في العقد 2010، ارتقى الرعب بنفسه.
إذا كان الرعب في العقد 2000 قد تم تعريفه بالقلق من التعذيب وعالم متزايد العولمة، فإن الرعب في العقد 2010 احتضن تمامًا دور النوع كاستعارة اجتماعية. لقد جاء الرعب المرموق والمرتفع – بعضه اجتماعي سياسي، وبعضه ببساطة فخم ومصنوع ببراعة – ليعرف نوعًا يمكنه أن يتفاخر بمصداقية دور السينما المستقلة وعائدات شباك التذاكر القوية.
يرجع الكثير من ذلك إلى عدد قليل من الاستوديوهات: بلومهاوس، أتموسفير، A24، ونيون. قدمت الاستوديوهات الأولى نجاحات في شباك التذاكر التي ولدت وأعادت إحياء الامتيازات بينما ذكرت الاستوديوهات كيف يمكن لفيلم منخفض الميزانية أن يحقق عوائد كبيرة. في حين أن A24 ونيون، ركزتا على الجماليات وقدمتا مظلة أجواء تحتها ستظهر بعض من أكثر المواهب الجديدة إثارة.
كان هناك أيضًا استعارة كل ذلك. بينما أصبح الرعب بديلاً عن القضايا الاجتماعية، استخدم العديد من صانعي الأفلام ذلك كنقطة انطلاق لاستكشاف موضوعات الحزن، والذنب، والصدمات. بالنسبة للبعض، كانت الأشباح تجسيدًا لذلك. بالنسبة للآخرين، كانت هذه الموضوعات حصان طروادة لإطلاق الرعب الحقيقي. لكن نجاح فيلم واحد يولد مليون مقلد، وبنهاية العقد، أصبح الرعب “المرتفع” تحذيرًا بقدر ما هو نقطة بيع.
ومع ذلك، بينما يصر عشاق الرعب التقليديون على أن النوع قد أصبح راكدًا، كانت الأفلام في هذه القائمة وحشية، وصادمة، وغريبة بشكل رائع، متجذرة ومشغولة بقرن من الحرفية والجهد. كان هذا العقد هو الذي عرف فيه الرعب الخطاب، واستعاد انتباه الجوائز، وأكد نفسه كأكثر الأنواع إثارة في السينما.
30. Us (2019)
Us، الفيلم الثاني لجوردان بيل، يجسد الكثير مما جعل الرعب عظيمًا في العقد 2010. كثيف رمزي ومتوتر بشكل يكاد يكون جنونيًا، يقدم رعبًا حيويًا حقيقيًا ولكنه محمل بوزن مجازي.
يبدأ Us مع أدلايد الشابة في مهرجان ترفيهي، ليعود بعد ذلك إلى أدلايد الأكبر سناً، المتزوجة الآن ولديها ابنة وابن، التي تعود إلى سانتا كروز في عطلة. يثبت عدم ارتياحها أنه مستحق عندما تظهر عائلة من الدوبلجانجر، صامتة باستثناء بديلها المدعو ريد، على ممرهم. تفسيرهم الوحيد هو ما يهمس به ريد: “نحن أمريكيون”.
مع ذلك، يقدم بيل فانتازيا ملتوية تحوي انتقادات للاحتكار الأمريكي، والامتياز، والجهل مع تكريم لرمزية الرعب والسينما التي تمتد من كوبريك إلى هانيكه. تم إخراج Us بإحكام كما كتب فيلمه الأول، Get Out، وقد تم انتقاده بسبب بعض الشرح الثقيل، لكن تصويره لتجربة عائلة واحدة خلال حدث فوضوي جماعي التقط شيئًا بدائيًا عن المناخ الاجتماعي. قلة من الأفلام في العقد كانت مرعبة مثل Us عندما تتصاعد الفوضى.
29. Oculus (2013)
شهد العقد 2010 ظهور مجموعة من صانعي الأفلام الجدد الذين يركزون على الرعب، وكان أحد الأكثر إنتاجية هو مايك فلاناغان. ارتقى فلاناغان إلى الشهرة من خلال كتابة وإخراج تعديلات بارزة على أعمال ستيفن كينغ وHaunting of Hill House على نتفليكس، لكن Oculus، فيلمه الثاني، وضع العديد من الموضوعات والتقنيات التي سيطبقها لاحقًا بفعالية كبيرة على مشاريع ذات ميزانية أكبر.
Oculus هي قصة تُروى من خلال قصص متفرعة مرتبطة بالجنون المشترك ومرآة عتيقة. تيم وكايلي هما شقيقان تطاردهما ماضٍ مضطرب. تم الإفراج عن تيم للتو من مستشفى نفسي بعد أن قتل والديه عندما كان طفلاً. كايلي مقتنعة بأن المرآة المعنونة جعلت عائلتها مجنونة. على مدار ليلة واحدة، نشهد محاولاتهما للتصالح مع حقائقهما المختلفة جدًا والتعامل مع وفاة والديهما المروعة وغير المتوقعة.
في أيدٍ أخرى، قد تكون الفرضية سخيفة، لكن فلاناغان بارع بشكل خاص في تصوير الرعب الذي تسببه الهوس والذهان في البيئات المنزلية. Oculus أكثر رعبًا بسبب كيفية إظهارها لعائلة ممزقة بواسطة قوى بالكاد يمكنهم فهمها.
28. mother! (2017)
mother! أثار ردود فعل قوية، معظمها سلبية، لكن حكاية الرعب السريالية لديرين أرونوفسكي تستحق إعادة تقييم. ليست أكثر أفلام أرونوفسكي شهرة ولا أكثر أفلامه رعبًا في العقد – سيكون ذلك فيلم Black Swan الفائز بالأوسكار – لكنها من بين أعماله الأكثر حيوية وربما الأكثر متعة.
قد تكون mother! الأقرب إلى أن استوديو هوليوود قد صنع فيلمًا من نوع New French Extremity. إنها رحلة غريبة ومجنونة عبر التاريخ البشري وأساطيره السخيفة. ما يفتقر إليه السيناريو من تماسك، ونعومة، ورشاقة، تعوضه الإخراج الذي يصور التاريخ البشري كمهزلة غريبة تسكنها بعض من أكثر الممثلين سحرًا في هوليوود.
من الناحية الأنثروبولوجية، كانت أول عرض عام لفيلم mother! في مهرجان فينيسيا السينمائي تجربة في جنون السينما. صرخ أعضاء الجمهور “توقف!” بينما كانت جينيفر لورانس تتعرض للضرب. أثار مشهد واحد أنفاسًا مسموعة. تم علاج ما لا يقل عن مشاهد واحد من قبل المسعفين بسبب ما بدا أنه نوبة هلع. أكد طاقم العمل والممثلون أكثر أو أقل نظرية المنزل كأم الأرض، لكن mother! أكثر دلالة في تصويرها للإنسانية.
27. Climax (2018)
قضى غاسبار نوé العقد 2000 كواحد من أكثر المحرضين جرأة في السينما، حيث قدم أعمالًا تتحدى وتثير الاشمئزاز بنفس القدر. من المفاجئ بعض الشيء، إذن، أن يكون أول رعب صريح لنوé هو عمله الأكثر تقليدية.
تدور أحداث Climax في عام 1996 وتستند إلى أسطورة حضرية، يبدأ الفيلم بمقابلات مع فرقة رقص ثم ينتقل إلى تسلسل رقص مصمم بشكل موسع. في حفلة ما بعد العرض، يقوم شخص ما بتسميم السانغريا. مع تطور الدراما، والتوتر، والضغينة، والشك، يبدأ الراقصون في الانقضاض على بعضهم البعض وتحدث الفوضى.
قد يكون Climax تقليديًا بمعايير نوé، لكن هذا يعني حوارًا مرتجلًا إلى حد كبير مع ممثلين غير محترفين، ومرئيات غريبة، ولقطات طويلة، وعناوين افتتاحية تحدث في منتصف الفيلم. لطالما كان نوé في مهمة لجعل العادي سينمائيًا والسينمائي حقيقيًا، وClimax يقدم للجمهور مقعدًا في الصف الأمامي للجنون الذي يحدث عندما يفقد الناس السيطرة.
26. Upgrade (2018)
شهد العقد 2010، وخاصة عام 2018، وفرة من أفلام الرعب ذات الكلمة الواحدة التي تتجاوز أنواعًا أخرى ولكنها كانت مرعبة بشكل واضح في التنفيذ والدلالة. بالتأكيد، يت flirt Upgrade مع أنواع الحركة والإثارة، لكنه أيضًا تمرين يتطلع إلى الأمام في الرعب الذي قاد انتعاشًا في رعب الجسم ورعب الخوارزميات الذي سيعرف العقد التالي.
في قصة الانتقام السيبرانية للي ويانيل، يُصاب شخص تكنوفوبي يُدعى غراي بالشلل بعد هجوم يتركه أرملًا. كما تسير الأمور، يمنح ملياردير يمتلك تقنية تُدعى STEM فرصة أخرى للحركة، والتي يستخدمها لأخذ انتقام دموي. تجعل الإعداد النوار والتركيز على التكنولوجيا من المشاهد القتالية قوية، لكن الرعب الحقيقي يكمن في الطريقة التي يجب على غراي أن يتنقل بها بين استقلاله وSTEM. إنها تصوير دقيق لأحد الموضوعات الشاملة للعقد: فقدان السيطرة والضرورة التي يبدو أننا نستقبلها.
25. Suspiria (2018)
عندما تم الإعلان عن أن لوكا غوادانينو كان يعيد صنع الكلاسيكية التي وضعها داريو أرجينتو في مدرسة الباليه، كان عشاق الرعب مصدومين بحق. لكن بينما ليست إعادة غوادانينو مثالية، إلا أنها عمل متقن يقف بمفرده.
هناك بعض الأخطاء. Suspiria الخاصة بلوكا طويلة بعض الشيء وبعض تأملاتها حول ذنب الأجيال في ألمانيا تبدو غير خدمية ومفروضة. لكن هذه شكاوى ثانوية في وجه فيلم تم تجميعه بشكل لا تشوبه شائبة. إنه انتصار للحرفية، والرعب، والخوف. بينما كانت Suspiria الأصلية حلم حمى حي ينفجر في النهاية، فإن هذه الإعادة هي تأمل حزين في الذنب، والأمومة، والسلطة.
بعيدًا عن الموضوعات، فإن Suspiria لعام 2018 هي معجزة مطلقة من الحرفية على كل مستوى. موسيقى توماس يورك جميلة بشكل مخيف. الرقص والمكياج من بين الأفضل في العقد. طاقم الممثلين النسائي بالكامل – وخاصة تيلدا سوينتون – بارع، ويزداد الرعب إلى ذروة متفجرة لا تتراجع. وفاءً لكلمات غوادانينو، إنها أكثر تكريمًا من كونها إعادة صنع.
24. I Saw the Devil (2010)
عندما يتعلق الأمر بالرعب، كانت صناعة السينما الكورية تعمل بكامل طاقتها في العقد 2010، وهذا الفيلم المثير/الرعب هو من بين أفضل ما تقدمه. أحيانًا يكون من الصعب تحديد الخط الفاصل بين الرعب والإثارة. على سبيل المثال، Oldboy مزعج لكنه ليس رعبًا حقًا. ومع ذلك، فإن I Saw the Devil، بينما هو بالتأكيد في نوع الإثارة، يتدفق بشكل واضح إلى الرعب. هناك دم، ومجانين، وموضوعات مزعجة، لكن ما يجعلها مرعبة هو التفسير الأخلاقي المنحرف الذي يأتي ليعرفها.
I Saw the Devil تلعب كحلقة مضخمة من Tales from the Crypt مختلطة مع The Dark Knight. قوتان تبدوان غير قابلتين للتحريك – القاتل المتسلسل المجنون كيونغ-تشول وعميل الاستخبارات الوطنية سو-هيون – تقعان في لعبة قط وفأر عندما يقع خطيب سو-هيون ضحية لكيوغ-تشول. نتبع كلا الرجلين إلى عالم تحت الأرض مليء بالبشر الوحشيين والأخلاق الغامضة. ومع ذلك، ما يجعل I Saw the Devil مرعبة هو الفكاهة السوداء التي تملأ الفيلم بينما تستهلك الانتقام كلا الرجلين.
23. The Invitation (2015)
يظهر الحزن والصدمات مرة أخرى في موضوعات كاري كوساما في The Invitation. تميل حفلات العشاء إلى أن تكون أماكن رائعة للرعب، وThe Invitation تستفيد من ذلك بينما تضيف عدم الراحة المتمثل في حضور حفلة يقيمها شريكك السابق وحبيبهم الجديد.
ويل (لوغان مارشال-غرين من Upgrade) لا يزال ينعى وفاة طفله مع إيدن عندما يوافق على حضور حفلة تستضيفها هي وزوجها الجديد. الأبواب مغلقة، والضيوف الغامضون يصلون، وتثير زلة حديث رد فعل غريب، وفي النهاية يبدأ الحديث في التركيز كثيرًا على موضوع طرد الألم. يشعر ويل أن هناك شيئًا غير صحيح، لكن قد يكون ذلك مجرد في رأسه.
سواء كان ويل مجنونًا أم لا يوفر الكثير من التوتر في قلب The Invitation، لكن هذا فيلم لديه العديد من المفاجآت في جعبته. إنه صورة غير متوقعة أقل اهتمامًا باستكشاف موضوعات الحزن من استخدامهم كأداة سردية لتقويض توقعات الجمهور. إذا كان ذلك يبدو كنوع من النقد، فهو ليس كذلك. تم إصدار The Invitation في عام 2015، في وقت كانت فيه الولايات المتحدة، حيث تقع القصة، عند مفترق طرق، وعلى الرغم من أن The Invitation ليس لديه ما يقوله عن تلك السياسة، فإن اكتشافاته تتحدث كثيرًا عن الطبيعة البشرية.
22. Bone Tomahawk (2015)
يجمع فيلم الرعب الغربي Bone Tomahawk بسلاسة بين نوعين لا يتشاركان الشاشة كثيرًا. بعد افتتاحية تشبه الرعب، يتراجع فيلم S. Craig Zahler الأول إلى أراضي الغرب. نلتقي بمجموعة ملونة من الشخصيات يقودها شريف كورت راسل. كانت هناك أعمال عنف على الأطراف، وتدعو مزاعم مجنون خارجي إلى تشكيل مجموعة.
خلال معظم مدة الفيلم، يكون Bone Tomahawk راضيًا عن كونه غربيًا قديمًا. إنه مريح، وغريب، وغالبًا ما يكون مضحكًا، لكن العنف الذي يصوره خام، ووحشي، وصادم. نعتقد أننا في البلاد القديمة، لكن زاهلر يفهم أن قوة المادة ليست في التوازن بين نوعين ولكن في تحقيق كلاهما بالكامل.
كما أنه محظوظ بوجود طاقم قوي والقدرة على إضفاء الطابع العصري على التروبيات المألوفة التي تعزز الاتجاه الوشيك بينما تؤسس القصة. شخصية ريتشارد جينكينز الغبية هي متعة خاصة، جزئيًا لأنها تتناقض بشدة مع العنف الوحشي، والصور الدموية التي تتداخل في الفيلم مثل راكب على الأفق.
21. Apostle (2018)
جزء مما جعل الرعب عظيمًا في العقد 2010 هو أن الطلب العالي على المحتوى أدى إلى تخصيص الأموال لأفكار قد لا تتجاوز الخوارزمية لاحقًا وإلى أنواع كانت خاملة.
دعمت نتفليكس فيلم غاريث إيفانز الرعب الشعبي، وعلى الرغم من أن إيفانز أثبت أنه ملكية ساخنة من قبل (The Raid) وبعد (Havoc)، هناك الكثير مما يقدمه Apostle. جزء من انتعاش الرعب الشعبي (انظر أيضًا The Ritual وMidsommar)، إنه قطعة تاريخية عنيفة تقع على جزيرة نائية. إنها تنضح بالأجواء والوحشية، وتتميز ببطل غير محبوب وإحساس قوي بالمكان.
تأمل في الإيمان يشمل التضحيات الدموية وثورة الملاكمين قبل أن يدمج الإيمان المسيحي مع الوثنية، ينفجر Apostle دوريًا إلى العنف بينما يضرب الرجال اليائسون الذين يقاتلون من أجل السيطرة على الجزيرة بعضهم البعض، ويضربون، ويحرقون، ويضربون بعضهم البعض بينما يتمسكون بالإيمان والسلطة. إنه رعب قوطي، تم تحقيقه بالكامل، مكتمل مع طاحونة.
20. Annihilation (2018)
قد تكون Annihilation لأليكس غارلاند واحدة من أفضل الأمثلة على مدى اتساع الرعب في العقد 2010. إنها قطعة من الرعب الكوني التي تضفي على النوع إحساسًا بالدهشة. Annihilation، المستندة إلى رواية جيف فانديرمير، تحدث في الغالب في The Shimmer، وهي منطقة محجوزة حيث تندمج الطفرات مع النباتات والحيوانات والجو.
قليل من المخرجين يجسدون أسلوب A24 “المرتفع” وألوانه بشكل أفضل من غارلاند، الذي ساعد فيلمه الأول Ex Machina في تأسيس الاستوديو كوجهة للرعب. على هذا النحو، فإن Annihilation مليئة بموضوعات الاكتئاب، والذنب، وخاصة التدمير الذاتي، وهناك جوانب قد تكون غامضة بما يكفي لإحباط. لكن عندما تتألق Annihilation، تكون جميلة بشكل مطلق. وعندما تهدف إلى الرعب، تكون مرعبة بشكل مطلق.
عادةً ما تقدم أعمال غارلاند فرضية مثيرة قبل أن تقفز إلى منطقة الإثارة/الرعب، لكن Annihilation تقريبًا تسير في الاتجاه المعاكس. هناك لحظات من الجمال المطلق في التوهج الفلوري والمادة المشوهة في The Shimmer. والرعب وحشي ومطارد، وخاصة هومرتون، الدب المضاد لبادينغتون الذي هو وجه وصوت أوقاتنا الحديثة التي نستحقها.
19. Under the Skin (2014)
اعتمادًا على من تسأل، يُعتبر Under the Skin لجوناثان غلازر إما أفضل رعب في العقد أو ليس فيلم رعب على الإطلاق. هنا، نقسم الفرق. هناك بالتأكيد رعب في Under the Skin، لكن الفريق وراءه في منطقة مرموقة ومرتفع. سيطبق غلازر هذا النهج المتمثل في تقليل وتقطير المادة إلى الحسي والليمبي في فيلمه التالي، The Zone of Interest، وليس من الصعب رؤية الحمض النووي المشترك للبحث الاستفساري والتعاطفي هنا.
استنادًا ظاهريًا إلى رواية لمايكل فابر، يقوم غلازر ورفاقه بتقليص قصة فابر إلى عظامها العارية لاستكشاف ما يعنيه أن تكون إنسانًا. تلعب سكارليت جوهانسون دور مسافرة غامضة تجذب انتباه رجال مختلفين وتقودهم إلى مستنقع. تتخلل النغمات النسوية – سواء كانت مقصودة أم لا – بينما يتأمل العالم الذكوري في إطار جوهانسون الغامض.
Under the Skin هو أكثر قطعة مزاجية من كونه رعبًا صريحًا، لكن المزاج رائع. تم تصويره بشكل جميل مع لوحة متباينة وحيوية. الصوت واضح، ومقتصد، ومشدود. موسيقى ميكا ليفي، على وجه الخصوص، هي شخصية بحد ذاتها وموسيقى فيلم لعصر. أداء جوهانسون جذاب بشكل غامض بينما يكاد آدم بييرسون يسرق العرض. Under the Skin هو ما يحدث عندما يتم تقليل الرعب إلى المزاج والجوهر.
18. Under the Shadow (2016)
تدور أحداث الفيلم الأول لباباك أنفاري خلال حرب العراق وإيران في الثمانينيات، والعزلة الاجتماعية ملموسة. تعيش شيده في طهران مع ابنتها دورسا. تعني ماضيها في الاحتجاج أن أحلامها في مهنة طبية قد انتهت، وقد تم استدعاء زوجها إيراج إلى الجبهة. على الرغم من توسلاته، ترفض المغادرة.
تزداد “الزيارات” إلى الملجأ من القنابل تكرارًا، ثم تضرب صاروخ فعلي المبنى. من هناك، لا تستطيع شيده إلا أن تشعر أن هناك شيئًا ما في المبنى وقد يكون له أذن ابنتها. وفاءً لعقده، يحمل Under the Shadow أكثر من مجرد رعب، لكن أنفاري ينسج ببراعة التروبيات الشائعة مع موضوعات أكبر من العزلة واليأس، ويجعل إعداد الحرب الخوف أكثر وضوحًا. مع تصاعد التوتر، هناك عنصر إضافي إلى الافتراس في قلب Under the Shadow. ليس فقط أن الفوضى تربي الخوف، بل هي الطريقة التي يستخدم بها الخوف الفوضى لأكل الأكثر ضعفًا.
17. The Purge: Anarchy (2014)
من خلال فرضيتها وحدها، تستحق سلسلة The Purge مكانًا في هذه القائمة، ويذهب هذا المكان إلى الجزء الثاني، Anarchy. بينما كانت The Purge لعام 2013 عرضًا مفاجئًا متعدد الطبقات حول اقتحام المنازل الذي شعرت أنه محصور قليلاً بالنظر إلى فرضيتها، وقد وسعت Election Year العالم ربما بشكل نظيف للغاية، فإن Anarchy تقع في تلك النقطة الحلوة من اليأس على مستوى الأرض.
كما يوحي الاسم، تأخذنا Anarchy مباشرة إلى ليلة تطهير واحدة قبل غروب الشمس بينما تجد مجموعة متباينة من الغرباء أنفسهم عالقين في جنون وشيك. بينما تتجمع الشخصيات – زوجان شابان، شرطي خارج الخدمة في مهمة غامضة، زوجتان محبان لكن متشاجرتان – بشكل متوقع، فإن هذا التكملة تحقق ما وعدت به. الشوارع تصبح مجنونة. القتل هو فرصة. تتجول القوات شبه العسكرية في الشوارع بحثًا عن العنف الذي يشعرون أنهم يستحقونه. يُجبر المتخلفون على الدخول في ألعاب سادية. ربما بشكل متفائل للغاية، تقطع مقاومة المتعة بينما يثري استعارة غير دقيقة بشكل ما للفاشية كل هذا.
كفرقة، استمرت The Purge مع الجزء الثالث المذكور أعلاه، وسلسلة تلفزيونية من موسمين، وسبقة، وتكملة، ومن المحتمل المزيد في المستقبل. بينما تعتبر الثلاثة الأولى بالتأكيد إدخالات جديرة، فإن The Purge: Anarchy هي السلسلة التي تجد نفسها في إيقاعها.
16. In Fabric (2018)
بيتر ستريكلاند هو واحد من أغرب وأكثر صانعي الأفلام غموضًا الذين يعملون اليوم، وعلى الرغم من أن فيلمه Berberian Sound Studio حصل على اهتمام بسبب تصميم صوته وتكريمه لجينالو، فإن هذه القطعة القديمة هي التي جعلت القائمة.
إذا كان In Fabric يبدو سخيفًا، فذلك لأنه نوعًا ما كذلك. فستان أحمر مسكون يعذب أولئك الذين يصادفونه. لكن بدلاً من أن يكون رعبًا كوميديًا رخيصًا، يصنع ستريكلاند شيئًا تم ملاحظته بدقة، وغريبًا تمامًا، ومطاردًا. قطعة تاريخية تسخر من الاستهلاكية والكتابة الفخمة حول الأشياء اليومية، In Fabric تنضح بالمزاج، وخلف تهديدها الأحمر، تقدم تجربة مزعجة تأخذنا إلى حالة غريبة تشبه حاضرنا.
يتحول كل شيء إلى فوضى، وهناك طاقم مميز يشمل ماريان جان-باتيست، وجوليان بارات، وغويندولين كريستي من Game of Thrones، لكن في عرض للسوائل الجسدية اللزجة، والدمى الباكية، والملمس الحريري، ينتمي الفيلم إلى فاطمة محمد، التي تتحدث لغة التسوق الفخمة والاستهلاكية التي تلتهم الروح.
15. You’re Next (2011)
قبل أن يصبح آدم وينغارد همس كايجو في هوليوود، بدا أن وينغارد وطاقم من المقالب المجاورة لمجموعة مومبلكور مصممون على إحياء أجواء الرعب في الثمانينيات. اعتبر You’re Next محاولتهم في نوع القاتل المتسلسل، وهي واحدة بارعة.
فيلم مستقل منخفض الميزانية عن عائلة مفككة تتعرض إعادة لم شملها المتوترة لهجوم من مجموعة من المعتدين المقنعين، يقدم You’re Next متعًا من النوع بكثرة من خلال التركيز على الأجزاء القبيحة من الإنسانية. ترافق إيرين، التي نشأت بشكل ملائم في مجمع للبقاء، صديقها إلى منزل عائلته النائي لقضاء عطلة، لكن المحادثة المحرجة والتوتر العائلي هي من بين القضايا الأقل أهمية عندما يبدأ شخص ما أو شيء ما في مطاردة العائلة.
ومع ذلك، يميز You’re Next نفسه في المزاج والتنفيذ. هناك قسوة وحشية بينما تحاول هذه العائلة التكاتف ضد خصم اختارهم عشوائيًا، على ما يبدو، لممارسة تمرين قاسي. هناك حزن في المعاناة بينما يتحول حدث متوتر ولكنه محب إلى مأساة. لكن بين هذه اللحظات المؤلمة، يقدم وينغارد وفريقه رؤية دموية بلا قيود للإنسانية في أسوأ حالاتها، تتخللها موسيقى تصويرية رائعة وإحساس أساسي بالمرح.
14. Train to Busan (2016)
واحدة من أكثر الأنواع الفرعية إثارة للاهتمام في القرن الجديد (حتى الآن) كانت أفلام الموقع الواحد، وعلى الرغم من أن Train to Busan لا تبقى دائمًا على القطار المعنون، فإن موقعها – قطار KTX من سيول إلى بوسان – يمنح الأحداث شعورًا بالاختناق والعجلة التي تميز هذا العمل الزومبي.
في عقد من عدم الاستقرار، يتم تشغيل Train to Busan – مثل عدد قليل من الأفلام الأخرى في هذه القائمة – من خلال قدرته على تصور اللحظة التي يتعلم فيها الناس عن أزمة جارية في الوقت الحقيقي. بعض الأنماط الشخصية ليست غريبة على الإطلاق – الأب الغائب المتشائم، الابنة المنفصلة، العامل ذو الياقات الزرقاء، الأخوات النشيطات، فريق كرة السلة في المدرسة الثانوية – لكن المخرج يون سانغ-هو يملأ الفيلم بطاقة دافعة تجعل حتى اللحظات الروتينية تبدو مثيرة. يذكرنا Train to Busan بأن حتى أكثر الأنواع التي تبدو مستهلكة، في هذه الحالة الزومبي، يمكن أن تشعر بالانتعاش والمرح مع الشخصيات والإعداد المناسبين. بينما حقق نجاح يون منذ ذلك الحين سلسلة، لم يتم تجاوز Train to Busan بعد.
13. Midsommar (2019)
تجنب آري أستر بمهارة الانزلاق الثاني بعد Hereditary مع هذا الإدخال في الرعب الشعبي الذي يبدو أنه يلتقط حيث ترك The Wicker Man. ركزت الكثير من الدعاية حول Midsommar على لوحته غير المتوقعة. بينما يكون الرعب عادةً مجال الليل، والظلال، والظلام، يحدث Midsommar بالكامل في ضوء النهار تحت شمس الصيف السويدية.
ومع ذلك، يبدأ في الظلام. في المشهد الافتتاحي، تفقد داني عائلتها في جريمة قتل انتحارية مأساوية. إنه مشهد يمكن أن يكون فيلمًا في حد ذاته، مصورًا في ظلام غامض. في أعقاب ذلك، من الواضح للجميع باستثناء داني أن صديقها، كريستيان، قد سئم منها، لكنها تنضم إليه ورفاقه من طلاب الأنثروبولوجيا في رحلة إلى مهرجان منتصف الصيف في ريف السويد. هناك مواد هلوسة، واختفاءات، وتحذيرات مشؤومة، وطقوس وحشية بينما يوزع أستر طاقمًا واسعًا بذكاء مفاجئ.
Midsommar مليء بالأفكار، والموضوعات، والمشاهد، والمزاج، تقريبًا إلى حد الإفراط. لكن أستر يقدم يدًا بارعة ورؤية محققة مدعومة بطاقم قوي وأداء يستحق الجوائز من فلورنس بيو كداني.
12. Ready or Not (2019)
فهم الفريق وراء Ready or Not، المعروف مجتمعة باسم Radio Silence، شيئًا نسيه الكثير من المخرجين في هذا العقد – وهو أن الرعب، والأفلام بشكل عام، من المفترض أن تكون ممتعة. وهكذا، فإن Ready or Not هو انفجار من البداية حتى تنتهي النسخة المرحة من “Love Me Tender” مع ظهور الاعتمادات النهائية.
تلعب سمارة ويفينغ دور عروس جديدة جريئة تم إدخالها إلى عائلة زوجها. إنهم أغنياء، مالكو شركة ألعاب لوحية ناجحة، وكما يليق بمكانتهم، يتم إدخال العروس من خلال لعب نسخة مكثفة، ناضجة من لعبة الاختباء. مع ذلك، تشارك عائلة ملونة، قريبة من تشيخوف (مليئة بالبوتوكس والكوكايين) في مطاردة صاخبة تعني الخطر للجميع المعنيين.
في العقد 2010، بدت الأفلام، والتلفزيون، والقصص بشكل عام وكأنها تحتضن تعدد الأكوان، معترفة بأن الجماهير قد سئمت من إعادة التدوير الباهت. في عصر احتضنت فيه الاستوديوهات تعدد الأكوان والمزج، قام Ready or Not بدمج “فاوست”، و”اللعبة الأكثر خطورة”، والمزيد لإنهاء العقد بنغمة عالية.
11. Haunt (2019)
Haunt هو تمرين في الملذات البسيطة. هناك شيء ما وظيفي وأساسي في قلب Haunt يجعل من السهل تجاهله كشيء أساسي. إنه عيد الهالوين، ومجموعة من الأصدقاء تضع جانبًا مصاعبها لزيارة منزل مسكون غامر، لتجد أنه أكثر من مجرد عرض. لكن مثل الجذب في قلبه، هناك سحر بسيط ومجرد. في عقد من الرعب الرفيع، Haunt هو شهادة على قوة البساطة وعلى الوفاء بفرضية المرء.
يتفوق Haunt في التقاط شعور الرعب المتزايد عند إدراك أن لحظة من المرح قد تحولت إلى رعب. في جوهره، هذه قصة عن مجموعة من الأشخاص الذين يتم التلاعب بهم من خلال مخاطر عملية ومعادين مخيفين. عند صدوره الأول، قد يكون Haunt قد تردد كإدخال قادر وبسيط في نوع مزدحم، لكن السادية والمعتدين المقنعين أصبحت أكثر رعبًا مع مرور كل عام. كان سكوت بيك وبراين وودز قد خرجوا للتو من كتابة الضربة الضخمة A Quiet Place عندما تم إصدار هذا، وعملهم اللاحق مثل Heretic سيستكشف مواضيع أكثر عمقًا، لكن مع Haunt صنعوا شيئًا هو في نفس الوقت رعب فخور وذو صلة مدهشة.
10. The Voices (2014)
تعود إلى عام 2014، وهو عام رائع للسينما، The Voices هو تمرين غير مقدر ومهمل في تجربة النوع. إنه رعب يُلعب ككوميديا، يتخلله لحظات من الحزن الشديد واليأس، وكلما كان أكثر رعبًا بسبب الواجهة التي يضعها.
تتميز The Voices بريان رينولدز خلال فترة انخفاض مسيرته، بين فشل Green Lantern ونجاح Deadpool الساحق، عندما دخل إلى منطقة الأفلام المستقلة بعد سنوات من العمل الرومانسي الكوميدي المربح ولكن المشتق. لم يكن هو الوحيد الذي يقوم بخطوة. ابتعدت المخرجة مرجان ساترابي عن تعديلات الروايات المصورة لتخرج قصة عامل مصنع تتحدث محادثاته مع حيواناته الأليفة، الكلب بوسكو والقط مستر ويكرز، إلى سلوك مقلق. قد يكون هذا أفضل شيء فعله أي من النجمين أو المخرجة على الإطلاق.
مثير للجدل وغريب، لا تلعب The Voices في البداية كالرعب الصريح. هناك عناصر من الكوميديا، والدراما، وحتى الرومانسية، لكن ما يدفعها في النهاية هو الظلام الذي يختبئ تحته. هذا فيلم رعب من منظور وحش. مُصنف ككوميديا سوداء، قد يكون أقل من ذلك أو رعب. في جوهره، إنه مأساة وحش.
9. Raw (2016)
Raw، فيلم جوليا دوكورنو الأول، لديه إعداد يقترب من كونه مصطنعًا. تبدأ جستين، النباتية مدى الحياة، في حضور نفس مدرسة الطب البيطري التي تدرس فيها شقيقتها والتي التقى فيها والديها. تتحدى طقوس التنمر التي تستمر أسبوعًا قيمها وتفتحها على رغبات جديدة بينما تنضج.
حتى الآن، يبدو كل شيء محددًا للغاية. ومع ذلك، فإن Raw ليست مجرد جهد وظيفي حيث يقف الدم والتروبيات مكان رعب النضوج. إنها ذكية بشكل مدهش، وممتعة، ودموية، ومشوهة بينما تتلذذ بالصور المألوفة لتروي قصة مفاجئة، ونعم، خامة.
لا تهتم دوكورنو كثيرًا بالتفكير في الذات، لذا بينما قد يبدو مصير جستين مألوفًا في البداية، فإنه يتصاعد إلى جوع فاسد وتخلي يشجع الجمهور على فرض تفسيراتهم الخاصة. هناك رمزية و استعارة وفيرة يمكن العثور عليها، لكن في قلب Raw تكمن الدلالة المخيفة التي تفيد بأنه، على الرغم من أنفسنا وقيمنا المعلنة، نحن تحت رحمة أسوأ وأول غرائزنا.
8. The Wailing (2016)
The Wailing، الذي كتبه وأخرجه نا هونغ-جين، هو واحد من أعظم أفلام الرعب الشعبي في هذا العقد أو أي عقد آخر، لكنه أيضًا شيء نادرًا ما تكون عليه أفلام الرعب: ملحمة حقيقية.
عندما ينفجر فيروس قاتل في قرية صغيرة في جبال كوريا الجنوبية – فيروس قاتل ومجنون – يكون شرطي غبي، مُعذب، غير مؤهل للتعامل مع العواقب، حتى عندما تأخذ ابنته. هل ترتبط الأحداث بالأجنبي الغامض الذي استقر في بلدتهم، أم أن تلك الشكوك هي مجرد نتاج الاستياء بعد الحرب وكراهية الأجانب؟
The Wailing هو فيلم مشؤوم، متعدد الطبقات، وغالبًا ما يكون مأساويًا يأخذ العديد من التروبيات في النوع ويغمرها بطاقة تجعلها تشعر بالجدة مرة أخرى. مع اتساع ونطاق ملحمة، يقدم رعب نا الشعبي أكثر من مجرد طول وموت. إنه تأمل – مشبع بتهديدات لافتة، يقدم ألوانًا حية في لحظة وظلامًا مطاردًا في اللحظة التالية – وانفجار من الإبداع الذي يهتم أقل بالتلاعب بمعتقدات النوع وأكثر بتقديم قصة تشعر بأنها فريدة بشكل واضح.
7. The Babadook (2014)
واحدة من الموضوعات المفضلة في الرعب المرتفع هي الحزن، وقليل من الأفلام استكشفت هذا الموضوع بشكل شامل مثل The Babadook. يبدأ فيلم جينيفر كينت مبكرًا. تترك حادثة سيارة أميليا (إسي ديفيس) أمًا عزباء. مع تزايد سلوك ابنها سام، يحيط اليأس بعالم أميليا. أولاً تأتي خدمات الأطفال ثم The Babadook.
بحلول الآن، حقق الشرير المعنون مكانة أيقونية، لكن قبل أن يصبح وجهه جزءًا من العروض، كان The Babadook يشعر بأنه شرير حقًا. صورة طفولية مبتسمة تظهر من العدم، تندمج في الخلفيات، وتغزو عالم أميليا الممزق بالحزن، يركز The Babadook على الخوف من فقدان السيطرة. بينما يقترب عالم أميليا منها، نحصل على مقعد في الصف الأول لأحد الرعبات المحددة للعصر: ماذا يحدث عندما نكون عاجزين عن منع أنفسنا من الاستسلام لأسوأ ما فينا؟
بينما أثبتت النهاية أنها مثيرة للجدل، لسبب وجيه، من خلال التوجه نحو أسلوب منتصف الثمانينيات من الترفيه، فإن التوتر الذي يدعم النصف الأوسط – وطبيعة ما هو على المحك – أكثر من كافٍ لتعويض أي عيوب. مثل أفضل ما في نوعه، يعرف The Babadook أن الرعب يعمل فقط كاستعارة إذا كان مخيفًا، وكينت أكثر من سعيدة للحفاظ على الأمور مظلمة.
6. Cabin in the Woods (2011)
Cabin in the Woods، الذي كتبه درو غودارد وجوش ويدون وأخرجه غودارد، هو ممتع للغاية لأنه يعرف بالضبط ما هو عليه. يقود الشحنة لعقد من الكوميديا الرعب الرائعة – وخاصة What We Do in the Shadows وFinal Girls – Cabin in the Woods هو الأقوى في تحقيق التوازن بين الرعب والكوميديا، حيث يقدم مخاوف حقيقية دون الانحراف بشدة إلى منطقة الكوميديا.
الفرضية مألوفة جدًا. مجموعة من الطلاب الجامعيين تسافر إلى كوخ نائي لقضاء عطلة نهاية أسبوع من الحفلات. السكان المحليون عدائيون، والمناظر الطبيعية مشؤومة، ومن الواضح أنهم تحت المراقبة. جاء Cabin in the Woods بعد عقد من عروض الرعب التي أصبحت فيها الحبكة والديناميات متكررة جدًا ومعلنة لدرجة أن الجماهير عادةً ما كانت ترى المشاهد قادمة من على بعد ميل. الصلصة السرية هنا هي أن Cabin… لا تومئ فقط للجمهور وتتابع؛ بدلاً من ذلك، يبني غودارد وويودون عالمًا من مجموعة من الأنواع الفرعية.
ما ينتج غالبًا ما يكون مضحكًا وغالبًا ما يكون مخيفًا: فيلم رعب للأشخاص الذين يحبون الرعب والأشخاص الذين يدينونه بأنه رخيص. كما أنه وضع الأساس لعقد من السرد الذي نظر إلى تعدد الأكوان. في Cabin in the Woods، كل الرعب حقيقي، لكن عالمنا ليس كما نتوقع.
5. The Witch (2015)
عند المشاهدة الأولى، قد يكون The Witch (أو، كما يضعه نوع ملصقه، The VVitch) أسهل في الاحترام مما هو عليه للاستمتاع به بشكل صريح. أولئك الذين يخرجون من ضجة سندانس ويتوقعون مهرجان دموي، غاضب، مليء بالدماء، تم علاجهم بدلاً من ذلك بتراجع بطيء، مدروس، دقيق في الخطيئة لا يقدم أي اختصارات للجمهور. حتى الحوار مناسب للفترة إلى درجة أن بعض الأجزاء قد تستفيد من الترجمة.
إنها إنجلترا في التسعينيات، وعائلة من المستوطنين الإنجليز تُطرد من مستوطنتهم الدينية. تعيش في عزلة في الغابة، تؤثر العناصر على العائلة حيث يؤدي مأساة إلى أخرى، مما يجعل العائلة أكثر عرضة للقوى التي تتربص بها. يقدم الحزن نفسه مبكرًا، وتتكشف حكاية إيغرز بالكامل وبشكل حرفي. تبدأ الكابوس فجأة ودون الإشارات الدرامية المعتادة بحيث – مثل أفضل الرعب في هذا العقد – يبدو كما لو أنه يضع الجمهور في حالة من التنويم المغناطيسي، مراقبين سلبيين للرعب الذي يحيط بهذه العائلة غير المتوقعة.
عند الكتابة، أصدر إيغرز أربعة أفلام، كل منها دقيق للغاية ودقيق تاريخيًا، بحيث يعرف الجمهور ما يمكن توقعه. لكن في ذلك الوقت، كان The VVitch شيئًا مختلفًا تمامًا. تكافح شخصياته مع الحزن، لكنها ليست بورن الصدمة. لا تحاول أن تشعر بالأصالة لأن كل شيء من الحوار إلى الملابس هو أكثر أو أقل من ذلك. كما قد يقول بلاك فيليب، “إنه يعيش بشكل لذيذ”.
4. It Follows (2014)
مظلم، كئيب، ومطارد، أرعب It Follows وأبعد في نفس الوقت. يلعب ديفيد روبرت ميتشل ككابوس واضح عالق في الزمن. مستندًا إلى السياسة الجنسية لأفلام القتلة المتسلسلين في الثمانينيات – وبشكل خاص الطريقة التي تم بها معاقبة الانفتاح الجنسي والتحرر – يشوه ميتشل توقعات الجمهور ليصنع قاتلًا متسلسلًا يبدو ويشعر بالجدة، ويرجع ذلك إلى أنه تعامل مع نوعه الذي غالبًا ما يتم انتقاده بعناية، وابتكار، ورعاية.
بعد افتتاحية باردة تناسب قاتل متسلسل، نقدم البطل جاي هايت، طالب جامعي تتحول موعده إلى شيء غريب. بعد لقاء في المقعد الخلفي، نحصل على التفسير الوحيد لما سيأتي. هناك شيء خبيث يتبع جاي الآن، والعواقب وخيمة إذا لم تبقَ متقدمة عليه.
It Follows هو رعب مرموق في أفضل حالاته – مشؤوم، مهيب، مخيف، دموي، وفريد بشكل رائع. كانت النهاية، على الأقل في البداية، مثيرة للجدل، حتى أن كوينتين تارانتينو أشار إليها “لخرق قواعدها الخاصة”. لكن هذا يتجاهل النقطة. في It Follows، لا نعرف القواعد، فقط الشائعات.
3. Kill List (2011)
استنادًا إلى عقود من الرعب الشعبي البريطاني، أطلق بن ويهتلي Kill List من مدفع الرعب ليعلن عن عصر جديد. يبدأ بشكل تقليدي بما فيه الكفاية. جندي بريطاني سابق يكافح لدعم عائلته يتولى عملًا إضافيًا كقاتل مأجور، لكن كل عقد يجلب معه تداعيات جديدة وإحساس غريب بأن الأمور تزداد غرابة.
بينما قد تكون الإعداد مألوفًا، يصور ويهتلي الأحداث باستخدام كاميرا رقمية محمولة، باستخدام لقطات شبه مرتجلة. النتيجة هي تجربة غامرة تكون في البداية مربكة وحتى محيرة. مع استقرار الحبكة، نرى عالمًا يميل إلى أن يكون مائلًا عن الصور القياسية للقتلة المأجورين التي كانت شائعة منذ فترة طويلة في سينما الجرايندهاوس. يجلب نيل ماسكل، الذي يلعب الشخصية المركزية جاي، جودة إنسانية للجندي المحاصر الذي يجد أن حتى أهدافه تقدم احترامًا غريبًا، يبدو أنه غير مستحق. بينما يرفع شريكه في الجريمة، مايكل سمايلي، عامل الابتسامة إلى تأثير هائل.
قال ويهتلي إن Kill List كان مدفوعًا إلى حد كبير بالصور، وعلى الرغم من أن هذه التقنية عادةً ما تؤدي إلى قطع مزاجية غير مكتملة تطلب من الجمهور القيام بالعمل الشاق، هنا تكون النتيجة مزعجة ولكن ساحرة. بحلول الوقت الذي تصل فيه ذروة مشتعلة، يتم إلقاء التعويذة. نقاط إضافية لتقديم قناع مرعب ليضاف إلى مدفع الرعب.
2. Hereditary (2018)
يفتتح فيلم Hereditary لأري أستر في منزل مصغر قبل أن يتوسع إلى موقعه في يوتا والرعب الذي يحيط به. بعد عرضه الأول في مهرجان سندانس في يناير، بنى Hereditary ضجة كبيرة لدرجة أنه تم الإشادة به بشدة قبل أن يحصل حتى على عرضه الواسع. قد يعتمد شعورك تجاهه على ما سمعته قبل الدخول، لكن الوقت (حتى الآن) كان لطيفًا.
يعتبر Hereditary كلاسيكية رعب حديثة تجسد علامة A24، لكن الضجة كانت لها سبب. ينتمي أستر إلى فئة من صانعي الأفلام الذين يفضلون الرعب (من بينهم جوردان بيل، روبرت إيغرز، جينيفر كينت، وجوليا دوكورنو) الذين قدموا مثل هذه الإصدارات المتميزة في العقد 2010 لدرجة أن البعض يجادل بأنهم لم يتمكنوا من تجاوزها بعد. في حالة أستر، هذا هو شهادة على Hereditary – حرفيته، وتوقيته، وتوتره، ورعبه.
يبدأ Hereditary، مثل العديد من الأفلام في عصره، كدراسة للحزن. تكافح الفنانة المصغرة آني مع وفاة والدتها المنفصلة، والأسباب وراء ترددها تحدد نغمة للمواجهة التي تغلف عائلتها بالكامل تدريجيًا. كأني، تقدم توني كوليت أداءً بارعًا – يُعتبر الآن واحدًا من أكثر الإغفالات الفادحة في الأوسكار في القرن (حتى الآن) – لكن الممثلين المشاركين أليكس وولف وغابرييل بيرن يكاد يكونان جيدين بنفس القدر إذا كانا في أدوار أقل بروزًا. كل إطار من Hereditary مشبع بمعنى مشوه، وجزء كبير من نجاحه هو كيف يبني التوتر حول الجمهور حتى يصبح الحزن، والتوتر، والرعب ليس فقط خاصية الشخصية. إنه كابوس مؤكد بشكل مدهش جاء من العدم ليأخذ رأسك.
1. Get Out (2017)
كان فيلم جوردان بيل الأول قوة ثقافية: لقد حقق نجاحًا كبيرًا في شباك التذاكر، وعرف الخطاب، وألهم العديد من المقالات الساخنة، وأكد الرعب كنوع مفضل للسرد الاجتماعي الواعي، ووصل إلى جوائز الأوسكار. بسبب ذلك، والرد العكسي بعد الاستيقاظ، من السهل أن ننسى أن Get Out هو أكثر بكثير من المحادثات حوله. إنه أفضل فيلم رعب في العقد.
بعد أن خرج من عرض الرسوم المتحركة Key & Peele، كان Get Out تذكيرًا بأن الكوميديا والرعب، بدلاً من المأساة، هما وجهان لعملة واحدة. قصة المصور الهواة كريس وزيارة عائلته لصديقة في منزلهم الريفي المثالي، يستكشف Get Out موضوعات العرق، والاستغلال، والتحالف البصري، والآخر دون أن يتحدث إلى جمهوره. على عكس العديد من معاصريه والبحر من المقلدين الذين تبعوا، يفتخر Get Out بأنه عرض رعب بلا اعتذار. إنه واثق، ومؤكد، ومحقق بالكامل. مثل عدد قليل من الأفلام الأخرى في هذه القائمة، إنه انتصار لمخرج لأول مرة مليء بالأفكار ومصقول بشكل خبير.
بينما يخضع النوع لإعادة تقييم بعد ربع قرن، قد يكون من السهل تجاهل الاستقبال الأول لـ Get Out كمنتج من الزمن ووجهة نظر رد الفعل العكسي للرعب “المرتفع”. لكن حتى بدون قيمته الثقافية، ما يبقى هو درس في التوتر المليء بالسخرية المبنية على سيناريو محكم يعمل كساعة. ليس من المستغرب أنه بالإضافة إلى فوزه بجائزة الأوسكار لأفضل سيناريو أصلي، صوتت WGA أيضًا له كأفضل سيناريو في القرن (حتى الآن) في عام 2021.
بينما تستمر موضوعاته في اكتساب صدى إضافي، اتضح أن Get Out كان أيضًا متقدمًا بشكل مدهش على وقته. الصورة الآن الأيقونية للمكان الغارق تجسد واحدة من المخاوف التي ستعرف العقد التالي – أن أفكارنا، وأجسادنا، واختياراتنا لم تعد ملكنا وأن أماكننا في هذا العالم تُستولى عليها بينما نحن محاصرون في بيئات ثابتة، ومحاكاة.
