عندما يتعلق الأمر بإعداد قوائم تصنف أعظم الأفلام على الإطلاق، عادة ما يندلع نقاش حاد. فالسينما تمتلك الكثير من الأصوات الفريدة، والعديد من الأنواع والأنواع الفرعية، وحقبات زمنية متنوعة، مما يجعل حصر الأفضل مهمة تبدو مستحيلة. تجعل قائمة IMDb لأفضل 250 فيلماً العملية أسهل قليلاً: فمن خلال تجميع تقييمات المستخدمين لكل فيلم وتحديثها باستمرار، يمكن تكوين فكرة عن ذوق جمهور السينما العام.
ومع ذلك، فإن قائمتهم، رغم احتوائها على العديد من الأعمال الكلاسيكية القديمة والجديدة، ليست خالية من الجدل: فبعض الأفلام وضعت في مراكز عالية جداً، وبعضها لا يستحق التواجد في القائمة من الأساس. يلقي هذا المقال نظرة متعمقة على 10 أمثلة بارزة ويشكك في جدارتها باحتلال مكانتها ضمن قائمة أفضل 250 فيلماً.
1. The Shawshank Redemption (#1 on IMDb top 250)
A sleeper hit, The Shawshank Redemption (1994) افتتح عرضه بإشادة نقدية عالمية تقريباً لكنه لم يحقق نجاحاً كبيراً في شباك التذاكر. بعد اكتسابه زخماً من خلال مبيعات أشرطة الفيديو وإعادة عرضه على القنوات التلفزيونية، أصبح الفيلم الأول للمخرج Frank Darabont الآن واحداً من أكثر الأفلام الأمريكية إشادة في آخر 25 عاماً.
استناداً إلى رواية Stephen King القصيرة Rita Hayworth and Shawshank Redemption، يتبع الفيلم شخصية Andy Dufresne بعد إرساله إلى السجن بتهمة قتل زوجته وعشيقها. يمكن لـ The Shawshank Redemption (1994) اليوم أن يدعي بحق أنه الفيلم الأكثر شعبية في نوع أفلام السجون، لكن تصويره لحياة السجن غريب. فمجموعة السجناء الذين يبدأ Andy في معاشرتهم يبدون كأنهم من ألطف وأصدق السجناء الذين تم حبسهم على الإطلاق. إنهم يديرون مكتبة، ويضحكون ويمزحون على السطح، ويتعايشون بشكل جيد بشكل مثير للقلق؛ يخلق Darabont رؤية غير عادية ومبتذلة لوجودهم داخل السجن.
في الواقع، عندما يتم الإفراج المشروط عن أمين المكتبة المسن Brooks ويبدأ حياته في الخارج، ينتهي به الأمر بشنق نفسه بسبب الوحدة. السجن، كما يُفهمنا الفيلم، ليس سيئاً للغاية. لا يقدم Darabont للجمهور أي شيء لفهم نفسية الشخصيات أو خلفياتها بشكل أفضل: شخصية Red التي يؤديها Morgan Freeman، الرجل الأسود فصيح اللسان، تقف كرجل نبيل وحكيم دون ذكر يذكر لماضيه الإجرامي، بينما يظهر Andy كشخصية بريئة تماماً ولطيفة ومتعاطفة.
ربما يكون هذا الأخير مرتبطاً بأداء Tim Robbins له أكثر من السيناريو أو الإخراج. يبدو تمثيله الباهت والمتبلد متصنعاً وغريباً، ويصبح من الصعب كمشاهد الاهتمام بسلامته. يكتفي The Shawshank Redemption (1994) بالقول إن بعض الناس سيئون وبعضهم جيدون ويجب أن نتفاعل معهم وفقاً لذلك دون أي تساؤل عن فهم أعمق. سذاجة الفيلم تعني أن القضايا الخطيرة مثل الاغتصاب والعنف يتم تقويضها تماماً.
لا يمكن لأحد أن يجادل في أنه فيلم جيد البناء، ومؤدى بشكل جيد في الغالب، ويبدو جيداً أيضاً بفضل التصوير السينمائي لـ Roger Deakin. لكن هذا هو أقصى ما في الأمر، ولهذا السبب يعتبر الفيلم مبالغاً في تقديره بالتأكيد. هناك ببساطة أفلام متفوقة بكثير تستكشف موضوعات مماثلة، مثل فيلم Robert Bresson المتقن A Man Escaped.
2. Amélie (#80)
ربما يكون Amélie (2001) الفيلم الأجنبي الأكثر إشادة في القرن الحادي والعشرين، ويمكن وصفه بالخداع. بالنسبة لعامة الناس، أصبح الفيلم قطعة مركزية في السينما الفرنسية؛ فكر في باريس ورومانسيتها المبهجة وسيفكر المرء حتماً في Amélie وأناقته اللطيفة. هذا بسبب سحره السطحي.
تخيل Audrey Tautou على ملصق الفيلم الشهير، كبطلة ساحرة تماماً، ومن الصعب ألا تقع تحت تأثير سحرها؛ تذكر عدد لا يحصى من المشاهد داخل حي Montmartre الجميل، وستجد أنه من المستحيل ألا تتوق لركوب الدراجة في شوارعه المرصوفة بالحصى في تلك اللحظة بالذات. لكن، بعد الاعتراف بكل ذلك، للأسف لا يحمل Amélie (2001) أي جوهر حقيقي.
الشخصية الرئيسية هي نادلة تتوق للحب. Tautou، كما ذكرنا، تستحق الدور، لكن Jean-Pierre Jeunet لا يبدو قادراً أبداً على تركها تستغل مواهبها؛ يبدو كل شيء مبنياً بشكل هائل من قبله، كل ذلك في سعيه لتحقيق مزاج ورؤية عظيمة يريد خلقها.
ونتيجة لذلك، فإن السحر الذي شعر به الكثيرون عند مشاهدة الفيلم يبدو غير طبيعي. جن جنون الشعب الفرنسي بالفيلم، واصطفوا بالآلاف لمشاهدته. في التفسير، لا يمكن للمرء إلا افتراض السبب: أن الفيلم يصور باريس خالية من السياح المزعجين وغير الصبورين، مما يخلق رؤية حنين للمدينة كما كانت عليه، مثل بلدة صغيرة مغلقة وحميمية ومثيرة للاهتمام.
علاوة على ذلك، فإنه يقدم صورة غير واقعية لباريس دون حتى مجتمعاتها الفقيرة والأقليات. بالنسبة لمدينة بها مثل هذا العدد الكبير من السكان العرب والأفارقة الذين يجتمعون في شوارعها، فهذا أمر لا يمكن تصوره ومضلل ببساطة.
وعلى هذا النحو، فإن Amélie (2001) هو فيلم يريد من جمهوره أن يحبه دون فرض أي مطالب على ذكائهم أو تفكيرهم. ربما، إذن، يمكن القول إن الفيلم له ابن عم روحي في أفلام لندن الناجحة جداً لـ Richard Curtis في التسعينيات مثل Four Weddings and a Funeral؛ ما صنعه هو وJeunet كان، في جوهره، نسخاً مخففة من مدنهما، أفكاراً صديقة للسياح عن لندن وباريس.
3. Braveheart (#76)
Remarkably a Best Picture winner, Braveheart (1995) أصبح مشهوراً بعدم دقته التاريخية الجامحة. نسخة Mel Gibson الكرتونية والسخيفة لحياة William Wallace، المحارب الاسكتلندي في القرن الثالث عشر الذي قاد أمته في معارك ضد مضطهديهم الإنجليز، لا تزال بالتأكيد تمثل مشهداً ترفيهياً هائلاً؛ ومع ذلك، لا يمكن تجاهل مدى تضليل وغرابة السرد تماماً.
مستوحى من قصيدة ملحمية لشاعر يدعى Blind Harry، من المفترض أن Gibson كان لديه مجال كبير لاستخدام الرخصة الفنية، لكن استخدامه لها مفرط وكوميدي. الاسكتلنديون، للأسف، بالتأكيد لم يكشفوا عن مؤخراتهم للإنجليز قبل معركة Stirling Bridge، على سبيل المثال. كما أنهم لم يرتدوا القماش المربعات المحزم، ولا التنانير الاسكتلندية من أي نوع.
يختلق السيناريو أيضاً علاقة حب غير مريحة بين Wallace والأميرة Isabella من فرنسا، زوجة Edward II ملك إنجلترا. كل هذه التضحية بالدقة في السعي وراء الترفيه المثير ستكون مقبولة، لولا المشاكل الإضافية التي يعاني منها فيلم Gibson. الإنجليز، في عرض مقلق من كره الأجانب، هم جميعاً أشرار وقساة.
بالنسبة لفيلم صنع في الغالب لجمهور أمريكي (بواسطة أسترالي)، فإن هذه الوطنية المبهجة المتعصبة متوقعة، لكن ذلك لا يقلل من خطئها. في غضون ذلك، يتم تصوير Edward II على أنه مخنث ومثلي الجنس تماماً، مما أدى إلى اتهامات برهاب المثلية؛ فعشيق الشخصية يُلقى به من نافذة حتى الموت، بعد كل شيء.
بالنسبة لرجل لديه تاريخ من التعليقات المعادية للمثليين، يبدو تصويراً مشبوهاً بشكل غير مريح من قبل Gibson، وهو أمر نفاه دائماً بشدة. بالنظر إلى ذلك بعمق، يبدو Braveheart (1995) فيلماً مشبوهاً، وإن كان تحت سطح من المغامرة والترفيه الملحمي.
4. Forrest Gump (#12)
كان Forrest Gump (1994) ظاهرة ثقافية مفاجئة وتغلغل في الثقافة الأمريكية منذ صدوره. يبدأ الفيلم بشخصية العنوان جالساً على مقعد في الحديقة، يروي قصة حياته لأحد المارة. على مدار الفيلم نرى لحظات عديدة يتقاطع فيها Forrest مع لحظات حاسمة في التاريخ الأمريكي خلال أواخر القرن العشرين.
لذلك، الفيلم هو مشهد مستمر من إشارات الثقافة الشعبية؛ حقيقة ساخرة، بالنظر إلى أن Forrest Gump (1994) قد انضم الآن إلى سجلات الثقافة الشعبية الأمريكية اللامعة بنفسه. الكثير من أحداث وسرد الفيلم إشكالي.
مشهد مبكر، على سبيل المثال، يظهر Forrest وهو يستمع إلى والدته وهي تمارس الجنس مع مدير مدرسته فقط حتى لا يتم إرساله إلى مدرسة خاصة؛ مثال رائع لقاصر. علاوة على ذلك، فإن التعامل مع شخصية Jenny مشكوك فيه أخلاقياً. كتمثيل للثقافة المضادة في الستينيات، تصبح هيبي، وتحتفل بقوة، وتريد أن تكون مغنية، وناشطة، وبحلول النهاية تصبح مدمنة مخدرات تعرضت للاعتداء الجنسي وتموت للأسف بسبب الإيدز.
أما بالنسبة لـ Forrest نفسه، فيمكن تلخيص الرسالة الشاملة بـ “افعل ما يُقال لك”. عندما تخبره Jenny بالركض في أي موقف خطر، يركض؛ نمط يستمر طوال حياته.
في الأساس، يقول الفيلم إنه لكي تكون ناجحاً وآمناً، على المرء ببساطة أن يفعل ما يُقال له دون التشكيك في أي شيء. في حين أنها رسالة غير مريحة في حد ذاتها، فإن ما يجعلها مزعجة للغاية هو تقديم الجانب الآخر وعواقبه.
فكر فيما يحدث لأولئك الذين يتواصل معهم طوال الفيلم: Bubba، قطب الروبيان الناشئ، يُقتل بالرصاص في فيتنام؛ الملازم Dan، بينما كان يرغب في موت نبيل في ساحة المعركة مثل أسلافه، يُصاب بالشلل ويصبح نسخة جوفاء من نفسه السابقة. فقط Forrest يكافأ، فقط Forrest ينجو سليماً.
بهذا المعنى، يصبح فيلم Robert Zemeckis شبيهاً بقطعة من الدعاية الأمريكية تحت غطاء فيلم هوليوودي ضخم. أي بحث عن العمق أو السخرية، وكلاهما يمكن العثور عليه في هذا السرد، يضيع في تسليط الضوء على أمريكا كدولة عظيمة وفخورة، حيث يجب على مواطنيها الخدمة والحماية دون تفكير في أنفسهم أو الآخرين. ما يظهره Forrest Gump (1994) هو أنه، بينما يمكن أن يكون الأسلوب والكوميديا مسكرين، فإن المعنى الضمني مهم، ويجب على المرء دائماً التفكير فيما يحتويه.
5. Schindler’s List (#6)
فيلم يرى نفسه مهماً بشكل لا يصدق، ماذا يمكن للمرء أن يتوقع من فيلم حول قضية ثقيلة كهذه من أحد مصدري هوليوود المتميزين للعاطفة والابتذال؟ الهولوكوست موضوع يتطلب رعاية ودراسة دقيقة عند محاولة فهمه أو استكشافه في الفنون.
Schindler’s List (1993) يروي القصة الحقيقية لـ Oskar Schindler، وهو صناعي أنقذ مئات اليهود البولنديين من معسكرات الاعتقال من خلال تجنيدهم للعمل في مصنعه في كراكوف. لقد كان، حرفياً، الفرق بين الحياة والموت. بحكم الضرورة أو التوقعات، لا يمنح السيناريو الذي كتبه Steven Zaillian وقتاً كافياً لأي من الضحايا الذين تم إنقاذهم؛ التركيز بالكامل على Schindler، ومحاسبه Itzhak Stern، والنازي البارز Amon Goeth، وهنا تكمن المشكلة الأولى.
بين يدي Steven Spielberg، لا يهم اليهود، ويصبحون في هذه العملية مجرد تجريدات، دعائم قصصية كرتونية لتلاعبه العاطفي. إنهم يعملون كبيادق لـ Schindler ليجدهم وينقذهم، وهو مثال آخر على عقدة “المنقذ الأبيض” التي تعشقها هوليوود. وفي شخصياته الثلاث الرئيسية المذكورة أعلاه، ربط الفيلم معاً في شكل سردي كلاسيكي: بطل الرواية الرئيسي، ورفيقه المهتم، والخصم الشرير.
بالنسبة للهولوكوست، الحقائق كافية: كان على Spielberg فقط توجيه كاميرته نحو القصة الحقيقية، وتفصيل أهوال الحقيقة الهائلة، وكان التأثير العاطفي سيكون كافياً؛ من خلال التأكيد على شخصياته النمطية، تصبح النتيجة شيئاً يقترب من الإهانة. من خلال عدم تقديم الحقائق كما حدثت وعدم توجيه نظره إلى الداخل، يصبح الفيلم منتجاً أدنى، أي أنه يصبح مشهداً، وهو أمر لم يكن ينبغي السماح للهولوكوست بأن يصبح عليه أبداً.
بالتركيز على المشاهد الفعلية الواردة في الفيلم، تحدث الكثير من التسلسلات الإشكالية: عدد لا يحصى من اليهود الأبرياء الذين قُتلوا بالرصاص على يد قوات الأمن الخاصة؛ الحبكة الفرعية للقطار الذي أُرسل بالخطأ إلى أوشفيتز؛ اللمسة الأسلوبية الصارخة للفتاة الصغيرة بمعطفها الأحمر وسط بحر من التصوير بالأبيض والأسود. هذه لا تستحق عملاً يحاول تصوير الهولوكوست.
تجعل الثقل الشامل للفيلم يبدو وكأنه صُنع في مختبر سينمائي: نسخة Spielberg من الأحداث تبدو متلاعبة ومسيطر عليها بشكل غير مريح. في حين أنه عمل ملتزم، فإن الالتزام للأسف يبدو في الاتجاه الخاطئ: ما يهدف إليه Spielberg ليس فهم حدث تاريخي مؤثر وساحق للغاية، بل تمثال يحمل اسم أوسكار آخر؛ كان كل ذلك من أجل المجد والثناء، استخدام ألم الآخرين في البحث عن الانتصار.
6. Spotlight (#205)
عودة إلى الدراما الصحفية الكلاسيكية من السبعينيات مثل All the President’s Men، يحقق Spotlight (2015) جميع العلامات المطلوبة ولكنه يبدو بشكل عام غير ناضج قليلاً، وهو أمر مفاجئ بالنظر إلى الطبيعة الصادمة للمادة المصدر.
يتبع الفيلم مجموعة من صحفيي Boston Globe في عام 2001 الذين كشفوا عن الحماية المؤسسية للكنيسة الرومانية الكاثوليكية للكهنة المعتدين جنسياً؛ محنة كبيرة لمدينة كانت كاثوليكية بنسبة 50% في ذلك الوقت.
كما يمكن للمرء أن يتخيل، كانت قصة ضخمة عندما تمت محاسبة الكنيسة أخيراً على أفعالها، وصولاً إلى رئيس أساقفة بوسطن. من المهم في هذه المرحلة توضيح شيء ما: وصف Spotlight (2015) بأنه مبالغ في تقديره لا يعني بأي حال من الأحوال الإشارة إلى أي شيء يتعلق بالقصة الفعلية، وهي فصل مزعج للغاية من تاريخ بوسطن.
بدلاً من ذلك، إذا أخذنا الفيلم من حيث جودته السينمائية البحتة، فإن فيلم Tom McCarthy يفتقر إلى الكثير. الشخصيات أحادية البعد تماماً؛ طاقم عمل رائع يضم Michael Keaton وRachel McAdams لا يمكنه جعل شخصياتهم مميزة أو بارزة.
ربما يرجع ذلك إلى حقيقة أن الكثير من التفاصيل الصادمة التي يكشفونها في النهاية تقع خارج الشاشة، في نسخة فيلم إثارة بديلة للقصة، ما نحن مطلعون عليه هنا هو العملية الصحفية المتمثلة في الوخز المستمر والإصرار حتى يظهر شيء حيوي. وهو ما لا يعني أن الفيلم كان يجب أن يصنع نسخة هوليوودية من القصة، ولكن لم يتم إعطاء المشاهد ما يكفي لجذب انتباهه لفترة أطول من تتر النهاية.
بالنسبة لـ McCarthy، في فيلمه الخامس، لم يطور بعد أي مظهر من مظاهر الأسلوب الإخراجي. في حين أنه عمل متقن تقنياً ومصمم جيداً، فإن الافتقار إلى شيء إضافي يقدمه تحكمه هو ما يجعل Spotlight (2015) يبدو مجرد إعادة صياغة لأفلام صحفية أفضل سبقته. في النهاية، يبدو أن الكثير من الوقت مخصص للكشف عن العرض والحوار المطول على حساب الوزن البصري والعاطفي.
فيلم فاضل وحيوي فقط من خلال موضوعه، يمكن طرح السؤال بأن هذه القصة كانت ستكون أكثر ملاءمة للشاشة الصغيرة؛ حيث يمكن سماع ضحايا الاعتداء أكثر ويمكن استكشاف التفاصيل المروعة وفهمها أكثر. ونتيجة لذلك، في حين أن Spotlight (2015) مهم في رفع الوعي بجرائم الكنيسة الكاثوليكية، فإن العرض البسيط لا يؤكد نقاطه بما فيه الكفاية.
7. Hacksaw Ridge (#173)
الظهور الثاني لـ Mel Gibson في هذه القائمة، وربما لعمل أكثر إثارة للجدل. نال Hacksaw Ridge (2016) إشادة كعودة للمخرج المثير للجدل إلى هوليوود بعد غياب طويل بعد أن جعلته قضايا شخصيته العديدة (انظر معاداة السامية، كراهية النساء، ورهاب المثلية) شخصية غير محبوبة.
يدور الفيلم حول Desmond Doss، وهو أمريكي من السبتيين ومسالم انضم للخدمة في الحرب العالمية الثانية كمسعف ميداني ولكن فقط إذا سُمح له بالامتناع حتى عن حمل سلاح في المعركة.
القصة الحقيقية هي بالفعل قصة لا تصدق، صورة لرجل بطولي وشريف، لكن تصوير الفيلم له يبدو معيباً. مثلما سيفعل عمل أعمق، لا يُطلب من الجمهور أبداً تحدي أو التشكيك في معتقدات Doss: بينما هو بلا شك على حق، وGibson يعتقد ذلك بالتأكيد، يتم تقديمه ببساطة كحقيقة وواقع.
يبدو أن Gibson راضٍ فقط عن قصف جمهوره بهذا المطلق الأخلاقي، من موقع تفوق صالح. من خلال هذا القرار الإخراجي، ينحرف Hacksaw Ridge (2016) من كونه قصة حرب مثيرة للتفكير وقوية إلى ملحمة تدفع بأجندة. والنتيجة هي أن هذا فيلم حرب من جانب واحد، وهو أمر غير معتاد مؤخراً؛ نادراً ما يتم وصف الجنود اليابانيين المعارضين أو إضفاء الطابع الإنساني عليهم.
بالنسبة لفيلم عن رجل لا يوافق على الحرب أو القتال، فإن Hacksaw Ridge (2016) عنيف بشكل لا يصدق، وهو أمر متوقع مع وجود Gibson على رأس العمل. هناك شعور ساحق بأنه يستمتع بالمعاناة كثيراً (يحتاج المرء فقط إلى تذكر فيلمه Passion of the Christ)، وغالباً ما يبدو الفيلم كشيء يشبه إباحية الحرب.
تتميز مشاهد المعارك المكثفة بجثث متفجرة، وفئران تتغذى على بقايا الموتى، وصور بطيئة الحركة للهب المتفجر، توضيح مذهل للحرب كجحيم. يجب ملاحظة هنا أن Gibson مخرج أكشن ماهر جداً، وهي سمة متكررة في جميع أفلامه، ولكن حتى بالنسبة له، يبدو Hacksaw Ridge (2016) سادياً ومبتهجاً جداً في كل الدمار.
بمحاكاة اختبار Doss لإيمانه، يتأكد Gibson من اختبار حدود جمهوره لمشاهدة العنف. بالنسبة لرجل كان معادياً للسامية ومعادياً للمثليين علناً، من بين أشياء أخرى كثيرة في الماضي، يبدو من غير الحكمة وغير العادل في النهاية أنه تم توفير منصة كبيرة له للعودة إلى الدائرة الداخلية لهوليوود، خاصة من خلال إنشاء مثل هذا الفيلم الشخصي.
8. Gladiator (#46)
من خلال الجمع بين أحد مخرجي هوليوود العظماء وربما الممثل الأكثر شهرة في ذلك الوقت، كان مقدراً لـ Gladiator (2000) دائماً أن يكون ناجحاً وأن ينال بعض الإشادة، لكن من المذهل مدى نجاحه.
الفائز بجائزة أفضل فيلم وأفضل مخرج لـ Russell Crowe وRidley Scott، ليس بأي حال من الأحوال فيلماً سيئاً؛ فهو يحتوي على مشاهد أكشن ممتازة وأداءات مفعمة بالحيوية. كونه أُشيد به كفيلم مهم، مساوٍ لـ Spartacus وBen Hur هو سبب اعتباره مبالغاً في تقديره. بعد الهروب من الأسر واكتشاف أن زوجته وابنه قد قُتلا، يجد Maximus طريقه إلى شمال إفريقيا، حيث يُباع كعبد لـ Proximo.
عندما يرفع Commodus الحظر عن المصارعين في روما لصرف انتباه شعبه عن فقرهم، يشق Maximus طريقه إلى القمة، للانتقام ممن فقدهم. Gladiator (2000) هو بالتأكيد فيلم لـ Ridley Scott ولكن ذلك يحمل مشاكل وإيجابيات.
إذا اعتبر المرء جزءاً كبيراً من فيلموغرافيا المخرج – Black Hawk Down، Kingdom of Heaven، Robin Hood – فإن القاسم المشترك هو أنها جميعاً جيدة تقنياً، ولكنها مجرد ملحمات ضخمة فوق المتوسط، وGladiator (2000) لا يختلف. كما أنها معروفة بأجوائها الجادة القاسية وهذا الفيلم كذلك لدرجة الخطأ. الفيلم بأكمله كئيب بشكل ساحق؛ تبدو الشخصيات في الغالب مكتئبة ومتجهمة، على حساب أي شخصية.
لذلك، بالنسبة لملحمة هوليوود صيفية، فهي تفتقر حتى إلى لمسة من الفرح وسط الكآبة. بصرياً أيضاً، الفيلم كئيب. يبدو عكراً ومظلماً وغير واضح. فيما يتعلق بالأداء، Crowe مقبول وخشن بشكل مطلوب كبطل؛ إمبراطور Joaquin Phoenix الغريب هو انفجار من الطاقة وسط العذاب المستمر ويبدو نتيجة لذلك أنه من نسخة مختلفة وأكثر إثارة من الفيلم.
عند موازنة مزايا هذا العمل فوق المتوسط، تماماً مثل Maximus والجنود الأقل شأناً الذين يتفوق عليهم في الساحة الرومانية، يجب أن يكون من السهل فصل Gladiator (2000) عن كونه فيلماً جيداً ليكون واحداً من أعظم الأفلام على الإطلاق.
9. Dunkirk (#97)
لا يوجد مخرج أكبر يعمل اليوم من Christopher Nolan؛ أفلامه أحداث واسمه علامة تجارية. أحدث أفلامه، Dunkirk (2017)، تم الإعلان عنه، كالعادة، كتحفة فنية، فيلم يجب مشاهدته. هل يمكن أن يكون الأمر، كما هو الحال مع Interstellar (2014) المخيب للآمال، أننا نتغذى على أسطورة المؤلف السينمائي الشبيه بـ Kubrick بقوة مفرطة؟ يروي الفيلم القصة المذهلة لإجلاء جنود الحلفاء في Dunkirk عام 1940 خلال الحرب العالمية الثانية.
بحلول نهاية يومه الثامن، تم إنقاذ أكثر من 300,000 منهم بشكل مذهل بواسطة مجموعة من قوارب الصيد واليخوت وسفن التجديف والصنادل. قسم Nolan القصة إلى 3 وجهات نظر: الإجلاء من البر والبحر والجو. نسخته، على ما يبدو، هي تجربة في تقنيات التصوير على حساب العائد العاطفي للجمهور. بالتناوب بين وجهات النظر الثلاث، يكون التفتت في بعض الأحيان مربكاً.
لا يمكن إنكار أنه يجعل المشاهدة متوترة؛ مثل كل أفلامه، Dunkirk (2017) يغلي في مشاهد مليئة بالتشويق. الاهتمام بالمشهد البصري فوق كل شيء آخر يبدو أجوفاً.
الشخصيات، عندما يتم استخدامها بالفعل، تبدو مسطحة وغير مكتوبة جيداً، ويرجع ذلك إلى حد كبير إلى الحوار البسيط والمحرج في بعض النقاط. Branagh وHardy، كما يتوقع المرء، يؤديان أدوارهم بشكل مثير للإعجاب، لكن يخت Rylance يبدو كثيراً كالتجسيد البشري لاستعارة “الشفة العليا الصلبة” البريطانية. معظم هذا سيكون مقبولاً ولكن اختيار Harry Styles كواحد من الجنود الرئيسيين الذين تقطعت بهم السبل هو أمر لا يمكن قبوله.
إذا أراد Nolan حقاً الالتزام بفلسفته السينمائية لـ Dunkirk (2017) – بأن الأحداث أكبر بكثير من الأشخاص الذين كانوا جزءاً منها – فإن وجود Styles يبدو تخلياً صارخاً عن ذلك. أي ادعاء بالواقعية والمنظور التاريخي يضيع حيث تؤدي شخصيته سطورها مثل ممثل أدنى في فيلم أدنى.
بالنسبة لمخرج لديه خيارات جريئة ومغامرة في الماضي، يبدو هذا خطوة سيئة بشكل غير معهود. سلط الكثيرون الضوء أيضاً على نقص السياق في الفيلم، حيث لا نرى جندياً ألمانياً، أو أي أعضاء حكوميين خلف الكواليس.
كان رد Nolan على هذه الانتقادات هو القول بأنه لا يريد التورط في سياسة الحدث والحرب، وهو أمر سيكون جيداً، ولكن سواء كان ذلك مقصوداً أم لا، يمكن اعتبار Dunkirk (2017) فيلماً وطنياً. إنها وطنية هادئة وكئيبة، بالتأكيد، لكنها موجودة في عاطفة النهاية وفي الحوار المبتذل. من خلال إيلاء الكثير من الاهتمام للوهج السينمائي، يضيع المركز البشري المهم لإجلاء Dunkirk؛ إنه ميكانيكي ومنهجي للغاية ليكون عظيماً حقاً.
10. La La Land (#177)
La La Land (2016)، الفيلم الثاني لـ Damien Chazelle، هو فيلم رومانسي موسيقي من بطولة Emma Stone وRyan Gosling كحالمين يقعان في الحب أثناء محاولتهما النجاح في لوس أنجلوس: هي ممثلة، بينما هو موسيقي جاز ناشئ. تم تقديم La La Land (2016) كرسالة حب عصرية للمسرحيات الموسيقية لكن الاتصال يبدو مصطنعاً.
إنه مرجعي إلى مستوى كوميدي: Singing in the Rain، West Side Story، وThe Umbrellas of Cherbourg هي مجرد بعض المسرحيات الموسيقية الكلاسيكية التي تظهر ظهوراً حرفياً تقريباً في الاستيلاء. يعتمد كل فيلم موسيقي بشكل كبير على جاذبية أبطاله وفي هذه الحالة، يفتقر La La Land (2016) بشكل صارخ.
تم توجيه الكثير من السلبية نحو شخصية Gosling، بسبب عدم حساسيته وسطحيته: فهو “يشرح” الجاز لـ Mia على سبيل المثال. هي أيضاً، بينما تم تمثيلها بشكل أفضل من قبل Stone المفعمة بالحيوية، ليست سوى ممثلة نمطية مكافحة ولكنها موهوبة.
الكتابة لا تساعد أياً منهما، ومع ذلك. يجتمعان في نقطة منخفضة في حياتهما المهنية، ويقضيان وقتاً معاً، ويقعان في الحب، ويوجهان بعضهما البعض، وبمجرد أن يجدا نفسيهما يتقدمان في حياتهما الشخصية، يقرران البقاء منفصلين والتركيز على أنفسهما؛ كم هو L.A. جداً.
Sebastian وMia يصعب التعاطف معهما كمشاهد، سواء كان ذلك بسبب قيام Sebastian بإطلاق بوق سيارته بدلاً من الذهاب إلى عتبة بابها، أو بسبب وقوف Mia مباشرة أمام الشاشة عند البحث عنه في السينما.
من حيث الفيلم الموسيقي، Gosling وStone ليسا على مستوى الإجراءات. لا يمكن لأي منهما الرقص وغناؤهما يترك الكثير مما هو مرغوب فيه أيضاً. وهذا رمزي لضعف اختيار الممثلين. لكي يدعي فيلم أنه يدور حول حب المسرحيات الموسيقية، فإن استخدام ممثلين قابلين للتسويق بدلاً من ممثلين موسيقيين حقيقيين يبدو كسولاً؛ ببساطة طريقة للنجاح في شباك التذاكر على حساب النزاهة.
طوال الفيلم يسود الشعور بأن Chazelle يعتقد أن هناك خطاً فاصلاً بين الأشخاص الموهوبين والأشخاص غير الموهوبين. فكر في الجزء المذكور أعلاه حيث يستاء Sebastian علناً من كونه في فرقة جاز حديثة مشهورة جداً لأنهم لا يعزفون ما يعتقد أنه مناسب، أو المديرين التنفيذيين للاستوديو الذين يجعلون Mia تنطق سطوراً عديمة الفائدة في تجربة أداء تلو الأخرى. الشعور غير المريح هو أن Chazelle يؤمن بشدة بقوة الفنان وأنه بالتأكيد واحد منهم.
أصغر فائز بجائزة أفضل مخرج على الإطلاق، يشعر وكأنه أول صانع أفلام حقيقي من جيل الألفية. لا تخطئ، هو وLa La Land (2016) هما نتاج عصرنا. حيث كان نجاح Moonlight نتاجاً طبيعياً لحاجتنا للتقدم، شعر نجاح La La Land (2016) بالعكس: فعل كامل من الهروب لجمهور في حاجة إليه.
