شهدت أفلام الويسترن تحولاً لافتاً في الستينيات والسبعينيات. فقد بدأ أبطال الشاشة القدامى في التقدم بالسن، ومعهم تلاشت قيمهم الأخلاقية. في فيلم The Shootist (1976)، واجه جون واين تقدمه في العمر وفناءه، بينما طرح فيلم McCabe and Mrs. Miller (1971) للمخرج روبرت ألتمان، وفيلم Pat Garett and Billy the Kid (1973) للمخرج بيكنباه، شكوكاً مريرة حول البطولة الكلاسيكية في الويسترن. عُرف هذا بالويسترن التنقيحي، وهي موجة سعت إلى نزع الأسطورة عن الغرب الذي صوره جون فورد، حيث الأخيار يرتدون الأبيض والأشرار يرتدون الأسود. وفي الوقت نفسه، ظهرت من إيطاليا ما يسمى بـ “سباغيتي ويسترن”، لا سيما أعمال سيرجيو كوربوتشي وليوني، التي كانت بحد ذاتها تفكيكاً ساخراً للويسترن التقليدي، مستبدلة الأخلاق بالجشع والبطولة بالوحشية.
لكن ظهر تيار آخر من الويسترن، كان ينتقد تقاليد النوع السينمائي، لكنه لم يكن مهتماً بإعلان موته بقدر اهتمامه بإحيائه واستخدام أساطيره لأغراض تجريبية جديدة في السينما السريالية. هذا هو “الويسترن الحمضي” (Acid Western)، وهو المصطلح الذي صاغه جوناثان روزنباوم في مراجعته لفيلم Dead Man عام 1995، والذي ميز تحول النوع السينمائي المحبوب في أمريكا نحو السريالية، مقدماً إياه إلى عوالم الروحانية والميتافيزيقا والتجريد، بعيداً عن الإطار التاريخي الضروري تقليدياً لهذا النوع.
تضمن ذلك إدخال تقاليد (أو مضادات التقاليد) من التراث السريالي، مثل أحلام التحليل النفسي في فيلم At Land (1944) و Meshes of the Afternoon (1944) لمايا ديرين، والرمزية العبثية في فيلم Simone of the Desert (1965) لبونويل أو فيلم I Will Walk Like a Crazy Horse (1973) لأرابال، والنزعة المضادة للثقافة في فيلم Fando y Lis (1968) لجودوروفسكي أو فيلم Dreamwood (1972) لجيمس بروتون، والحد الأدنى النموذجي في فيلم The Inner Scar (1972) لفيليب غاريل أو فيلم Eden and After (1970) لآلان روب غرييه. في أفضل حالاته، يتحول تجوال راعي البقر إلى رحلة بحث روحية.
وأي مكان أفضل للسريالية الأمريكية من السهول الصحراوية، والحدود الجامحة، والأرض الخطرة والروحانية، والامتداد الشاسع تحت النجوم، موطن نبات البيوت المهلوس، مصدر آلاف السنين من المعرفة المقدسة. وأي شخصية أفضل للنزول إلى اللاوعي الأمريكي من الرجل بلا اسم؟ راعي البقر المتجول الوحيد؟
إليكم 10 أفلام تجلب عالم الأحلام إلى الغرب المتوحش.
1. Dead Man (1995)
فيلم Dead Man للمخرج جيم جارموش عام 1995 هو ويسترن كرحلة هبوط إلى العالم السفلي، وهي رحلة روحية لرجل مصاب بجروح قاتلة ينتقل من عالم الأحياء إلى عالم الأموات. الرجل هو ويليام بليك (جوني ديب)، محاسب وديع – غير مدرك لاسم الشاعر الإنجليزي الذي يحمله – استقل قطاراً إلى نهاية الخط، إلى مصانع “ماشين” في الولايات المتحدة لوظيفة لم تعد متاحة عند وصوله.
بعد تعرضه لإطلاق نار في ليلته الأولى في المدينة وقتله لمهاجمه، يهرب إلى التلال حيث يلتقي برجل من السكان الأصليين يدعى “نوبودي” (غاري فارمر)، وهو معجب كبير بالشاعر ويليام بليك، ويصبح بمثابة مرشد لبليك في العالم السفلي. يصر نوبودي على أنه تناسخ للشاعر ويشجعه على استرجاع حياته الماضية. يطاردهما رجال القانون وصائدو الجوائز، ويهرب نوبودي وبليك عبر الغابات إلى قرية “ماكاه” حيث يُوضع بليك في زورق ليقوم برحلته الأخيرة.
يتابع الفيلم مطاردة بليك، ورؤاه الهلوسة، وتحولاته نحو الموت. تم تصويره بالأبيض والأسود الأثيري بواسطة مدير التصوير روبي مولر، وهو فيلم مليء بالصور الصوفية والمبالغات السريالية البشعة لأساطير الغرب القديم. يقتبس الفيلم بكثافة من بليك، ليس فقط في تلاوة قصائده، بل في سيناريو يستمد الكثير من أعمال الشاعر لدرجة أن جارموش وصفه بأنه مؤلف مشارك من وراء القبر. في أماكن أخرى، يستمد الفيلم الكثير من ثقافة السكان الأصليين – مع لغات “كري” و”بلاكفوت” غير المترجمة – ويشير إلى الشعر الأمريكي والأسطورة اليونانية القديمة.
يكتسب الفيلم طابعه بشكل أساسي من الموسيقى التصويرية لنيل يونغ، والتي تعد، في ارتجالاتها المشوهة، أقل من كونها موسيقى تصويرية تقليدية، بل تعليقاً صوتياً مستمراً يتفاعل مع الأحداث على الشاشة، مفسراً صوتياً أحداث الفيلم.
2. The Shooting (1966)
The Shooting هو فيلم ويسترن للمخرج مونتي هيلمان، صُوّر عام 1966 بنصيحة من روجر كورمان بالتزامن مع فيلم Ride in the Whirlwind، مستخدماً نفس طاقم العمل، مما سمح لهيلمان بالمخاطرة بسيناريو كارول إيستمان السريالي (الذي كُتب تحت اسم “أدريان جويس”) ضمن إنتاج فيلم ويسترن تجاري.
يتابع الفيلم ويليت غاشيد (وارن أوتس)، وهو عامل منجم ذو ماضٍ مشبوه، يتم توظيفه من قبل امرأة غامضة ترتدي الأسود (ميلي بيركنز) لمرافقتها عبر الصحراء إلى بلدة كينغسلي البعيدة. ينضم إليهما رفيق غاشيد البسيط كولي (ويل هاتشينز)، ولاحقاً بيلي سبير، الذي يجسده جاك نيكلسون كمسلح مأجور لبيركنز، مما يحول رحلة المرافقة إلى وضع أشبه بالرهائن.
يعرف غاشيد أن المرافقة ستنتهي بجريمة قتل، لكنه لا يعرف من سيكون الضحية. مع تقدمهم، ينفد الماء ويضطرون للتخلص من المعدات. يبدو أنهم سيهلكون، لكن بيركنز ونيكلسون لا يبدوان مهتمين، مدفوعين بقانون أعلى أو غرض غير مفهوم.
غامض ومبهم، ومليء بأسئلة حول العقل والواقع، فيلم The Shooting ميتافيزيقي بهدوء – وغالباً ما يُقارن بمسرحية صمويل بيكيت “في انتظار غودو” – حيث يبدو أن الفيلم يحتل نفس المساحة الغريبة على حافة الواقع.
3. Deadlock (1970)
Deadlock هو فيلم ويسترن عام 1970 للمخرج رولاند كليك – وربما الوحيد من نوعه – وهو ويسترن بموسيقى “كراوتروك”، من تأليف فرقة الروك النفسي الألمانية الأسطورية Can. في تقليد السباغيتي ويسترن، Deadlock هو مواجهة متوترة بين ثلاثة لصوص حول حقيبة من المال المسروق. على عكس أفلام ليوني، التي تضع شخصية الرجل بلا اسم في واقع تاريخي، يقع Deadlock في بلدة أشباح غريبة في نهاية العالم حيث يتساءل المرء لماذا يريد هؤلاء الشخصيات المال أصلاً.
المواجهة بين لصين شريكين في الجريمة “الطفل” (ماركارد بوم) و”السيد صن شاين” (أنتوني داوسون)، وعامل منجم محلي (ماريو أدورفت)، الذي يعتبر القانون الوحيد في البلدة. لا يوجد دافع سوى الجشع البسيط. إنه تقطير للسباغيتي ويسترن إلى نماذج أولية عائمة.
باتباع تقليد السباغيتي ويسترن، يعتمد الفيلم بشكل كبير على المشهد الصوتي لبناء التوتر، مع مؤثرات صوتية مبالغ فيها مقابل الصحراء القاحلة (كما في الافتتاحية الصامتة لفيلم Once Upon a Time in the West (1968))، لكنه يأخذ ذلك إلى نوع من الموسيقى الحسية التي تمتزج مع الصور الهلوسة – صوت صرير لافتة يترجم في ذهن “الطفل” إلى حركة إيقاعية لقارب – وبناء موسيقى Can من حالة غيبوبة بطيئة إلى مونتاج بروس كونر المتفجر من الشمس والبنادق والصراخ.
4. Walker (1987)
فيلم Walker للمخرج أليكس كوكس عام 1987 هو القصة الحقيقية للمغامر الأمريكي ويليام ووكر الذي قاد انقلاباً في نيكاراغوا في خمسينيات القرن التاسع عشر نيابة عن قطب السكك الحديدية كورنيليوس فاندربيلت تحت ستار مُثُل التحرير الديمقراطي. يستخدم كوكس تقاليد الويسترن لتأطير قصة ووكر بشكل ساخر، حيث يصوره (إد هاريس) كبطل قانوني ساخر، ويوازي بين ووكر والرئيس راعي البقر رونالد ريغان الذي بدأ مسيرته بقتل السكان الأصليين على الشاشة وكان مسؤولاً عن تورط الولايات المتحدة في حروب نيكاراغوا.
الرمزية ليست خفية، رجال ووكر مرتزقة و”ليبراليو” نيكاراغوا مملوكون فعلياً لسكك حديدية أجنبية، مما يعكس طبيعة مجموعات الكونترا التي استخدمتها الولايات المتحدة. ومع تقدم الفيلم، يتسرب واقع ووكر إلى الثمانينيات مع ظهور المزيد من نفايات المستقبل في الماضي، مثل سجائر مارلبورو وكوكاكولا، وبنادق M16، والسيارات الرياضية، وصولاً إلى ظهور مروحية تابعة لوزارة الخارجية تُسقط رجال وكالة المخابرات المركزية في مدينة غرناطة.
إنه تقارب سريالي للخطوط الزمنية يشير إلى تكرار التاريخ وترابطه. لم يمر هذا التحريض دون أن يلاحظه أحد. الفيلم، الذي وزعته يونيفرسال لكن تم تصويره في نيكاراغوا بطاقم عمل نيكاراغوي في الغالب، أنهى فعلياً مسيرة كوكس كصانع أفلام سائد.
مع موسيقى مغامرات مرحة من جو سترامر، يعد Walker فيلماً مضحكاً بشكل أسود، يباين بين الخطابات النبيلة لمُثُل ويليام ووكر الفارغة والنهب والاستغلال الصارخ الذي يتبعها، وإعادة توظيف سريالية لنوع الويسترن الذي يسعى للتشكيك في أيقونات النوع بأكمله.
5. The Last Movie (1971)
فيلم The Last Movie (1971) معروف على الأرجح كفشل للممثل والمخرج دينيس هوبر، الذي بعد النجاح الهائل لفيلم Easy Rider (1969) وشعوره بمسحة مسيحانية – مزيج من يسوع المسيح وجان لوك غودار – دمر نفسه بهذا العمل الطموح والكارثة المالية. لكن اليوم، يقف The Last Movie كمنظور ميتا-سينمائي راديكالي لنوع الويسترن، وفي نواحٍ كثيرة يبدو أنه ينذر بأفلام “قلب الظلام” مثل Apocalypse Now (1979) و Fitzcarraldo (1982)، بل ويتنبأ بالاهتمام الميتا-قصصي الذي ستثيره إنتاجات هذه الأفلام.
يتابع الفيلم هوبر في دور الممثل البديل كانساس، في فيلم ويسترن هوليوودي يتم تصويره في ريف بيرو، ويستكشف تداخلاً بين الويسترن داخل الويسترن – المليء بمشاهد إطلاق النار العنيفة على طريقة بيكنباه – ولقطات فوضوية من خلف الكواليس لإنتاجه، والتي تعد بحد ذاتها انعكاساً ذاتياً لإنتاج The Last Movie نفسه. يلعب الفيلم بواقع محفوف بالمخاطر منذ البداية، حيث لا يعرف الجمهور أبداً أي واقع هم فيه عند الانتقال إلى مشهد جديد، حيث أن العديد من مشاهد طاقم العمل وهم يرتدون أزياءهم لا يمكن تمييزها عن مشاهد الفيلم نفسه.
لكن المشكلة الحقيقية تبدأ عندما ينتهي الفيلم، ويغادر الإنتاج، باستثناء كانساس وعدد قليل من المتخلفين، ليكتشفوا أنهم خلقوا عن غير قصد طائفة بين مجموعة من السكان الأصليين الذين لا يفهمون الفيلم، ويبدأون في إعادة تمثيل عنف المشاهد التي شاهدوها بشكل حقيقي، أمام كاميرات ومعدات صوت وهمية، منادين بـ “أكشن” و”قطع” على جانبي عنف طقسي حقيقي. وسرعان ما يصبح كانساس، كأثر من الإنتاج الأصلي، شخصية تضحية للطائفة ويُحكم عليه بالإعدام، محتجزاً في سجن ديكور الفيلم المتبقي.
الفيلم ليس خالياً من العيوب. يبدو The Last Movie كمنتج لنوع الإنتاج المحموم الذي يصوره – يلعب بطريقة عشوائية دون إحساس جيد بالتماسك أو الهيكل، مع الكثير من الشخصيات التي يصعب تتبعها، والعديد من المشاهد والقصص الفرعية التي لا تؤدي إلى شيء، ولكن في هذا توجد طاقة غير مستقرة تتأرجح بين الجنون والعمق. على أقل تقدير، يعد The Last Movie نصباً تذكارياً رائعاً لحقبة معينة من هوليوود وجنون أمريكي فريد – مجموعة من الهيبيز يتعاطون المخدرات ويفقدون عقولهم وهم يلعبون دور رعاة البقر في بلد شخص آخر.
6. Let The Corpses Tan (2017)
إذا كان Deadlock قد أضفى طابعاً نفسياً على السباغيتي ويسترن، فإن Let The Corpses Tan (2017) التقطه وهو يقطر حمضاً وأضاف بعض النشوة إلى المزيج. تم تصويره بالأسلوب فائق التجريد والمتغير بشكل متقطع الذي يشتهر به الثنائي الفرنسي البلجيكي هيلين كاتيت وبرونو فورزاني، Let The Corpses Tan هو هجوم من الصور العنيفة والمنحرفة بوتيرة محمومة.
ظاهرياً، هو مواجهة سباغيتي ويسترن بين عصابة صغيرة من اللصوص (بقيادة ستيفان فيرارا) الذين سرقوا 250 كجم من الذهب من شاحنة مصفحة، وسكان العقار الساحلي الذي يختبئون فيه، لوس (إلينا لوفينسون) وحارسها الشخصي بروت (بيرني بونفواسين)، والقانون المتمثل في اثنين من راكبي دوريات الطرق السريعة (هيرفيه سوني ومارلين جيس)، الفيلم تجريبي أكثر منه سردي – يعتمد أكثر على إيقاع المونتاج وقوة الصور الفردية – الألوان النابضة بالحياة والتأطير المتطرف والزخم – وتسلسلات سريالية لا علاقة لها بالسرد ولكنها تستكشف أيقونات اللاوعي التي تعزف على تقاليد النوع.
تعمل الموسيقى التصويرية للفيلم كتحية لموسيقى أفلام إنيو موريكوني الشهيرة ومؤثرات صوتية واقعية للغاية حساسة جداً للملمس وتؤكد على الحركات الصامتة مثل تحريك الكاميرا مع أصوات شد الجلد.
7. Zachariah (1971)
Zachariah، “أول ويسترن كهربائي” هو نوع من أوبرا الروك الويسترن، حكاية عن أخوين ضالين تتخللها أرقام موسيقية من الروك النفسي حيث تتجول فرق الروك بشكل غير مفهوم في الغرب القديم.
يمزج الفيلم بين الثقافة المضادة والصور التوراتية في الرحلات الغريبة لزاكاري (جوش روبنشتاين) وماثيو (دون جونسون)، (مستوحى بشكل فضفاض من شخصيات رواية هيرمان هيسه عام 1930 “نارسيس وجولدموند” وعلى ما يبدو مستوحى من مبارزة تأمل بين جورج هاريسون وجون لينون شهدها كاتب السيناريو جو ماسوت)، وهما مسلحان شابان يبدآن بعد الانضمام إلى فرقة روك/عصابة قطاع طرق (Country Joe and the Fish) واكتساب بعض الشهرة كمسلحين، في دخول حلبة المبارزة التنافسية ويدركان أن سعيهما للمجد سينتهي حتماً بقتل أحدهما للآخر. يفترق الاثنان بعد ذلك، حيث يشكك زاكاري في طريق السلاح ويصبح ماثيو القبعة السوداء التي تتطلبها عظمته.
يعتمد الفيلم بشكل كبير على الرمزية، مع شخصيات مثل قايين (عازف الطبول إلفين جونز)، المسلح الأول في الغرب والرجل العجوز الحكيم في التلال (ويليام تشالي) الذي يصبح مرشد ماثيو، لكنه يفعل ذلك ضمن الإطار السائد المرح لفيلم مغامرات شبابي.
8. Greaser’s Palace (1972)
المخرج روبرت داوني الأب، المعروف بأفضل كوميدياته الساخرة مثل Putney Swope (1969)، يخلق مع Greaser’s Palace (1972) إعادة تصور للغرب المتوحش لقصة يسوع المسيح التي تلعب في مكان ما بين أمثال أليخاندرو جودوروفسكي السريالية وأفلام المحاكاة الساخرة مثل Blazing Saddles (1974) – على الرغم من أن المرء لا يعرف أبداً بالضبط أين.
يلعب آلان أربوس دور شخصية المسيح في الفيلم، جيسي، رجل هبط بالمظلة من السماء في وسط الغرب الأمريكي، مصاب بفقدان الذاكرة وغير متأكد من هدفه بخلاف الحاجة للوصول إلى القدس ليصبح “ممثلاً، مغنياً، راقصاً”. يرتدي بدلة “زوت” من الأربعينيات، ويمشي بمشية تشارلي شابلن، ويؤدي المعجزات، ويرقص البوجي ووجي. يجد جيسي نفسه في بلدة الطاغية الصغير سي ويد هيد غريسر (ألبرت هندرسون) الذي ينظم عرض مواهب غنائية وراقصة، كأداة لابنته كوليرا (لوانا أندرس) للغناء، ولقتل العديد من المؤديين الأقل شأناً.
يحاول جيسي رقصته على المسرح دون جدوى، ولكن عندما يذهب لخدعة الصراخ من الألم والنزيف من اليدين، يفوز بالجمهور تماماً. إنه أمر مهين. جيسي يريد فقط الرقص. لكنه يصبح على أي حال شخصية ذات تأثير حقيقي في المجتمع، ويؤدي معجزات تعطل هيمنة سي ويد هيد، مثل التراجع عن جرائم القتل التي ارتكبها.
ولكن مع تقدم الفيلم، تبدأ حبكته الرمزية للغاية في الاقتراب من عدم الفهم، وتشعر نكاته بأنها تخريب للفيلم أكثر من كونها جانباً طبيعياً منه. غريب ومتحفظ، ومبجل ومبتذل في آن واحد، لا يعرف المرء أبداً أي فيلم يشاهده مع Greaser’s Palace، والذي قد يكون في النهاية هو النكتة بحد ذاتها.
9. A Girl is A Gun (1971)
فيلم ويسترن كرتوني ومشهد مطاردة كوميدي طويل تم تصويره كتأمل فني، فيلم A Girl is a Gun للمخرج لوك موليه عام 1971 هو قصة بسيطة جداً عن بيلي ذا كيد (جان بيير ليو) يسرق عربة ويهرب مع آن (راشيل كيستيربر)، فتاة يجدها في الصحراء مدفونة في الرمال. عندما توشك على شرح كيف وصلت إلى هناك، يوقفها بيلي، ويخبرها أنه لا أحد يهتم بماضيها، أو بماضيه – خطاب للجمهور، وتخلص من العرض والمنطق. أحياناً تخرج فتاة من الرمال. فليكن.
ما يتبع هو سلسلة من النكات البصرية حيث يهرب الاثنان من صائدي الجوائز والسكان الأصليين ويتغلبان على بيئتهما، مشهد مستحيل دائم التغير عند ارتفاع شاهق جداً لحلول الليل – لا تحاول فهم الأمر. يبدو الأمر كما لو أن جاك تاتي صور ويسترن حمضياً، ذلك التركيز الواسع جداً على الشخصية في الفضاء، ونسخة بدون ميزانية من فيزيائية تاتي المبتكرة. في قلب الفيلم توجد العلاقة المتغيرة باستمرار بين بيلي وآن، من أعداء إلى عشاق والعودة مرة أخرى، صراع كوميدي من خلال تكوينات مختلفة، في أكثر لحظاته مرحاً نرى بيلي يحاول قتل نفسه بأي طريقة ممكنة – وآن، باسم إبقاء بيلي على قيد الحياة ليعاني قدر الإمكان – تنقذه مراراً وتكراراً – وتنزله من المشنقة بمجرد أن يسلم نفسه للقانون.
10. El Topo (1970)
فيلم El Topo (1970) لأليخاندرو جودوروفسكي ليس فقط الفيلم الذي قيل إنه رائد الويسترن الحمضي، بل هو أيضاً الفيلم الذي يجسده ويحققه في مفهومه ذاته. فيلم عبادة أسطوري يُنسب إليه الفضل في إنشاء دائرة أفلام منتصف الليل – التي ستكون لاحقاً موطناً ومسؤولة عن نجاح كلاسيكيات العبادة مثل The Rocky Horror Picture Show و Pink Flamingos و Eraserhead – El Topo هو الرحلة الذهنية السينمائية المطلقة، جزء من الرمزية الحمضية والباطنية للتطور الروحي، وجزء من المهزلة الكرنفالية الصاخبة.
من تأليف وإخراج وبطولة جودوروفسكي نفسه في دور المسلح “إل توبو” (الخلد) – رجل ذو غرور خالص يعلن نفسه إلهاً ويسعى ليصبح المسلح الأول في الغرب ليس بالارتقاء بل بقتل من هم أفضل منه، يتتبع الفيلم رحلته من مرتزق جشع إلى مسلح باحث، يسعى ويهزم كلاً من الأساتذة بأي وسيلة ضرورية – كل أستاذ يمثل قوة وضعفاً فريداً يجد إل توبو في افتقاره للشرف طريقة مختلفة للغش والاستغلال – قبل أن يجد في نهاية رحلته الأنانية عقاباً شديداً وبداية رحلة جديدة نحو الخلاص كشخصية شهيدة لمستعمرة من المصابين بالجذام تحت الأرض.
تم تكوين الفيلم بأسلوب جودوروفسكي البصري الفريد، أكثر تصويرية من كونه سينمائياً تقليدياً (فكر في بوش أو بروغل)، مشاهد لوحية كبيرة تم تنظيمها بدقة مع عشرات الأجساد – غالباً مشوهة – تُستخدم مثل النحت البشري وصور رمزية حية، تستحضر أحياناً التارو أو التنجيم أو غيرها من التقاليد الهرمسية، وأحياناً مثل شعر خالص متجسد – بحر من الأرانب، رجل محاط بخلايا النحل، بلدة كاملة من الأجساد المعلقة – مقابل البياض والأزرق الصارخ للصحراء المكسيكية.
لا يقصد جودوروفسكي مجرد الترفيه بفيلم El Topo أو أي من أفلامه. بدلاً من ذلك، لديه قناعة صادقة بصنع أفلام من شأنها تحويل مشاهديها، وتوسيع العقول، وتغيير العالم، وقد ترك El Topo بالتأكيد بصمته على أفلام العبادة والسريالية، وعلى نوع الويسترن، وعدد لا يحصى من محبي الأفلام والفنانين من مختلف التخصصات.
