يبدو من السهل تذكر بعض الحركات السينمائية التي نادت بتعزيز المذهب الطبيعي عبر تناول موضوعات الحياة اليومية، ووضع الأشخاص العاديين في مركز الحبكة السردية، وتقليل استخدام الموسيقى والسمات الأسلوبية لمحاكاة “الحياة الواقعية” قدر الإمكان. ويمكننا كذلك تمييز حركات دورية مثل دراما حوض المطبخ البريطانية، وحركة دوغما 95 الدنماركية، وسينما القلق الأخلاقي البولندية، إلى جانب بعض الأنواع السينمائية الفرعية المرتبطة ارتباطاً وثيقاً بالمذهب الطبيعي، مثل الواقعية المفرطة، والواقعية الجديدة، والتبسيطية.
وبغض النظر عن التسميات، حضرت السينما الطبيعية في التصوير السينمائي الوطني في جميع أنحاء العالم، وانبثقت دائماً من الحاجة ذاتها؛ ألا وهي رسالة السينما الجوهرية في أن تكون ضمير المجتمع وتُصوّر أهم القضايا الاجتماعية وأكثرها إلحاحاً. وبفضل صرامتها، وخلوها من التكلف الأسلوبي، واعتمادها على التصوير السينمائي الواقعي، سعت دائماً إلى تسليط الضوء الأكبر على الرسالة التي تود إيصالها. وأسفر هذا النهج المُميَّز عن إبداع العديد من الأفلام الوجودية المؤثرة بعمق، وإن كانت عصية على الهضم أحياناً. دعونا نستعرض أفضل هذه الأعمال.
10. Fish Tank (2009)
منذ بدايات مسيرتها الإخراجية، تعاملت أندريا أرنولد مع السينما كوسيط يجب أن تُطرح عبره النقاشات حول القضايا الاجتماعية الأكثر إلحاحاً. وتناولت أفلامها غالباً مشكلات الطبقة العاملة، ووضعت النساء دائماً تقريباً في مركز الحبكة السردية. ودفعها هذا التوجه لتصبح ضمير السينما البريطانية الحديثة، وأسهم في تسليط الضوء على قضايا اجتماعية مثل جنوح الأحداث، وحمل المراهقات، والحلقة المفرغة للعنف الأسري. وبعد فيلمها القصير الفائز بالأوسكار والمنتمي للواقعية المفرطة “Wasp”، وفيلمها الروائي الأول “Red Road”، اللذين صوّرا قضايا اجتماعية تخص الأفراد المهمشين، أصدرت فيلمها المشهود له عالمياً “Fish Tank”، الذي يرسم صورة قاسية وصادمة لمراهقة تكافح لتعيش حياة مستقلة.
تدور أحداث “Fish Tank” في أحد أحياء لندن الفقيرة، ويروي قصة ميا، وهي فتاة متمردة تبلغ من العمر 15 عاماً، تعيش مع شقيقتها وأمها العزباء التي تتشاجر معها باستمرار، رغم أنهما تتشاركان السمات الشخصية ذاتها تقريباً. تعيش ميا في عزلة، وتحتقر الآخرين وتستفز بسهولة، مما يوقعها في مشكلات عديدة ويفسد علاقتها بصديقاتها المزعومات. ومع انزعاجها من ظهور حبيب أمها الجديد، يتنامى لدى ميا دافع هائل للاستقلال وإثبات شخصيتها الناضجة.
ورغم إضفاء طابع قاسٍ جداً على شخصية ميا، لا تُصدر أرنولد أحكاماً على البطلة، التي تُظهر أيضاً سمات إيجابية كالشجاعة والتوق إلى الحرية. بل تبدو المخرجة أكثر رفضاً للهياكل الاجتماعية والأعراف المتعالية التي ترسخ دوائر التهميش المفرغة. وبوساطة عدسة سينمائية شديدة الطبيعية، تبعث إلينا برسالة مفادها أن تمرد المراهقين ليس سوى انتقام طفولي من البالغين الذين يقمعون ظهور شخصياتهم ويقفون عقبة في طريق سعيهم ليكونوا ذوي شأن.
9. Our Little Sister (2015)
لمن لا يعرفون أفلام هيروكازو كوري إيدا القديمة، تجدر الإشارة إلى أنه صقل أسلوبه الإخراجي قبل وقت طويل من إصدار فيلمه الرائد والأكثر شهرة “Shoplifters”، الذي قد يبدو امتداداً لأعماله السابقة. استلهم كوري إيدا رؤيته من رواد الواقعية السينمائية المطلقين ياسوجيرو أوزو وكين لوتش، وأبدع مجموعة من الأفلام الطبيعية الرائعة التي، وإن لم تحظَ بشهرة عالمية تضاهي “Shoplifters”، تشكل بانوراما مذهلة من الدراما العائلية الحميمية والرقيقة التي مهدت طريقه نحو النجاح العالمي.
وإلى جانب فيلمي “Like Father, Like Son” و”After the Storm”، اللذين يقدمان جرعة كبيرة من الفكاهة الذكية فضلاً عن كونهما قصتين عاطفيتين وحميميتين، يبرز أيضاً فيلم “Our Little Sister”، الذي ربما يكون الأقل شهرة بين أفلام كوري إيدا الحديثة، وهو قصة هادئة ومؤثرة بعمق عن عائلة ممزقة تحاول لم شملها.
يروي الفيلم قصة ثلاث شقيقات شابات في العشرينيات من العمر، تنضم إليهن أختهن غير الشقيقة البالغة من العمر 14 عاماً بعد وفاة والدهن. وتخلق الظروف المأساوية بيئة جديدة يتعين على جميع الشقيقات التكيف معها من الصفر. كما يفتح هذا الوضع الجديد كلياً المجال لظهور صراعات طواها النسيان، ومع ذلك يحافظ كوري إيدا دائماً على مسافة آمنة من الجراح الأكثر إيلاماً. وبمرور الوقت، يفكك المخرج تدريجياً جميع صدمات الطفولة، لكنه يقترب من شخصياته بتعاطف ودفء مستمرين، كي لا يصبح العبء العاطفي للفيلم ثقيلاً على المشاهد.
8. Sieranevada (2016)
يُنسب مصطلح الموجة الجديدة عادةً إلى الحركات الحداثية التي ازدهرت في الغالب خلال عقدي 1960 و1970. ولا ينطبق هذا بالضرورة على السينما الرومانية التي، على عكس التصوير السينمائي الوطني في دول حلف وارسو الأخرى، لم تقدم الكثير خلال حقبة الانفجار الحداثي (مع بعض الاستثناءات الواضحة مثل فيلم “Forest of the Hanged”).
في الواقع، ما نطلق عليه الموجة الرومانية الجديدة هو حركة لا تزال مستمرة، ويُعتقد أنها بدأت في أوائل سنوات 2000، وقدمت للجمهور العريض حتى الآن أسماءً بارزة مثل الفائز بالسعفة الذهبية كريستيان مونجيو، والفائزين بالدب الذهبي: Adina Pintile (2018) و Calin Petar Netzer (2013). ورغم أن بعض ممثليها البارزين بدأوا مؤخراً في توسيع الجوهر الأسلوبي للحركة، مبدعين أفلاماً غير تقليدية مثل “Touch Me Not” و”Aferim!”، إلا أن الأجواء الواقعية والصارمة لا تزال تلعب الدور الرائد في السينما الرومانية الحديثة، ويُعد فيلم “Sieranevada” أفضل مثال على ذلك.
قد يقول البعض إن فيلماً يمتد لقرابة 3 ساعات وتدور أحداثه في شقة واحدة، لا يمكن أن ينقذه من الملل سوى لغز جريمة قتل. لكن هذا القول يجانب الصواب تماماً عندما يكون كريستي بويو هو الرجل الذي يقف خلف الكاميرا. يستغرق “Sieranevada” بالفعل نحو 3 ساعات، ولا تقدم الحبكة في الواقع أي شيء استثنائي، ومع ذلك يمكن مشاهدته دفعة واحدة. ونتيجة لذلك، يقدم لنا بويو دراما ذكية ومتقنة الأداء، يتأمل فيها صورة عائلة اجتمعت في مجلس عزاء أُقيم لذكرى العم إميل الذي توفي مؤخراً.
يزخر الفيلم بالحوار الذي يتناول غالباً قضايا سياسية ونميمة عائلية، وهو ما يمثل في جوهره استراتيجية لتمضية الوقت لأشخاص يبدون غير مرتاحين على الإطلاق لقضاء كل هذا الوقت معاً. وكما هو الحال في أي دراما عائلية جيدة، تدور الأجزاء المركزية من الحبكة في المطبخ، حيث تُكشف الكثير من الأسرار الشخصية القذرة علناً، مما يثير سلسلة من الشجارات والأحقاد، ويجعل أجواء الفيلم أكثر توتراً تدريجياً مع كل دقيقة تمر.
7. 35 Shots of Rum (2008)
أظهرت كلير دينيس دائماً براعة في الأسلوب الوثائقي، رغم أن أفلامها كانت في الغالب خيالية بحتة. ويمكن ملاحظة هذه الموهبة المميزة في الملاحظة، على سبيل المثال، في فيلمها الرائد “No Fear, No Die”، الذي يصور شابين ينظمان مصارعة ديوك سرية، وكذلك في فيلمها المؤثر “Beau Travail” الذي جسد الفيلق الأجنبي الفرنسي عبر علاقة شديدة التوتر والذكورية بين جنديين. وأسهم التزامها الاجتماعي والسياسي، واهتمامها الإنساني بقضايا الأقليات، ورؤيتها لدور السينما، في إبداع العديد من الأفلام المهمة التي تصور حياة أفراد الطبقة العاملة في فرنسا المعاصرة.
يروي فيلم “35 Shots of Rum” قصة علاقة حميمية ودافئة للغاية بين أب أعزب وابنته الشابة التي تعيش معه. يبدو أن البطلين يتفاهمان جيداً ويستمتعان بوضعهما الحالي، رغم عيشهما حياة متواضعة. ومع ذلك، وبمرور الوقت، يتنامى لدى الابنة تدريجياً الشغف بالمجهول، وتبدأ في بناء علاقة جديدة ستحدث تغييراً جذرياً في الحياة التي تتشاركها مع والدها. ونتيجة لذلك، سيضطر الأب لمواجهة معضلة حقيقية؛ فهل سيتغلب الخوف الوشيك من متلازمة العش الفارغ على حزنه المستمر على زوجته الراحلة؟
لا تبدو القصة التي تدور أحداثها في ضواحي باريس متعجلة في تقديم كل الإجابات دفعة واحدة. فقد كيّفت كلير دينيس ببراعة إيقاع الفيلم وصاغت سماته الأسلوبية لتصوير ديناميكيات التغيير بأسلوب واقعي وموضوعي. وبفضل ذلك، يستخلص “35 Shots of Rum” الدفء من نثرية الحياة اليومية، ويمنح المشاهد تجربة مفعمة بالرقة.
6. Look Back in Anger (1959)
قبل أن تغزو واقعية حوض المطبخ السينما البريطانية وترسي الأساليب والأفكار السردية للعديد من روائع جيل “الشباب الغاضبين”، لتصبح واحدة من أكثر الحركات الطبيعية إشادة من النقاد في تاريخ السينما، مهدت طريقها نحو النجاح عبر المسارح. ففي أواخر سنوات 1950، كانت المملكة المتحدة على شفا ثورة ثقافية.
بدأ الفن الحداثي في إزاحة الثقافة البريطانية النخبوية والمتعالية التي صورت حيوات ومواقف الطبقات الاجتماعية العليا، ليضع تركيزاً أكبر على الطبقة العاملة. ومكّن هذا التحول العديد من المؤلفين الشباب من إبداع أعمال تناقش قضايا اجتماعية معاصرة. وكان هذا هو الحال بالدرجة الأولى مع كتاب مسرحيين شباب مثل جون أوزبورن وشيلا ديلاني، الذين ألهموا انطلاقة واقعية حوض المطبخ السينمائية. ويُعد فيلم توني ريتشاردسون “Look Back in Anger” التحفة الفنية التي تجسد هذه الحركة.
في دراماه العاطفية المليئة بالندم وخيبة الأمل، جسد ريتشاردسون مثلث حب يجمع بين زوجين وصديقتهما، حيث يعانون من ألم عاطفي عميق وعجز مستمر عن التكيف مع العمل والمجتمع والآخرين. وفي قلب هذه العلاقة، وضع جيمي، وهو شاب ذكي لكنه غير راضٍ عن وظيفته الحالية كبائع في كشك للحلوى، والتي لا تتناسب مع مؤهلاته. وتثير وظيفته، إلى جانب شقته الرثة، إحباط جيمي وغضبه الذي يوجهه لاحقاً نحو زوجته.
وعبر شخصية البطل، رسم ريتشاردسون صورة رمزية لعصره وجيله، أظهرت موقفاً مشبعاً بالغضب والانفعال، إلى جانب الرفض للوضع الراهن والتوق إلى مشاعر حقيقية وعاطفية. ولذلك، أصبح جيمي بورتر، الشخصية الرئيسية في الفيلم، واحداً من أشهر النماذج التي تمثل الإنسان العادي في المملكة المتحدة، والذي يتفوه أحياناً بكلمات لم يتمنَّ قولها، ويفعل أحياناً أشياء لم يرغب في فعلها، لكنه يظل دائماً صادقاً وأصيلاً حتى النخاع.
5. Uzak (2002)
يُعد نوري بيلج جيلان بلا شك أحد أبرز رواد المذهب الطبيعي في السينما المعاصرة. وتقدم أفلامه شكلاً متماسكاً ينقل غالباً نبرات الحنين، حيث لا تبدو المشاهد ولا الشخصيات في عجلة من أمرها أبداً. ولا ينبغي أن تفاجئ هذه الاستراتيجية الإخراجية المميزة أي شخص مطلع على مصادر إلهامه؛ فعندما طُلب منه ذات مرة إدراج أفلامه العشرة المفضلة، اختار جيلان في الغالب أعمالاً من إخراج أنطونيوني وبريسون وأوزو. ويمكن العثور على كل هذه التأثيرات في فيلمه الرائد “Uzak”، الذي يرسم صورة مؤثرة وهادئة للوحدة، وفتح أبواب الشهرة العالمية أمام جيلان.
يروي “Uzak” قصة غارقة حرفياً في الألم والحنين. وتُروى الحبكة السردية من منظور رجلين لا يجمعهما الكثير رغم قرابتهما، على الأقل للوهلة الأولى. يعيش أحدهما حياة مريحة، ويمتلك شقة لائقة ومهنة محترمة، بينما الآخر عاطل عن العمل، وغير متعلم، ولا يملك خطة واضحة لمستقبله. ومع ذلك، ومع استمرار الفيلم، نلاحظ أنه بغض النظر عن وضعهما المادي، يعاني كلاهما من عجز ساحق عن الاندماج في أي هيكل اجتماعي ممكن، وفي مقدمتها العائلة بطبيعة الحال.
وما يلفت الانتباه في “Uzak” هو موهبة جيلان الأصيلة في تصوير الاغتراب بأقل قدر ممكن من السمات الأسلوبية. ويعتمد المخرج على التكوين داخل الإطارات ليقنعنا بأن ما يعيشه البطلان هو حالة من الألم الدائم والوحدة التي لا مفر منها. ويضع جيلان هذه المشاهد غالباً في مقابل صور لمدينة إسطنبول الضخمة التي تشكل خلفية فريدة للقصة بأكملها.
4. Secrets and Lies (1996)
عودتنا السينما البريطانية على حقيقة أن الضواحي تخفي دائماً نوعاً من الغموض، رغم محيطها الهادئ ظاهرياً والمليء بالمنازل المتراصة ذات الطوب الأحمر. ويعود الفضل في جزء كبير من ذلك إلى مايك لي، وهو شخصية محورية في سينما الطبقة العاملة وأبرز المكملين لمسيرة دراما حوض المطبخ البريطانية. ولطالما نال الإشادة لقدرته الفريدة على استخلاص مشاعر جياشة من مشاهد صغيرة وحميمية، حيث يحاول أشخاص عاديون محاصرون في الواقع أن يعيشوا حياة كريمة على الأقل ويمهدوا طريقهم نحو السعادة.
ومن بين أفلام لي التي تتبع هذا النهج، ربما يكون الأهم، وبالتأكيد الأكثر إشادة، هو فيلم “Secrets and Lies”، الحائز على السعفة الذهبية لأفضل فيلم في عام 1996، ولكنه في المقام الأول قصة مؤثرة بعمق عن محاولة إعادة بناء الروابط العائلية الممزقة، والتي تثير الضحك والبكاء في آن واحد.
يدعونا مايك لي، ببراعته المعهودة، لمراقبة الحياة في حي نموذجي للطبقة العاملة في مكان ما على مشارف لندن. ويروي في “Secrets and Lies” قصة طبيبة عيون ناجحة من الطبقة المتوسطة، تقرر تتبع جذورها للوصول إلى والدتها البيولوجية بعد أن علمت أنها مُتبناة منذ طفولتها. وللدهشة العامة، نكتشف أنه لا يوجد حرفياً ما يربط الأم بالابنة، بدءاً من السمات الشخصية، مروراً بالوضع المادي، وصولاً حتى إلى لون بشرتيهما.
ينتظر لي بصبر حتى يتقارب أبطاله من بعضهم البعض. ويزخر فيلمه بالمشاهد التي تتعرض فيها الشخصيات باستمرار لاكتشاف حقائق قاسية، لكنها تطهيرية في النهاية. ويبدو أنه يطرح فرضية مفادها أن المصالحة النهائية تستحق التضحية من أجلها؛ وهو درس يجب على المرء بالتأكيد أن يتعلمه من فيلمه “Secrets and Lies”.
3. Stroszek (1977)
رغم أن هرتزوغ نفسه ذكر ذات مرة أن السينما لن تنقل أبداً جوهر “الحياة الواقعية” لأن مثل هذا الشيء لا وجود له ببساطة، إلا أنه هو من دفع حدود الواقعية السينمائية إلى أقصى درجاتها. ويتجلى ذلك بوضوح في فيلم “Stroszek”، وهو صورة وجودية لرجل تائه غارق في الجحيم الأمريكي المتمثل في الملل والفقر والابتذال والاغتراب، والذي شكل مصدر إلهام للعديد من المخرجين، وفي مقدمتهم هارموني كورين الذي يمكن اعتبار فيلمه “Gummo” امتداداً متطرفاً لهذا العمل.
في هذه الصورة الكئيبة للغاية، يروي فيرنر هرتزوغ قصة برونو إس، وهو رجل أُطلق سراحه حديثاً من السجن ليواجه الواقع مرة أخرى، دون أن يمتلك خطة أو فكرة عن مستقبله. وبعد تمكنه من الفرار من برلين حيث كان يتعرض لمضايقات من الأشرار المحليين، يحط برونو رحاله في براري ويسكونسن التي لا تملك الكثير لتقدمه لرجل يقضي معظم وقته في الشرب وعزف الأكورديون. ومن الواضح أن أرض الأمل الأمريكية لا تجلب أي خير للبطل في فيلم هرتزوغ، بل نشهد في المقابل حالة متزايدة باطراد من الخراب، والمجردة تماماً من أي تعاطف.
يُعد “Stroszek” أحد تلك الأفلام التي تجسد القاعدة الأساسية لقانون مورفي؛ فالفشل والانحطاط مطبوعان في كل خيار يتخذه البطل. وفي هذا الفيلم الذي ربما يكون الأكثر حزناً بين أعماله، يخبرنا هرتزوغ أن المرء يمكنه تغيير بيئته باستمرار، والانتقال من مكان إلى آخر، ومحاولة محو الماضي، لكنه، تماماً مثل برونو إس، لا يمكنه أبداً الهروب من نفسه.
2. Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)
نال هذا العمل الرائد لشانتال أكرمان إشادة واسعة، ليس فقط لكونه صورة أصيلة لدراما الروتين اليومي، بل أيضاً لتشكيله بياناً نسوياً يُوضع فيه القلق المنزلي للبطلة في مقابل الدور المهمش اقتصادياً للمرأة في المجتمع الحديث. وباستخدام لقطات طويلة ودفع المشاهد للانتباه إلى أكثر الأنشطة رتابة، والتي تُعرض بمدتها الزمنية الحرفية مثل تقشير البطاطس أو الاستحمام، تجبرنا أكرمان على إدراك عبء تضحية المرأة. ورغم الاستخدام النادر للأدوات الدرامية المثيرة للتوتر، تتركنا المخرجة بشعور غامر بعدم الارتياح.
عند مشاهدة “Jeanne Dielman”، قد يتولد لدى المرء انطباع بأنه أقرب إلى دراسة سمعية بصرية متعمقة لموضوع قيد الفحص منه إلى فيلم. فالأنشطة التي تتكرر مراراً وتكراراً تنطبع في ذهن المشاهد وتتحول سريعاً إلى هوس. وبفضل الجماليات الصارمة وصبر أكرمان الهائل في تصوير نثرية الحياة، نبدأ في رؤية وتحليل تفاصيل كانت لتمر عادة دون أن نلاحظها، مثل موقع الأشياء في المطبخ، والذي يبدو، عند وضعه في مقابل رغبة البطلة في النظام، وكأنه يمثل تدريجياً القلق المتزايد في أفكار جين.
وبمرور الوقت، نبدأ في فهم نوايا أكرمان التي تقف خلف استراتيجيتها الإخراجية الصارمة. ويبدو أن صرامة أنشطة الحياة اليومية المملة تغرس إحساساً بالحصانة تجاه أفعال الدعارة اللاحقة التي تمارسها جين، والتي يمكن أن تُعتبر عادة خاطئة أخلاقياً، إلا أن أكرمان تمكنت بطريقة ما من تصويرها كجزء من كفاح بطولي تخوضه امرأة مستقلة لا يبدو أن أحداً يهتم لأمرها.
1. Au Hasard Balthazar (1966)
حظي فيلم “Au Hasard Balthazar” بإشادة نقاد وصناع أفلام بارزين مثل غودار ومال ودوراس، وهو قصة تبدو بسيطة عن حمار يتناقله مُلّاك مختلفون. ومع ذلك، لم تُعرف أعمال بريسون يوماً بتعقيد الحبكات السردية، بل كانت أفلامه تبدو دائماً تقريباً بسيطة للوهلة الأولى، لكنها تعبر عن رسائل عميقة حول الحالة الإنسانية.
ولفحص صفات البشرية في “Au Hasard Balthazar”، استخدم منظور كائن ينتقل مراراً من يد إلى أخرى، وهو ما يبدو أشبه بتجربة معملية يستخلص فيها المرء متغيرات معينة لاكتشاف تأثيرها على الآخرين (وقد استخدم بريسون هذا المفهوم أيضاً في فيلمه العظيم الأخير “L’argent”). وكان التأثير مذهلاً، حيث فسّر النقاد شخصية بالتازار التي يحمل الفيلم اسمها على الفور باعتبارها تمثيلاً لكائن مقدس.
مال بريسون إلى اختيار ممثلين غير محترفين لأفلامه، وكان يطلق عليهم اسم “النماذج”. وكان هذا النهج، إلى جانب الاستخدام المحدود للموسيقى التصويرية والإخراج المشهدي المتقشف، جزءاً دائماً من تكتيكات بريسون المتعمدة الرامية إلى استخلاص ما كان يمثل الأهمية القصوى بالنسبة للمخرج الفرنسي؛ ألا وهو الحقيقة. وهذا هو الحال مع “Au Hasard Balthazar” الذي وصفه جان لوك غودار ذات مرة بأنه “العالم في ساعة ونصف”.
وبمبدأه الأساسي الذي منع الممثلين من التمثيل، وهوسه بتكرار اللقطات طالما لزم الأمر لتحرير الحقيقة في “Au Hasard Balthazar”، بلغ بريسون ذروة المذهب الطبيعي المطلقة وأثبت جدارته في السينما المعاصرة. ولا تزال تحفة بريسون، التي صدرت في عام 1966، واحدة من أهم دروس التعاطف التي قدمتها السينما على الإطلاق.
