تُبيّن لنا نظرة فاحصة على تسعينيات القرن الماضي أنها كانت حقبة مذهلة في تاريخ السينما. فقد شهد ذلك العقد المتنوع بصرياً فيضاً لا ينتهي من المشاهد الآسرة التي أطلقت العنان لمخيلة الجمهور حول العالم.
ورغم بروز العديد من الأفلام منذ الوهلة الأولى، إلا أن سعي “تست أوف سينما” الدؤوب لاختيار أكثر الأفلام روعة من الناحية البصرية في التسعينيات لم يكن مهمة سهلة. تقدم القائمة التالية أفلاماً ذات عمق مذهل، وتناظر مثير، وإخراج فني لا تشوبه شائبة، وتكوينات بصرية بديعة، مع لمسة من الرقي الواثق، ومخزون عميق من الرؤى والإلهام. لا تترددوا في إضافة اقتراحاتكم في قسم التعليقات أدناه، والأهم من ذلك، استمتعوا بالمشاهدة!
20. Farewell My Concubine (1993)
يُجسد المخرج تشن كايجي براعته المعهودة في تقديم صور غنية ونطاق ملحمي في فيلمه الرومانسي التاريخي الصيني Farewell My Concubine (1993). الفيلم اقتباس عن رواية ليليان لي الحائزة على جوائز عام 1985، وتدور أحداثه وسط الاضطرابات السياسية في منتصف القرن العشرين، كما يستفيد هذا العمل الحائز على السعفة الذهبية من طاقم تمثيل لامع يضم ليزلي تشيونغ، وغونغ لي، وفينغي تشانغ.
تبدأ الأحداث عام 1924 حين يبدأ الشاب تشنغ ديي (تشيونغ) تدريبه في دار أوبرا بكين بالتزامن مع الموهوب دوان شياولو (تشانغ). يتخصص تشنغ في أداء الأدوار النسائية، غالباً أمام أدوار دوان الرجولية المهيمنة. وبينما يتظاهر تشنغ بالحب تجاه دوان على خشبة المسرح، يجد نفسه واقعاً في مشاعر رومانسية حقيقية تجاه زميله، وهي مشاعر للأسف لا تُقابل بالمثل. على مدى العقود التالية، يحافظ الرجلان على صداقة مهنية وشخصية معقدة بينما تمر الصين بتغيرات عميقة ومضطربة مماثلة.
يتكشف السرد في Farewell My Concubine بصبر كبير ومجزٍ، مُظهراً مودة ليس فقط للشخصيات، بل للمسرح أيضاً. غالباً ما يكون الفيلم ملوناً، رسمياً، ومؤثراً بشكل شجي، حيث نادراً ما تُصوّر قسوة القدر وجنون القلب بهذه الأناقة. في بعض الأحيان، يعمل الفيلم كدرس في التاريخ، ونقد اجتماعي، ومسرحية موسيقية، وقصة حب مؤثرة للغاية.
أجاد جيف أندروز من مجلة “تايم آوت” حين أشاد بالفيلم قائلاً: “…ملحمة تشن البصرية المذهلة هي أوبرا في جوهرها، وفخمة من كل النواحي. ذكية، آسرة، ومفعمة بالحيوية.”
19. Lessons of Darkness (1992)
تكمن تصاميم وزخارف هيرونيموس بوش وغويا في قلب فيلم فيرنر هيرتزوغ الغريب وشبه الوثائقي Lessons of Darkness (1992). يتبنى هيرتزوغ منظور مراقب فضائي، ويستكشف حقول النفط المدمرة في الكويت بعد حرب الخليج بينما يضرم الجيش العراقي النيران فيها جميعاً.
النتائج رائعة ومروعة بشكل استثنائي، مع غموض هيرتزوغ المعهود حيث يقوم المراقب الفضائي بتجريد فظائع الحرب من سياقها، وهو نهج أثار جدلاً واسعاً في ذلك الوقت.
كتبت الناقدة السينمائية والباحثة جانيت ماسلين: “باستخدام موهبته في التجريد البليغ، يخلق [هيرتزوغ] صوراً رصينة وجميلة بشكل فاحش لعالم طبيعي خرج عن السيطرة.”
18. Eyes Wide Shut (1999)
ينسج فيلم Eyes Wide Shut (1999)، وهو العمل الأخير للمخرج ستانلي كوبريك، تعويذة غريبة ومثيرة مستمدة مباشرة من صفحات رواية آرثر شنيتزلر “Traumnovelle” الصادرة عام 1926، مع إضافات من كوبريك وكاتب السيناريو فريدريك رافائيل.
تدور هذه الرحلة الليلية الحسية في مدينة نيويورك، حيث يتواصل الدكتور بيل هارفورد (توم كروز) وزوجته أليس (نيكول كيدمان) مع مجتمع سري مولع بالحفلات الصاخبة والأقنعة البندقية المخيفة. هناك ما هو أكثر من ذلك بالطبع، ولا شيء يبدو على حقيقته، ورغم أن الإيقاع البطيء والغموض قد ينفران بعض المشاهدين، إلا أن هناك مكافآت غنية للمشاهد الصبور، بالإضافة إلى لمسات كوبريك البصرية المعهودة.
من النادر أن يخلق فيلم جواً حلمياً حياً كهذا، وأن يقدم نجوم كبار مثل كروز وكيدمان أنفسهم بهذه الضعف والصدق والجرأة، وكأن زواج شخصياتهما المتفكك يعكس حياتهما الخاصة. إنه فيلم فني بكل تأكيد، ولكنه أيضاً كابوس مصور بأناقة لزواج على حافة الانهيار.
17. Underground (1995)
اقترحت ديبورا يونغ من مجلة “فارايتي”: “لو أخرج فيليني فيلماً عن الحرب، لربما كان سيشبه Underground (1995).”
أخرج أمير كوستوريتسا الفيلم، وشارك أيضاً في كتابة السيناريو (إلى جانب دوشان كوفاتشيفيتش)، ويعد Underground حكاية ملحمية لصديقين من تجار السوق السوداء، ماركو (ميكي مانويلوفيتش) وبلاكي (لازار ريستوفسكي)، تبدأ مع اندلاع الحرب العالمية الثانية وتتبعهما حتى بداية حروب يوغوسلافيا في التسعينيات (مع بقاء طويل في الملجأ تحت الأرض المذكور في العنوان).
فاز Underground بالسعفة الذهبية في مهرجان كان السينمائي عام 1995، وتمتع الفيلم بقاعدة جماهيرية (رغم أن مدته الملحمية التي تبلغ 5 ساعات و20 دقيقة منعته من أن يكون فيلماً تجارياً واسع الانتشار)، ونادراً ما يكون دمج الإخراج المشهدي بالكوميديا ناجحاً كما هو الحال هنا. وبينما تبهرنا الصور بحق، فإن جزءاً كبيراً مما يجعل Underground عملاً جميلاً هو الموسيقى التصويرية الأوركسترالية للمؤلف غوران بريغوفيتش.
لا تفوتوه، وابحثوا عن النسخة الأقل ترهيباً التي تبلغ مدتها 167 دقيقة إذا كانت النسخة الكاملة تبدو مخيفة.
16. Goodbye South, Goodbye (1996)
يعد فيلم Goodbye South, Goodbye (1996) الأول من بين فيلمين في هذه القائمة للمخرج هو هسياو-هسين، نجم السينما البطيئة الذي يُعتبر بانتظام أحد أفضل المخرجين في العالم، وهو فيلم غير متسرع ولكنه عميق التأثير.
من خلال تتبع حياة جيلين من البلطجية في تايبيه، تلاحق الفيلم مواضيع حزينة مثل الانتحار، والصفقات الفاشلة، والانتقام العنيف، وقد اختارته مجلة “كاييه دو سينما” كواحد من أفضل أفلام التسعينيات.
بأسلوب متراخٍ وصارم، يفيض الفيلم بلقطات طويلة، ولوحة ألوان محمومة، وإضاءة رائعة بشكل مذهل، حيث يتم فحص تأثير الزمن والتحول من جيل إلى آخر بعمق، وهو ما لم يتنبأ فقط بفيلم هو هسياو-هسين المذهل Millennium Mambo (2001)، بل عكس أيضاً ربما أكبر مصدر إلهام له، وهو مثله الأعلى ياسوجيرو أوزو.
يُعد Goodbye South, Goodbye مقدمة رائعة لأعمال هو، واختباراً لقدرة المشاهد على تحمل نهجه الذي يجمع بين الألم والفن. إنه فيلم رائع.
15. All About My Mother (1999)
عمل جميل يفيض بالحياة، حيث يوازن كاتب السيناريو والمخرج بيدرو ألمودوبار ببراعة بين الميلودراما على طريقة سيرك والقضايا الاجتماعية المعقدة مثل الإيدز، والوجودية، والإيمان، وسيولة النوع الاجتماعي، والمثلية الجنسية في واحد من أكثر الأفلام روعة التي أنتجتها التسعينيات.
اعتبرت جانيت ماسلين، ناقدة صحيفة “نيويورك تايمز”، أن الفيلم هو “أفضل أفلام ألمودوبار على الإطلاق”، كما أُعجبت بكيفية تقديم المخرج لهذه الميلودراما النسائية ببراعة “بتعاطف يذكرنا بجورج كوكور، وبكثافة تدمع لها العيون تتفوق على دوغلاس سيرك نفسه.”
بإعادة زيارة أصول الحبكة في فيلمه السابق The Flower of My Secret (1995)، استلهم ألمودوبار أيضاً مقالاً قرأه “عن مجموعة من الراهبات اللواتي عشن في منزل وعملن مع المتحولين جنسياً والعاهرات ومدمني المخدرات، محاولات مساعدتهم على تأسيس حياة جديدة لأنفسهم.”
بينما يشيد فيلم ألمودوبار بالمخرج سيرك المذكور، هناك أيضاً إشارات للكتاب ترومان كابوتي، وفيديريكو غارسيا لوركا، وتينيسي ويليامز، وأسطورة السينما ألفريد هيتشكوك. من خلال إضفاء طابع الميلودراما التلفزيونية والصفحات الملونة للقصص المصورة على الفيلم، تم تجميع هذا العمل المثير ببراعة، وتصويره ديناميكياً، وهو جريء في كل تفاصيله. يبدو الأمر كما لو أن ألمودوبار سعى لإعادة ابتكار أفلام النساء في الماضي بوهج حداثي ساخر. إنه متعة حقيقية.
14. A Brighter Summer Day (1991)
فيلم غامر تماماً وممتع من اللقطة الأولى إلى الأخيرة، فيلم إدوارد يانغ الذي يقترب من أربع ساعات A Brighter Summer Day (1991) هو، كما وصفه أ. أو. سكوت ببراعة: “أحد تلك الأفلام التي تكشف، من خلال التراكم البطيء للتفاصيل والرؤية الدرامية الجريئة، عن بنية وشعور عالم بأكمله.”
تدور الأحداث في تايوان خلال الستينيات خلال عام دراسي واحد في مدينة تايبيه الصاخبة، حيث يختبر صبي صغير حبه الأول وسط حوالي اثنتي عشرة شخصية أخرى (العديد منهم ليسوا ممثلين محترفين ويقدمون أداءً صادقاً بعيداً عن هوليوود)، كل ذلك تحت إخراج يانغ الصبور والشغوف والهادئ.
بتفضيله اللقطة الطويلة والكاميرا الثابتة على اللقطة القريبة أو حركة الكاميرا السريعة، يعرض طاقم يانغ الموهوب من الهواة نطاقاً عاطفياً مذهلاً ومقنعاً في ما يُعتبر بانتظام ذروة الموجة الجديدة التايوانية. نادراً ما يكون السرد بهذا الاتساع والاستفزاز.
كتب كريستوفر بيل من “إندي واير”: “هنا، شيد يانغ تجربة زمنية […] لا يمكن لأي فنان في أي وسيط أن يأمل في تحقيقها”، مضيفاً: “إذا كنت تحب السينما، فستحب هذا الفيلم. هذا وعد.”
13. Flowers of Shanghai (1998)
قال هو هسياو-هسين عن أفلامه في مقابلة حديثة: “حياتنا مليئة بذكريات مجزأة. لا يمكننا تسميتها، ولا يمكننا تصنيفها، وليس لها أهمية كبيرة. لكنها تظل عالقة في العقل، بطريقة لا تتزعزع.”
تدور أحداث Flowers of Shanghai (1998) عام 1884 في أربعة بيوت دعارة أنيقة (تسمى “بيوت الزهور”)، ويُعتبر هذا الفيلم المبتكر والجميل بشكل لا يصدق أكثر أفلام هو فخامة من الناحية البصرية. الفيلم بطيء الإيقاع، وغالباً ما يصعب متابعته، لكنه دائماً مريح للعين، ويروي قصصاً متشابكة عن الحب والولاء والخداع.
إنه فيلم لعشاق حركة السينما البطيئة، حيث يتطلب صبراً كبيراً. العديد من اللقطات تستمر من سبع إلى عشر دقائق دون مونتاج، والتصوير السينمائي دقيق بشكل مؤلم، بل ومذهل. غالباً ما تبدو المشاهد كلوحات جدارية مفصلة بغنى، تغوي المشاهد وتسحبه ببطء كما لو كان في حلم يقظة ناتج عن مخدر. تنتظر المكافآت الغنية أولئك الذين لديهم القدرة على تقديرها، وهذا ليس انتقاصاً. أفلام هو ليست للجميع ولكنها قد تكون لك. جرب مشاهدته، فقد يعجبك ما ستجده.
12. Dreams (1990)
يقدم هذا الإنتاج الياباني الخيالي ببراعة، الذي كتبه وأخرجه الأسطوري أكيرا كوروساوا، سلسلة من ثماني لقطات مشبعة بالواقعية السحرية ومستوحاة من أحلام مؤلفه المتكررة.
صُنع فيلم Dreams (1990) نوعاً ما بطلب وبمساعدة معجبي كوروساوا الكبار جورج لوكاس، وفرانسيس فورد كوبولا، وستيفن سبيلبرغ، ومارتن سكورسيزي (الذي يظهر في أحد المشاهد كفنسنت فان جوخ)، وهو تجربة مبتكرة ذات مواضيع بيئية قوية.
كتب ريتشارد شيكل في مقال عام 1990 لمجلة “تايم” بعنوان “حكايات ليلية، مروية بسحر”: “في سن الثمانين، كوروساوا […] غير صبور مع التصنع؛ لقد كان منذ فترة طويلة سيداً للسرد المعقد. الآن [كوروساوا] يريد أن يروي ما يفعله. لا توجد تجاورات جامحة لمخلوقات عالم نومه مع صور عالم يقظته. إنها، بعد كل شيء، نتاج لنفس الحساسية. إيقاعات المونتاج والإخراج لديه هادئة – بشكل مغناطيسي. لكي نتمكن من القيام بذلك، نحتاج إلى معرفة ما يجري. وهذا أحد أكثر أعمال الأحلام وضوحاً التي تم وضعها على الفيلم.”
11. Sátántangó (1994)
فيلم Sátántangó (1994) للمخرج بيلا تار، الذي تم تصويره وتأطيره ببراعة باللونين الأبيض والأسود، هو، كما اقترحت سوزان سونتاغ، “مدمر وآسر في كل دقيقة من ساعاته السبع.” ورغم وضع المدة الطويلة جانباً، فقد خلصت سونتاغ إلى أنها ستكون سعيدة “بمشاهدته كل عام لبقية حياتي.”
المدة الملحمية دائماً ما تكون صعبة التسويق، بالتأكيد، لكن دراسة تار العرضية لسكان قرية مجرية صغيرة يتعاملون مع آثار سقوط الشيوعية هي دورة في الرؤية الفنية. اللقطات الطويلة، واللقطات التي تستمر غالباً حوالي 10 دقائق (بما في ذلك عدد كبير من تسلسلات الرقص المؤطرة بأناقة مع كاميرا ثابتة تماماً)، هي بالتأكيد نوع الفيلم الذي يختبر ويكافئ أكثر المشاهدين صبراً بيننا.
10. Chungking Express (1994)
يضم فيلم Chungking Express (1994) للمخرج وونغ كار واي نجمة البوب الصينية فاي وونغ في واحدة من قصتين مفعمتين بالطاقة بشكل مستحيل، ومشبعتين بالألوان، ومنمقتين للغاية. مع جمالية الفيديو الموسيقي، يتعزز هذا الفيلم النابض بالحياة باستخدام الموسيقى (هل سيتم استخدام أغنية “California Dreamin'” لفرقة ماماز أند باباز بمثل هذا التأثير المجيد مرة أخرى؟)، مع إضافة غوص سري عرضي في حلم سريالي تقريباً.
من الصعب نسيان Chungking Express — حيث يمتزج الشوق الرومانسي والتضحية المؤثرة والمفعمة بالعاطفة مع عدم اليقين السهل للشباب والحكمة المكتسبة — مما يجعله أول تحفة حقيقية لوونغ.
9. Dead Man (1995)
وفقاً للمؤلف والناقد السينمائي ج. هوبرمان، “[Dead Man] هو فيلم الويسترن الذي أراد أندريه تاركوفسكي دائماً صنعه”، وبالنظر إلى البيانات الوجودية وما بعد الحداثية والمروعة الصادرة في فيلم جيم جارموش Dead Man (1995)، فإن هوبرمان يتحدث بحقيقة لا غبار عليها.
باستخدام أسلوبه البسيط والمطلع، اختار جارموش جوني ديب للدور الرئيسي كويليام بليك، زائر للحدود الغربية، الذي لا يملك وقتاً طويلاً في هذه الدنيا. بليك الذي يؤديه ديب هو إشارة أدبية متعمدة لشاعر القرن الثامن عشر — إشارة متكررة هي أن شعر بليك موجود في رصاصات مسدسه — وDead Man يتدفق بمثل هذا الاقتراح.
بشراكة مترددة مع أمريكي أصلي يدعى “نوبودي” (غاري فارمر)، وهو بمثابة فيرجيل لدانتي ديب، يشرعان في رثاء جنائزي لن ينتهي لصالحهما. يقدم Dead Man قائمة ملهمة من الظهور الخاطف المجنون (بما في ذلك بيلي بوب ثورنتون، وروبرت ميتشوم، وإيجي بوب)، وموسيقى تصويرية مذهلة لنيل يونغ، والأكثر إثارة للجدل، معالجة غير تقليدية للرأسمالية والعنصرية والعنف السينمائي. إنه الفيلم الأكثر قتامة وصدمة في أعمال جارموش، وهو أيضاً الأكثر شمولاً.
8. Safe (1995)
فيلم رعب فني وجودي، يفصل فيلم Safe (1995) للكاتب والمخرج تود هاينز ببرود الكارثة التي تنتظر امرأة من لوس أنجلوس، كارول وايت (جوليان مور، رائعة)، التي تعاني من حساسية تجاه بيئتها الخاصة. تحفة من عدم اليقين المنفصل والرعب الزاحف، Safe هو أيضاً أحد أفضل الأفلام الأمريكية في التسعينيات.
كارول هي ربة منزل في جنوب كاليفورنيا عام 1987، حيث تعيش حياة رتيبة في واجهة ضاحية رصينة تبدأ ببطء في التلاشي من حولها. تمارس الجنس بلا حياة مع زوجها المعتوه (زاندر بيركلي)، وتتسوق، وتثرثر، ولديها مواعيد لتصفيف الشعر، وتنهار حياتها المريحة شيئاً فشيئاً.
يكمن رعب فيلم هاينز وسط القلق في حياة كارول اليومية، وانفصالها عن عائلتها، وعدم قدرتها على العمل. يُظهر هاينز إحساساً كوبريكياً في بعض الأحيان بديناميكيات المكان، مع إشارات عرضية لأفلام الإثارة والبارانويا في السبعينيات (فكر في The Conversation [1974]، وMarathon Man [1976]، وThe Parallax View [1974])، وأدلة على أجواء امرأة في محنة على طريقة أنطونيوني (Il Deserto Rosso [1964] تحديداً)، ومع ذلك لا يزال يحتفظ بأنماطه وتلاعباته المبتكرة.
كتمرين في الأسلوب البصري، يثبت هاينز براعته في Safe، وهو فيلم يتطلب قياساً واضحاً من المشاهد. إنه يلمح إلى السينما البطيئة باستخدامه المستمر للقطات الرئيسية، ويشكل مثالاً رئيسياً على برودة ما بعد الحداثة الأنيقة. إنه يسمح بلقطاته المركبة بعناية بأن تطول، وتتصاعد، وتغترب، مما يؤدي إلى خليط آسر ومسيطر عليه يتأرجح وفقاً لنزوة المشاهد المجتهد.
في النهاية مع Safe، يقدم هاينز كابوساً من التحلل الاستهلاكي، لحياة امرأة استنزفت حيويتها، آمنة فقط في معرفة أن شيئاً ما خاطئ بشكل فظيع.
7. Beau Travail (1999)
مستوحى بشكل فضفاض من رواية هيرمان ملفيل عام 1888 “Billy Budd”، فيلم المخرجة الفرنسية الاستفزازية كلير دينيس Beau Travail (1999) يشبه عملاً من أعمال السحر الأسود. كما يقترح تشارلز تايلور من “صالون”: “[Beau Travail] هو المثال الأكثر تطرفاً لموهبة [دينيس]، محير ومبهج. لا أعرف متى شاهدت فيلماً غريباً جداً من نواحٍ كثيرة عما يجذبني إلى الأفلام وما زلت أشعر بأنني تحت تعويذة.”
مستذكراً حياته التي كانت يوماً ما مجيدة ومليئة، يقود ضابط الفيلق الأجنبي غالوب (دينيس لافانت) قواته في خليج جيبوتي. على الرغم من صرامته وانضباطه، فإن حياة غالوب سعيدة حتى وصول سينتين (غريغوار كولين)، الذي يزرع بذور السمية. بدافع من الرغبة في منعه من لفت انتباه القائد الذي يعجب به، ستؤدي غيرة غالوب إلى دمار متبادل حيث تمتزج سياسات النوع الاجتماعي والعرق مع حب دينيس للإضاءة واللون والتكوين الذي لا يخطئ.
كتب ج. هوبرمان من “فيليدج فويس”: “ملموس جداً في التصوير السينمائي، ومبتكر جداً في وضع الكاميرا، وحسي في المونتاج لدرجة أن السرد المتعمد الغامض والمتراخي يكاد يطغى عليه.”
ظلت دينيس، في السنوات التي تلت Beau Travail، واحدة من أكثر مخرجي السينما المعاصرة جرأة، مع موهبة شرسة. قد يكون هذا هو ذروة مجدها وقد ساعد بالتأكيد في إنهاء العقد بنغمة رائعة وعالية جداً.
6. The Double Life of Veronique (1991)
تثبت إيرين جاكوب أنها أيقونة السينما الفنية في التسعينيات، بالإضافة إلى كونها أعظم ملهمة لكريستوف كيشلوفسكي في فيلم The Double Life of Veronique (1991)، وهو أيضاً جرعة بطولية من الواقعية السحرية والشعر البصري. في أدوار مزدوجة كفيرونيكا، مغنية جوقة بولندية، وفيرونيك، معلمة موسيقى فرنسية، جاكوب مذهلة وسامية في لعبة التقليد التي تلي ذلك.
يستقر شعور أساسي بالغثيان كزاوية ميتافيزيقية/روحية/وجودية، وكلها تخصصات كيشلوفسكي، تستهلك المشاهد. هناك غموض وتعقيد في وفرة، كلها مفصلة برشاقة بعين كيشلوفسكي الحساسة — المصور السينمائي سلاومير إيدزياك يقوم بدوره أيضاً، حيث يؤطر ويصور جاكوب بالطريقة التي صور بها جوزيف فون ستيرنبرغ مارلين ديتريش، أي كإلهة ذهبية اللون — مغناطيسية وأبوكريفية بينما ينسج أساطير بطرق عديدة جديدة على السينما.
حبكة The Double Life of Veronique ليست سهلة التلخيص، لكن مشاهدتها تتكشف مثل مشاهدة زهرة نادرة ورقيقة تتفتح للشمس الدافئة، وهي عطرة وصابرة ورائعة ورائعة كما يوحي ذلك التشبيه. لا تفوتوا هذا الفيلم الرائع.
5. Breaking the Waves (1995)
وصل مارتن سكورسيزي إلى جوهر الأمر عندما قال: “فيلم لارس فون ترير Breaking the Waves (1995) هو فيلم روحي حقاً يطرح سؤال ‘ما هو الحب وما هي الرحمة؟'”
كان فيلم Breaking the Waves عام 1996 هو الاختراق الذي حدد مسيرة فون ترير المهنية، وهو الذي أعلن عنه للعالم كمستفز وممارس لنظرية المؤلف السينمائي.
يأتي الكثير من قوة Breaking the Waves من الأداء الشاهق لإميلي واتسون التي لا تُنسى تماماً كالبطلة بيس ماكنيل التي تتعرض للمحن.
تدور أحداث هذا الفيلم الرومانسي المؤثر في جزر هبريدس الخارجية في شمال غرب اسكتلندا النائية خلال السبعينيات، وهو عمل ملحمي من التصنع الهستيري. Breaking the Waves هو أيضاً ميلودراما وملحمة عن الإيمان والحب والاستشهاد والتكفير. يكتسب الفيلم زخماً وقوة مذهلة من خلال الأحداث القاسية بشكل متزايد والشريرة بشكل محطم في الساعة الأخيرة من الفيلم — والتي تتضمن استدعاء بيس بشكل خارق للطبيعة إلى البحر من قبل بحار قاسٍ وسادي يلعب دوره أودو كير المهدد.
بالاستلهام بالتساوي من كارل ثيودور دراير — فيلمه Gertrud (1964) هو من نواحٍ عديدة قالب هذا الفيلم، لكن التصوير السينمائي والمعاناة القديسة في The Passion of Joan of Arc (1928) والأساسيات الخام في Ordet (1955) تستحق الذكر أيضاً — ورواية ماركيز دي ساد عام 1791، Justine. يختار فون ترير تأثيراته جيداً، وبينما يتأثر بها، فإنه يتجاوزها أيضاً من نواحٍ عديدة.
مزعج بحق، وغير سار أخلاقياً، ومع ذلك مبهر بشكل لا يتزعزع ومليء بالنعمة بجنون، Breaking the Waves هو تجربة غامرة ومبهجة وذروة مخرج سينمائي لامع.
4. Goodfellas (1990)
بلمحة سريعة، من السهل التغاضي عن الجمال المذهل لملحمة الجريمة الإيطالية الأمريكية لمارتن سكورسيزي في أوائل التسعينيات، Goodfellas (1990). ولكن بالعمل مع ثنائي خلف الكاميرا المقدس المكون من المصور السينمائي مايكل بالهاوس والمونتيرة ثيلما شونماكر، من السهل فهم كيف تضيف الصور الغنية والسرد المذهل إلى واحدة من أكثر تجارب المشاهدة غامرة وسحراً في العقد.
من التعليق الصوتي لراي ليوتا في افتتاحية تقديم هنري هيل — بحد ذاته تكريم أسلوبي لكلاسيكية الموجة الجديدة الفرنسية سريعة الإيقاع لفرانسوا تروفو Jules et Jim (1962) — وصولاً إلى مجموعة لا تنتهي تقريباً من المشاهد الأنيقة (مدخل هيل الخلفي إلى كوبا، اجتماعه سيئ النية مع “جيمي ذا جنت” الذي يلعبه روبرت دي نيرو والذي يتميز بأحد أفضل استخدامات “التمدد” التي تم تقديمها في ذلك العقد [حيث تتحرك الكاميرا للداخل بينما يتم تكبير العدسة للخارج، مما يخلق إعادة ضبط تأطير متوترة ومربكة]، وصولاً إلى اعتقال هيل في الفصل الثالث المثير للقلب والمشبع بالكوكايين، يمنح Goodfellas الجمهور مجموعة لا تنتهي من الأطباق البصرية.
نادراً ما تكون أفلام العصابات مشبعة بالكثير من البصيرة والفنية والأناقة مثل Goodfellas، وأي شيء آخر هو في الأساس مجرد “نودلز بيض وكاتشب.”
3. Three Colors Trilogy (1993-94)
سوف يقدر الجمهور ثلاثية Three Colors Trilogy (1993-94) للمخرج البولندي الأسطوري كريستوف كيشلوفسكي، وسوف يحللها النقاد ويناقشونها بحماس ربما إلى الأبد، وهذا مستحق. مستوحاة بمرح وعمق من ألوان العلم الفرنسي، هذا الثلاثي السينمائي الجريء هو كما يلي: Three Colors: Blue (1993)، Three Colors: White (1994)، وThree Colors: Red (1994).
وجميع الثلاثة شارك في كتابتها كيشلوفسكي وكريستوف بيسيفيتش (مع مستشاري القصة أغنيسكا هولاند وسلاومير إيدزياك)، ولديها موسيقى تصويرية لزبيغنيو بريسنر، وبالطبع أخرجها كيشلوفسكي بشكل مثير. كانت ضربته القاضية وبيانه السينمائي الأخير، حيث تقاعد كيشلوفسكي بعد الثلاثية، بسبب مشاكل صحية في الغالب (توفي بسبب مضاعفات بعد نوبة قلبية في عام 1996).
يؤكد كل فيلم، كما توحي عناوينها، على لون وطيف عاطفي مختلف، ويلعب أيضاً على المثل السياسية الثلاثة في شعار الجمهورية الفرنسية: “الحرية، المساواة، والإخاء.” وكونه راوياً تخريبياً دائماً، فقد تم الإعلان عن كل فيلم في التسلسل بحق على التوالي كـ “مضاد للمأساة، ومضاد للكوميديا، ومضاد للرومانسية.”
بمساعدة مصورين سينمائيين من الدرجة الأولى سلاومير إيدزياك (Blue)، وإدوارد كلوسينسكي (White)، وبيوتر سوبوسينسكي (Red)، وبالطبع طاقم أحلام تقوده النساء (بما في ذلك جولييت بينوش، وجولي ديلبي، وإيرين جاكوب)، تلقي هذه الأفلام توهجاً ملوناً لم يزدد إلا في التأثير والقوة على مر السنين.
كتب روجر إيبرت: “كل الأفلام الثلاثة تجذبنا باهتمام سردي فوري. إنها ميتافيزيقية بالمثال، وليس بالنظرية: كيشلوفسكي يروي المثل لكنه لا يعظ بالدرس.”
2. Raise the Red Lantern (1991)
يؤكد ييمو يانغ مكانته كواحد من أكثر المخرجين براعة وفنية مع الفيلم المذهل والمثير، Raise the Red Lantern (1991). الفيلم الأخير في ثلاثيته الفضفاضة التي بدأت بفيلم Red Sorghum عام 1987، واستمرت في Ju Dou عام 1990، هذا هو الأكثر كآبة من بين هذه الميلودرامات ذات اللون القرمزي.
قالت الممثلة إيزابيلا روسيليني في مناقشة BFI لأفلامها المفضلة: “قارن الناس بين غونغ لي وتشانغ ييمو وديتريش وفون ستيرنبرغ، لكن بالنسبة لي الزوجان الصينيان أكثر غموضاً بشكل مثير للإعجاب في تصميمهما وRaise the Red Lantern هو الأفضل لهما”، مضيفة أن “…يبدو الأمر كتاريخ بلد، وثقافة وحتى نوع اجتماعي كلها موجودة في أي إطار مختار عشوائياً لهذه القصيدة الهادئة والرائعة.”
تم تصويره بتقنية Technicolor ثلاثية الشرائط، وهي عملية تخلت عنها هوليوود منذ فترة طويلة، والتي تمنح ثراءً في الأحمر وفخامة في الأصفر لم تعد قابلة للتحقيق في الأفلام الأمريكية، يتجنب فيلم تشانغ التاريخي الحزين العاطفة المبتذلة بينما لا يزال يعظم احمراره المذكور في العنوان. يمكن للمرء أن يجادل بأن اللوحة الملونة تهم بقدر ما تهم سونغليان (غونغ لي) في هذه الحكاية الشتوية عن البرودة الخانقة والتحرر المرير.
Raise the Red Lantern هو أكثر من مجرد عرض للإطارات المركبة بشكل مثالي، لكنه بلا شك سيجذب المشاهدين للعودة لتلك الصور المؤرقة والمحطمة للقلب. جوهرة.
1. The Thin Red Line (1998)
معالجة جنون الحرب من منظور لاهوتي للغاية هي جزء من نطاق تيرينس ماليك واسع النطاق في ملحمته المنتظرة منذ فترة طويلة عن الحرب العالمية الثانية، المستوحاة بشكل فضفاض من كتاب جيمس جونز عام 1962، “The Thin Red Line”. أخذ حساب جونز المفصل لمعركة جبل أوستن، جزء من حملة غوادالكانال، وتخييله بأسلوب ماليك الحقيقي — الخوض وتفصيل الوعي الجماعي للجنود المشتتين من السرية C، الكتيبة الأولى، فوج المشاة 27، وفرقة المشاة 25 والعالم الغريب والملموس من حولهم بإدراك تصويري وعقل شاعر محموم.
“ما الفرق الذي تعتقد أنه يمكنك إحداثه، رجل واحد في كل هذا الجنون؟” يسأل الرقيب الأول إدوارد ويلش (شون بن)، بشكل بلاغي تقريباً. سعي ماليك لمعنى الحياة، المنكسر والمعاد صياغته في السرد الإهليلجي لفيلم The Thin Red Line (1998) يظل طويلاً في ذهن المشاهد المغامر، تماماً كما ينبغي.
ماليك، ومصوره السينمائي جون تول، وفريق المونتاج المكون من ليزلي جونز، وسار كلاين، وبيلي ويبر يتركون الإطارات تطول وتتراخى عبر الحياة البرية الملونة، والأشجار الشاهقة، والأمواج اللطيفة، وتلاعب الضوء الذي يتم طمسه في بعض الأحيان بواسطة آلة الحرب المدمرة للإنسان.
كما كتب مايكل أوسوليفان من “واشنطن بوست”: “The Thin Red Line هو فيلم عن الخلق الذي ينمو من الدمار، عن الحب حيث لا تتوقع العثور عليه وعن الملائكة — خاصة النوع الساقط — الذين يصادف أنهم رجال.”
رفيع المستوى ومخترق للقلب، فيلم ماليك لا يقل أبداً عن كونه رائعاً، بينما يكون أيضاً غلافياً بشكل واضح وربما فلسفياً لخطأ. بينما تبدو جوانب الفيلم مشوشة، حتى غير مكتملة (إصدار بلو راي لعام 2010 من كريتيريون يقدم نسخة مخرج طويلة تكافئ الصبور بنسخة نهائية تقريباً، وقد ترى نسخة مدتها 5 ساعات النور قريباً أيضاً)، يظل The Thin Red Line نصباً تذكارياً للتصنع والجمال الذي، كما يكتب ج. هوبرمان، “يزدهر على التوتر بين المذبحة المروعة والطبيعة الجميلة غير المبالية.”
تجربة سينمائية فريدة من نوعها لا ينبغي تفويتها، قلة من الأفلام يمكن مقارنتها بالجمال الذي يصوره The Thin Red Line. كلاسيكي.
