينو، وحتى سكورسيزي في ظهور خاطف) توحي بعمل موجه للأوسكار. أما الواقع، بأداءاته المبالغ فيها (جيرارد بتلر بدور رجل مافيا، وغال غادوت)، فأثبت العكس. الفيلم ممطوط، مثقل بنبرات متنافرة ولوحة لونية متحولة (1300s بالألوان، 2000s بالأبيض والأسود) تعمل على مستوى الفكرة أكثر مما تعمل على الشاشة. على الورق كان ينبغي أن ينجح كل شيء، لكن على أرض الواقع ثمة غرابة في انتقاله من الإثارة إلى الإرباك ثم الإضجار قبل وقت طويل من نزول العناوين. أنجز شنابل تحفة واحدة على الأقل في حياته، The Diving Bell and the Butterfly، لكنه هنا بعيد جداً عن الفردوس السينمائي.
4. Passenger
لا بد أن معظم الميزانية ذهب إلى التسويق، إذ لا سبب يوجب أن يكون Passenger بهذا القدر من العمومية. والفيلم المرعب الذي أخرجه أندريه أوفريده عن حياة العيش في شاحنة مخيب أكثر بسبب تذبذبه بين الرعب الحقيقي والتردي المتعجل المثقل بالكليشيهات. بعد افتتاحية واعدة وإن كانت متوقعة، نستقر مع الثنائي مادي وتايلر. هو منغمس كلياً في نمط حياة الشاحنة، ويتحمس لمعبوده المؤثر على منصات التواصل في لقاء لأمثاله من الرحّل. أما هي فطفلة بالتبني تتوق في سرٍّ مكشوف إلى الاستقرار (وإلى بيت غير متنقل). وبعد التوقف عند حادث لتقديم العون، يبدو أن شيئاً ما ارتحل معهما.
في عامٍ جمحت فيه أعمال مثل The Dog Stars لريدلي سكوت و Animal Farm لأندي سركيس إلى خيبة كبيرة، قد يبدو غريباً إفراده بالذكر. لكن تلك الأفلام على الأقل حاولت وفشلت بنبرات غريبة مبالغ فيها أو مقللة. أما Passenger فيغدو آلياً وكسولاً إلى حد يجعل مشاهدته أقرب إلى متابعة محاكاة ساخرة من نوع الرعب لفيلم Nomadland. تتعلم الشخصيتان الرئيستان شيفرة المتشردين، ويظهر ممثل محترم بارز (ميليسا ليو) ليلقي التفسيرات بجفاء، ويصدح لحن معين لإيغي بوب عند العناوين. وحتى لو لم يشهد 2026 صدور عدد من أفلام الرعب المتقنة المبهرة، لظل Passenger رحلة رديئة.
3. Scream 7
حتى في عالم لم يكن فيه Scream 7 غارقاً في الجدل والمقاطعات بسبب إقالة ميليسا باريرا غير اللائقة، يبقى Scream 7 خيبة ضخمة لعشاق السلسلة وسينما الرعب عموماً. وغض النظر عن حصيلته في شباك التذاكر، كان من المفترض أن يكون جلوس كيفن ويليامسون المتأخر كثيراً على كرسي الإخراج احتفاءً بغوستفيس. لكنه بدلاً من ذلك تحريك محرج للآلات يهدر طاقماً رائعاً بحثاً عن شيء، أي شيء، جديد أو مثير. ومشهده الافتتاحي، حيث يُحرق مسرح ذروة الفيلم الأول عن بكرة أبيه، يقول كل شيء.
وإنصافاً، كانت إعادات إطلاق Scream دائماً خمراً عتيقاً في قوارير جديدة، إذ بالغ الضجيج والمراجعات حول أول جزء تالٍ منها فوق مستوى الفيلم. ولم يكن Scream بنسخة 2022 رائعاً بقدر ما كان ممتعاً بما يكفي، لكن Scream 7 يستنزف الحنين إلى آخر قطرة، لا سيما في تغريزه الوقح بنظرية معجبين تتعلق بماثيو ليلارد لا يستطيع حتى الالتزام بها. وتعود سيدني بريسكوت لنيف كامبل، هذه المرة مع طفل وزوج. وكما في كثير من الأجزاء التالية الوراثية، الأم الفتاة الناجية مفرطة في الحماية، والابنة متشككة وحرّة الروح لكنها جسورة وشجاعة عند الحاجة. وكل جزء تالٍ من Scream مخيب بشكل خاص ومتزايد، لأنها تحوّل السلسلة أكثر فأكثر إلى كل ما فككته أول جزأين ببراعة وأعادت تنشيطه. ويحسم Scream 7 الأمر: صارت السلسلة الآن كل ما كانت أذكى منه.
2. Wuthering Heights
مقاربة إيميرالد فينيل لكلاسيكية إميلي برونتي الأدبية Wuthering Heights اقتباس مصنوع بوضوح لمنصات التواصل. إنه في جوهره فيلم مبني ليُقطّع إلى قطع من مقاطع الإغراء والصور الساخرة التي تتناقل عبر الخوارزميات، وتستحوذ على الجدل، وتشعل تخيلات رقيقة من نوع BDSM لدى من يتخذون الكتب زينة. وتحسب لفينيل أنها قدّمت اقتباساً قادراً على إرباك وإثارة وإرهاق محبي القصة ومن لم يقرأوها قط.
كان Wuthering Heights ناجحاً وفق معظم المعايير، لكنه مخيب للآمال إلى حد كبير بسبب مشاركة فينيل. فقد كان أول عملين لها واعيين وجسورين ومتجاوزين. أما هنا فنظرتها مبتذلة ومسطحة. ثمة مشهد مقتطع مباشرة من غلاف رواية رومانسية. وبعض مشاهد BDSM مقحمة بلا سبب. وقد نُبذت موضوعات الكتاب إلى حد كبير. وخلافات اختيار الممثلين، عمر روبي، وتبييض إيلوردي لشخصية هيثكليف، تغطي على حقيقة أن أكثر الأداءات إثارة للاهتمام هي إيزابيلا التي تؤديها أليسون أوليفر، وخصوصاً الأب المدمن الذي يؤدي مارتن كلونز. وحين يصير عمل كلاسيكي بهذا القدر من الرداءة، ينبغي أن يكون ممتعاً على الأقل. أو مثيراً للاهتمام. لكن Wuthering Heights ليس هذا ولا ذاك.
1. The Bride
الفيلم المخيب للآمال ليس بالضرورة سيئاً، لكن The Bride يجمع الأمرين. تحية لماغي جيلنهال، إذ يصعب إنجاز فيلم بهذا القدر من الخيبة والرداءة المربكة. سيخيب The Bride كل من تأثر بأول أعمال جيلنهال The Lost Daughter، وكل من رأى Hamnet وأراد أداءً مؤثراً آخر من جيسي باكلي، وعشاق أعمال كريستيان بيل في النوع السينمائي أو أدائه الحاد، وكل من أغراه الضجيج بأن هذا فيلم غنائي أو عن عصابات، وكل من يهمه كتاب فرانكنشتاين أو اقتباس غييرمو ديل تورو الذي صدر قبل أشهر، وكل من يقدّر استكشافات ثاقبة لعدم المساواة بين الجنسين، أو أي شخص يستمتع بالسينما.
تنحرف الأمور على الفور تقريباً. فإلى جانب العروس التي يحمل الفيلم اسمها، تؤدي باكلي أيضاً ماري شيلي مبالغاً فيها تتحكم بالشخصية الرئيسية لتحريك القصة. إنها مجازفة جسورة تفوح منها طاقة طفل مسرحي يبالغ في التعويض، وتنحدر سريعاً نحو الأسوأ. تتحكم شيلي بإيدا، عشيقة رجل عصابات يعثر على جسدها فرانكنشتاين الذي يؤديه بيل، وقد صار يُعرف بفرانك، فيتوسل إلى الدكتور يوفورونيوس أن يعيدها إلى الحياة رفيقةً له. وينطلق الاثنان في جولة على طريقة بوني وكلايد، يطاردهما محققان كوميديان، والمافيا، وجمل سطحية محرجة مقحمة عن عدم المساواة بين الجنسين.
The Bride محشو بعناصر وأنواع سينمائية غير متجانسة جُمعت بكسل، وكأن جيلنهال ظلّت تخطر لها أفكار جديدة دون أن يعترضها أحد. ويبلغ الفيلم ذروته في مشهد تصرخ فيه باكلي مراراً “أنا أيضاً!”، فيتضح أن جيلنهال أرادت أن تجمع الأمرين معاً. أرادت أن تنجز فيلماً غنائياً، وعملاً استرجاعياً من حقبة الثلاثينيات (30s)، وفيلم عصابات، وفيلم مسوخ، ونداءً محركاً لحقوق المرأة، لتكون النتيجة خليطاً متعجرفاً من المشاهد يخلط الغرابة بالإبداع.
