نحن جميعاً في هذا المشهد الواسع الذي نسميه الحياة، في رحلة نحو اكتشاف أنفسنا والآخرين. ولهذا السبب يمكن لرحلة الطريق أن تتحول بسهولة إلى استعارة للحياة البشرية؛ فهناك شيء يُترك خلفنا ومستقبل ينتظرنا. البعض يعرف طريقه، والبعض الآخر يهيم على وجهه. لطالما كانت الرحلة موضوعاً خصباً في السرد العالمي لأنها تسمح بالعشوائية وتعدد الشخصيات والأماكن. وليس من قبيل الصدفة أن “The Odyssey” هي العمل الأكثر تأثيراً في التاريخ.
يمكن مقارنة السينما، بكونها سلسلة من الصور المتحركة، بطريق ممتد نسافر فيه كمشاهدين نحو وجهة نهائية. نشأت أفلام الطريق من الملاحم الأسطورية، ولكن أيضاً كتطور لنوع الويسترن، حيث استُبدل الحصان بالسيارة. يرى آخرون أنها ولدت مع رواية “On the Road” لجاك كيرواك. ومما لا شك فيه أنها أصبحت واضحة كنوع سينمائي مع “Easy Rider” (1969)، على الرغم من أنها ظهرت قبل ذلك بكثير في أفلام مثل “It Happened One Night” (1934) أو “Wild Strawberries” (1957)، لكن لم يعتبرها أحد أمثلة على نوع جديد لأنها كانت تندرج ضمن تصنيفات أخرى.
تحقق تكريس أفلام الطريق مع ثقافة الستينيات المضادة، حيث أشارت كل المظاهر إلى هدف واحد: كسر الوضع الراهن والتقاليد القديمة لإعلان حرية التعبير. أصبح الطريق وسيلة للهروب، لترك أشباح الحرب خلفنا والتحرك نحو بداية جديدة في تجربة مرتجلة. هجرات وهروب عبر السيارات، القطارات، الطائرات، الحافلات أو السفن. يجب أن نفهم أن هذا النوع يمكنه بسهولة الخروج من مساحته المعتادة من خلال التكيف مع التطور الاجتماعي والاقتصادي المختلف لكل بلد. وبهذه الطريقة، تصبح رحلة مشروعة سيراً على الأقدام أو فيلم طريق خارج المسار المعتاد.
تبحث هذه القائمة عن أفلام تتجاوز نماذج أفلام الطريق الأمريكية، مقترحة شكلاً طليعياً بسرد غير خطي، ومونتاج حر، وعوالم صوتية متنافرة، وأسلوبية في الصورة. نحن أمام سينما كفاحية تواجه عدوها الأسوأ – التقليدية – وتهاجمها بالتجريب والأصالة.
1. Pierrot Le Fou (1965, Jean-Luc Godard)
ينطلق فرديناند (جان بول بلموندو)، الشخصية المأساوية وغير المتكيفة، بعد طرده من عمله واشمئزازه من تفاهة العالم من حوله، مع ماريان (آنا كارينا)، وهي امرأة فاتنة ذات طابع طفولي، في رحلة رومانسية تكسر كل القوانين، حتى قوانين السينما. وسط الأسلحة والكتب والمشاهد الموسيقية والمأساة، سيواجه هذا الثنائي استحالة الحب.
استناداً إلى رواية جريمة وولادة في خضم انفصال غودار عن الممثلة الرئيسية، يصبح هذا الفيلم مرآة لخيانة الحب التي اضطر لمواجهتها، وأيضاً صراعه الخاص في البحث عن أسلوب فريد.
يكسر غودار منطق السرد بإخراج مشهدي مجزأ، كأنه كولاج، مع إطارات مدرجة من المجلات واللوحات والرسوم التوضيحية والكتابة اليدوية، مستخدماً تعليقاً صوتياً استبطانياً وموسيقى تصويرية متقطعة لجعل المشاهد واعياً بالطبيعة الذاتية للإبداع. يتلاقى أسلوب بريخت الرائد، ولوحة الألوان المركبة، وقفزات المحور والقطع الزمني، والنبرة الوثائقية والمسرحية، وتداخل الأنواع، والمراجع اللانهائية التي تمتد من فن البوب إلى فيلاسكيز، في عمل تجريبي أصيل.
يستخدم غودار في هذا الفيلم (أو بكلماته الخاصة، “في هذه المحاولة لصنع فيلم”) سلاحه الأكثر تخريبياً، رافضاً المحاكاة الواقعية.
2. Touki Bouki (1973, Djibril Diop Mambéty)
موري وأنتا، زوجان شابان تعيسان من السنغال ما بعد الاستعمار، يحلمان بالهروب إلى باريس على متن السفينة التالية. يتجولان في شوارع داكار بدراجة نارية، ويخططان للوصول إلى الجانب الآخر من المحيط. بعد سرقة المال، يشتريان التذاكر. ولكن عندما تصبح السفينة جاهزة للمغادرة، تظهر أشباح طفولة موري ووطنه. هل باريس هي الأرض الموعودة؟
يسخر مامبيتي من التفاهة، ويظهر كيف يتخيل الزوجان الشابان القوة والاعتراف، في مشهد رئيسي حيث يستعرضان في سيارة، متبنيين شخصية باذخة ويحظيان بمديح الحي الذي كان يكرههما سابقاً. يكشف “Touki Bouki” صدام ثقافتين متناقضتين تؤديان، عند دمجهما، إلى انقسام أفراد المجتمع بين من يقدرون ما يملكون ومن يرغبون فيما هو أجنبي.
هذا الفيلم هجين بين التقاليد الأفريقية والموجة الجديدة. يدمج المونتاج الحر والترابطي رؤية دائرية تكسر السرد الخطي. يدعي المخرج أنه “غريوت” (شاعر أفريقي قديم يروي القصص) ولكنه متأثر بشدة بغودار، في تصوير الألوان وتنافر الصوت. تتصادم طيور النورس والبحر مع الموسيقى التصويرية الساخرة بأغنية “Paris, Paris”.
بشكل شاعري وسياسي، يرينا “Touki Bouki” سوء حظ آلاف الشباب الأفارقة الذين يبحثون عن الحظ في أوروبا، لكنهم لا يجدون سوى سوء المعاملة والموت.
3. The Children of the Stork (1999, Tony Gatlif)
أوتو، شاب عاطل عن العمل يبيع الصحف، ولونا، مصففة شعر مجنونة ومستغلة، كلاهما سئم من فقدان الأمل في المستقبل، ينضمان للانطلاق في الطريق بجانب علي، صبي مثقف يهرب من محاولات عائلته إخفاء جذورهم المسلمة.
باريس ملوثة وجائعة، لكن هذا الثلاثي الفوضوي يتمرد ضد المجتمع الرأسمالي بسرقة السيارات وحرق كل ما يعترض طريقهم. في الطريق سيجدون لقلقاً بجناح مصاب سيطلب منهم المساعدة لعبور الحدود إلى ألمانيا. يعمل اللقلق، كونه طائراً مهاجراً، كاستعارة لمشكلة الهجرة والحدود.
خاطر غاتليف بهذا الفيلم الغريب حيث يسخر الراوي من الشخصيات، مع قطع حاد، وقطع زمني، وكولاج صوتي، مذكراً إيانا بابتكارات غودار في الستينيات. بعيداً عن موضوع الغجر المعتاد، ربما تكون رحلة المشاكسة هذه هي أغرب شيء في سينما غاتليف، لكن شخصياته المعتادة تبقى: رحل لا يملكون شيئاً ليخسروه سوى قيودهم.
أوتو ولونا وعلي مثل اللقالق، طيور حرة ستظل دائماً غريبة لأنها لا تهتم بالوجود التقليدي. وليس لديهم وطن سوى عش على السطح.
4. Walkabout (1971, Nicolas Roeg)
من طوب الواجهة إلى الصحراء، من مواطنين محبوسين لتنفيذ دور محدد إلى حجارة فوضوية في أرض مفتوحة واسعة، نحن أمام مواجهة واضحة بين الحضارة البيضاء والهمجية.
يُترك طفلان في الصحراء. بدون ماء وطعام، يجب عليهما البقاء على قيد الحياة في المناطق النائية الأسترالية. مفهومهما المعدوم للبقاء لا يسمح لهما بإيجاد مخرج. إنه مراهق من السكان الأصليين، في منتصف رحلة “walkabout”، سينقذهما. لكنهما لا يستطيعان التواصل عبر اللغة ولا يمكنهما فهم بعضهما البعض بسبب مفاهيمهما المتعارضة عن الحياة. وفي الوقت نفسه، بينما يصطاد الطفل الأصلي لإطعامهما، يصران على التمسك بقيمهما الغربية.
من خلال إجراء مونتاج موازٍ عبر صور لحيوانات حرة في بريتها وصيد عشوائي، تلتقي ثقافتان. واحدة مهتمة بالبقاء والأخرى بالتجارة فقط.
تتلاقى الموسيقى التصويرية السماوية والغريبة لجون باري مع اللقطات البانورامية والمفصلة في هذا الحج المضلل عبر الحيوانات الغريبة في المناطق النائية الأسترالية، حيث تتغذى الروح الدورية للطبيعة على الموت لتنبت مرة أخرى.
5. Wild at Heart (1990, David Lynch)
يجب على سايلور ولولا مواجهة مصاعب حبهما، حيث تطاردهما أم مسيطرة وشخصيات منحرفة. على الرغم من أن هذا الزوجين الشابين يجسدان نموذج المنبوذين والمتمردين، إلا أن لينش يكسر تقاليد أفلام الطريق الأمريكية، مضيفاً السريالية. مع مونتاج غير تقليدي يكسر الخطية من خلال الفلاش باك، والموازيات، والقطع السردي، يقدم لنا لينش هذه القصيدة الملتوية والحديثة لـ “The Wizard of Oz”، والتي تبدو ككابوس يلعب بين الطفولي والمبتذل.
6. The Journey (1992, Fernando Solanas)
يقضي مارتن أيامه في أقصى مدينة جنوب العالم، في مدرسة تشبه السجن حيث تحدث أحداث خارقة للطبيعة. ليس لديه أدنى فكرة عما سيفعله عندما ينهي المدرسة ويفتقد والده الذي هجره ليسافر. آخر شيء عرفه مارتن عنه كان قصة مصورة أرسلها من رحلاته عبر أمريكا اللاتينية.
برد أوشوايا، والعلاقة السيئة مع زوج أمه، وتجربة مأساوية مع صديقته ستدفعه للهروب إلى بوينس آيرس. راكباً دراجة ومستخدماً القصص المصورة كدليل، سيذهب مارتن بحثاً عن والده.
ستكون الرحلة وسيلة لكشف واقع أمريكا اللاتينية الخام الذي لا يعرفه، مثل الفساد، والفرض الأيديولوجي، والحكومات الساخرة، واستغلال العمال، والجهل، وبيع الأراضي. ستصبح ملحمة العثور على والده أكثر صعوبة، حيث ستجره عبر بيرو والبرازيل وكولومبيا.
على الرغم من كونه سياسياً بعمق، إلا أنه لا يقع في بناء واقعي. تظهر الاستعارة والسخرية والواقعية السحرية في جميع الأوقات لإبعاد المشاهد. هذا الكولاج اللاتيني، الخيالي والباروكي، هو رمزية تدعو الأجيال الجديدة لاستعادة ذاكرة النضالات الشعبية والوعي. يدرك مارتن أنه لم يعد يرغب في العثور على والده، لأنه وجد جذوره – هويته اللاتينية.
7. Even the Cowgirls Get The Blues (1994, Gus Van Sant)
ولدت سيسي (أوما ثورمان) بخلل جسدي: إبهامان كبيران بشكل غير طبيعي. هذا التشوه، بدلاً من أن يصبح صدمة، أصبح أداة لتحقيق حلمها في السفر. لذا فهي تسافر حول العالم في وقت قياسي، مطورة قدرة لا تضاهى على إيقاف السيارات المارة. أسلوب حياتها غير التقليدي يجعلها امرأة تواجه صعوبات في إيجاد علاقة، ولكن بعد دعوة لتصوير إعلان في مزرعة، ستلتقي بمجموعة من راعيات البقر المتمردات وستنضم إلى جماعتهن النسوية الراديكالية، وتقع في حب القائدة، بونانزا جيلي بين.
هذا اقتباس لرواية كتبها توم روبينز عام 1976، والتي تناولت الحركات النسوية والهيبيز في ذلك الوقت. قرر غاس فان سانت اقتباسها، لتصبح كارثة كبرى بعد عرضها الأول في مهرجان تورنتو السينمائي. أُجبر المخرج على صنع نسخة معدلة جديدة، حيث حذف مشاهد وأنشأ تعليقاً صوتياً من قبل مؤلف الرواية نفسه، لربط الحبكة الجديدة. ومع ذلك، لا يزال يعتبر أحد أسوأ أفلامه.
هذا الخيال المجنون ليس له مسار محدد ويبدو أنه مثل سيسي، يتحرك دائماً من جانب إلى آخر، دون ترسيخ جذور في أي من المواضيع التي يتناولها.
8. Natural Born Killers (1994, Oliver Stone)
بعد طفولة عاصفة، يقرر ميكي ومالوري نوكس الهروب في رحلة دموية لارتكاب جرائم، بحجمها، ستوقظ اهتمام صحفي، محولاً إياهما إلى مشاهير حقيقيين. خلف كل جنون العنف الذي يظهره الفيلم، هناك انتقاد لاذع للصحافة الصفراء التي تغذي تبجيل مجتمع منحرف وعنيف.
تعدد التنسيقات مثل الرسوم المتحركة والفيديو كليب، والألعاب النارية البصرية التي تنتقل من الأبيض والأسود إلى اللون، ودمج الأنواع مثل الويسترن والكوميديا والفيلم نوار، والمونتاج المذهل لأكثر من 3000 قطعة يواجهنا بإخراج مشهدي مبالغ فيه وغير واقعي، يشبه ما سيكون عليه التنقل المستمر بين القنوات، حيث يمكننا كمشاهدين أن نشعر بالانبهار أو التشبع.
ذهب ستون إلى أبعد بكثير من سيناريو تارانتينو وأنشأ تجربة بصرية فائقة وراديكالية وطليعية من شأنها أن تدمر بصراحة أي مفهوم للسرد التقليدي. ووفقاً له، سيظل هذا الفيلم طازجاً حتى بعد 20 عاماً من عرضه الأول، وكان محقاً.
هذا الفيلم صورة لكيفية كون التلفزيون هو أفيون الحداثة الحقيقي.
9. Stranger Than Paradise (1984, Jim Jarmusch)
مقسماً إلى ثلاثة فصول، نتابع مغامرات ويلي وإيفا وإيدي عبر نيويورك وكليفلاند وفلوريدا.
إيفا، ابنة عم ويلي المجرية، تزوره في نيويورك. بينما يصر ويلي على تبني أسلوب حياة أمريكي، تتحدث معه إيفا بالمجرية، مذكرة إياه بجذوره. إنه يبطل باستمرار موسيقاها أو طريقة لباسها، تماماً كما ترفض إيفا طريقته في الأكل أو هواياته. على الرغم من الاختلافات، يشعر ويلي وإيدي بالثقة الكافية لزيارة إيفا في كليفلاند. لكن برد كليفلاند لا يسمح بالكثير من العمل سوى لعب الورق أو مشاهدة أفلام الكونغ فو. أخيراً، يقرر الثلاثة الذهاب بحثاً عن الجنة في عطلة أحلام إلى فلوريدا. لكن كل شيء يسير بشكل خاطئ.
مع إخراج مشهدي بسيط وأبيض وأسود رائع، نحن أمام فيلم مليء بالأوقات الميتة، بدون تطور درامي. اللقطات هي قطع معزولة حيث يتم مقاطعة الحركة بفواصل سوداء، مما يخلق سرداً متقطعاً. مما لا شك فيه أن إنجاز أسلوب جيم جارموش هو المتعة الموجودة في رتابة الحياة التي تعيشها شخصياته الموثوقة.
على طول هذه الرحلة عبر أمريكا ما بعد الصناعية، يمكننا أن نستنتج أن كل الأماكن تبدو متشابهة. من ثلوج كليفلاند إلى شواطئ فلوريدا، لا يوجد فرق يذكر لأن السأم الوجودي للشخصيات لا يسمح لهم بالعثور على أي شيء جديد. الاقتلاع جغرافي وعاطفي. الجنة لا تأتي أبداً لهؤلاء الغرباء الذين يعيشون في منفى عن أنفسهم، يهيمون بلا هدف بدون وظائف أو مستقبل.
10. Leningrad Cowboys Go America (1989, Aki Kaurismaki)
بوضع تصويره المتكرر للطبقة العاملة في هلسنكي جانباً، يخلق كوريسماكي هذه الملحمة العبثية عن فرقة روك خيالية غير ناجحة، “The Leningrad Cowboys”، الذين يقررون البحث عن الحظ في أمريكا. باتباع الوعود الكاذبة لمديرهم، يغادرون قريتهم السيبيرية الريفية للسفر عبر أمريكا الشمالية. مع عازف الباص المتوفى كأمتعة، يؤدون في الحانات ويتكيفون مع الأذواق المحلية لكل مدينة، مستوعبين مجموعة متنوعة من الأنماط مثل الروكابيلي وموسيقى الكانتري.
يسبب التهجين بين العناصر الثقافية السوفيتية والأمريكية تنافراً وسريالية. على الرغم من محاولة رعاة البقر التكيف مع محيطهم من خلال تعلم الإنجليزية واستبدال الأكورديون بالجيتار، إلا أن ذلك مؤقت فقط لأنه عندما تزدهر أصالتهم السيبيرية بالكاد، يتم رفضهم بسبب غرابة مظهرهم. ينتهي بهم الأمر دائماً بالتمسك ببقايا وطنهم، في محاولة للمثابرة على هويتهم الخاصة. معاطف الفرو، أحذية مدببة، تسريحات شعر غريبة، وتفانٍ في شرب البيرة.
كان نجاح النقاد كبيراً لدرجة أن كوريسماكي قرر صنع فيلم ثانٍ عن الفرقة. أصبحت “Leningrad Cowboys” فرقة حقيقية لديها ألبوماتها الخاصة وتقوم بجولات حول العالم.
