يُعد خلق أجواء تنويمية مغناطيسية تحدياً كبيراً لأي مخرج. إذ يتطلب الأمر رؤية فنية وأسلوباً سينمائياً فريداً لجذب المشاهد ودفعه للغرق في حالة من الانبهار أثناء متابعة الفيلم. تتسم معظم هذه الأفلام بطابع مظلم ومريب وغامض، مع الحفاظ على سحر لا يقاوم يبقي المشاهد مأسوراً، تماماً كقوة جذب خفية.
تفرض الحبكة غير الخطية، والرموز، والصور السريالية حضورها في هذا النوع من الأفلام، حيث تخلق عالماً مختلفاً يضيع فيه المشاهد، مما يفتح باباً واسعاً للنقاش حول دلالاتها الغامضة.
لا ينبغي التسليم بكل ما يُعرض، فلكل مشاهد نظرياته الخاصة ومعانيه المستنبطة مما يختبره، وهذا هو جوهر السينما. فإذا نجح الفيلم في إثارة مشاعر المشاهد وتحفيز تفكيره، فقد حقق غايته.
15. Dreams (1990)
وفقاً للمخرج القدير أكيرا كوروساوا، كان صنع فيلم Dreams (1990) هدفاً رافقه طوال حياته. إنه فيلم شخصي، ومثل فيلمي “Ran” (1985) و“Kagemusha” (1980)، يدمج فيه لوحاته وأحلامه الخاصة في صور سينمائية حقيقية. حتى أن كوروساوا بنى نسخة طبق الأصل من منزل طفولته في أحد أجزاء الفيلم، ليقدم عملاً يكشف بوضوح عن نفسية المخرج.
تستبدل المواضيع المألوفة في أفلامه، مثل الساموراي والمعارك وصراعات الحياة اليومية والسرد المعقد، بصور هادئة، وتقاليد وفلكلور ياباني، وأساطير حضرية مصحوبة بموسيقى تصويرية رائعة.
الفيلم عبارة عن مختارات من ثماني قصص قصيرة تتناول مواضيع الروحانية، والحياة والموت، والطبيعة، وكلها مقدمة ببراعة من خلال ذوق كوروساوا الجمالي الفريد. تظهر كائنات من الميثولوجيا والفلكلور الياباني مثل “كيتسوني” (الثعلب)، و”أوني” (الشياطين)، و”يوكي أونا” (امرأة الثلج) في القصص كتجسيد للمشاعر الإنسانية.
أكثر جوانب الفيلم إثارة للاهتمام هو أن كل قصة قصيرة تحمل جانباً حرفياً وآخر مجازياً، حيث يمزج الواقع بالسريالية في لمح البصر، مما يطمس الحدود بين الواقع وعالم الأحلام.
يعد Dreams (1990) تحفة فنية من حيث الجماليات والبصريات. فلوحة الألوان الزاهية المستخدمة في التصوير السينمائي تضفي طابعاً تنويمياً، والصور الغريبة تجعل التجربة أكثر جاذبية للغرق فيها. قد يصعب على الجمهور الغربي فهم بعض الأساطير والفلكلور الياباني، لكن جوهر الفيلم يكمن في مكان آخر.
إن حقيقة عدم قدرة المشاهد على استيعاب كل ما يراه أو سبب حدوثه هي جزء من التجربة الكبرى، فالفيلم لا يحتاج دائماً إلى أن يكون منطقياً، تماماً كأحلامنا. إنه حلم يقظة متنكر في هيئة فيلم، مخيف أحياناً، وغير منطقي أحياناً أخرى، لكنه جميل وتنويمي بشكل لا يصدق.
14. Southwest (2011)
هذا الفيلم البرازيلي ليس مجرد فيلم فني آخر صُنع لجمهور محدود في المهرجانات. إنه مثال بارز على جوهرة مخفية في السينما العالمية ذات هدف حقيقي. كتبه وأخرجه إدواردو نونيس في قرية برازيلية صغيرة بميزانية محدودة، ومع ذلك حقق شيئاً استثنائياً.
تدور الحبكة حول ولادة ونشأة فتاة تدعى كلاريس، حيث تكافح لإدراك ما هو حقيقي وما هو وهم في قرية ساحلية برازيلية صغيرة. يبدأ كل شيء عندما تصل امرأة غامضة، يُعتقد أنها ساحرة، إلى القرية وتنجح في علاج امرأة حامل تحتضر. تموت المرأة رغم جهود الساحرة، لكن طفلتها كلاريس تنجو.
صُوّر الفيلم بجمالية عالية باستخدام كاميرا 35 ملم، مما يمنح منظوراً أوسع، كما صُوّر بالأبيض والأسود. الإيقاع بطيء للغاية، والحوار شبه معدوم بينما تستكشف كلاريس العالم من حولها. الجانب الوحيد السريع في الفيلم هو خطه الزمني، حيث تنمو كلاريس من رضيعة إلى امرأة عجوز في غضون ساعات. ربما يكون الإيقاع البطيء مع التقدم السريع في عمر البطلة مجازاً عن الزمن، أو الخوف من الشيخوخة. ربما لا.
التفسيرات المختلفة للصور الغريبة غالباً، والخط الزمني المضطرب، والصور القوية هي ما يجعل الفيلم مميزاً.
إنه ليس فيلماً سهل الهضم، لكن مثل معظم الأفلام من نوعه، يوفر رضا عذباً عندما تتوصل إلى تفسيرك الخاص.
يستلهم نونيس الكثير من أستاذ الحرفة، بيلا تار، في جوانب عديدة. استخدام العدسة الواسعة، والحوار المحدود، والتركيز الشديد على الإخراج المشهدي، والإيقاع البطيء، والأبيض والأسود المهيب، والاهتمام بالتفاصيل. ومع ذلك، ينجح الفيلم في أن يكون أصيلاً وليس مجرد فن متكلف. استخدام الإضاءة الطبيعية، والرياح العاوية، واتساع البحر (ربما يرمز للأبدية، أو ربما لا شيء على الإطلاق)، كلها تشكل فيلماً ذا أجواء تنويمية شاعرية وصادقة تحتاج للمشاهدة لتقديرها بالكامل.
13. Jacob’s Ladder (1990)
عادة ما يجد المرء هذا العمل الفني المنسي في قائمة “أفلام الإثارة تحت الأرض”، وهو ينتمي إليها بلا شك. لكن، كما هو الحال مع كل الأفلام العظيمة، هناك جوانب متعددة لهذا الفيلم.
انضم إلى جاكوب سينجر بينما تتفكك حياته. جاكوب مطلق، ومحارب قديم في فيتنام، ويعمل حالياً ساعي بريد. أم أنه ليس كذلك؟ لديه طفلان، وقد توفي ابنه الثالث المفضل بسبب إهمال والده. أم أنه لم يمت؟
الأمر المميز في هذا الفيلم، بعيداً عن الرعب الواضح الذي يثيره، هو حالة الارتباك العامة التي يُقصف بها المشاهد. ولهذا السبب يمكن وصفه بأنه تنويمي. يُؤخذ المشاهدون في رحلة من الاسترجاع – التي قد تكون مجرد خيالات لعقل مضطرب – والهلوسة. يركضون بجانب جاكوب بينما تطارده كائنات مخيفة بلا وجوه؛ يتجولون في شوارع ومترو مدينة نيويورك المهجورة.
يبدو أن العالم الذي يعيش فيه جاكوب يقع دائماً تحت سحابة كثيفة من الغبار الأصفر، وأينما ذهب هناك من يربكه بشأن ما هو حقيقي، ناهيك عن الوحوش التي تظهر من كل زاوية. أخيراً، نشهد هبوط البطل إلى الجحيم – أو إلى قسم الطوارئ في المستشفى – والإدراك المفجع لحالته.
هذا فيلم يحمل معنى عميقاً وثقيلاً، وبنفس العمق هو البئر الذي يسقط فيه ضمير المشاهدين؛ تأمل نجاح الفيلم المذهل. على الرغم من تجاهله إجرامياً في الماضي، فقد نجح في الظهور مجدداً، كأي تحفة حقيقية، واليوم يقع المزيد والمزيد من الناس فريسة للشبكة التنويمية والكابوسية للفيلم، يشعرون بكل ما يحدث بوضوح شديد.
12. The Spirit of the Beehive (1973)
يعد هذا الفيلم أحد أكثر اللحظات تحديداً في السينما الإسبانية ولسبب وجيه. إنه عمل فني مجازي يقدم نظرة ثاقبة على نفسية الأطفال الذين يعيشون تجارب مروعة مثل الحرب الأهلية والفقر. ومع ذلك، يسلك الفيلم مساراً مختلفاً تماماً عن الأفلام الأخرى التي تتناول الحرب. إنه يمزج ببراعة بين الخيال، والواقعية الوحشية، وبراءة الأطفال دون عنف صادم، أو وعظ حول الخير والشر، أو دعاية مفروضة.
يُرى كل شيء من خلال عيني فتاة حساسة تبلغ من العمر سبع سنوات تدعى آنا، شاهدت فيلم James Whale’s “Frankenstein” (1931) في دار عرض متنقلة مرت بقريتها الصغيرة في ريف إسبانيا عام 1940. تصاب الفتاة بصدمة من الفيلم وتبدأ في البحث عن الوحش في الحياة الواقعية مع أختها.
أداء آنا تورينت في دور آنا غير واقعي ببساطة. إنه أحد أنقى وأكثر تصويرات الأطفال واقعية في السينما، جنباً إلى جنب مع “Grave of the Fireflies” (1988). ادعى المخرج أن تورينت، التي كانت في ذلك الوقت في السادسة من عمرها، كانت مقتنعة بأن وحش فرانكشتاين موجود حقاً، مما جعل الأداء أكثر صدقاً. التعاون بين المخرج فيكتور إريث والمصور السينمائي لويس كوادراو هو تعاون للتاريخ.
الإخراج دقيق، وساحر، وتنويمي بينما يشاهد المشاهد آنا تبحث عن “الوحش”، وتتعلم شيئاً فشيئاً عن العالم. التصوير السينمائي لكوادراو، الذي كان يفقد بصره أثناء إنتاج الفيلم، سريالي ببساطة، مع ألوان باهتة تثري المناظر الطبيعية الريفية وفضول آنا وهي تكتشف العالم.
إنه تعليق ثاقب حول براءة الأطفال خلال الأوقات العنيفة بينما يحاولون فهم الحرب والموت. مثال بارز هو لقاء آنا مع الهارب. إنه يستحضر ذكريات الطفولة حيث كان كل شيء مغامرة، على الرغم من حقيقة أن الجميع نشأوا في ظروف مختلفة. إنه فيلم حساس ومؤثر حقاً، وتجمع للمشاعر والتاريخ والحياة اليومية في أوقات مضطربة.
إنه رسالة حب للسينما نفسها، لسحرها وعالمها السريالي حيث يمكن للمرء أن يضيع فيه.
أيضاً، يمكن القول إنه الإلهام الرئيسي لمعجزة سينمائية أخرى: فيلم Guillermo del Toro’s “Pan’s Labyrinth” (2006). هناك الكثير من الأفلام الرائعة التي تتناول الحرب الأهلية الإسبانية، وهو موضوع شائع في السينما الإسبانية، لكن القليل منها ساحر ومؤثر مثل “The Spirit of the Beehive.”
11. Eraserhead (1977)
ستكون قائمة الأفلام التنويمية غير مكتملة وفقيرة حقاً دون ذكر ديفيد لينش ومساهمته في تاريخ السينما. “Eraserhead” هو أول فيلم طويل له وقد أُنتج بميزانية محدودة بشكل مثير للسخرية.
إنها قصة هنري، رجل يكافح مع تعايشه مع صديقته وطفلهما المولود حديثاً. الحقيقة هي أن الطفل عبارة عن مسخ مشوه يبكي ليلاً ونهاراً، مما يدفع هنري وصديقته والجمهور (هذا مؤكد) إلى حافة الجنون.
صور مستمدة من أحلك حفر النفس البشرية، بيئة صناعية كئيبة، منزل خانق، جنين مشوه ضخم يبكي مثل طفل حقيقي، وامرأة مخيفة حقاً تغني عن الموت. هذا الفيلم هو مادة الكوابيس!
بشكل غريب، تجذب أجواؤه المقززة المشاهد ولا تتركه أبداً. المجازات مرئية في جميع الأنحاء. الخوف من الالتزام والأبوة، عدم قدرة المرء على التعامل مع المواقف العصيبة، اللامبالاة، على سبيل المثال لا الحصر. لكن على طريقة ديفيد لينش المعتادة، لم يتم تأكيد أي مما سبق من قبله، تاركاً للجمهور أن يقرروا بأنفسهم ما يدور حوله الفيلم. ذكر لينش فقط أنه كان مستوحى من تجاربه الخاصة في العيش في فيلادلفيا وخوفه من الأبوة.
ومع ذلك، فإن الحقيقة التي تجعل هذا الفيلم مثيراً للاهتمام وتنويمياً تماماً هي تنفيذه. كل شيء صُوّر بالأبيض والأسود، مع تصوير سينمائي عالي التباين وموسيقى تصويرية محيطة مخيفة.
بعض جوانب الفيلم تذكرنا بأعمال فرانز كافكا، إتش آر جيجر وغيرهم من السرياليين. ومع ذلك، فإنه يحتفظ بتفرده وأصالته وأهميته بعد كل هذه السنوات وكان عنصراً أساسياً في سينما الرعب منذ إصداره. لقد أثر على أفلام تجريبية أخرى مثل Elias Merhige’s “Begotten” (1990)، والأهم من ذلك، أنه حدد نبرة أفلام لينش الأسلوبية البارزة مثل “Mulholland Drive” (2001) و“Lost Highway” (1997).
10. Enemy (2013)
صنع دينيس فيلنوف اسماً كبيراً لنفسه في السنوات الأخيرة. “Incendies” (2010)، “Prisoners” (2013)، “Arrival” (2016)، ومؤخراً “Blade Runner 2049” (2017) هي أمثلة بارزة على نظرته الرؤيوية والثاقبة للسينما الحديثة. إنه مؤلف سينمائي حقيقي، يجعل كل فيلم من أفلامه أكثر من مجرد ترفيه.
لكن إنجازه الأكبر، وربما عمله الأقل تقديراً، هو اقتباسه لكتاب خوسيه ساراماغو “The Double”، الذي سُمي ببساطة ”Enemy”.
الفيلم ككل مشهد يستحق المشاهدة. مخرج ببراعة وذكاء، وهو مخلص للمادة المصدر، مع سيناريو ينحرف كلما رأى ذلك مناسباً، ويتميز بأداء تقشعر له الأبدان من جيك جيلنهال وأجواء مبهجة.
البطل، الذي يدعى آدم، هو مدرس تاريخ وحيد يكتشف يوماً ما ممثلاً يشبهه تماماً. بافتراض أنه شبيه، يبدأ في مطاردته على أمل معرفة المزيد عنه. لكن هل هو شبيه حقيقي؟ هل هو حقيقي أصلاً؟
الحبكة مثيرة للاهتمام بالفعل، حيث تنسج لغزاً يمزج بين الرعب النفسي، والبارانويا، وشعور عام بعدم الارتياح. ولكن عندما يقترن ذلك بالأجواء التنويمية، واللون البني الفاتح الباهت، والصور السريالية، تتطور الحبكة إلى شيء آخر.
يتحول إلى كابوس، حيث يصبح البطل غير مستقر بشكل متزايد، ولديه رؤى لعناكب عملاقة، ويرى أشياء غير موجودة. يصبح كل شيء متشابكاً أكثر عندما يلتقي أخيراً بشبيهه، مما يؤدي إلى واحدة من أكثر النهايات غير المتوقعة والمذهلة في الذاكرة الحديثة.
هذا أحد تلك الأفلام التي لا تتركك حتى تظهر الاعتمادات النهائية، ولا تمنحك فرصة لالتقاط أنفاسك. إنه يجعل المشاهد يتساءل عما إذا كان ما يراه حقيقياً وما إذا كان آدم مجنوناً بالفعل ومستهلكاً بالبارانويا. كما أنه يتخلل بعض التعليقات الاجتماعية حول فقدان هوية المرء في مدينة فوضوية، والخوف من الالتزام، والخوف من الحب والمحبوب، ورغبة ملتوية في أن تصبح شخصاً آخر.
الفيلم ضرورة مطلقة لمحبي نوع الغموض/الإثارة، وأولئك الذين يحبون أن يحيرهم فيلم، ويتوقون إلى المزيد من الأدلة المحيرة ونقاط الحبكة لبناء نظريتهم الخاصة. ومع ذلك، على الرغم من أنه ليس خفيف القلب، إلا أنه انفجار للمشاهدة، وبحلول نهايته لا يسعك إلا أن تتساءل عن مدى سرعة مرور تلك التسعين دقيقة. إنه مثير للاهتمام للغاية!
9. Coherence (2013)
على السطح، لن يدرك المرء على الفور لماذا يمكن لفيلم مثل “Coherence” أن ينتمي إلى قائمة الأفلام التنويمية، حيث يبدو كفيلم إثارة كلاسيكي يومي. وهذا ما يبدو عليه هذا الفيلم، للنصف ساعة الأولى، بينما نتابع مجموعة من الأصدقاء يتناولون عشاءً لطيفاً، عندما يبدأون في التعرض للمضايقة من قبل كائنات غير مرئية. بسيط جداً، أليس كذلك؟
حسناً، المظاهر خادعة، حيث أنه في هذه الليلة الجميلة من حفل العشاء، يمر مذنب فوق الأرض، مما يخلق ظواهر تماسك كمي. انسَ الدقة العلمية، واسمح لنفسك فقط بالانجراف مع السرد المليء بالتشويق، بينما يسعى أصدقاؤنا لفهم ما يحدث والبقاء على قيد الحياة. يسمح لنا هذا الفيلم بإلقاء نظرة خاطفة على الحقائق المختلفة الممكنة التي كان يمكن أن تكون عليها الحياة، لو كان أي قرار صغير مختلفاً.
تعطي الكاميرا الشبيهة بالهواة شعوراً بالنظر من خلال ثقب الباب، والتطفل على حياة الآخرين، تماماً مثل فيلم اللقطات الموجودة، ومع الهواء الطبيعي غير المدروس لأداء الممثلين، يخلق رؤية واقعية للغاية.
علاوة على ذلك، تنتج تغييرات الإطار المفاجئة والتبادل المستمر للضوء والظل شعوراً بالدوار، يشبه النزول على درج حلزوني، بينما تزداد الحبكة تعقيداً وتنهار الحقائق المختلفة على بعضها البعض، مما يتركنا لاهثين ومرعوبين، ويمنح الفيلم طابعه التنويمي. أوه، وإذا كنت تعتقد أن عصي التوهج مخصصة للحفلات، فكر مرة أخرى، لأن هذا الفيلم عازم على تغيير كل شيء.
8. Woman in the Dunes (1964)
كثيراً ما اقتبس هيروشي تيشيغاهارا أعمالاً لأحد أهم المؤلفين اليابانيين في فترة ما بعد الحرب، كوبو آبي، إلى الشاشة الكبيرة. “Pitfall” (Otoshiana) (1962) و“The Face of Another” (Tanin no Kao) (1966) هي أفلام مشهورة مبنية على أعمال آبي. لكن أهم اقتباس خلقه تيشيغاهارا على الإطلاق كان Woman in the Dunes (1964). إنه حجر زاوية في السينما اليابانية وبداية رائعة لأي شخص يتم تقديمه إليها.
تتبع الحبكة عالم حشرات، بينما يبحث عن حشرة في الصحراء، يخدعه بعض القرويين في حفرة من الرمال حيث تعيش امرأة فقط. هدفها الوحيد هو جرف الرمال للقرية المحلية مقابل الماء والطعام. محاولات البطل اليائسة للهروب، واحدة تلو الأخرى، تثبت عدم جدواها حيث يتم جره دائماً إلى القاع قبل الوصول إلى المخرج. إشارة واضحة إلى أسطورة سيزيف.
الإخراج خانق بقدر ما يمكن أن يكون، والتصوير السينمائي لهيروشي سيغاوا مذهل، باستخدام لقطات بعيدة للرمال ومنظر بانورامي للحفرة لتعظيم الشعور باليأس.
تتكون الموسيقى التصويرية التجريبية في الخلفية بشكل أساسي من ضوضاء منخفضة المستوى تحدد نبرة الفيلم. الرمال المتدفقة دائماً، والمنزل المدفون تحتها، وأفعال الأبطال هي المجازات الرئيسية حول المجتمع البشري والطريقة التي يتم بها هيكلته، بالإضافة إلى تأمل في الوجود البشري بشكل عام.
عمل فني آسر حقاً لا يزال وثيق الصلة حتى يومنا هذا.
7. City of Lost Children (1995)
لم تكن الصور المظلمة المذهلة والشخصيات الكابوسية غريبة على أعمال جان بيير جونيه ومارك كارو. في هذا الفيلم التعاوني الثاني، نُمنح الفرصة للمشي في الأحلام، جنباً إلى جنب مع الرجل القوي في السيرك “وان” واليتيمة “ميت”، في شوارع مدينة الميناء الكئيبة ومنصات النفط الجهنمية القريبة، حيث كانت تجري أكثر التجارب روعة.
تشكل منصات النفط موطن إبداعات عالم مصاب بفقدان الذاكرة، ستة أطفال مستنسخين: إيرفين، دماغ موجود في وعاء؛ قزم يدعى مارثا؛ والشرير كرانك، الذي، غير قادر على الحلم، يشيخ قبل الأوان. لوضع حد لهذا، يتم توظيف مجموعة من الرجال شبه الآليين لاختطاف الأطفال من المدينة من أجل سرقة أحلامهم. في شبكتهم الإجرامية يقع شقيق “وان” الصغير، لذا ينطلق “وان”، بمساعدة “ميت” وفرقتها من اليتامى اللصوص، لإنقاذه وإنقاذ بقية الأطفال المختطفين.
في هذه المدينة، لا يبدو أن الشمس تشرق أبداً؛ الليل المصفر المستمر وبيئة الـ “ستيم بانك” المشؤومة تعطي المشاهدين انطباعاً بأنهم يحلمون، مما يبقيهم في ضباب تنويمي بينما يندفعون مع الأبطال عبر تلك المتاهة الرطبة من المدينة. يتم تعظيم الإحساس من خلال الأزياء التي صممها جان بول غوتييه، والموسيقى التصويرية المؤرقة التي ألفها أنجيلو بادالامينتي.
6. Piano Tuner of Earthquakes (2005)
كان ستيفن وتيموثي كواي أساطير في حرفتهما، حيث أثرا على الرسوم المتحركة والمشهد التجريبي منذ الثمانينيات، وعملهما ضخم للغاية. من أفلامهما القصيرة مثل “Street of Crocodiles” (1986) و“The Comb” (1988) إلى الأفلام الطويلة الفعلية مثل Piano Tuner of Earthquakes (2005)، فإنهما يخلدان السريالية الحقيقية، والحكايات الخرافية المظلمة والفلكلور، وجمالية دفنها الزمن وغبار العليات القديمة منذ فترة طويلة.
يستخدمان بشكل أساسي العرائس، ودمى البورسلين، والأدوات المنزلية اليومية ومواد الخياطة، مستخدمين الرسوم المتحركة بإيقاف الحركة إلى أقصى إمكاناتها. تأثيراتهما الرئيسية هي رائد الرسوم المتحركة بالعرائس الروسي لاديسلاس ستارفيتش، وأستاذ الرسوم المتحركة بإيقاف الحركة التشيكي جان سفانكماير وفرانز كافكا، من بين آخرين. ومع ذلك، فإن الأخوين كواي لديهما أسلوبهما المميز الذي وصل إلى ذروته في Piano Tuner of Earthquakes (2005)، حيث يمزجان بين التمثيل الحي والرسوم المتحركة بإيقاف الحركة.
إنها قصة معقدة عن مغنية أوبرا تدعى مالفينا فون ستيل (إشارة محتملة لعملهما الآخر المسمى “Stille Nacht”) التي اختطفها طبيب شرير ينظم أوبرا خاصة به من الآليين الميكانيكيين. يتم توظيف ضابط بيانو ماهر يدعى فيليسبرتو فرنانديز من قبل الطبيب لتلميع آلييه. تنجذب مالفينا المصابة بفقدان الذاكرة إلى ضابط البيانو بسبب تشابهه مع خطيبها.
إنها حكاية خرافية آسرة عن الحب والخسارة مع الحفاظ على أجواء حالمة، ومخيفة أحياناً. تضيف الرسوم المتحركة بإيقاف الحركة إلى الرعب، ولكنها تجعل المشاهد يهتم أيضاً بالآليين عندما ينبضون بالحياة. إنه شعور ساحر حقاً رؤية أشياء جامدة تنبض بالحياة وتتفاعل مع العالم الحقيقي. على الرغم من أن الفيلم يركز بشكل أساسي على التمثيل الحي، إلا أن تسلسلات الرسوم المتحركة هي التي تبرز.
الإيقاع بطيء نسبياً، والسرد معقد. ومع ذلك، ينجح الفيلم في الحفاظ على أجوائه ونبرته طوال الوقت. انحرف الأخوان كواي عن مسارهما المعتاد للسريالية الذي حددته أفلامهما القصيرة، مما جعل فيلماً فريداً نادراً ما يُرى في السينما الحديثة.
5. Angel’s Egg (1985)
قبل عشر سنوات من إنشائه “Ghost in the Shell” (1995)، تعاون مامورو أوشي مع الأسطوري يوشيتاكا أمانو لإنشاء تحفة أخرى من نوع الرسوم المتحركة التي تحمل اسم Angel’s Egg (1985)، واحدة من أكثر تجارب الأفلام سريالية التي قد يحظى بها رواد السينما.
تتبع الحبكة فتاة صغيرة تتجول في سهل كئيب ومهجور تحمل بيضة غامضة. سرعان ما ينضم إليها شخصية أخرى تحمل صليباً كبيراً، تدعي أنها ستحميها والبيضة طوال رحلتها. لكن لا شيء كما يبدو والبيضة التي تحملها عزيزة جداً في خطر. هذا هو أقصى ما يمكن أن تصل إليه ملخص الحبكة دون إفساد أي نقاط حاسمة في الفيلم.
الفيلم عبارة عن مجاز يمكن تفسيره بطرق مختلفة كثيرة، اعتماداً على المشاهد وتجاربه الشخصية. بالنسبة لأوشي، الفيلم يدور حول انهيار نظام معتقداته عندما فقد إيمانه بالمسيحية. ومع ذلك، حتى يومنا هذا يدعي أنه لا يعرف حقاً ما يدور حوله هذا الفيلم.
هذا الغموض هو ما يجعل الفيلم دائماً ويستحق الاستثمار فيه. يمكن للمرء تفسير البيضة، والمدينة المهجورة التي تتربص بالظلال، والفتاة، والمتجول وكل صورة أخرى من عالم آخر كما يراها مناسبة. خاصة لأن النهاية لا توفر أي إغلاق وهي غامضة ومبهمة بقدر ما يمكن أن تكون.
لهذا السبب غالباً ما يوصف Angel’s Egg (1985) بأنه فن بدلاً من كونه فيلماً متحركاً. تماماً مثل لوحة تجريدية يراها الجميع بشكل مختلف، مما يشجع على المناقشة والمشاهدات المتعددة. الجانب الأكثر تنويماً في الفيلم هو أجواؤه القوطية، ونبرته الفلسفية، والرغبة المستمرة في معرفة ما ترمز إليه هذه البيضة الغامضة.
يتم تناول مواضيع الإيمان، والدين، والموت، والتفاني والغرض جنباً إلى جنب مع العديد من الأسئلة الوجودية الأخرى. مراجعها الكتابية كثيرة، بعضها سهل الرصد، مع أخرى مخفية جيداً في المشهد القوطي السريالي.
إنه فيلم بصري للغاية، ثقيل المواضيع، وتجربة مجزية حقاً للغرق فيها.
4. The Company of Wolves (1984)
نيل جوردان معروف في الغالب بـ “The Crying Game” (1992) و“Interview with a Vampire” (1994)، لكن لديه كتالوج واسع من الأفلام الرائعة التي تستحق الاكتشاف. أحد الأمثلة البارزة هو فيلمه الطويل الثاني المسمى The Company of Wolves (1984).
هذا واحد من أكثر الأفلام أثيرية وسحراً التي تم إنشاؤها على الإطلاق. إنها حكاية خرافية حقيقية مستوحاة بشدة من قصص الأخوين غريم والفلكلور الغربي. ولكن على عكس الأفلام الخيالية والشبيهة بالحكايات الخرافية الأخرى، يبدو هذا الفيلم حقيقياً وواقعياً. إنه يجعل الجمهور يشعر بالفعل وكأن جدتهم تروي القصة أمام مدفأة الكوخ في ليلة باردة وعاصفة. هذا هو نوع الشعور الذي ينقله.
تستند الحبكة بشكل فضفاض إلى حكاية ذات الرداء الأحمر الشهيرة، ولكن في الغالب إلى قصة أنجيلا كارتر التي تحمل الاسم نفسه، وتوسيع المعرفة وابتكار بعض نقاط الحبكة المثيرة للاهتمام. تصميم الإنتاج مذهل تماماً، وتضيف المؤثرات العملية المميزة للثمانينيات إلى السحر، والتصوير السينمائي والإضاءة رائعة.
حقيقة تستحق الذكر هي أن الفيلم يزين الصورة الشائعة للذئب الذي يعتبر شريراً، حيواناً “سيئاً” في الفلكلور. المشهد مع فتاة الذئب المتحولة التي يعالجها الكاهن مؤثر بشكل خاص. الذئاب ليست قاسية، إنها مجرد حيوانات برية مدفوعة بالغريزة. لا ينبغي للإنسان بأي حال من الأحوال أن يكون متغطرساً في الحكم على الطبيعة. إنها رسالة وأخلاق رائعة تُروى بمهارة من خلال حوار من الدرجة الأولى.
وهذا مجرد مثال على ما يقدمه الفيلم. الموسيقى التصويرية، التي ألفها جورج فينتون باستخدام آلات تقليدية، ساحرة أيضاً ومناسبة تماماً للأجواء القوطية. يمكن للمرء أيضاً رصد ظهور خاطف لممثلين رائعين مثل ستيفن ريا (متعاون مشترك مع جوردان)، تيرينس ستامب، غراهام كراودن وجيم كارتر، من بين آخرين، مما يجعل التجربة أكثر تسلية.
إنه فيلم جميل وغنائي بشكل مؤرق، تم التقليل من شأنه إجرامياً، لكنه يقف بين أعظم أفلام نوعه. ضرورة حقيقية.
3. Amer (2009)
من المحتمل جداً أن أعمال هيلين كاتيت وبرونو فورزاني هي الوحيدة التي التقطت النشوة الجنسية الأنثوية بدقة. كل قطعة من عملهما القصير للأسف، ولكن لحسن الحظ المتقن، حسية للغاية، وAmer (2009) ليس استثناءً. في هذا الفيلم، يمتزج الموت والخوف والإثارة ببعضها البعض بشكل لا رجعة فيه بينما يشهد المشاهد ثلاث مراحل من حياة آنا.
أولاً، لا تزال طفلة، وفاة جدها وأول اتصال بالحب الجسدي يتركان علامة على قلب آنا، وكذلك على جسدها. هذا القسم مظلم تماماً، مع التباين الصارخ لألوان النيون المستخدمة لتصوير الجماع الناجح. يتم نطق بضع كلمات فقط، ولكن لن تكون هناك حاجة لأكثر من ذلك.
في اللحظة الحاسمة الثانية، نتعلم أنه في الأيدي المناسبة، يمكن حتى لرحلة قصيرة إلى متجر البقالة أن تكون حسية. آنا مراهقة، وتمشي بجانب والدتها إلى المدينة، وتستمتع بكل الأحداث المثيرة الصغيرة في الحياة اليومية التي تضيع دائماً: ضربة الرياح بين الساقين، نظرة ذكورية ذات مغزى أو مص خصلة من الشعر. آنا، على الرغم من ترددها، تجرؤ على النظر إلى الخطر والجنس في العينين تحت شمس البحر الأبيض المتوسط الرائعة.
أخيراً، كبالغة، تعود آنا إلى منزل طفولتها المتهالك. النسيم والنباتات تمزق فستانها، أشعة الشمس المبهرة تمتزج بالظلال الشهوانية للمبنى المهجور، الماء في الحمام يخترقها، وكل شيء هو دعوة للجنس. نمت آنا إلى إمكاناتها الجسدية الكاملة ولا تتردد في الذهاب إلى التطرف، حيث يتم تضمين الألم والخطر كثيراً في عملية المتعة.
الحوار شبه المعدوم، وتبادلات الضوء والظلام، والحسية العامة لكل شيء تقريباً في البيئة العامة تمنح المشاهدين متعة استراق النظر، وتجعلهم ملتصقين بالشاشة، يحلمون بنصف حلم، ولا يريدون شيئاً آخر سوى المزيد.
2. Enter The Void (2009)
الفيلم الطويل الثالث للمخرج الرؤيوي غاسبار نوي هو تحفة بصرية حقيقية. إنه فيلم مدته ساعتان ونصف وهو تجربة أكثر من كونه فيلماً فعلياً. إنه عنيف، ومثير، ومثير للتفكير ومؤلم تماماً.
الحبكة أساسية جداً. تاجر مخدرات يدعى أوسكار يُقتل بالرصاص بعد مواجهة مع الشرطة اليابانية في حانة تحت الأرض تقع في منطقة شينجوكو في طوكيو. في هذه الأثناء، أخته راقصة تعري، تحاول تدبر أمورها في العاصمة اليابانية المعادية. بعد وفاته، ترتفع روحه، تتجول في الشوارع، تراقب حياة أخته ولقاءاتها مع الآخرين. ولكن الأهم من ذلك، أنه يسعى للخلاص والغرض الفعلي من خلال محاولة حماية أخته ومنعها من الأذى والقرارات الطائشة.
تتعامل حبكة الفيلم مع قضايا ثقيلة حقاً. قضايا حول الموت، حول غرض المرء في الحياة، حول الوحدة والندم. إنها دوامة هبوط من اليأس تُروى بدون كلمات، فقط صور. ربما يكون أحد أكثر الأفلام الملونة التي تم صنعها على الإطلاق، محاطاً بأضواء النيون، والأشكال التجريدية والهلوسة التي تسببها المخدرات. إنها رحلة حمض سيئة تُروى من خلال عيني أوسكار.
عمل الكاميرا صعب حقاً، باستخدام منظور الشخص الأول ببراعة، والتلاعب بتسامي روح أوسكار لإظهار صور معقدة ومبتذلة أحياناً. على سبيل المثال، هناك مناظر بانورامية رائعة لطوكيو، تمر عبر الأزقة الخلفية المشبوهة، مشهد حيث تغزو الكاميرا فندق حب يظهر مشهد جماع رسومي إلى حد ما، ومن خلال استرجاع، حادث سيارة مرعب تماماً، واقعي جداً للمشاهد غير المستعد.
نوي، رائد عظيم في السينما الحديثة في الجمع بين تأثيرات من ستانلي كوبريك وكينيث أنجر على سبيل المثال لا الحصر، مهووس بالجنس والعنف ولكن أيضاً بالمسائل الفلسفية والطبيعة البشرية.
تسلسل الاعتمادات الافتتاحية العنيف يهيئ المشاهد لبقية الفيلم ويأسره في عالمه الكئيب. ولكن ربما الجانب الأكثر تنويماً في الفيلم ليس صوره المليئة بالنيون، وليس تسلسلات الهلوسة التجريدية، بل التعليق الثاقب حول الحياة الآخرة، والتشاؤم العام الذي يزدهر في جميع الأنحاء.
نجح نوي في إنشاء عالم كئيب من عالم آخر جميل بشكل غريب في قبحه، مما يجعل من المستحيل النظر بعيداً حتى تظهر الاعتمادات الأخيرة. والسؤال الفعلي لا يزال قائماً: هل هناك أي شيء آخر غير الفراغ؟ تحفة حقيقية.
1. The Mirror (1975)
وصل تأثير أندريه تاركوفسكي على السينما بالفعل إلى أبعاد أسطورية. كل قطعة من عمله هي قطعة فنية، قصيدة فعلية تُروى من خلال صور ساحرة. أحد أهم إبداعات تاركوفسكي هو فيلم The Mirror (1975) الذي يحمل طابعاً ذاتياً فضفاضاً.
إنها قصة غير خطية عن رجل يحتضر يسترجع حياته الماضية، طفولته، أيامه في الحرب، والديه، وعائلته المكسورة. إنه فيلم ذاتي المرجعية شخصي للغاية (على سبيل المثال، ملصق “Andrei Rublev” على الحائط)، بما في ذلك قصائد من والد تاركوفسكي، وتمثيل والدته وزوجته، وتجاربه الخاصة.
يتحول التصوير السينمائي باستمرار بين الألوان الكاملة، البني الفاتح، والأبيض والأسود؛ لا يوجد تماسك في السرد، مما يجعل التجربة أكثر حلمية. هناك شعور منوم حقاً، رؤية حياة رجل تتكشف أمام عينيك، مروية بطريقة شاعرية.
أحياناً يكون من الصعب مواكبة التحول المفاجئ في النبرة والسرد المربك، لكنه أيضاً مؤثر حقاً. يسمح تاركوفسكي للمشاهد بمشاهدة الذكريات المبعثرة لرجل يحتضر (الذي يمكن أن يكون والد تاركوفسكي نفسه) وتماسك تفكيره. يعمل العقل البشري في الغالب بشكل غير متماسك، يقفز من فكرة إلى أخرى، وليس مثل حبكة محددة مسبقاً. هذه هي الفكرة العامة للفيلم.
يمكن أن يكون كل إطار بسهولة لوحة، عمل الكاميرا مع اللقطات الطويلة ظاهرة، كل كلمة منطوقة لها معنى، وكل فكرة غير متسقة لها مكانها. إنه أحد تلك الأفلام التي تترك رواد السينما غارقين في التفكير حول حياتهم.
