نعيش حالياً في زمن مليء بالحيرة والارتباك، حيث تبدو الحكومات والشركات الكبرى ووسائل الإعلام أقل جدارة بالثقة يوماً بعد يوم. ومع ذلك، لم تكن هناك لحظة في التاريخ الحديث أكثر احتياجاً للسخرية من الآن. تبلغ السخرية ذروتها عندما تجد التوازن المثالي بين الغضب والفكاهة، سعياً لتسليط الضوء على النفاق المتفشي في مجتمعنا. وبدلاً من السماح للجمهور برؤية هذه المعايير المزدوجة كشيء يستحق الخوف، تتيح لنا السخرية تحويلها إلى مجرد مادة للسخرية.
أحد أكثر منافذ هذا النوع من الفكاهة شيوعاً، والذي تم استغلاله ببراعة لقرون عديدة، هو الطبقة البرجوازية. غالباً ما تُصور الحياة البرجوازية على أنها تفتقر للأخلاق، حيث يمثلها مستهلكون أثرياء هدفهم الوحيد هو التمسك بمكانتهم الاجتماعية أو تعزيزها بأي وسيلة ضرورية، حتى لو كان ذلك يعني المزيد من المشقة للطبقات الدنيا.
كانت السينما معبراً واضحاً عن الثقافة التي سلطت الضوء على مظاهر الاستهلاك التفاخري المنتشر من الطبقة الوسطى العليا إلى الأرستقراطية. قدمت بعض هذه الأفلام للجمهور رؤية لهذا الانحلال الأخلاقي والفكري الذي يسكن المستفيدين الرئيسيين من المجتمع الرأسمالي، ونتيجة لذلك، أنتجت بعضاً من أرقى الأفلام التي لا تزال تقدم رسالة مهمة للجماهير حتى يومنا هذا.
1. My Man Godfrey (1936)
على المستوى الشخصي، أحد أنواع السينما المفضلة لدي هو كوميديا “سكرو بول” الكلاسيكية التي كانت شائعة خلال العصر الذهبي لهوليوود. تُعد هذه الكوميديا في جوهرها سخرية محضة، حيث تحاكي مفهوم قصص الحب التقليدية بعناصر مثل موضوعات الهروب من الواقع، والمواقف الهزلية، ووفرة الحوارات الذكية سريعة الوتيرة. ورغم هذه القوالب التي قد تُستخدم كسلاح للسخرية في الأيدي الخطأ، إلا أنها تجعل الرومانسية تبدو أكثر واقعية؛ فهذه الشخصيات بعيدة عن الكمال، لكننا نقع في حبها بسبب عيوبها. ومن أرقى الأفلام التي مزجت ببراعة بين الرومانسية غير المتكافئة والتعليق الاجتماعي هي تحفة غريغوري لا كافا، My Man Godfrey.
يتابع الفيلم شخصية غودفري، التي أداها ويليام باول ببراعة، وهو ما يسمى بـ “الرجل المنسي” الذي رغم خلفيته الثرية، ترك المجتمع المخملي بعد معاناته من قصة حب فاشلة. بعد أن أصبح مشرداً يعيش في مكب نفايات مع رجال بلا مأوى، يتغير حظه بعد أن عُرض عليه منصب خادم لعائلة بولوك، وهي عائلة من الطبقة المخملية التي تتبنى أسلوب الحياة المترف والمنحل المرتبط بكونك جزءاً من البرجوازية.
ابنتا العائلة هما من تسببان أكبر قدر من الصعوبة لغودفري؛ الابنة الكبرى كورنيليا قاسية ومدللة لدرجة أنها تستمتع بسادية في محاولاتها لتشويه سمعة الخادم المعين حديثاً. أما الابنة الصغرى آيرين، التي لعبت دورها الأسطورية كارول لومبارد، فهي مفتونة تماماً بغودفري منذ اللحظة التي تقع عيناها عليه. تتناغم غرابة أطوارها الطيبة مع سلوك غودفري المتزن والهادئ حتى يجد نفسه يبادلها الحب، وإن كان ذلك بطريقته الرزينة.
رومانسية الفيلم ممتعة دائماً للمشاهدة، لكن عظمة الفيلم تكمن في موضوعاته وأخلاقياته. في النهاية، يتم إنقاذ عائلة بولوك من الانهيار المالي بفضل بصيرة غودفري، ويتركون مع إدراك أن أسلوب حياتهم الباذخ كان سيؤدي إلى دمارهم الكامل لولا لطف “رجل منسي”.
2. The Rules of the Game (1939)
لا توجد أفلام كثيرة في تاريخ السينما بأكمله حظيت بمكانة مرموقة مثل فيلم جان رينوار The Rules of the Game. وصلت هذه الكوميديا الكلاسيكية عن الأخلاق إلى سمعة أسطورية بين عشاق السينما، ليس فقط بسبب التقدير النقدي المستحق، بل أيضاً بسبب القصة المذهلة وراء إعادة اكتشافه.
في عام 1939، كان رينوار يُعتبر في وطنه أفضل مخرج فرنسي لا يخطئ، ومع ذلك، بعد إصدار The Rules of the Game، تعرض لانتقادات لاذعة ليس فقط من الجمهور والنقاد، بل من الحكومة الفرنسية التي رأت أنه يضر بقيم الأمة في ذلك الوقت. تسبب هذا الاستقبال في تقطيع الفيلم بشكل كبير وتركه ليُنسى كمجرد فشل سينمائي. لحسن الحظ، في عام 1956، تم العثور على المواد الأصلية للفيلم، وتحت إشراف رينوار، تم ترميم الكلاسيكية واستعادتها إلى شكلها الأصلي تقريباً.
يصور حبكة الفيلم أفراداً من الطبقة العليا الفرنسية وخدمهم خلال عطلة نهاية أسبوع فاخرة للصيد عشية الحرب العالمية الثانية. يستخدم رينوار لحظات الكوميديا في الفيلم بخبرة رائعة، من حوارات الشخصيات إلى مشاهد التهريج، لكنه لا يسمح أبداً للفكاهة بأن تطغى على رسالة الفيلم. طوال مدة عرض الفيلم، يتم تقديم الأرستقراطية على أنها قاسية ومتمحورة حول الذات حتى عندما يحدق بهم الهلاك المحتوم. من السهل معرفة سبب انتقاد الجمهور الفرنسي للفيلم بشدة، لأن أحد فنانيهم المرموقين تجرأ على التشكيك في قيم أمته في مثل هذا الوقت المخيف.
تم تصوير الفيلم بين اتفاقية ميونيخ والاندلاع الرسمي للحرب، حيث رأى رينوار أن النازيين يقتربون أكثر فأكثر بينما استمرت الطبقة العليا في فرنسا وبريطانيا والولايات المتحدة في تجاهل تهديد الفاشية، وانزعجوا عندما أجبرهم على التفكير في فكرة المساءلة. يجب أن يكون هذا الفيلم نقطة انطلاق لأي ساخر ناشئ؛ فعندما يحدق بك الشر الحقيقي، نبه بقية المجتمع إليه قبل أن يلتهمنا جميعاً.
3. Mon Oncle (1958)
يؤلمني حقاً أن جاك تاتي لا يحظى بالاعتراف العالمي كـ مؤلف سينمائي عبقري على نطاق أوسع. يوصف عادة بأنه المعادل الفرنسي لشابلن أو كيتون، ورغم أنني أتفهم أن تصنيفه في نفس النقاش مع هذين الأيقونتين هو مجاملة كبيرة، إلا أنني لا أستطيع إلا أن أشعر بأن هذا التصريح لا يزال يقلل من شأن الموهبة التي امتلكها تاتي. بالتأكيد، يمكن إجراء أوجه التشابه الواضحة بأنه مثل شابلن وكيتون، كتب تاتي وأخرج وقام ببطولة أفلامه الخاصة، والتي لا تزال تحظى بالإعجاب حتى يومنا هذا. لكن في مسيرة سينمائية امتدت لخمسين عاماً، صنع تاتي ستة أفلام روائية طويلة فقط. لحسن حظنا، الأفلام الستة المعنية تستحق تماماً مجدها الدائم. بينما أعتقد أن تحفته الفنية هي Playtime، فإن سخريته من مجتمع الاستهلاك عام 1958، Mon Oncle، تستحق سمعة بنفس المكانة.
يرى فيلم Mon Oncle تاتي يعيد تمثيل دوره الشهير كـ مسيو هولو، وهي شخصية ساذجة ومحبوبة تصطدم كثيراً بالاعتماد المتزايد على التكنولوجيا في عالم حديث بشكل متزايد. يرى هذا الفيلم هولو يزور عائلة أخته التي تعيش في منزل مصمم بشكل سخيف ومليء بالأدوات العصرية وغير العملية كوسيلة ليُنظر إليهم من قبل جيرانهم على أنهم يعيشون أسلوب حياة برجوازي. سرعان ما ينجذب ابن أخته الصغير إلى سلوكيات هولو الخرقاء ويلتصق بعمه في جميع الأوقات، وبسبب انزعاج الأم والأب من افتتان ابنهما بعمه، يبحثان عن طرق لإبقاء هولو مشغولاً، مما يؤدي بالطبع من كارثة مرحة إلى أخرى.
عبقرية هذا الفيلم، وليس فقط نوع الكوميديا البصرية لتاتي بشكل عام، تكمن في أنه رغم نقص الحوار الملحوظ طوال الفيلم، فإن Mon Oncle مليء بالكثير من النكات البصرية داخل كل مشهد، بينما لا يبرز الاستخدام الجميل للألوان والإضاءة في الفيلم النكات فحسب، بل يساعد أيضاً في السرد. أناشدكم جميعاً ممن يقرؤون هذا ولم يشاهدوا أياً من أفلام تاتي أن يذهبوا لمشاهدتها على الفور. وحتى لو فعلتم، شاهدوها مرة أخرى. في وقت يسوده عدم اليقين واليأس، لا يوجد علاج للكآبة أفضل من أعمال جاك تاتي.
4. La Dolce Vita (1960)
أدرك أنني لا أقدم شيئاً جديداً عندما أقول إن فيديريكو فيليني هو أحد أعظم صناع الأفلام الذين عاشوا على الإطلاق، لكنه يصنف أيضاً ربما كأكثرهم تفرداً. قضى المخرج الإيطالي مسيرته المهنية بأكملها في تطوير أسلوبه الخاص الذي أصبح متأصلاً في نسيج السينما. من خلال مزج الصور الباروكية داخل تسلسلات تشبه الحلم، من الواضح لأي محب للسينما أنه ألهم العديد من المخرجين الأكثر احتراماً وخيالاً الذين لا يزالون يعملون اليوم، مثل تيم بيرتون وتيري غيليام وديفيد لينش. أحد أفضل أفلامه، إن لم يكن أعظمها، هو فيلمه الملحمي الكوميدي الدرامي عام 1960 La Dolce Vita. يحتفظ الفيلم بأسلوب فيليني المميز ولكنه يطرق موضوعات ومواد تبدو راهنة تماماً بعد ستين عاماً.
يتابع La Dolce Vita صحفياً، لعب دوره أسطورة الشاشة الإيطالية والمتعاون المتكرر مع فيليني مارسيلو ماستروياني، وهو يقضي سبعة أيام وليالٍ في صحبة نجوم السينما والمثقفين والأرستقراطية. هذا يدفع الصحفي إلى رحلة لاكتشاف الذات حيث يسعى للحب والسعادة، لكنه لا يجد سوى الإفراط والمجون على طول الطريق.
هذا هو في نواحٍ كثيرة أكثر أفلام فيليني وحشية، وهو هجوم غاضب على ثقافة المشاهير البراقة التي كانت موجودة في روما بعد الخروج من فترة مكثفة من الفقر والمعاناة بعد الحرب العالمية الثانية. ربما يكون المشهد الأكثر إثارة للدهشة في الفيلم الذي يوضح هذه النقطة هو المشهد الأول، الذي يرى تمثالاً ليسوع يطير فوق العاصمة بينما يتم تعليقه من كابلات على مروحية. ذراعا المسيح ممدودتان كما لو كان يبارك المدينة، فقط ليقطع المشهد إلى “مجتمع المقاهي” في روما وهم يغرقون في أسلوب حياتهم غير الأخلاقي.
المشهد الأخير للفيلم مؤثر بنفس القدر، حيث يظهر الصحفي، الذي فسد تماماً بسبب الحياة الراقية، وهو يركع على الشاطئ بينما يرى فتاة صغيرة تبدو وكأنها تمثل البراءة الملائكية. تناديه الفتاة، لكن كلماتها تضيع في صوت الأمواج المتلاطمة والرياح. في النهاية، يهز الصحفي كتفيه ويعود إلى حفلة المحتفلين، وقد استهلكته وفسدته تماماً “الحياة الطيبة”.
5. Daisies (1966)
إذا كانت هناك حركة سينمائية جسدت تماماً روح الثورة من خلال تسليط الضوء على موضوعات كانت مؤكدة لإثارة غضب حكومة أمتها، فلا بد أن تكون الموجة الجديدة التشيكوسلوفاكية المؤثرة للغاية. قوبلت العديد من الأفلام التي صدرت خلال هذه الحركة برقابة شديدة من الحكومة الشيوعية الحاكمة لأنها اعتبرتها ضارة للغاية بمعنويات شباب البلاد.
إذا كانوا يقصدون بكلمة ضارة أنها مفسدة، فسيظلون على حق، وقد أدت سينما تشيكوسلوفاكيا إلى الكثير من الاضطرابات السياسية في البلاد، المعروفة باسم ربيع براغ، حيث شعر شبابها بالاستياء من أساليب حياة قادتهم المترفة بينما تُركوا ليتخبطوا في العوز. عرضت الكثير من هذه الأفلام هذه الموضوعات من خلال مزيج من الفكاهة المظلمة والسخيفة، ولا يوجد فيلم يجسد هذا بشكل أفضل من تحفة فيرا شيتيلوفا السريالية عام 1966، Daisies.
Daisies هو في نفس الوقت عمل كلاسيكي للسينما النسوية الفوضوية بالإضافة إلى سخرية سخيفة من البرجوازية. بطلتا الفيلم هما فتاتان مراهقتان تقرران بشكل لا يمكن تفسيره وبنزوة أنهما ستصبحان سيئتين. تتضمن مآثرهما من تلك النقطة فصاعداً الذهاب في مواعيد مع رجال أكبر سناً فقط للسخرية منهم بلا هوادة أثناء حشو أنفسهم بالطعام الغني، والسكر في ملهى ليلي بطابع العشرينيات مما يزعج عملاء المكان المرموقين، وصولاً إلى العثور على مأدبة كبيرة فقط للانخراط في معركة طعام سخيفة وصبيانية. ربما كان رد الفعل الأكثر مرحاً الذي خرج من هذا الفيلم هو أن 21 نائباً في البرلمان اعترضوا على الهدر الباذخ للطعام أثناء تصويره.
الصور الجميلة المستوحاة من الدادائية في الفيلم الممزوجة بنوعها الفوضوي من الكوميديا التهريجية تؤدي إلى فيلم أكثر أهمية لفن السينما مما كان يعتقده الكثيرون عند المشاهدة الأولى. تستحق شيتيلوفا حقاً مكانتها كأيقونة نسوية سيستمر عملها في إلهام عدد لا يحصى من النساء لرفع أصابعهن الوسطى في وجه النظام الأبوي، أو ربما بشكل أكثر ملاءمة، قذف فطيرة كاسترد في وجوههم.
6. Bob & Carol & Ted & Alice (1969)
شهد العقد الماضي الكثير من الاحتجاجات لأسباب متعددة حول العالم؛ هذه الحركات تستحضر بالتأكيد ذكريات مظاهرات مماثلة حدثت خلال الستينيات. يُنظر إلى الستينيات على أنها عصر الثقافة المضادة الذي شهد تصاعد التوترات الاجتماعية عبر الخطوط الجيلية لقضايا متعددة، وتشمل هذه الحقوق المدنية، والمساواة بين المرأة، والجنس البشري. كان الأخير موضوع كلاسيكية بول مازورسكي عام 1969 Bob & Carol & Ted & Alice. لكن تصنيف هذا الفيلم ببساطة على أنه كوميديا جنسية عادية سيكون ظلماً كبيراً له، لأنه أيضاً هجوم مرح على ما يسمى بـ “اشتراكيي الشمبانيا” وكيف يتناسبون مع جيل الاحتجاج. مما يجعله سخرية عبقرية من الحساسيات البرجوازية في عالم متحرر جنسياً بشكل تدريجي.
يرى الفيلم بوب وكارول، اللذين لعبت دورهما ناتالي وود وروبرت كولب، وهما اثنان من مثقفي لوس أنجلوس العالقين في زواج مضطرب، ليتم إصلاحه فقط بعد المشاركة في خلوة علاج جماعي تعلمهما تبني الانفتاح الكامل. سرعان ما يشارك الزوجان أسلوب حياتهما الجديد مع صديقيهما الأكثر تحفظاً تيد وأليس، اللذين لعب دورهما ببراعة إليوت غولد وديان كانون، واللذان يشعران بعدم الارتياح الشديد تجاه أسلوب حياة بوب وكارول “المستنير” الجديد.
طوال الفيلم، يصبح التوتر الجنسي المتزايد بين الأربعة واضحاً أكثر فأكثر حتى يبنى في النهاية إلى رباعية محرجة بشكل مؤلم. في حين أن الشخصيات الأربع الرئيسية ليست بأي حال من الأحوال غير محبوبة تماماً، إلا أنها بلا شك كاريكاتير للبوهيميين الأثرياء في الساحل الغربي الذين يستخدمون مناصبهم الاجتماعية العالية لركوب موجة الثورة الجنسية التي تجتاح أمريكا. ولكن بدلاً من الغوص في الحركة، يحاولون عقلنتها بالإضافة إلى الاختباء خلف عذر تعدد العلاقات كوسيلة لاستخدام الجنس لملء فراغات الإشباع العاطفي في حياتهم. على الرغم من التعامل مع موضوعات صعبة، يظل Bob & Carol & Ted & Alice فيلماً مرحاً للغاية مع لحظات رائعة من التهريج ووفرة من الحوارات الذكية.
7. The Ruling Class (1972)
ربما أتحدث بتحيز أكثر من القليل عندما أكتب هذا، لكنني أجد صعوبة في تسمية أي بلد آخر أنتج مثل هذه الكمية المذهلة من الكوميديا السوداء مثل بريطانيا العظمى. من كوميديا إيلين الأيقونية، مثل Kind Hearts and Coronets و The Ladykillers، إلى أفلام أحدث من هذا القرن مثل Four Lions و The Death of Stalin. هناك شيء متأصل بعمق داخل المجتمع البريطاني يجعلنا أكثر تقبلاً وتقديراً لإيجاد الفكاهة في الموضوعات المحرمة أكثر من أي مكان آخر في العالم. غالباً ما تكون الكوميديا السوداء في أشد حالاتها قتامة عندما تمتزج بالسخرية لأنها تعمل كآلية تكيف ملتوية لمساعدة السكان خلال الأوقات الصعبة. هدف شائع لهذا هو الأرستقراطية، ولا أستطيع التفكير في أي فيلم يجسد هذا بشكل أفضل من فيلم بيتر ميداك The Ruling Class.
يروي The Ruling Class قصة جاك غورني، وهو نبيل مصاب بالفصام بجنون العظمة، لعب دوره بيتر أوتول في ما هو بالتأكيد أطرف أداء في مسيرته المهنية المشهورة بأكملها، والذي يرث لقباً بعد وفاة الإيرل السابق بسبب الاختناق الذاتي. هل هذا مظلم بما يكفي بالنسبة لك؟ مشكلة جاك هي أنه يعتقد أنه يسوع المسيح، وكل حديثه عن الحب والخير لا يتفق مع القيم عديمة الضمير لبقية عائلته الذين يسعون بسرعة لعلاجه من آرائه السلمية، مما يؤدي إلى نتائج كارثية ليس فقط لأنفسهم ولكن للمجتمع البريطاني بأكمله.
The Ruling Class مرح بقدر ما هو شرس بلا هوادة في موضوعه، حيث يمزج نوعاً ما بين حكايات الأخلاق لشكسبير والتهريج المبالغ فيه لأوسكار وايلد. ما يجعل الفيلم مضحكاً بقدر ما هو مخيف، بعد أن حكمتنا حكومة محافظة بشكل متزايد على مدى السنوات العشر الماضية وما زالت، أصبح من الأسهل العثور على أوجه التشابه يوماً بعد يوم. للأسف أصبح الفيلم نوعاً ما كلاسيكية منسية على مر السنين، لذا قدموا لأنفسكم معروفاً وشاهدوا هذه التحفة الفنية الحقيقية للكوميديا البريطانية.
8. The Discreet Charm of the Bourgeoisie (1972)
عندما يتعلق الأمر بالمجال المحدد للسخرية وهو المجتمع البرجوازي، لم يظهر أي صانع أفلام التأثيرات العقلية والأخلاقية لـ “الأثرياء الجدد” بشكل أفضل من الأسطوري لويس بونويل. بنى المؤلف السينمائي الإسباني إرثه بالكامل على تقنيته التي لا تضاهى في الإخراج؛ باستخدام التصوير السينمائي، وتصميم الديكور، والصوت كوسيلة لتسليط الضوء على العديد من المرئيات السريالية بطريقة لم يقم بها أي مخرج آخر من قبل أو بعد. بينما كانت البرجوازية موضوعاً متكرراً في العديد من أفلامه، من عمله المبكر في L’Age d’Or إلى فيلمه الأخير That Obscure Object of Desire. لكن لم يسخر أي فيلم له من هذا الموضوع بشكل أفضل أو أكثر شهرة من تحفته الفنية عام 1972، The Discreet Charm of the Bourgeoisie.
حبكة الفيلم صعبة الوصف لأي شخص لم يشاهده. في الأساس، يتابع الفيلم مجموعة من الأصدقاء البرجوازيين وهم يتنقلون بين العديد من المشاهد المرتبطة موضوعياً، كل واحد منها أكثر سخافة من الذي قبله. يتوقع الشخصيات أمسية من تناول الطعام الفاخر ليواجهوا بمشاهد سريالية متعددة تشمل إلقاءهم دون قصد كممثلين في مسرحية أمام جمهور غفير، وجندي يرسله شبح والدته الميتة في مهمة انتقامية، إلى قصة متكررة تتضمن منظمة إرهابية من أمريكا اللاتينية.
يستخدم بونويل أنواعاً متعددة وفكاهة ساخرة للعب الحيل على شخصياته التي تزداد غضباً من المواقف غير المنطقية/الكابوسية التي يجدون أنفسهم فيها. بالنسبة لي على الأقل، هذا هو أطرف أفلام بونويل بسهولة حيث يستمتع بوضوح بإحداث الفوضى على شخصياته، التي يتم تصويرها كمنافقين فارغين يظهر كل منهم اهتمامات سطحية بالجنس والمال والآداب الاجتماعية بينما تنهار جدران المنطق من حولهم. ما هو واضح بشكل خاص في الفيلم هو أنه على الرغم من انتقال الضيوف من حفل عشاء إلى آخر، يظل الطعام غير مأكول. لماذا؟ ربما يلمح بونويل إلى أنه على الرغم من الرفاهية التي تأتي مع كونك جزءاً من أسلوب الحياة البرجوازي، فإنهم سيظلون دائماً يتضورون جوعاً ويبحثون إلى الأبد عن الإشباع.
9. O Lucky Man! (1973)
واحدة من أكثر علاقات المخرج/الممثل احتراماً، بالتأكيد في تاريخ السينما البريطانية، هي ليندسي أندرسون ومالكولم ماكدويل. معاً هما مسؤولان عن ثلاثية ميك ترافيس، التي يلعب فيها ماكدويل دور ترافيس الذي، بعبارات لا لبس فيها، هو الرجل العادي المطلق. كان ظهوره الأول في الفيلم في كلاسيكية الثقافة المضادة ‘if…’ التي كانت هجوماً شرساً على التعليم العام والتي بلغت ذروتها بشكل مشهور في تمرد مسلح. كان الفيلم الثالث هو Britannica Hospital، الذي ألقى نظرة سريالية على نفاق وممارسات النظام الصحي البريطاني. ومع ذلك، فإن الفيلم الثاني في هذه الشطيرة الساخرة هو الذي أجده الأكثر إثارة للاهتمام، وهو فيلم عام 1973 O Lucky Man!
يستند الفيلم بشكل فضفاض إلى تجربة ماكدويل في العمل كبائع قهوة، حيث نرى ترافيس يتولى تلك المهنة الخاصة. ومع ذلك، تنتهي أوجه التشابه بين الممثل والشخصية عند هذا الحد حيث نرى ترافيس يصبح شخصية بيكاريسكية وهو يسافر عبر إنجلترا، وفي هذه العملية يتورط في تجارب في علم الوراثة البشرية والحيوانية، ومبيعات الأسلحة لديكتاتور أفريقي، وينتهي في النهاية بظهوره كنجم سينمائي اكتشفه لا أحد سوى أندرسون نفسه.
الفيلم ليس بأي حال من الأحوال مشاهدة سهلة، فأي فيلم مدته ثلاث ساعات هو كذلك؟ لكن O Lucky Man يستحق بالتأكيد المشاهدة. رؤية ماكدويل في هذه الفترة هي تذكير آخر بكونه يُنظر إليه ككنز وطني، جنباً إلى جنب مع عروض أخرى من طاقم تمثيل داعم يتكون من ملوك التمثيل البريطانيين؛ بما في ذلك رالف ريتشاردسون، وراشيل روبرتس، وهيلين ميرين، وآرثر لوي.
O Lucky Man هو في النهاية سخرية من العيش في عالم حديث فاسد بسبب الجشع السادي بينما نشاهد ميك ترافيس ينتقل من التفاؤل الساذج إلى فقدان براءته تدريجياً، حيث يصبح بيدقاً لفكرة المشاريع الحرة. مع تزايد عدم الثقة في وعد الرخاء الذي يأتي مع العيش في مجتمع رأسمالي، لم يكن الوقت أكثر نضجاً من أي وقت مضى لإعادة اكتشاف هذا الفيلم وللمزيد من عشاق السينما الناشئين للقيام بالرحلة السريالية التي هي O Lucky Man!
10. Parasite (2019)
على الرغم من إصداره العام الماضي فقط، اكتسب فيلم بونغ جون هو Parasite بالفعل سمعة أسطورية. بعد حصوله على أربع جوائز أوسكار بما في ذلك أفضل فيلم، وهو إنجاز مذهل لفيلم ليس باللغة الإنجليزية، تم الإشادة به على نطاق واسع ليس فقط كتحفة فنية حديثة ولكن كفيلم سيأخذ بالتأكيد مكانه المستحق بين مجمع الصور التي تعتبر الأفضل على الإطلاق. الفيلم في نفس الوقت كوميديا سوداء مضحكة وإثارة تحبس الأنفاس، ولكن ما يجعل الفيلم مميزاً جداً هو استخدامه للسخرية، خاصة داخل المجتمع الكوري الجنوبي ولكن يمكن أيضاً أن يُعزى إلى الانقسامات الطبقية في كل بلد حول العالم.
يروي Parasite قصة عائلة كيم، وهي عائلة فقيرة تعيش في شقة صغيرة شبه قبو وتكسب عيشها من وظائف متعددة منخفضة الأجر تشمل طي صناديق البيتزا. يتم تقديم الفرصة لابن العائلة كي-وو للعمل كمدرس لابنة عائلة بارك الأكثر ازدهاراً.
بعد أن أصبح مقرباً من العائلة الثرية، يرى كي-وو فرصة لإدخال بقية عائلته في عمل عائلة بارك، حتى لو كان ذلك من خلال وسائل شريرة حيث يقومون بتخريب الموظفين السابقين من مناصبهم والتلاعب بالعائلة لصالح أنفسهم. ومع ذلك، يؤدي هذا إلى واحدة من أرقى تقلبات الحبكة في تاريخ السينما حيث يتم الكشف عن أن قصر عائلة بارك يأوي سراً مرعباً. سرعان ما يدرك الجمهور أنه على الرغم من اعتماد عائلة كيم على تكتيكات ملتوية وغير شريفة للوصول إلى مكانة بارزة نوعاً ما، وبالنظر إلى واقعهم القاسي كأعضاء في أدنى طبقة في كوريا الجنوبية، فمن الصعب دحض حقيقة أنه لو كنا في مكانهم، لكنا فعلنا الشيء نفسه تماماً.
يبني الفيلم إلى نهاية صادمة تنفجر في مشهد فوضوي حيث تكشف عائلة بارك عن المدى الحقيقي لمواقفهم النخبوية، مما يترك عائلة كيم تدرك أنه بغض النظر عن مدى صعوبة محاولتهم تسلق السلم الاجتماعي، فإن الهروب من محيطهم الذي يعاني من الفقر مستحيل وسيستمر النظر إليهم على أنهم لا شيء أكثر من فلاحين لأولئك في البرجوازية.
