لا يُنظر عادةً إلى 1990s بوصفه عصراً ذهبياً لأفلام الرعب. كانت السبعينيات العصر الذهبي، وشهدت الثمانينيات أفلام المطاردة الدموية وأدب الجسد المشوّه. أما التسعينيات فكانت جسراً بين بقايا الصيغ المكررة للعقدين السابقين وأفلام أكثر نفسية ووعياً بذاتها. وفي هذا العقد بلغ الخط الفاصل بين الرعب والتشويق أشد غموضه، إذ تقف أفلام كثيرة على الحد بينهما، ولا يزال الجدل حولها قائماً حتى اليوم.
لكن هذه الفترة الانتقالية لا تخلو من الجواهر. فمقارنةً بما استعرضناه عن السبعينيات والثمانينيات، تتسم الأفلام هنا بقدر أكبر من التحرر من النوع السينمائي وأجوائه الصارمة، وأغلبها خلطات فوضوية تمزج الرعب بالكوميديا. وفيها أساتذة كبار ومؤلفون سينمائيون صاعدون. كان التغيير في الهواء، كما يليق بصناعة السينما في التسعينيات. غير أن العقد شهد أيضاً تحول الرعب إلى سلعة يستنزفها الاستوديو بلا خجل، حتى بدا المعين قد جف، قبل أن تأتي موجة من المواهب وأدوات الإخراج والمفاجآت لتهز النوع من جديد.
لم تكن التسعينيات سيئة للرعب بقدر ما كانت مختلفة، فوضوية، ومتوارية داخل أنواع أخرى، وفي مقدمتها التشويق. بعض الخلطات المثيرة للجدل دخل هذه القائمة، وبعضها بقي خارجها. فـJurassic Park وTerminator 2: Judgment Day يحملان ملامح رعب داخل هيكل من المغامرة والحركة. أما ديفيد كروننبرغ، أبرز أسماء الرعب في العقد السابق، فواصل تقديم أفلام ممتازة مثل Naked Lunch وCrash وeXistenZ، ولم يكن أي منها رعباً. وهناك أفلام قاربت الدخول لكنها فاتتها الفرصة. فـTremors، الفيلم العائلي عن المخلوقات، خسر أمام أفلام أشد نهشاً. وبالمثل، أُقصيت أفلام تشويق محترمة مثل The Lost Highway وSleepy Hollow، وأعمال تود هاينز (Poison وSafe)، لصالح أفلام رعب صريحة. ولم يخل العقد من أفلام المختارات، مثل Tales from the Hood وBody Bags وCampfire Tales، لكن أفضل المختارات ظهر على التلفزيون.
ومع ذلك، يحمل هذا العقد من الكلاسيكيات ما يضاهي أي عقد آخر. وهذه أفضل أفلام الرعب في عقد 1990s.
1. Arachnophobia (1990)
افتتح العام الأول من العقد عدداً من أفلام المخلوقات العائلية، أسرت قلوب جيل كامل وأرعبته في الوقت نفسه. كاد Tremors أن يحجز هذا المكان، وهو مؤسسة قائمة بذاتها في كوميديا الرعب، لكن Arachnophobia الشديد الرعب هو من فاز في النهاية. فإذا كان Tremors تحية مرحة لأفلام الوحوش في الخمسينيات تدور في الصحراء، فإن Arachnophobia نجح في إرعاب الجميع، إذ أخذ خوفاً يومياً وضخّمه حتى صار تهديداً وجودياً.
أراد المخرج فرانك مارشال وفريقه أن يفعلوا مع العناكب ما فعله هيتشكوك مع The Birds، ولا عجب أن يكون هذا الفيلم من إنتاج فريق ستيفن سبيلبرغ. يعود الفيلم إلى أجواء Jaws، لكنه يقدم رعباً أقل ثقلاً وأكثر إثارة للجلد. يضع جون غودمان في دور مبيد الحشرات وجيف دانيلز في دور الطبيب، في مواجهة سرب من العناكب يغزو بلدة هادئة في كاليفورنيا. يمثل Arachnophobia أحد أشكال الرعب الأكثر لطفاً في هذا العقد. فقد شهد العقد رعباً نفسياً مظلماً، وإثارة تتخفى في إجراءات الشرطة، وأفلاماً دموية، وهجاءات كثيرة قدمت رسالتها عبر العنف الفاحش. أما هذا الفيلم فكان من القلائل الذين تستطيع العائلة مشاهدتهم معاً، قبل أن يبحث أفرادها في البيت عن خيوط العنكبوت.
2. Gremlins 2: The New Batch (1990)
كما يليق برعب التسعينيات، يفتتح هذه القائمة أحد الأجزاء التالية. Gremlins 2: The New Batch ليس مخيفاً على نحو خاص، لكنه لا بد أن يكون هنا بسبب فوضويته وسخريته اللاذعة. إنه ترفيه عائلي ممزوج بهجاء للشركات، وهذا ما تحصل عليه حين يحتاج الاستوديو إلى جزء تالٍ، ويكره المخرج النظام كله. لم يقدم فيلم آخر، باستثناء Joker: Folie a Deux، إهانة بهذا القدر لجشع هوليوود وحاجتها الشرهة إلى الملكيات الفكرية الناجحة. وعلى خلاف ذلك الفيلم، يبقى Gremlins 2 متعة صاخبة تزداد جودة مع الزمن.
كان جو دانتي قد رسخ اسمه مخرجاً ناجحاً للرعب في الثمانينيات، بفيلمي The Howling والجزء الأول من Gremlins، حين اندفعت آلة الأجزاء التالية. رفض دانتي العرض في البداية، ثم قبله بشرط أن يمنحه الاستوديو سيطرة إبداعية كاملة وميزانية تفوق الضعف ثلاث مرات. والنتيجة هجاء لاذع، تقع فيه المخلوقة الطيبة غيزمو في قبضة مصالح شركات جشعة، فتتيح هذه الشركات لنسخها الشريرة السيطرة على ناطحة سحاب في نيويورك. يعم الهرج، وصار Gremlins 2 مشهوراً بجنونه، حتى إن سكتش كي آند بيل الشهير يستعيده ساخراً. ومن بين أفلام كوميديا الرعب الساخرة، يتميز هذا الفيلم بجرأته المذهلة وبالبهجة الفوضوية التي يستخرجها من كل لحظة. فليبقَ جو دانتي القديس الحامي لكل مخرج يأكل كعكته ويحتفظ بها أيضاً.
3. Jacob’s Ladder (1990)
ما زال الرعب النفسي في Jacob’s Ladder يطارد المشاهد حتى اليوم، وتمتد تأثيراته عبر الأنواع والوسائط. فقد استعارت منه سلسلة ألعاب الفيديو Silent Hill استعارات مشهورة، ووضع الفيلم القالب الذي قامت عليه كثير من أفلام الواقع المتشظي في العقد التالي، مثل Fight Club وDonnie Darko. وبعد أن رسّخ هذا الفيلم، أو على الأقل أتقن، عناصر من أفلام الرعب والتشويق، يبقى تجربة مُرضية ومقلقة إلى حد بعيد.
يعود جايكوب (تيم روبينز) من القتال في فيتنام مصاباً باضطراب ما بعد الصدمة. وتشكّل مسألة ما إذا كانت الأشكال المتشابكة والوجوه الضبابية التي يراها جزءاً من تلك الصدمة أم لا، المحرك الأساسي للسرد. ولا غرابة أن Jacob’s Ladder رحلة مقلقة إلى الهوس، تمزج أفلام التشويق البارانويدية في السبعينيات برعب الجسد في الثمانينيات. كان الفيلم السابق لأدريان لاين هو Fatal Attraction، الظاهرة الاجتماعية، أما Jacob’s Ladder فكان عملاً أكثر تأملاً، وكلاسيكياً خالداً للجنون الهلوسي. ينجح الفيلم حيث تبدو مادته مبتذلة في أفلام أخرى. عاد لاين بعدها إلى أفلام الإثارة الإيروتيكية، لكنه قدم بهذا الفيلم واحداً من أهم المخاوف السينمائية في العقد.
4. Misery (1990)
ملأت اقتباسات ستيفن كينغ التسعينيات: دراما مرشحة للأوسكار، ومسلسلات قصيرة، وأفلام رعب بالطبع. كان مسلسل IT الصغير عام 1990 أيقونياً كأي فيلم في العقد. أما أفلام الرعب المقتبسة عن رواياته فكانت في الغالب أعمالاً رخيصة ومتعجلة، يذهب كثير منها مباشرة إلى الفيديو المنزلي بدلاً من دور العرض. والاستثناء، وواحد من أفضل اقتباسات كينغ على الإطلاق، هو Misery.
Misery من أفضل أفلام الرعب وأكثرها أيقونية في التسعينيات، وقد رسم كثيراً من قالب رعب العقد: شرير سيصبح أيقونة، ورعب غير خارق، وفكاهة سوداء، وأجواء من العزلة. يلعب جيمس كان دور بول شيلدون، روائي ناجح يمثل كينغ نفسه، ويقع في رعاية آني ويلكس، المعجبة المتعصبة التي تؤديها كاثي بيتس بأداء ما زال يتردد صداه لعقود. نالت بيتس الأوسكار عن حق، لكن Misery عمل سينمائي رفيع على كل المستويات. كان روب راينر في ذروة نجاحه، وكتب ويليام غولدمان واحداً من أفضل سيناريوهاته، وكان باري سونينفيلد خلف الكاميرا، وقدم جيمس كان ابتسامته الساخرة الفظة. وقد اقتُبس الفيلم لاحقاً في مسرحية، وظهرت شخصية ويلكس في سلسلة Castle Rock المرتبطة بكينغ، وأدتها ليزي كابلان. لكن هذه الأعمال مجرد مشتقات. Misery لا يُضاهى.
5. Cape Fear (1991)
لا يميل مارتن سكورسيزي كثيراً إلى الرعب، لكن Cape Fear يقدم رعباً في ذروة مهاراته. صحيح أن الترويج له يصفه غالباً بأنه تشويق نفسي ودراما جريمة، غير أن معالجة سكورسيزي له، من القلق الخانق والموسيقى التصويرية إلى ماكس كادي بوصفه شبحاً لا يكلّ، رعبٌ خالص. والحقيقة أن أفلاماً مثل Cape Fear، وعدداً من أفلام هذه القائمة التي تثير جدل عشاق النوع، صُنّفت تشويقاً لأن الرعب ارتبط بالسذاجة والخوارق. والآن، بعد أن تحرر الفيلم من تلك الدلالات، يمكننا أن نقدّره على حقيقته.
Cape Fear فيلم رعب قوطي، أُعيد صنعه انطلاقاً من فيلم عام 1962 لغريغوري بيك وروبرت ميتشوم. كان الثنائي الحلم سكورسيزي ودي نيرو قد أنهيا لتوهما Goodfellas، فاستعان المخرج بمدير التصوير فريدي فرانسيس، لخبرته في أفلام قوطية مثل The Innocents وأفلام هامر. وسرعان ما صار دور دي نيرو، ماكس كادي، رمزاً ثقافياً للقاتل المختل الحديث: فظ، متقلب، مغطى بالوشم، وذكي بطريقة تبعث على الرهبة. هنا قوة طبيعية يقودها الجنون والغضب، تسعى للانتقام من المحامي العام الذي يرى أنه السبب في إدانته. رُشّح دي نيرو للأوسكار عن أدائه المرعب، وعُدّ الفيلم تمريناً أنيقاً في النوع، لكنه أيضاً عمل يحتفي بالشخصيات المعقدة. دي نيرو هنا هو الأيقونة، غير أن قسوة الفيلم التي لا ترحم رعب قائم بذاته.
6. The People Under the Stairs (1991)
لكل عقد مخرجون يحددون ملامحه عبر أعمال محورية وإنتاج غزير. كان للسبعينيات داريو أرجنتو وجورج روميرو، وسيطر كرونينبرغ وكاربنتر على الثمانينيات. أما التسعينيات ففيها اسم واحد يقف وحده: ويس كرافن. أخرج كرافن سبعة أفلام في العقد (منها واحد للتلفزيون)، ستة منها أفلام رعب، والسابع من بطولة ميريل ستريب بوصفها معلمة موسيقى في حي فقير، لأن هذا هو العقد. ارتبط اسمه بالرعب ارتباطاً وثيقاً، ويعود ذلك في الأساس إلى A Nightmare on Elm Street، والجزء الذي حمل اسمه في التسعينيات: Wes Craven’s New Nightmare.
يحظى ذلك الفيلم، بمعالجته الميتا، بتقدير متزايد مع الوقت، لكن أحد أحب مشاريع كرافن في التسعينيات كان فيلماً مستقلاً ازداد عمره نضجاً. استُقبل The People Under the Stairs استقبالاً جيداً عند عرضه، لكن مكانته نمت بفضل مزيجه الغريب، والناجح في معظمه، من الرعب والكوميديا، وبفضل هجائه الاجتماعي لموضوعات صارت أكثر صلة بالواقع. يقتحم لصان وطفل صغير منزل مالكين متسلطين في الحي، يعملان على تحويله إلى حي راقٍ، ليسرقا عملات نادرة. وكما يوحي العنوان، يخفي البيت رعبه الخاص. ورغم نجاحه، يبقى The People Under the Stairs من أقل أفلام كرافن شهرة. فعمله في التسعينيات يطغى عليه امتياز بعينه، لكن هذا الفيلم يذكّرنا بأن كرافن كان أكثر من صانع للمطاردات الدموية.
7. The Silence of the Lambs (1991)
قد يستمر الجدل بين الرعب والتشويق، لكن مجتمع الرعب لا يكترث. فقد ضمّ The Silence of the Lambs إلى الرعب بالكامل. ومما يحسن قائمة مرتبة زمنياً أن أحداً لا يحتاج إلى التظاهر بالدهشة من وجود هذا الفيلم في أعلاها. The Silence of the Lambs أيقونة بكل بساطة. فهو بنجاحه وأهميته لا يقل عن أفضل أفلام السبعينيات أو الثمانينيات، ونجاحه غير المسبوق يرتكز على شخصيات أيقونية، واكتساح للأوسكار في الفئات الكبرى، ومكانة في روح العصر لم تتراجع رغم سلسلة أجزاء تالية أقل مستوى، ورغم محاولات الثقافة الشعبية استنزاف رصيده الطيب. إنه فيلم جوناثان ديمي الكلاسيكي، مثير ومرعب وشهي في آن.
القصة لمن لم يطّلع عليها: حين يخطف قاتل متسلسل يُعرف باسم بافالو بيل ابنة أحد أعضاء مجلس الشيوخ، ترسل شرطة مكتب التحقيقات الفيدرالي الطالبة المتدربة كلاريس ستارلنغ (جودي فوستر) لتجري مقابلة مع السجين والمريض النفسي هانيبال لكتر (أنتوني هوبكنز)، أملاً في كشف هوية بيل ومكانه. تقدم لعبتهما الذهنية، التي تشبه مطاردة القط للفأر، بعضاً من أكثر العبارات اقتباساً ومشاهد تكررت تقليداً في العقد. إخراج ديمي وسيناريو تيد تالي المقتبس عن رواية توماس هاريس دقيقان كالجراحة، وينجحان في تحويل إجراءات الشرطة المألوفة إلى شيء يسير بانسياب متواصل. بشخصيات وأداء ممتازين وإيقاع محكم، صار The Silence of the Lambs مرادفاً للكمال السينمائي تقريباً.
8. Army of Darkness (1992)
كان سام ريمي يتصور الجزء التالي من The Evil Dead فيلماً تدور أحداثه في العصور الوسطى. لكن حين لم يحقق فيلمه الثاني Crimewave النجاح، وقيّدت الميزانية طموحه، أُعيد تصور Evil Dead 2 بما يتماشى أكثر مع سابقه. وحين حقق ذلك الفيلم نجاحاً، جاء Army of Darkness ليكمل رؤية ريمي. وبعد نجاح Darkman، عاد ريمي إلى عالم الممسوسين بميزانية أكبر، لكنها لم تكن كبيرة إلى حد يتيح له ولفريقه التخلي عن قيود طموحاتهم.
كان الفيلم يُدعى في الأصل Medieval Dead، ونقل Army of Darkness آش إلى القرون الوسطى بلا شيء سوى بندقية ومنشار كهربائي. يُشاع أن كتاب Necronomicon Ex-Mortis قادر على إعادته إلى زمنه، فيشرع في مهمة لإغلاق الثلاثية. تمتع ريمي بحرية كبيرة أثناء التصوير، بحسب ما يُروى، لكن أقل منها في مرحلة ما بعد الإنتاج. والأهم أن النهاية الأصلية حُذفت لصالح خاتمة أكثر تفاؤلاً. كانت النسخة الأولى لريمي بتصنيف NC-17، بينما كان الهدف PG-13، فاستعان الاستوديو بفريق خارجي خفّض التصنيف إلى R. وكسابقيها، تحولت الإيرادات والتقييمات المحترمة إلى مكانة العمل الكلاسيكي المحبوب بين عشاقه.
ظلت السلسلة خاملة عشرين عاماً، إلا من الكتب المصورة وألعاب الفيديو، حتى جاءت إعادة التشغيل عام 2013 بشخصيات جديدة. واستمر مسلسل Ash vs Evil Dead في متابعة حرب آش ضد الممسوسين وحماقته الخاصة. والآن يبدو أن فصل ريمي وكامبل في كتاب Necronomicon قد أُغلق، لكنها كانت ملحمة تستحق الذكر. يظل آش أيقونة ثقافية، والثلاثية الأصلية من أكثر أعمال السينما محبةً.
9. Braindead (1992)
Braindead، أو Dead Alive كما عُرض في أمريكا، واحد من أكثر أفلام السبلاتر بللاً وتناثراً للسوائل. إنه خليط من رعب الزومبي ورعب الجسد المشوّه، ممتزج بكوميديا أخلاقية تتلذذ بالإفراط. تخفف بعض كوميديا الرعب من الرعب لصالح الضحك. أما المخرج بيتر جاكسون فيسلك الاتجاه المعاكس، فالضحك عنده يأتي من الرعب، ومن مدى القذارة التي يبلغها كل شيء.
كان فيلمه الأول Bad Taste جزءاً سابقاً غير رسمي لـUnder the Skin، أما Braindead فجزء تالٍ غير رسمي لـKing Kong. يحكي الفيلم قصة فأر-قرد سومطري هُرّب بصورة غير مشروعة من جزيرة سكول، فيجد طريقه إلى حديقة حيوان في نيوزيلندا. حين يعضّ أمّ ليونيل الخجول، الصارمة والمزعجة، تنفلت الأمور تدريجياً. تبدأ الأم بالتصرف بغرابة، ثم يحذو الحي حذوها. عُرف جاكسون بالدم والفكاهة السوداء، ورأى النقاد في Braindead أنضج أعماله حتى ذلك الحين. وفي فيلمه التالي عبر المحيط إلى هوليوود ليخرج The Frighteners، كوميديا رعب أكثر صقلاً بطولة مايكل جيه فوكس. وبذلك خلّف جاكسون أيام السبلاتر وراءه، وانتقل إلى سلسلة ثلاثية شهيرة.
10. Bram Stoker’s Dracula (1992)
الحق أن الأفلام في هذه الخانة موجودة هنا لمكانتها في الروح الثقافية أكثر من تفضيل شخصي، لكن مصاصي الدماء كانوا مادة رائجة في التسعينيات، وفيلمان حددا تلك الرومانسية القوطية المفتونة. كان فيلم فرانسيس فورد كوبولا Bram Stoker’s Dracula ملحمة فاخرة، ونجح تجارياً، وهو ما أسعد المخرج. قدم غاري أولدمان واحداً من أدواره المعلَّمة بالمكياج الاصطناعي الثقيل، فيما جاء أداء بقية الطاقم أقل حظاً. ورغم أن الفيلم هادئ بعض الشيء، ولا يعيد ابتكار الحبكة بقدر ما يؤديها بإتقان، فإن إنتاجه، ولا سيما الديكورات والأزياء، جميل بحق. كان هذا واحداً من أكثر المخرجين احتراماً في العالم يقدم، على الأرجح، آخر نجاحاته الكبيرة في الثقافة الشعبية.
بعد عامين، سيُعرض فيلم نيل جوردان Interview with a Vampire، المقتبس عن رواية آن رايس، ويظهر فيه توم كروز وبراد بيت بوصفهما مصاصي دماء جذابين. ومثل فيلم كوبولا، كان عملاً رومانسياً مفتوناً جميل التصوير. لكنه على عكسه قدّم مقاربة أحدث وأكثر جرأة لقصة مصاصي الدماء، فصوّرهم نجوماً روك متعجرفين، مرهفين، وجوالين حول العالم، لا رجالاً مرضى منعزلين. وشهد العقد معالجات أخرى لأساطير مصاصي الدماء. فقد ذهب Dracula: Dead and Loving It وA Vampire in Brooklyn نحو الكوميديا. أما أبيل فيرارا، في The Addiction وNadja، فأعاد صياغة قوالب مصاصي الدماء على خلفية أكثر واقعية. وفي القوطية، قدم تيم بيرتون Sleepy Hollow أجواء غنية وإنتاجاً ثرياً يضاهي أعمال كوبولا وجوردان الفخمة.
11. Candyman (1992)
ربما لم يملك هذا العقد عدد أيقونات الرعب الذي امتلكه الثمانينيات، لكن الأيقونات الموجودة، مثل هانيبال لكتر وآني ويلكس، تحمل وزنها بجدارة. ويضاف إليهم Candyman، الروح الانتقامية ذات اليد المعقوفة، التي تُستحضر حين يُنطق اسمها خمس مرات. ينقل برنارد روز قصة كلايف باركر القصيرة من إنجلترا إلى الولايات المتحدة، ويستخدم قالب المطاردة الدموية ليعلّق على العرق والطبقة. وبذلك صنع فيلماً أذكى وأكثر حزناً وأشد رعباً من أجزاء المطاردات التي كانت تملأ دور العرض في ذلك الوقت.
هيلين (فرجينيا مادسن) طالبة دراسات عليا تبحث في الأساطير الحضرية. تدور أطروحتها حول كيفية استحضار سكان مشروع الإسكان العام كابريني-غرين أسطورة كانديمان. وبينما تبحث في الأسطورة والشائعات المعاصرة، تبدأ بالهلوسة وفقدان الوعي، فتجد نفسها تطاردها أحداث عنف. ويعود نجاح Candyman بقدر كبير إلى توني تود، الذي يقدم أداءً مؤرقاً يتجاوز الحضور والشخصية المعتادة في المطاردات الدموية. ومأساة خلفيته تضيف طبقة من الصلة بالواقع الاجتماعي دون أن تثقل الفيلم، وهو توازن لم تنجح إعادة الإنتاج في عشرينيات 2020s في تحقيقه. نجح Candyman، وتبعه جزءان تاليان باهتان، لكن الأصل يبقى من أفضل أفلام الرعب في التسعينيات.
12. Cronos (1992)
شهد هذا العقد ظهور مخرج غير واعد في البداية اسمه غييرمو دل تورو. وبينما يحظى فيلمه التالي Mimic بمعجبين، فإن ما يستحق المكان هنا هو معالجته العضوية الملتوية لمصاصي الدماء. Cronos مقدمة مناسبة للمخرج المولع بالوحوش. وسيُعرف لاحقاً بمزجه المتقن بين الفانتازيا والرعب والملحمة التاريخية، لكن Cronos يقدم مقطعاً عرضياً لموضوعاته الأساسية وصوره.
يعثر جامع تحف مسن على جهاز على شكل خنفساء يوخز جلده، ويبدأ في تغييره بطرق جيدة وسيئة. يتقاطع اكتشافه مع رجل أعمال ثري يبحث عن الجهاز. ينجح دل تورو في دمج عناصر الجريمة الحديثة بالرعب الخالد، وهو مزيج أثار إعجاب النقاد، ووضع قالب الإثارة الراقية الذي سيميز المخرج لاحقاً. اختارت المكسيك الفيلم ترشيحها الرسمي للأوسكار في ذلك العام، لكن عرضه بقي محدوداً. وبعد تجربته الأولى الناطقة بالإنجليزية مع Mimic، أنجز دل تورو قصص أشباح أكثر شخصية مثل The Devil’s Backbone، وأعمالاً هوليوودية مثل الجزء التالي من Blade. ويتابع المعجبون الفضوليون اليوم فيلمه الأول ليروا كيف بدأ أسطورة الرعب هذه.
13. Man Bites Dog (1992)
كان أسلوب الفيديو المصوّر مقترحاً هامشياً في منتصف التسعينيات. كان Cannibal Holocaust تحفة مشهورة بسمعتها، وكان Henry: Portrait of a Serial Killer ما زال يكافح للوصول إلى الجمهور، وكان Blair Witch على بعد سنوات. ومع ذلك، شهد عام 1992 عملين مفصليين. الأول Ghostwatch، وهو فيلم هالووين من هيئة الإذاعة البريطانية، أفزع جمهوراً لم يتوقع إلا نشرة أخبار عادية. والثاني Man Bites Dog، الكوميديا البلجيكية السوداء في قالب الوثائقي المزيف، وهو فيلم مشبع بالعدمية، كان أمام عصره بكثير.
يعدّ فريق تصوير وثائقياً بأسلوب الملاحقة المباشرة عن القاتل المتسلسل بن، فيتتبعه وهو يلتقي أسرته وأصدقاءه، ويتباهى بجرائمه، ويمضي في قتل ضحاياه. يُصوَّر في البداية بعين باردة سلبية، لكن محاولات بن الظهور بمظهر المثقف الجذاب تكسب ودّ الطاقم. Man Bites Dog هجاء أسود حالك عن استهلاك الإعلام واستخدام العنف للترفيه، وقد أثار الجدل وتعرض للرقابة والحظر. يُعد كوينتن تارانتينو من أوائل المعجبين به، وتظهر بصماته في سيناريو Natural Born Killers، كما في أعمال مخرجين مثل ميكايل هانيكه وغاسبار نوي. إنه فيلم صادم ومقلق، لكنه يترك أثره، لأن الكراهية البشرية التي يصورها تبدو مألوفة وقريبة إلى حد مربك.
14. Twin Peaks: Fire Walk with Me (1992)
كان عام 1992 عاماً كبيراً للرعب. فقد جاءت سبعة أفلام في هذه القائمة من ذلك العام، وكان بمثابة نقطة عبور بين بقايا أذواق الثمانينيات وحساسيات التسعينيات الناشئة. آخر أفلام 1992 يجسر أيضاً بين التلفزيون والسينما. أراد ديفيد لينش، عبر هذا الجزء السابق، أن يختتم مسلسله الذي أسر الجمهور لسنوات بلغز مقتل لورا بالمر، فأجاب أخيراً عن السؤال بفيلم كئيب مظلم، كان أقل اهتماماً بالختام منه باليأس والرعب.
لم يعمل لينش في الرعب بهذا الوضوح منذ Eraserhead. أما فيلمه التالي، Lost Highway عام 1996، فهو غامض وملتوٍ، لكن Twin Peaks: Fire Walk with Me يستخدم الهلوسة والسريالية ليكشف الرعب تدريجياً. يتكشف الفيلم كله تحت قلق خانق ينهار إلى يأس مأساوي. وهو في جوهره مزاج مشهد الحانة الشهير في Mulholland Drive، وقد مُدّ إلى فيلم كامل. إنه عمل قاتم، يمنح المشاهد إحساساً بالرعب غير المرئي حتى في أكثر لحظاته غموضاً. يستخدم لينش منطق الأحلام الذي كان جزءاً من أحب أفلامه، لكنه يحتل هنا مركز الصدارة بطريقة أكثر إشباعاً سردياً وأشد وقعاً مما في Lost Highway.
لم يرَ النقاد ولا الجمهور ذلك حينها. فقد انصرف جمهور التلفزيون عن المسلسل بحلول عرض الفيلم، وانتقد النقاد العمل بشدة، ونفر معجبو المسلسل من بنيته غير التقليدية. أما اليوم، فيُعد الفيلم تحفة أخرى. وقد ساعدت إعادة إحياء سلسلة Twin Peaks على استعادة الاعتبار لصورته، ويُشاد بالفيلم الآن أيضاً لتناوله الدقيق للاعتداء الجنسي.
15. In the Mouth of Madness (1994)
كانت التسعينيات عقداً صعباً على جون كاربنتر. بدأ بكارثة مشهورة هي Memoirs of an Invisible Man، وكان فيلمه الناجح تجارياً الوحيد Vampires عام 1998. ولم يحظ أي من أفلامه، ومنها Village of the Damned وEscape from LA، بأكثر من تقييمات متباينة. لكن فيلماً واحداً أصبح كلاسيكياً بين عشاقه، ويقف اليوم بين أفضل أعماله. وقد صار In the Mouth of Madness جزءاً من عدة إرث. فهو يكمل “ثلاثية نهاية العالم” الفكرية لكاربنتر (ويُقرن بـ The Thing وPrince of Darkness)، وهو جزء من سلسلتين غير رسميتين محبوبتين لدى المعجبين بطولة سام نيل: رعب كوني (يُقرن بـ Possession وEvent Horizon)، وانحدار نحو الجنون (مع استبدال Possession بـ Omen III). وهو أيضاً من أفضل الأمثلة على قالب الوسيط الإعلامي الملعون.
يؤدي نيل دور محقق تأمين مكلف بالبحث عن الروائي المختفي للرعب سوتر كين، الذي ينتظر صدور روايته الجديدة. يتوجه مع محررة كين (جولي كارمن) إلى منطقة كين، حيث تبدأ الأصوات والمشاهد في الانزياح نحو السريالية والوحشية. لا يخلو In the Mouth of Madness من عيوب، لكنه يلتقط دفء بلدة نيوإنغلاند في مساء خريفي، والشعور المقلق بأن هذا الدفء يتحول إلى جنون ثم إلى رعب. وبوصفه حكاية داخل حكاية، ويحتفي بلافكرافت، ويحمل عناصر ميتا جرّبها العقد بنجاح جزئي (انظر أيضاً: The Last Action Hero)، يستفيد الفيلم من أداء نيل، ومؤثرات الوحوش المبتكرة، وإخراج كاربنتر الواثق. وهو آخر أعماله الكبيرة.
16. The Day of the Beast (1995)
The Day of the Beast كوميديا رعب كلاسيكية، محبوبة من عشاق النوع، وقد تحول تدريجياً إلى جزء لا غنى عنه من الأعمال الكلاسيكية في العقد، بل وإلى فيلم يُعرض في أعياد الميلاد. يُنسب إليه إحياء سينما الرعب الإسبانية، وجمالية “الإسبيربينتو” الساخرة التي تعالج الهجاء عبر الغرائبية والتشويه. كما يتميز فيلم أليكس دي لا إغليسيا بفكرة لا تُنسى.
يسعى قسيس إلى منع مجيء المسيح الدجال عبر الانغماس في الخطيئة، فيستعين بعضو فرقة ميتال ومعالج نفسي تلفزيوني رديء في مهمته لإنقاذ العالم. سُوّق الفيلم بوصفه “كوميديا شيطانية”، وربما هو كوميديا أكثر منه رعباً صريحاً، لكنه من أمتع كبسولات الزمن في العقد، ومعلم في سينما الرعب الإسبانية الجادة. يُقال إن بيدرو ألمودوفار وخافيير باردم رفضاه، وأثار غضب عبدة الشيطان أثناء التصوير، فنجح في إغضاب الجميع تقريباً. ومن مزاياه أنه يلوي عنق ميلودراما الشيطان المخيفة في عشرات أفلام استغلال الشيطان، وتعالي المؤسسات الدينية، وهستيريا الذعر الشيطاني، ليصنع منها شيئاً لاذعاً وعارفاً، ومفعماً بالحياة بطريقته الخاصة. ولتكن الكلمة الأخيرة للضوء الذي يجده المرء في الظلام.
17. Seven (1995)
من إخراج ديفيد فينشر وكتابة أندرو كيفن ووكر، Seven (ويُكتب أيضاً Se7en) تحفة من سينما التسعينيات. والجدل بين التشويق والرعب مستمر، لكن شأنه شأن The Silence of the Lambs، يرضي الجميع بتقسيمه بين النوعين. فيه بالتأكيد عناصر إجراءات التشويق البوليسية، لكنه أيضاً كئيب وبشع ومؤرق. هناك حتى قفزة مفاجِئة، وتتجه نهايته إلى أرض الرعب بحسم. وكلما انكشفت الحبكة بدا الفيلم كأنه فيلم رعب يختبئ في زي فيلم شرطة.
يتابع الفيلم المحققَين ميلز (براد بيت) وسومرست (مورغان فريمان) وهما يطاردان قاتلاً متسلسلاً يرتكب جرائمه مستوحاة من الخطايا السبع المميتة. لدى سومرست أسبوع واحد قبل التقاعد. وقد انتقل ميلز بطلب شخصي إلى مدينة بلا اسم، رمادية، كأنها غائمة أو ممطرة دائماً. يبدأ Seven كتشويق تقليدي، إذ يتصادم المحققان، قبل أن تأتي تترات البداية الأيقونية لتدفعنا نحو شيء أكثر خشونة وجواً. Seven تمرين نقي تقريباً في النوع، بفكرة تخفي مدى تخريبه وقتامته. وكما تكشف النهاية، لم يكن الفيلم معنياً بأعراف هوليوود القديمة، بل بتجربة متماسكة لجمهور أراد شيئاً أكثر قتامة.
18. From Dusk till Dawn (1996)
لأن كلام كوينتن تارانتينو الكبير يفوق ما يستطيع تحقيقه، من السهل التقليل من حجم تأثيره في سينما منتصف التسعينيات. فـReservoir Dogs أعلن عن وجوده. وفاز Pulp Fiction بالسعفة الذهبية في كان، وصار ظاهرة ثقافية، وأطلق موجات من التقليد المتكلف المفرط في الأسلوب استمرت سنوات، وحتى العقد التالي. وحملت سيناريوهاته لـTrue Romance وNatural Born Killers بصمة صوته حتى بعد إعادة الكتابة، وقدم عملاً غير معتمد في فيلمي الحركة Crimson Tide وThe Rock. كانت تلك الحقبة التي أراد فيها أن يصبح نجماً، أو على الأقل ممثلاً. ومنحه From Dusk till Dawn دور البطولة المشاركة إلى جانب جورج كلوني، نجم التلفزيون في ذلك الوقت.
أخرج الفيلم روبرت رودريغيز، المخرج المستقل المخلص لسينما التسعينيات، وكتبه تارانتينو، الذي منح نفسه بسخاء مشهداً يلعق فيه التكيلا من أصابع قدمي سلمى حايك. يسطو أخوان، كلوني وتارانتينو، على بنك ويتجهان إلى المكسيك. يختطفان أباً وابنته بوصفهما ضماناً إضافياً، ثم يلجآن إلى نادٍ للتعري أقل ترحيباً مما تمنّوه. يُعد From Dusk till Dawn من أبرز أفلام التسعينيات التي تُشاهد لأول مرة، عمل متواضع لكنه قوي من سينما بيزارو، أثار حماس الجمهور. وحتى بعد عقود، يجد من يشاهده دون معرفة مسبقة مكافأة. وبينما لا يُذكر كثيراً في عالم تارانتينو، فقد امتد عمره طويلاً بمسلسل تلفزيوني، وجزأين سابقين أُنتجا مباشرة للفيديو.
19. Scream (1996) & Scream 2 (1997)
رغم أننا نكره الوصلات ونحاول تجنبها، ينتمي Scream وScream 2 إلى هنا معاً. كان الأول إثباتاً للفكرة، أما الثاني فأثبت أنها لم تكن صدفة، وقدم شيئاً ثميناً، ربما لا مثيل له في سوق أجزاء الرعب اليوم. كتب كيفن ويليامسون السيناريو وأخرج ويس كرافن Scream، الذي صار اليوم أكثر شهرة من الأفلام التي أحبها وفكّكها بمودة. كان لمسة منعشة وأنيقة في نوع راكد، حتى إن النقاد شاركوا في المتعة. وكان متقدماً على عصره في سرده الميتا، فلم يكن مجرد صرخة مليئة بالإحالات والنكات الذكية. منذ افتتاحيته الخادعة مع درو باريمور، جمع الفيلم بين الأسلوب والمضمون، في وقت كان الجمهور يبحث فيه عن رعب أذكى.
لم يكن عرض Scream 2 بعد قصير فأل حسن. كان الأول هجاءً ذكياً لأفلام المطاردة، وجزء تالٍ أُنجز بسرعة بدا غير مشجع. لكن البرق ضرب مرتين، فجاء Scream 2 ممتعاً، ونال تقييمات أفضل، وسخر من أكثر اتجاهات النوع ابتذالاً. وكما فعل Wes Craven’s New Nightmare، كان Scream معالجة ميتا لأفلام المطاردة أذكى مما تحتاج. وكان كاتب السيناريو ويليامسون قد حقق في الوقت ذاته نجاحاً كبيراً مع I Know What You Did Last Summer، وهو امتداد أكثر سذاجة وتسلية لـScream، لم يبلغ أبداً المستوى نفسه. واليوم، صارت سلسلة Scream أقرب إلى الأفلام التي سخرت منها بمودة منها إلى أصولها، لكن الجزءين الأولين ذهب خالص في الرعب.
20. Thesis (1996)
صنع ألخاندرو أمينابار واحداً من أكثر أفلام الرعب احتراماً في العقد التالي بفيلم The Others، لكنه بدأ مساره في إسبانيا بهذا الفيلم المزدوج بين الرعب والتشويق. إنه فيلم عن طالبة سينما، صنعته طالبة سينما قبل أن تصبح تلك الميتا مرهقة. وThesis هو ما كان سيحدث لو امتزج Scream بأعمال ميكايل هانيكه في التسعينيات.
أنخيلا تكتب أطروحتها عن العنف في الإعلام. وفي سعيها إلى أعنف فيلم تجده، تعثر على فيلم قتل حقيقي مسجل سراً، وتتعرف إلى الضحية. يقودها هذا إلى تحقيق أُشيد به بوصفه ذكياً ومألوفاً في آن، يضخ فيه أمينابار قدراً من التأمل الذهني في قالب المطاردة الدموية. ولم تكن فكرته المحورية، أن الناس ينجذبون إلى العنف، جديدة حتى في زمنها، لكنه طرحها في فيلم ذكي ومفاجئ ومثير للاهتمام. نجح الفيلم نجاحاً كبيراً في إسبانيا، وأثار إعجاب النقاد في الخارج. ثم جاء فيلمه التالي Open Your Eyes، الذي أُعيد إنتاجه لاحقاً بعنوان Vanilla Sky، وفاز لاحقاً بجائزة أوسكار عن The Sea Inside باسم إسبانيا. ومنذ The Others لم يعد إلى النوع، لكن فيلمه الأول ما زال يجد جمهوراً جديداً بفضل صلاحيته المستمرة وجاذبيته القديمة.
21. Cure (1997)
كان كيوشي كوروساوا قد أخرج عدداً من الأفلام، منها فيلم الرعب Sweet Home، حين قدّم ما يُعد عموماً أول تحفة له. واليوم يُعرف كوروساوا بأحد أساتذة الرعب الحديث، ولا سيما الرعب النفسي. وCure كلاسيكي للرعب، كان جزءاً من بداية موجة جديدة من الرعب الياباني، ستكتسح شباك التذاكر لاحقاً.
مثل أفضل أفلام الرعب والتشويق النفسي في عصره، يركز Cure على تحقيق جنائي محبط. جرائم بشعة يرتكبها أشخاص يتذكرون أفعالهم، لكنهم لا يستطيعون التحكم فيها أو تفسيرها بعدها. وما يزيد الرعب أن جميع الضحايا تُنقش على أجسادهم علامة X. وكما في Seven، يوفر الشكل الإجرائي مجالاً واسعاً للرعب، إذ يواجه رجال متشككون ومتواضعون شيئاً يتحدى التفسير، أو على الأقل يتحدى عقولهم. وCure من أحب أعمال كوروساوا الرعبية، ويحظى بإعجاب مخرجين من بونغ جون هو صاحب Parasite إلى آري أستر صاحب Hereditary. وقد اتضح تأثيره في الرعب مع الزمن، وترك بصمته على أفلام اليوم، بشكل خفي وظاهر في آن (Longlegs). ويُقال إن Cure استلهم إجراءات التسعينيات مثل Seven وThe Silence of the Lambs، وصار من عظماء ذلك العصر، يقف جنباً إلى جنب معهما.
22. Cube (1997)
ثمة ما يُقال عن فيلم يجسّد فكرته وجمالياته الأساسية بهذا القدر. كانت هناك أفلام رعب وتشويق ذات موقع واحد وممثلين قلائل ومحيط خانق ومتاهات لغزية قبل Cube، لكن كل شيء فيه، حتى العنوان، جاء في مكانه تماماً. أخرج الفيلم فينشينزو ناتالي واستعان بمستشار رياضيات. كان إصداراً متواضعاً، لكنه، مثل كثير من هذه الأفلام، سبق عصره بأدواته وغرفه المخادعة.
Cube في جوهره فيلم متاهات، وفكرته بسيطة ومألوفة اليوم. تستيقظ مجموعة من الغرباء محبوسين في غرفة، ويدركون تدريجياً أن عليهم التعاون لتجاوز الفخاخ. يدين مسلسل Saw بالكثير لـCube، ولم تخلُ الأفلام من محاكاته في اقتصاد السرد، لكن قلّما وضعت أفلام مجموعة من الغرباء أمام بيئة مميتة محوّلة إلى لعبة بهذا القدر من الذكاء والبراعة. أخفق الفيلم في كندا موطنه، لكنه وجد جمهوراً متحمساً في أوروبا واليابان. وحصل أيضاً على معاملة التسعينيات المعتادة لأفلام الفيديو المباشر، فأُنتج له جزء تالٍ وجزء سابق. أما الأصل فهو فيلم يستثمر موارد محدودة ليروي قصة صارت قالباً خاصاً بها في السنوات اللاحقة.
23. Event Horizon (1997)
أفلام الخيال العلمي والرعب صعبة الإتقان. فلكل Alien هناك عشرات الأفلام مثل Leprechaun 4: In Space. وكثيراً ما يتعثر هذا النوع في حوار ركيك وأزياء وتأثيرات فضائية مضحكة دون قصد. كان Event Horizon ظاهرة غريبة في وقته. لم يكن ذلك لأن أفلام الخيال العلمي نادرة، فقد كان العالم بعد Jurassic Park يشهد تحويل روايات مايكل كرايتون إلى أفلام بمعدل يضاهي ستيفن كينغ. لكن فيلم دبليو. إس. أندرسون كان فيه شيء يتردد صداه، وإن استغرق الأمر سنوات حتى يحصد ثماره المولودة من الجحيم.
في عام 2047، يحقق الكابتن ميلر (لورنس فيشبورن) وطاقمه في إشارة استغاثة صادرة من السفينة الفضائية المفقودة التي يحمل الفيلم اسمها، ويرافقهم مصمم السفينة (سام نيل). وثمة سبب لاختفاء Event Horizon لسنوات، وهذا السبب يأخذ الطاقم والمشاهدين إلى مكان لا يحتاج فيه أحد إلى عينين. كان Event Horizon فشلاً تجارياً كبيراً، ضحية استوديو متهور وسوق مشبعة. فقد قُدّم موعد عرضه ليملأ الفراغ الذي خلّفه فيلم جيمس كاميرون Titanic المتأخر دوماً. وجد الفيلم نفسه وسط موسم صيفي مزدحم يتنافس فيه مع أفلام مثل Air Force One وMen in Black، وكان النقاد قاسين معه. لكن مع السنين، ترسخت مشاهده المميزة وإحساسه الثقيل المتصاعد بالرعب في أذهان جيل كامل، كأنها محفورة على جفونهم من الداخل.
24. Funny Games (1997)
Funny Games من تلك الأفلام التسعينية غير الخارقة التي لا يُتحدث عنها كثيراً بوصفها فيلم رعب، لكن ما عسى أن يكون غير ذلك؟ قليلة هي الأفلام التي تبلغ هذا القدر من الرعب والإزعاج. وبعد عقود من المقالات الفكرية الكثيرة، ونسخة أمريكية مطابقة لكل لقطة، لم يفقد تأثير فيلم ميكايل هانيكه أي شيء من حدته. فانعكاس العنف المتعمد الذي يستفز الجمهور بدل أن يمتعه، ما زال بياناً مهماً وعملاً رعبياً متعدد الطبقات، يزداد صلة بالواقع مع الوقت.
تصل عائلة مرفهة إلى بيت على بحيرة هادئة لقضاء عطلة. يطرق بابهم رجلان مهذبان، يطلبان بيض دجاج، ثم يستنزفان صبر العائلة. يلجأ هانيكه إلى مفارقة تستخدم أدوات مقصودة تكشف زيف السينما. فالشريران يكسران الجدار الرابع، ويخاطبان الكاميرا مباشرة، ويعيدان الفيلم إلى الوراء، ويرفضان أن يتحول إلى فيلم الحركة الذي يعرف هانيكه أن الجمهور يريده. Funny Games تجربة مزعجة بشكل مشهور، لكنه لم يكن ليعمل لولا أن هانيكه وفريقه صنعوا فيلماً محكماً ومتقناً، وبياناً مهماً عن أوهامنا حول العنف في الإعلام والمجتمع. وقد طرح هانيكه أرضاً مشابهة في فيلمه السابق Benny’s Video، وسيصنع المخرج النمساوي في العقد التالي بعض أفضل أفلامه عن موضوعات قريبة، بالدقة والفكر والتجرد الذي صار علامته المميزة.
25. Perfect Blue (1997)
يُعرف ساتوشي كون بوصفه أسطورة الرسوم المتحركة، لكن مكانته مخرجاً يتجاوز الوسيط لم تنفك تنمو منذ رحيله. صار Perfect Blue واحداً من أكثر أفلام الرعب والتشويق النفسي تأثيراً في العقد، وجزءاً لا غنى عنه من الأعمال الكلاسيكية. قدّم كون فيلمه الأول مع Perfect Blue، ويُقال إنه حاول الابتعاد عن التشويق النفسي بسبب تأثير أفلام مثل Seven وThe Silence of the Lambs. فاتجه إلى الداخل بدلاً من ذلك.
ميما إحدى عضوات فرقة البوب CHAM!. تترك الفرقة وتتخلى عن صورتها البريئة، أملاً في أن تصبح ممثلة ناجحة، لكن ذلك يغضب معجبيها، وخاصة معجباً مهووساً واحداً. ومع بدء حملة ملاحقة وتحرش إلكتروني، يبدأ عقل ميما بالتفكك. عُرض الفيلم أولاً في دائرة المهرجانات، ثم حقق نجاحاً شبه فوري، وأسهم الجمهور والنقاد في إقناع الناس بأخذه على محمل الجد، في وقت كانت الأفلام المتحركة في الغرب ما زالت تُربط بالحيوانات المتكلمة والاستعراضات الغنائية. واليوم يُذكر Perfect Blue باستمرار بوصفه من أفضل أفلام العقد، بصرف النظر عن نوعه وشكله.
26. Ring (1998)
Ring، أو Ringu، من أكثر الأفلام تأثيراً وأيقونية في هذه القائمة. إنه الفيلم الذي يُنسب إليه إشعال موجة J-horror، ورسم مزاجها وجمالياتها الأساسية. ونسخته الأمريكية محبوبة بالقدر نفسه. وقد امتدت السلسلة حول العالم، ومنحت النوع دفعة طاقة وأفكاراً كان في أمسّ الحاجة إليها. وبطرق كثيرة، أعاد Ring قصة الأشباح إلى العصر الحديث، حتى وإن ظل تهديده ينتقل عبر وسيط كان على وشك أن يصبح قديماً.
كما في أفلام التسعينيات، لا شيء يضاهي المشاهدة الأولى. تشاهد الشريط، وتتلقى مكالمة هاتفية، ولديك سبعة أيام للعيش. تبدأ الصحفية ريكو التحقيق بعد أن تقع ابنة أختها ضحية “الأسطورة الحضرية”. تشاهد الشريط بنفسها، لكن حين يتعرض ابنها للخطر أيضاً، تنطلق تحقيقاتها بسرعة قصوى. أنتج Ring أيقونة رعب جديدة في شخصية ساداكو (سامارا في النسخة الأمريكية)، لكن أسلحته الحقيقية هي المزاج والتوتر. وهو مأخوذ عن رواية كوجي سوزوكي، وأخرجه هيديو ناكاتا، وكان نجاحه شبه فوري، ويصعب المبالغة في تأثيره، خاصة مع موجة الأفلام التي تلته، ومنها Pulse وJu-On، وهي أيضاً من الكلاسيكيات. ومن الغريب أن جزءاً تالياً، Spiral، صُوّر وعُرض في الوقت نفسه تقريباً. وكما حدث مع النسخة الأمريكية التالية، قوبل الفيلم بالازدراء والتجاهل. والحقيقة أنه لم يقترب أي جزء تالٍ من أصالة الفيلم الأول.
27. Audition (1999)
أُدرج Audition في قائمتنا لأفضل أفلام الرعب في 2000s، لكن فيلم تاكيشي ميكي المخيف صار جزءاً من الأعمال الكلاسيكية في التسعينيات بحيث لا يمكن تجاهله. عُرض لأول مرة في مهرجان عام 1999، ولم يُعرض في اليابان حتى مارس 2000، ومع ذلك لم يشاهده كثيرون. ومثل الرواية المأخوذ عنها، كان تلقي Audition بطيئاً ومتزايداً، إذ بُني عبر سنوات من الكلام المنتشر وعروض الفيديو المنزلي، حتى صار جزءاً مشهوراً ولا غنى عنه من تاريخ الرعب الحديث. إنه النسخة المقلوبة من Fatal Attraction، ولا يمكن تجاهله.
مأخوذ عن رواية ريو موراكامي، ومُخرج من قِبَل المخرج الغزير والأسطوري في الرعب، وAudition فيلم تأملي لطيف وقاسٍ في آن. يبدأ أرمل بالخروج مجدداً للمواعدة، بتشجيع من ابنه وصديقه المقرب. ويدبّر صديقه المنتج السينمائي حتى اختبار تمثيل مزيفاً ليفحص الشريكات المحتملات. قد يلحظ من يعرف Audition بعض أوجه الشبه بـFrom Dusk till Dawn في البنية والتحولات النغمية، لكن حتى الإعداد الشرير للفكرة لا ينقل الطرق الغريبة والمخيفة والمؤرقة التي يتكشف بها الفيلم. وبعد أكثر من 25 عاماً على عرضه، يبقى Audition من أكثر أفلام الرعب شهرة ومحبةً، بصرف النظر عن العقد الذي ينتمي إليه. وقد ترسخ في ذهن من شاهدوه في سن مؤثرة، أو عثروا عليه لاحقاً.
28. The Blair Witch Project (1999)
بالنسبة لكثيرين، يبدأ نوع الفيديو المصوّر مع Blair Witch. وهذا بالطبع غير دقيق، لكنه يعطي فكرة عن مدى رسوخ إرثه. جزء من ذلك يعود إلى التوقيت. فقد كان أول فيلم فيديو مصوّر كبير في عصر الإنترنت الناشئ، وواحداً من أوائل الخدع الفيروسية. وسبق موجة أفلام الفيديو المصوّر التي استغلت هوليوود بها حبها للإنتاجات الرخيصة، حيث تُستخدم الصورة الحبيبية منخفضة الجودة للإيحاء بالصدق.
ثلاثة طلاب (هيذر دونهيو ومايكل سي. ويليامز وجوشوا ليونارد) يصورون وثائقياً عن أسطورة ساحرة بلير. يجرون مقابلات مع السكان المحليين قبل أن يدخلوا الغابة. ولا يبقى منهم سوى الشريط الذي تركوه. استعار المخرجان دانيال ميريك وإدواردو سانشيز من أسلوب Cannibal Holocaust، فأخفيا حقيقة إنتاجهما، وتركا الإنترنت الناشئ يتكفل بالباقي من همس وتداول. وكانت النتيجة واحداً من أنجح الأفلام المستقلة في كل العصور.
تلا ذلك سيل من أفلام الفيديو المصوّر، استفادت من الكاميرات الرقمية وبرامج المونتاج المنزلي. ومع ذلك، جعل إطلاق The Blair Witch Project منه حدثاً سينمائياً. وهو ليس أول فيلم من هذا النوع في عصره ولا وحيده (فقد صدر The Last Broadcast في الفترة نفسها تقريباً)، لكنه يُنسب إليه نشر هذا الشكل. وبعد عقود من الضجة، ما زال فيلماً مخيفاً ومؤثراً، وحين يتحرر من حيلته الأساسية، يُقدَّر اليوم لفعاليته وأسطورته المخيفة الخاصة داخل الفيلم.
29. Ravenous (1999)
تميل أفلام الرعب في التسعينيات إلى أن تكون إما ظواهر ثقافية، أو أفلاماً متخصصة جيدة العمر، أو إخفاقات كبيرة صارت كلاسيكيات لدى المعجبين. وRavenous لأنتونيا بيرد يقع بثبات في الخانة الأخيرة. فقد فشل في دور العرض، لأن جمهور كوميديا رعب الغرب لم يكن موجوداً بعد فيما يبدو. واليوم هو جوهرة مخفية في عقد مليء بشكل مفاجئ بكوميديا الرعب المختلة، من عام مفصلي للسينما أنتج ما يكفي من الكلاسيكيات لهذا العقد.
في أمريكا خلال 1840s، يُرسل الملازم جون بويد (غاي بيرس) إلى مركز جبلي نائٍ بعد محنة مروعة. وبعد قليل يصل الغريب الغامض الذي يؤديه روبرت كارلايل، مدّعياً أن قافلة عرباته تعرضت لمحنة مشابهة. ومن قصص العربات المتجمدة والجائعة والمهجورة المروعة تنبع غرابة Ravenous الممتعة. يضم الفيلم طاقماً تمثيلياً متحمساً يتصدره بيرس وكارلايل، وموسيقى مرحة لمايكل نايمان ودايمون ألبارن، عُزفت كلها بآلات من ذلك العصر، وسيناريو لتيد غريفين، كاتب Ocean’s 11 لاحقاً. وقد تحول مزيجه النوعي وفكاهته الغريبة إلى أحد أسلحة الرعب السرية، وصار Ravenous مفضلاً مخفياً آخر، كان متقدماً على زمنه. ويصلح الفيلم لعرض مزدوج مع Sleepy Hollow لتيم بيرتون، وهو فيلم آخر عن جزء من الفولكلور الأمريكي يحقن الحس الحديث في أجوائه التاريخية.
30. The Sixth Sense (1999)
آخر فيلم رعب بارز في العقد كان ظاهرة ثقافية أخرى، فيلماً ما زال يعيش بلا قيود في الثقافة الشعبية. كان The Sixth Sense لإم. نايت شيامالان ثاني أفلامه الروائية، وأول فيلم بشّر بالأسلوب المميز الذي جعله ينتقل بين كونه مؤلفاً سينمائياً، ثم صانع أفلام متوسطاً، ثم صاحب استوديو صغير موثوق. ومهما كان رأيك في أعماله اللاحقة، فلا يمكن إنكار حرفية The Sixth Sense وتأثيره.
أدى هالي جويل أوسمنت أداءً دقيقاً بوصفه طفلاً مضطرباً. وأبهر بروس ويليس في دور الطبيب النفسي للأطفال الذي يحاول مساعدته. وقد وازن الفيلم ببراعة بين لحظات الفزع المفاجئ والدراما الإنسانية المكتوبة بعناية، وجاءت نهايته مستحقة وذكية، لا رخيصة ولا مفروضة، كما هي حال أفلام المخرج اللاحقة. أُعجب الجمهور والنقاد به. وحقق The Sixth Sense نجاحاً كبيراً، فتصدر شباك التذاكر لأسابيع، وحصد عدة ترشيحات أوسكار كبيرة، في وقت كانت فيه فخاخ أوسكار شركة ميراماكس قد جعلت اكتساح The Silence of the Lambs يبدو كأنه حدث منذ عقود. كان سرداً متقناً للنوع، عثر على القوطي والمأساوي في مدينة فيلادلفيا الحضرية.
فيلم شبيه جداً في موضوعه، هو Stir of Echoes مع كيفن بيكون، عُرض بعد أسابيع قليلة من فيلم شيامالان، وطغى عليه التجاهل. وشهدت التسعينيات عدداً من المنافسات السينمائية في شباك التذاكر (مثل Deep Impact مقابل Armageddon)، وكان عام 1999 عاماً حافلاً بشكل معروف للسينما. ويعكس نجاح The Sixth Sense مدى تغير الصناعة والجمهور. ولم يكن رعب التسعينيات محبوباً أو أيقونياً دائماً، لكن الأفلام التي تمكنت من التأثير أو عادت إلى الواجهة ما زالت تنفذ إلى الأعماق.
