لقد شهدت السنوات الخمسة والعشرون الماضية بعضًا من أكثر العروض الاستثنائية من قبل النساء في السينما. في فترة تاريخية مرت فيها الصناعة بفضيحة هارفي واينستين تلتها حركة #مي تو، أصبحت الممثلات الآن يمتلكن منصة أكبر لرواية قصصهن من خلال وسيلة السينما.
ومع ذلك، لم يتم تقييدهن ببساطة بقصص الاضطهاد؛ هذه العروض العشرون تبرز عبقرية بعض الممثلات اللواتي نحن محظوظون بوجودهن في السينما.
20. ساندرا هولر – Anatomy of a Fall (2023)
فيلم Justine Triet الحائز على جائزة السعفة الذهبية هو جزء من دراما المحكمة، وجزء من لغز زواجي. بصفتها الروائية ساندرا، المتهمة بقتل زوجها، تقدم ساندرا هولر درسًا في الغموض.
تنتقل بسلاسة بين الضعف، والذكاء، والانفصال البارد، مما يترك هيئة المحلفين والجمهور غير متأكدين من ذنبها؛ وليس هذا هو الشيء الوحيد الذي يتدفق بسلاسة – قدرتها على التنقل بين ثلاث لغات مختلفة حسب الرغبة في مشاهد مختلفة مذهلة ببساطة. أداؤها هنا متعدد الطبقات لدرجة أن الحقيقة تصبح ثانوية، ويصبح من المستحيل تخمين كيف ستنتهي القصة، ومع ذلك يكمن السحر في مشاهدة شخصية تتنقل بين البقاء تحت تدقيق لا يرحم.
كان Anatomy of a Fall واحدًا من أفضل أفلام العام، ولم تكن هذه هي المرة الأولى التي تعرض فيها هولر أداءً رائعًا في أحد أفضل أفلام العام – فقد فعلت الشيء نفسه في فيلم Toni Erdmann (2016).
19. تيلدا سوينتون – The Eternal Daughter (2022)
تعتبر تيلدا سوينتون واحدة من أعظم جواهر السينما. بعد أن عملت بالفعل مع جوانا هوغ سابقًا في The Souvenir (2019) و The Souvenir Part II (2021)، تعاون الثنائي مرة أخرى في قطعة هوغ الشبحية.
في The Eternal Daughter، تلعب سوينتون دور المخرجة جولي هارت ووالدتها المسنّة روزاليند. تدور أحداث الفيلم في فندق ريفي مهجور، ليصبح تأملًا في الذاكرة والحزن، بالإضافة إلى تأمل في فكرة قصة الأشباح؛ وتفصل سوينتون بشكل رائع بين الدورين بدقة غير عادية – أحدهما متوتر وباحث، والآخر يتلاشى ويستسلم.
تؤكد الأداء المزدوج على موضوعات الفيلم حول الإرث والفقد، مما يجعل القصة الحميمة تتردد كحكاية قوطية، ويظهر سوينتون في ذروة قوتها، وهو مشهد يجب أن نكون جميعًا ممتنين لرؤيته.
18. رينات رينسف – The Worst Person in the World (2021)
تتبع قصة الحب الحزينة لجواكيم تريير في أوسلو جولي، وهي امرأة مضطربة في أواخر العشرينات من عمرها تحاول التنقل بين الحب، والمهنة، والهوية. تلتقط رينات رينسف تناقضات الحياة الحديثة: متهورة ولكن مدروسة، مدركة لذاتها ولكن غير متأكدة – بينما تتسابق ضد الزمن لتحقيق ما قد ترغب أو لا ترغب في القيام به في حياتها.
سواء كانت تجري عبر المدينة في تسلسل خيالي دوار أو تواجه heartbreak بهدوء مدمر، تجعل رينسف جولي حقيقية تمامًا – فوضوية، وفي بعض الأحيان مزعجة بشكل عميق في اتخاذ قراراتها، لكن هذه هي النقطة بأكملها. إنها تكافح لفهم حياتها، ونحن هناك معها بينما تحاول القيام بذلك في أكثر مراحل حياتها فوضوية وإرباكًا.
تبيع رينسف لنا وتبقيها هناك، تعاني من كل قرار تتخذه، مكسورة القلب عندما يبدو أنها تتخذ القرار الخاطئ. إنه عرض رائع.
17. فلورنس بيو – Midsommar (2019)
تبدأ كابوس الفولكلور لأري أستر بمأساة: تفقد داني أردور عائلتها في ظروف مروعة قبل أن تسافر مع صديقها إلى كومونة سويدية.
تحمل فلورنس بيو رعب الفيلم السريالي بأداء مذهل للغاية، حيث تنفجر حزنها وغضبها المكبوت في موجات من الرعب والتطهير.
Midsommar هو فيلم غير مريح للغاية للمشاهدة، خاصة لأنه فيلم رعب فعال تم تصويره تقريبًا بالكامل خلال النهار. كجمهور، نعلم أن هناك شيئًا خاطئًا تمامًا تمامًا كما تفعل بيو، لكن الطريقة التي تعبر بها عن مشاعرها داخليًا وخارجيًا هي ما يجعل كل شيء أكثر رعبًا.
تحولها النهائي – من شخص غريب محطم إلى ملكة مايو المتوجة – يبدو مرعبًا وحتميًا، بفضل تجسيد بيو الثابت للانهيار العاطفي. إنه أداء رائع.
16. أديل هينيل – Portrait of a Lady on Fire (2019)
تت unfold قصة الحب التاريخية لسيليين سياما على جزيرة فرنسية نائية في القرن الثامن عشر، حيث يتم استئجار الرسامة ماريان لالتقاط صورة هيلويس، العروس المترددة. يُنظر الآن على نطاق واسع – وبشكل صحيح – على أنه واحدة من أعظم قطع السينما التي قدمها القرن الحادي والعشرون حتى الآن.
جزء كبير من ذلك يعود إلى أديل هينيل. بصفتها هيلويس، تنقل هينيل كل من التحدي والضعف، حيث تبني نظراتها المسروقة وابتساماتها الدقيقة لغة غير منطوقة من الرغبة، مقدمة للجمهور بقدر من الإثارة مثلما تقدم من ألم القلب. هذه قصة حب، لكن هينيل (المدعومة بشكل رائع من نوايمي ميرلان) تجعلها أكثر بكثير من ذلك، حيث نعلق على كل نظرة، وكل كلمة – المنطوقة وغير المنطوقة.
تحول الأداء البطيء لها الفيلم إلى تأمل لا يُنسى في الحب والذاكرة ويستحق كل الثناء الذي تلقاه.
15. ناتالي بورتمان – Jackie (2016)
يستكشف فيلم بابلو لاراين Jackie الأيام التي تلت اغتيال JFK، مقدماً السيدة الأولى كأرملة حزينة وصاحبة إرث. لقد رأينا العديد من الأفلام حول اغتيال JFK من وجهات نظر مختلفة، لكن فيلم لاراين يقدم عرضًا جريئًا وغير مستكشف حول هذا الموضوع.
بصفتها جاكي كينيدي، تقدم ناتالي بورتمان أداءً يتمتع بتحكم ملحوظ، حيث تم دراسة صوتها وحركاتها بدقة، وجوهرها العاطفي خام ومكشوف. كانت جاكي كينيدي غالبًا امرأة تتصرف أمام الكاميرات والصحافة، مصورة ومحللة أينما ذهبت من قبل المصورين، وبطريقة ما تتمكن بورتمان من التقاط هذا التصوير لشخص يتصرف كشخص آخر بمهارة مذهلة.
إنها تقنية جلبتها بورتمان إلى الشاشة مرة أخرى مؤخرًا في May December (2023)، بطريقة مثيرة بنفس القدر. في Jackie، تجعل أيقونة تاريخية إنسانية مؤلمة، متوازنة بين الألم الخاص والهيبة العامة. النتيجة هي دراسة شخصية حميمة ورثاء وطني – ومن المحتمل أن يكون هذا هو أفضل عرض لبورتمان على الإطلاق.
14. إيزابيل هوبيرت – Elle (2016)
يفتتح فيلم بول فيرهوفن Elle بفعل عنف صادم، وتستجيب هوبيرت، بصفتها سيدة الأعمال ميشيل لبلان، ليس بالضحية ولكن بالتحكم الجليدي.
يعتبر Elle واحدًا من أكثر أفلام فيرهوفن إثارة للاهتمام وصعوبة (وهناك الكثير منها)، لكنه يصبح أكثر إثارة للإعجاب في الطريقة التي تتنقل بها هوبيرت بين مزيج من الإثارة النفسية والكوميديا السوداء بدقة لا تعرف الخوف، مما يحول ميشيل إلى واحدة من أكثر الشخصيات غموضًا في العقد.
إن رفضها أن تُعرف من خلال الصدمة يجبر الجمهور على مواجهة أسئلة غير مريحة حول السلطة والاستقلالية، وغالبًا ما يتم تجاهلها هذه الأيام ليس فقط كواحدة من أفضل أفلام فيرهوفن ولكن بلا شك كواحدة من أكثر العروض المذهلة في مسيرة هوبيرت اللامعة.
13. جوليان مور – Still Alice (2014)
لقد أبهرتنا جوليان مور على الشاشة لعقود من الزمن وأخيرًا حصلت على الاعتراف الذي تستحقه بفوزها بجائزة الأوسكار في عام 2015، حيث يتبع فيلم ريتشارد غلاتزر وواش ويستمورلاند أستاذة اللغويات أليس هاولاند وهي تتصارع مع مرض الزهايمر المبكر.
تقترب مور من الدور بتقييد مدمر، حيث ترسم تراجع أليس التدريجي من خلال تحولات دقيقة في الكلام والتعبير، وغالبًا ما تُترك كعضو في الجمهور مشلولة من الحزن والرعب بينما يتملك المرض – هكذا هي قدرة مور المرعبة على تقديمه.
لا يلجأ الأداء إلى العاطفية، بل يقدم صورة كريمة وعميقة الإنسانية لعقل يتلاشى. تحول مور المرض إلى مأساة حميمة وعالمية، ومن شبه المستحيل الخروج من Still Alice دون دموع.
12. روزاموند بايك – Gone Girl (2014)
تعتمد اقتباس ديفيد فينشر لرواية جيليان فلين على أداء روزاموند بايك الزلق والمخيف كأيمي دن. في البداية كانت الزوجة المفقودة في دائرة إعلامية، لكن أيمي سرعان ما تكشف عن نفسها كمهندسة لمخطط انتقام معقد، وتلعب بايك دورها كجزء جذاب، ومخيف، وعبقري، حيث يتم توقيت كل تحول في النغمة بشكل مثالي للتلاعب بكل من الشخصيات الأخرى والجمهور.
بالنسبة لأولئك الذين اهتموا ببايك منذ دورها البارز (مثل هالي بيري) في Die Another Day (2002)، كانت Gone Girl تأكيدًا على نجوميتها كنجمة من الصف الأول، مما أدى إلى ترشيحها الأول لجائزة الأوسكار واستحقاقها الثناء الواسع. إنه أداء يتمتع بحساب دقيق، براق كما هو مزعج – وفي بعض الأحيان مخيف حقًا.
11. كيت بلانشيت – Blue Jasmine (2013)
تستند دراما وودي آلن إلى A Streetcar Named Desire (1951)، مع بلانشيت كاجتماعية ساقطة تتشبث بالأوهام بعد أن تم الكشف عن احتيال زوجها الثري. بلانشيت هي واحدة من تلك الممثلات التي يبدو أنها لم تخطئ أبدًا – حتى في الأفلام السيئة بشكل خاص من حولها (Bandits [2001]، Borderlands [2024]) تتألق.
بصفتها ياسمين فرينش، تنتقل بلانشيت بسلاسة بين السحر الهش والانهيار المتصاعد، حيث تكشف خطابها المتكلف وعينيها المتلألئتين عن الذعر المتزايد. حصلت على جائزة أوسكار أفضل ممثلة، ومن المستحيل الجدال في هذا الاختيار؛ هذا الأداء هو في آن واحد عظيم ومدمر بشكل صغير، يجسد انهيار الامتياز بشدة مؤلمة. لا يمكنك تخيل أي ممثلة أخرى تقوم بذلك بنفس التأثير.
10. سكارليت جوهانسون – Under the Skin (2013)
تجعل تحفة الخيال العلمي لجوناثان غلازر جوهانسون كائنًا فضائيًا يجذب الرجال إلى موتهم في اسكتلندا المعاصرة، مدعومًا بموسيقى مذهلة من ميكا ليفي.
مع حوار محدود، تبني جوهانسون الأنثى من خلال إيماءات صغيرة: ميل رأسها، نظرة البحث، السكون الغريب – مقدمة لنا باستخدام استثنائي لمشهد بلونين، بينما نحاول فهم من أو ماذا هي.
مع تقدم الفيلم، تظهر لمحات من التعاطف، مما يعقد الواجهة المفترسة، بينما تجعل دقة جوهانسون الجسدية القصة المجردة مزعجة بشكل عميق، محولة الانفصال الفضائي إلى مرآة للهشاشة الإنسانية. إنها منفصلة تمامًا عن واقع وجهة النظر الإنسانية؛ باردة، حسابية، ولا تُنسى.
9. كيرستن دانست – Melancholia (2011)
تتكون حكاية لارس فون ترير الكابوسية – والتي تعد واحدة من أفضل أفلامه وأكثرها منطقية – من جزئين، وتسيطر كيرستن دانست على الجزء الأول كجاستين، عروس جديدة مشلولة بسبب الاكتئاب حتى مع تقدم زفافها.
تلتقط دانست كل من الوزن التآكلي للمرض العقلي والوضوح الغريب الذي يجلبه بينما تواجه الأرض الفناء، مع عدم تركيز فون ترير على الصدمة هذه المرة وكشف عمله الأكثر إنسانية حتى الآن.
بحلول الوقت الذي يصل فيه مصير الفيلم السماوي، تبدو جاستين هادئة تقريبًا، ويثبت أداء دانست المتلألئ والمطارد رؤية فون ترير للجمال في اليأس. ألهمت بعض مشاهدها الأغنية “Kirsten Supine” من مجموعة سوان التجريبية، وغريبًا ما يذكر الاستماع إلى تلك القطعة الفنية بعبقرية أدائها في Melancholia.
8. تانغ وي – Lust, Caution (2007)
تدور دراما التجسس المثيرة للجدل لأنغ لي في شنغهاي المحتلة من قبل اليابان، حيث يتم تكليف الشابة الممثلة التي تحولت إلى جاسوسة وونغ تشيا-تشي بإغواء متعاون قوي. تسبب الفيلم في فوضى من جميع الأنواع عند صدوره بسبب مشاهد الجنس الجرافيكية، ومع ذلك فإن هذه جزء من سبب نجاح الفيلم بشكل رائع، حيث إن تصوير تانغ المقنع تمامًا هو شهادة على الفيلم والدور الذي تلعبه.
تقدم أداءً يتمتع بدقة مذهلة، مجسدة كل من الإثارة والتكلفة النفسية للعيش حياة مزدوجة، وتصبح علاقتها مع توني ليونغ كالسيد يي تشابكًا بين السياسة، والشهوة، والخيانة.
تنقل تانغ تكلفة ذلك الخداع مع كل نظرة مترددة وأنفاس مرتعشة، وبعيدًا عن كونها قطعة عمل فظة وصريحة كما وصفها البعض، تظل Lust, Caution واحدة من أفضل أفلام 2007، وتانغ مثيرة للإعجاب بشكل رائع للمشاهدة.
7. بينيلوب كروز – Volver (2006)
تدور قصة فيلم بيدرو ألمودوفار Volver حول الأمهات، والبنات، وأشباح الماضي، حيث يمزج بين الميلودراما، والكوميديا، واللمسات القوطية. بصفتها رايموندا، تكون كروز مغناطيسية: أم من الطبقة العاملة مضطرة لإخفاء جريمة بينما تتصالح مع أسرار العائلة.
تظل كروز واحدة من أفضل الممثلات اللواتي زينت شاشاتنا (مؤخراً كانت رائعة كزوجة إنزو فيراري في فيلم مايكل مان Ferrari [2023])، وهنا تنتقل بسلاسة بين الفكاهة المبالغ فيها والعاطفة القاسية، مجسدة المرونة بالدفء والنار. ترفع كروز الفيلم إلى واحدة من أغنى استكشافات ألمودوفار للعائلة والذاكرة، وقد قدم الكثير من الأعمال التي تتعامل مع تلك الموضوعات.
هذا هو أحد أفضل أعماله، وكروز هي محور ذلك.
6. لورا ديرن – Inland Empire (2006)
يعتبر فيلم ديفيد لينش الأكثر تحديًا يمزج بين الواقع، والأداء، والكابوس، وفي قلبه توجد لورا ديرن بصفتها الممثلة نيكي غرايس، التي تضيع في دورها كسوزان بلو.
تتنقل ديرن، التي ليست غريبة عن العمل مع لينش في هذه المرحلة، بين الهويات المتغيرة والصور السريالية بشجاعة مذهلة، مما يمنح الفيلم خطه العاطفي خلال مدته التي تبلغ ثلاث ساعات. يتأرجح أداؤها من الرعب الخام إلى الضعف المؤلم، مما يثبت تجريدات لينش في هشاشة إنسانية. اعتقد لينش أن أدائها جيد جدًا، لدرجة أنه قام بحملة لترشيحها للأوسكار من خلال الجلوس في هوليوود بوليفارد ليوم كامل مع بقرة حية، ولافتة مكتوب عليها: “بدون جبن، لن يكون هناك Inland Empire.”
وبدون لورا ديرن، سيتفكك عالم الفيلم المتاهوي.
5. تشارليز ثيرون – Monster (2003)
تبدو تشارليز ثيرون شبه غير قابلة للتعرف عليها في السيرة الذاتية التي لا تتزعزع لباتي جنكينز، والتي تتتبع حياة وجرائم القاتلة المتسلسلة آيلين وورنوس. إن التحول الجسدي والعاطفي الراديكالي لثيرون مذهل، حيث تصور وورنوس كجرحى، ويائسة، وقادرة على كل من الرقة والعنف المرعب. لقد فازت بجائزة الأوسكار عن عرضها، وأصبحت علاقتها مع كريستينا ريتشي كسلبي محور الفيلم المأساوي، حيث تجعل التزام ثيرون بكل إيماءة وصوت يجعل وورنوس مرعبة وإنسانية بشكل مؤلم.
تظل Monster أفضل أفلام جنكينز، وهذه ربما لا تزال أفضل ساعة لثيرون (جنبًا إلى جنب مع ريتشي) ولكن على الرغم من أن ثيرون تشعر أنها غالبًا ما تكون على شاشاتنا، إلا أنها ربما لا تحصل على الائتمان الكامل الذي تستحقه. في Monster، إنها مذهلة.
4. سامانثا مورتون – Morvern Callar (2002)
تبدأ اقتباس لين رامزي المثير للقلق من رواية آلان وارنر مع اكتشاف مورفرن أن صديقها قد انتحر، تاركًا فقط مخطوطته غير المنشورة. بصفتها مورفرن، تقدم سامانثا مورتون أداءً داخليًا ساحرًا (وفي بعض الأحيان مخيفًا)، حيث تنقل الحزن، والارتباك، وإعادة الاختراع دون الاعتماد على الشرح.
تظل مورتون واحدة من أكثر الممثلات المقللة من قيمتها في السينما اليوم؛ فقد سقطت العديد من العروض الداعمة الرائعة من خلال الشقوق، وأبرزها أداؤها الرائع كديبورا كورتيس في فيلم أنطون كوربين إيان كورتيس السيرة الذاتية Control (2007).
في Morvern Callar، تتحدث صمتها بصوت عالٍ، وعندما تهاجر من اسكتلندا إلى إسبانيا، يسكن الجمهور انقطاعها. تحول مورتون مورفرن إلى واحدة من أكثر المتجولين غموضًا في السينما – ومع ذلك لا تزال غير مقدرة من قبل الجماهير.
3. هالي بيري – Monster’s Ball (2001)
تستكشف دراما مارك فورستر الحزن، والعنصرية، والاتصال غير المتوقع في الجنوب الأمريكي. تقدم هالي بيري، بصفتها ليتيسيا موسغروف، أرملة تكافح بعد إعدام زوجها، أداءً خامًا وجريئًا – وهو ما جعلها تصبح أول امرأة أمريكية من أصل أفريقي تفوز بجائزة الأوسكار لأفضل ممثلة.
تتألق مشاهدها مقابل بيلي بوب ثورنتون بالغضب والأمل الهش – بما في ذلك مشهد جنسي جميل ولكنه تقريبًا وحشي – مما يرسخ موضوعات الفيلم الصعبة في إنسانية حقيقية. تحول عمل بيري الفائز بالأوسكار قصة الفقد إلى واحدة من المرونة المؤلمة، وظهرت في العام التالي كواحدة من “فتيات بوند” الجدد في Die Another Day. كثيرون سيقولون إن أقل ما يقال عن دورها في Catwoman (2004) هو الأفضل، لكن أداء بيري في Monster’s Ball حول مسيرتها للأسباب الصحيحة ويظل واحدًا من أهم اللحظات التاريخية في تاريخ هوليوود.
2. نعومي واتس – Mulholland Drive (2001)
سيكون من الصعب الجدال مع هذا. غالبًا ما يُعتبر واحدًا من أفضل الأفلام منذ بداية الألفية، يحمل فيلم ديفيد لينش الملتوي (بالطبع، يمكن أن يعني ذلك أي من أفلامه) في طياته أداءً يصنع النجوم من واتس كشخصين مختلفين.
تم انتشالها من الغموض النسبي من قبل لينش بينما كانت على وشك التخلي عن مسيرتها في التمثيل، وتكون واتس مذهلة – تضيف لمسة من الغرابة إلى Mulholland Drive بأداء يصل إلى جميع زوايا طيف التمثيل. إنها مرتبكة تمامًا كما نحن في الكثير من الفيلم، لكنك تصدق تمامًا أنها جزء من شيء حقيقي تمامًا، وغالبًا ما يكون مخيفًا.
لقد حققت واتس مسيرة مهنية رائعة (باستثناء ربما Diana في 2013)، لكن بالنسبة للكثيرين، لم تتفوق على هذا التصوير الرائع لشخص يحاول الذهاب إلى هوليوود لتحقيق النجاح – ويحدث كل شيء بشكل جنوني. أم هل يحدث؟
1. ماغي تشيونغ – In the Mood for Love (2000)
تتبع قصة الحب المؤلمة لوونغ كار واي جارين في هونغ كونغ في الستينيات، حيث يكتشف جاران ببطء أن أزواجهما على علاقة. بصفتها سو لي-تشنغ، تجسد ماغي تشيونغ ضبط النفس والشوق، حيث تخفي كرامتها الهادئة تيارًا من الحزن؛ ونُترك مشلولين بالحزن في نهاية هذه القطعة الرائعة من العمل، مدعومة بأداءين مركزيين استثنائيين من تشيونغ وتوني ليونغ تشيو-واي.
كل حركة محسوبة ونظرة عابرة تحول العادي – الاجتماعات في الممر، والوجبات المشتركة – إلى لحظات من الحميمية المدمرة. تعطي وجودها الفيلم إيقاعه المنوم، مما يجعل الرغبة غير المحققة تبدو ضخمة، خاصة في اللحظات الهادئة المتكررة في الأفلام. تظل In the Mood for Love واحدة من أفضل أفلام القرن الحادي والعشرين – وربما على الإطلاق – وأداء تشيونغ هو سبب كبير لذلك.
