عند التفكير في كبار المخرجين في العصر الذهبي لهوليوود، غالباً ما يتم تجاهل اسم واحد: William Wyler. لا يزال أمثال Hitchcock وFord وWilder وWelles يحظون بالتبجيل حتى يومنا هذا لابتكاراتهم وعبقريتهم، لكن اسم Wyler نادراً ما يُذكر بنفس القدر من الحماس. لقد افتقر إلى أسلوب واضح أو نوع سينمائي محدد، وبدلاً من ذلك، تغطي قائمة أعماله مجموعة واسعة من الأفلام، التي كانت دائماً مصاغة بإتقان وبأداء تمثيلي ممتاز حقاً. لقد هيمن على جوائز الأوسكار كما لم يفعل غيره، حيث احتفظ بأرقام قياسية في فئات عديدة من حيث الترشيحات والفوز، بل وحصل على إشادة نقدية خارج الولايات المتحدة أيضاً. عاد معظم النجوم الكبار الذين عمل معهم للتعاون معه في فيلم ثانٍ أو ثالث، حيث اكتسب سمعة طيبة في استخراج أفضل ما لدى الجميع. إليكم أفضل عشرة أفلام أخرجها.
10. Friendly Persuasion (1956)
من بين العديد من الجوائز التي حصل عليها Wyler، ربما لا يوجد ما هو أكثر شهرة من السعفة الذهبية. مُنح هذا الشرف في عام 1957 عن فيلم Friendly Persuasion، متفوقاً على أفلام مثل Nights of Cabiria وThe Seventh Seal. إنه دراما عائلية كلاسيكية، تعرض حياة بعض الكويكرز في الريف والموقف السلمي الذي يتخذونه خلال الحرب الأهلية الأمريكية. الفيلم من بطولة Gary Cooper وDorothy McGuire وAnthony Perkins (قبل فيلم Psycho)، ويتمتع بكل قوة النجوم والتمثيل رفيع المستوى الذي أصبح مرادفاً لأفلام Wyler بحلول منتصف الخمسينيات. يقدم كل منهم أداءً حساساً بشكل مدهش، مما يجعل الحياة البسيطة لهذه العائلة جذابة للغاية.
على الرغم من افتقاره إلى أسلوب بعض أعمال المخرج الأكثر شهرة، إلا أن هناك سحراً لا يمكن إنكاره في الأحداث يصعب عدم الإعجاب به. من خلال تقويض العديد من التقاليد النمطية التي تظهر في أفلام الحرب والويسترن، ينجح Wyler في جعل هذه القصة الهادئة مقنعة للغاية.
تُقضى أجزاء كبيرة من الفيلم في مراقبة عائلة Birdwell وهي تتفاعل أثناء ممارستهم لحياتهم اليومية، محاولين التمسك بمعتقداتهم ككويكرز في عالم لم يُبنى من أجلهم تماماً. الفيلم فعال لأنه يجعلك تؤمن حقاً بالروابط بين الشخصيات.
يتم تقديم وجهات نظرهم بصراحة، تماماً دون إصدار أحكام. لا يهتم Wyler باختيار جانب في الجدل المؤيد أو المناهض للحرب، بل يظهر هذا المجتمع الصغير كما هو، ويترك لك حرية تكوين رأيك حول الخيارات التي يتخذونها. إنه فيلم واقعي وغير متكلف بقدر ما يمكن أن تكون عليه أفلام العصر الذهبي لهوليوود، وهو أمر مفاجئ بشكل خاص بالنظر إلى أنه كان أول فيلم لـ Wyler بالألوان. سيستمر في إنتاج أعمال ضخمة بتقنية التكنيكولور، ولكن بينما تفتقر تجربته الأولى في هذا الوسط إلى بريق معين، إلا أنها تناسب الموضوع حقاً. ربما هذا ما سحر لجنة تحكيم كان. إنه إنجاز نادر لمخرج هوليوودي سائد أن يفوز بجوائز عبر المحيط الأطلسي، لذا يستحق Wyler التقدير كواحد من مخرجي عصر الاستوديو القلائل الذين فازوا بأهم جائزة سينمائية في أوروبا.
9. Detective Story (1951)
هذه الدراما البوليسية النارية، المقتبسة من مسرحية تحمل نفس الاسم عام 1949، تقطع إلى قلب التحيزات المتزمتة في ذلك الوقت. إنه في الأساس يوم في حياة مركز شرطة واحد، حيث يرى محقق متزمت أن مدونته الشخصية، وفي النهاية حياته، تخرج عن نطاق السيطرة. يقدم Kirk Douglas أحد أفضل أدائه، إلى جانب Eleanor Parker وLee Grant (قبل إدراجها في القائمة السوداء). حصلت كلتا الممثلتين على ترشيحات للأوسكار، بينما فازت Grant أيضاً بجائزة أفضل ممثلة في كان عن دورها الصغير. وبشكل قاسٍ، لم يكن هناك مثل هذا التقدير لـ Douglas، على الرغم من المونولوجات والمرافعات المثيرة، التي تنفجر أحياناً ببهجة شبه مهووسة ولكنها قادرة أيضاً على إظهار الاضطراب الداخلي مع تحدي مثله العليا.
إنها قصة مليئة بالطاقة، تبني ذروتها نحو نهاية عاطفية مدوية. الموقع شبه الوحيد مثالي لمخرج مثل Wyler، مما يسمح له باللعب دون عناء بالعمق والتركيز أثناء التنقل بين خطوط القصة المختلفة، وجعل كل شيء يتكشف بشكل طبيعي جداً. إنه يجذبك إلى الدراما، ويجبرنا على رؤية تأثير أفعال المحقق بينما تتحول الدراما التي تبدو مباشرة إلى شيء أكثر مأساوية. إنه أكثر استباقية عند النظر إليه من خلال عدسة حديثة. إن زيادة الوعي والتدقيق في وحشية الشرطة في العقود التي تلت الإصدار لم تؤد إلا إلى زيادة غموض محقق Douglas وفلسفته القاسية. مع تقدم الفيلم، يتم نزع القناع الذي يرتديه، ليكشف في النهاية عن رجل حقير، لا يكاد يكون أفضل من المجرمين الذين يحتقرهم وينظر إليهم بدونية. إنه فحص لاذع لمواقف الشرطة وإساءة استخدام سلطتهم، قبل سنوات من أن يكون ذلك في عين التيار السائد.
8. How to Steal a Million (1966)
كانت الستينيات هي العقد الذي تحول فيه Wyler قليلاً في الأفلام التي كان ينتجها، حيث بدأ في تناول أنواع جديدة (أفلام الإثارة مع The Collector، والأفلام الموسيقية مع Funny Girl، وحتى إعادة زيارة دراما عام 1936 الخاصة به These Three مع The Children Hour، وهي دراما مثلية خضعت لتدقيق شديد من قبل الرقباء). مع فيلم How to Steal a Million عاد إلى أرض مألوفة وموثوقة إلى حد ما – إنه فيلم كوميدي رومانسي، ولكنه أيضاً فيلم سرقة، ومن بين جميع أفلامه في الستينيات، هنا حقق المخرج أفضل توازن بين النوع السينمائي والترفيه المباشر. كانت هذه الكوميديا الإجرامية هي التعاون الثالث والأخير لـ Wyler مع الأسطورية Audrey Hepburn، حيث جمعت النجمة الرائدة مع Peter O’Toole في عملية سرقة في باريس مع لمسة من الرومانسية. ربما يكون هذا هو الفيلم الأكثر مرحاً الذي صنعه Wyler على الإطلاق، حيث يميل أكثر إلى الظروف الكوميدية والتوترات الرومانسية الشائكة أكثر من معظم أعماله الأخرى.
في نهاية قائمة أعماله، يظهر أنه لا يزال يمتلك الموهبة لاستخراج أداء ساحر تماماً من نجومه. Hepburn وO’Toole ثنائي رائع على الشاشة، يجسدان تماماً الأجواء الراقية لعالم الفن الباريسي المتطور. يضع Wyler عملية السرقة بفعالية كبيرة، وينظم وينفذ عملية سرقة هادئة ولكنها عبقرية تماماً بإبداع وإثارة وفكاهة. إنه يسخر من هواجس الأثرياء المجنونة وانفصالهم التام عن أي واقع طبيعي، دون السماح للرومانسية أو الحبكة الرئيسية بالمعاناة. يقدم Hugh Griffiths وEli Wallach أدواراً مساعدة مسلية (Griffiths أفضل بكثير في هذا الفيلم منه في Ben-Hur، الفيلم الذي فاز عنه بجائزة الأوسكار). يتمتع الفيلم بأجواء خفيفة حقاً، مع نجمين متألقين وإخراج ذكي يرسخ مكانته إلى جانب أفضل أفلام السرقة.
7. The Big Country (1958)
كان Wyler مخرجاً سياسياً بلا خجل. ميوله اليسارية منسوجة في الكثير من أفلامه، ولا شيء أكثر من فيلم الويسترن The Big Country عام 1958. ربما يشتهر الفيلم بموسيقاه التصويرية الحماسية، وهو محاولة Wyler لفهم الحرب الباردة، والتوترات والصراعات غير المجدية وغير الضرورية التي مكنتها. (من المفارقات أن الرئيس Eisenhower كان من أشد المعجبين به، وعرضه عدة مرات في البيت الأبيض). بعد تصوره الهادئ للحدود الأمريكية في Friendly Persuasion، كانت هذه عودة إلى أسلوب هوليوودي أكثر نموذجية. تؤكد المجموعات الضخمة والمساحات الواسعة على العنوان، بينما القصة، حول بارونات الأراضي المتحاربين، غنية بالتعليقات الاجتماعية حول الثروة والذكورة والتحدي في مواجهة الشدائد.
كما أصبح القاعدة بحلول ذلك الوقت، كان طاقم العمل مليئاً بالمواهب، مع نجوم مثل Gregory Peck وJean Simmons وCharlton Heston وCarroll Baker وBurl Ives الذين بثوا الحياة في هذه الشخصيات. إنه تأمل في أسلوب الحياة الأمريكي وأساطير الويسترن، متأثراً بمنظور Wyler الأوروبي حول موضوعات الفخر والصراع والقومية. إنه يتساءل عن أولئك الذين يندفعون برؤوسهم إلى مواقف خطيرة لا يفهمونها تماماً، واثقين من أن طريقهم وطريقهم وحده هو الصحيح أخلاقياً. من نواحٍ عديدة، إنه مثال مبكر على الويسترن التحريفي، حيث يقترب من النوع ونماذج الشخصيات بطريقة لم تفعلها سوى أفلام قليلة خلال الخمسينيات، ولكن دون السماح لذلك بتقليل حجم كل شيء.
6. Jezebel (1938)
عند التفكير في تصوير الجنوب في عصر الحرب الأهلية في هوليوود الثلاثينيات، فإن Gone With the Wind هو المرشح الأوفر حظاً. قبل عام واحد فقط، أخرج Wyler فيلماً مشابهاً جداً لـ Samuel Goldwyn؛ وهو فيلم فازت عنه بطلته Bette Davis بجائزة الأوسكار (ثاني جائزة لها في ذلك العقد). كانت هذه هي المرة الأولى التي يتألق فيها أحد نجوم Wyler حقاً – Davis قوة طبيعية، قوية الرأس ومستقلة، تطلب الاهتمام في كل مرة تظهر فيها على الشاشة. Miss Julie مخادعة ومشاكسة تماماً مثل Scarlett O’Hara، وتخرج أسوأ ما في كل من حولها وهي تتمرد على القواعد التي تحكم مجتمعها العتيق.
لطالما نسبت Davis الفضل إلى Wyler في مساعدتها على إدراك إمكاناتها الكاملة كممثلة شاشة، ونتائج كماليته ودفعه المستمر واضحة للعيان على الشاشة. إنه أحد أفضل العروض في مسيرة أيقونة شاشة حقيقية، ويعرف Wyler كيفية جعله فعالاً قدر الإمكان. سيستمر الاثنان في صنع فيلمين آخرين معاً في الأربعينيات – The Letter وThe Little Foxes – اللذين حصلت Davis عنهما أيضاً على ترشيحات للأوسكار، لكن أياً منهما ليس متألقاً مثل فيلمهما الأول.
أكثر من مجرد وسيلة للأداء، Jezebel لقطة رائعة لعصرها. من ناحية، حرفة Wyler مذهلة. من ناحية أخرى، لقد تقدمت في العمر بشكل فظيع عندما يتعلق الأمر بتصويرها للأمريكيين من أصل أفريقي، مع بعض أكثر الصور النمطية فظاعة التي يمكنك تخيلها. بالنسبة لفيلم عن الجنوب في خمسينيات القرن التاسع عشر، فإن السياسات العرقية وموضوع العبودية مستحيل تجنبهما. في عصر لم تكن فيه هوليوود تحترم الشخصيات غير البيضاء، كان من المحتم أن يثبت الفيلم أنه مقزز، على الرغم من أن الفيلم لا يعتمد فقط على الكوميديا الكسولة مثل معظم الأفلام الأخرى من ذلك الوقت.
إطار Wyler يدرك دائماً وجود الشخصيات السوداء، ويظهر دورهم المتكامل داخل هذا العالم والمعاملة القاسية التي يتلقونها من أسيادهم البيض. ينجح في إدانة هذا المجتمع الفاشل، وعندما لا يركز على الصور النمطية، فإنه غني بالفروق الدقيقة والتفسيرات وصناعة الأفلام الرائعة حقاً. هناك نبرة ساخرة في كيفية تقديم الجنوبيين، كأعضاء في مجتمع مثير للشفقة يقترب من الهزيمة. مع عدم وجود أي من الرومانسية التي تثير الاستياء في Gone With the Wind، يصمد Jezebel أمام اختبار الزمن بشكل أفضل قليلاً من معظم الأفلام المماثلة من وقته.
5. Mrs. Miniver (1942)
لا توجد أفلام كثيرة يمكنها كسب إشادة كل من Winston Churchill وJosef Goebbels؛ أدخل Mrs. Miniver. ادعى رئيس الوزراء البريطاني الأسبق ذات مرة أن Mrs. Miniver فعل للجهد الحربي أكثر مما فعله أسطول من المدمرات، بينما طالب وزير الدعاية النازي سيئ السمعة صانعي أفلام الحرب الخاصين به بابتكار شيء رائع وفعال مثل ميلودراما عائلة Wyler. كان هذا الفيلم الدعائي في زمن الحرب، الذي يتابع حياة عائلة ثرية في Kent تكافح خلال الحرب في الوطن، هو الذي رفع Wyler إلى أعلى مستويات هوليوود. ولد المخرج في Alsace-Lorraine، وكان يدرك تماماً التهديد الذي يشكله Hitler قبل وقت طويل من اعتراف أقرانه في هوليوود بذلك، وينسج تلك المشاعر بفعالية كبيرة في كل لحظة من Mrs. Miniver. فاز بجائزة أفضل مخرج لأول مرة، وأصبح أول فيلم من ثلاثة أفلام فائزة بجائزة أفضل فيلم سيخرجها، وهو رقم قياسي لا يزال قائماً حتى اليوم.
على الرغم من أن نبرته العاطفية المفرطة قد تبدو مباشرة قليلاً في الوقت الحاضر، إلا أنه مصنوع ببراعة لدرجة أنه من الصعب عدم الانبهار به، والانجراف في دعمه لقضية الحلفاء. قلة من أفلام Wyler، وفي الواقع قلة من أفلام الأربعينيات، كان لها التأثير الثقافي لهذا الفيلم (حتى أن العظة الختامية التي تغلق الفيلم طُبعت على منشورات وأُسقطت جواً فوق أوروبا المحتلة). لقد فتح الجمهور الأمريكي على الصراعات في أوروبا، وعزز الدعم وقدم الأمل بينما كان لا يزال دراما مسلية للغاية.
قضاء الوقت مع هذه الشخصيات متعة مطلقة، وقد بث الحياة فيها واحدة من أرقى مجموعات الأداء التي حصل عليها Wyler على الإطلاق. فازت Greer Garson وTeresa Wright بجوائز الأوسكار عن عملهما، لكن الجميع أثاروا الإعجاب. لحظات سعادتهم تملؤك بالفرح، ولحظاتهم الأكثر صعوبة تجعلك تتأصل معهم في صراعاتهم والأوقات التي يعيشونها. هناك شيء مريح في رؤية عائلة مقدمة دون أي صراعات شخصية – لا شك أو انعدام ثقة.
الفيلم أكثر اهتماماً بمثابرتهم خلال الأوقات الصعبة، عقلية “حافظ على الهدوء واستمر” المرتبطة غالباً بهذه الفترة من التاريخ البريطاني. الحرب حرفياً على عتبة دارهم، ولا يقوم Wyler بتعقيم أي من الآثار التي تخلفها على الناس العاديين الذين يحاولون فقط تدبر أمورهم (بينما لا يزال يسخر قليلاً من الطبقة العليا). استخدام Wyler للمساحة رائع، حيث يستخدم كل زاوية ممكنة من الإطار لجعل حتى المحادثات البسيطة مثيرة للمشاهدة. إيقاعه الكامل للقصة مثالي، حيث ينسج نسيجاً مهدئاً للحياة المثالية قبل سحب البساط تماماً من تحتك في الثلث الأخير. إنها رواية قصص عاطفية في أفضل حالاتها.
4. Ben-Hur (1959)
حتى ظهور James Cameron مع Titanic، ظل Ben-Hur وحيداً لما يقرب من أربعة عقود كفيلم يحمل الرقم القياسي لأكبر عدد من جوائز الأوسكار. بفوزه بـ 11 من أصل 12 ترشيحاً، بما في ذلك أفضل فيلم، ومخرج، وممثل، وممثل مساعد، وتصميم إنتاج، وتصوير سينمائي، يظل أحد أعظم المشاهد التي أنتجتها هوليوود على الإطلاق. قصة Ben-Hur هي قصة أعادت الاستوديوهات سردها بشكل متكرر، لكن الملحمة التي صدرت عام 1959 هي التي تعتبر عالمياً النسخة النهائية. كان Wyler مخضرماً في اللعبة بحلول ذلك الوقت، حيث كان لديه أكثر من عقدين من النجاح تلو الآخر، وكان Ben-Hur هو الذي أكسبه التميز غير المسبوق لكونه المخرج الوحيد الذي لديه ثلاثة أفلام فائزة بجائزة أفضل فيلم تحت حزامه.
في عصر هيمنت فيه ملاحم السيوف والصنادل على شباك التذاكر السائد، كان Ben-Hur هو المعيار الذي يجب التغلب عليه. إنه ملحمي بكل معنى الكلمة، قصة أخوة وخيانة تدور أحداثها على خلفية الإمبراطورية الرومانية التي تغزو كل شيء وتعاليم نجار بسيط في القدس. إنه جولة إبداعية، مع مجموعات ضخمة وإحساس بالحجم يتفوق على أي فيلم آخر من تلك الحقبة من حيث الضخامة المطلقة. المرئيات وحدها مذهلة – عندما تتحدث عن وضع المال على الشاشة، لا يوجد مكان يكون فيه ذلك أكثر وضوحاً منه في Ben-Hur (ساحة سباق العربات وحدها استغرقت عاماً لنحتها من الحجر).
من بين كل ذلك الحجم والمشهد، لا يفقد Wyler تركيزه لثانية واحدة، حيث يقدم بعض التسلسلات المثيرة وقصة عاطفية جذابة. تجعل العروض التمثيلية القوية الشخصيات تبدو متميزة (في الغالب، دور Hugh Griffith الحائز على الأوسكار في الوجه البني مقزز بشكل خاص للعيون الحديثة، وواحدة من أكثر لحظات الأكاديمية خجلاً). يُذكر الفيلم بشكل أفضل لسباق العربات المثير، وهو أحد أكثر التسلسلات إثارة، والمحررة بإحكام التي تم وضعها على الفيلم، ولكن هناك الكثير من اللحظات البارزة الأخرى أيضاً. السفن الحربية العملاقة، والصحاري الشاسعة، والمنتديات الرومانية، والأحداث التوراتية كلها يتم إحضارها إلى الشاشة بدقة متلألئة وروعة مبهرة. بعض رسائله الدينية مباشرة قليلاً، لكن الطريقة التي تم تصوير كل شيء بها مثيرة للإعجاب للغاية بحيث لا يمكن عدم الانجراف بها.
3. The Best Years of Our Lives (1946)
ربما يكون الفيلم الأكثر صلة الذي صنعه المخرج على الإطلاق، كان هذا أول فيلم أخرجه Wyler بعد الحرب العالمية الثانية. بعد أن قضى السنوات الثلاث السابقة مجنداً في الجيش وتصوير بعض الوثائقيات الحربية الرائدة حقاً، عاد إلى صناعة الأفلام في الاستوديو بموضوع كان هو وبقية أمريكا (وفي الواقع العالم) على دراية تامة به – قدامى المحاربين في الحرب الذين يعودون إلى الوطن ويعيدون التكيف مع الحياة الطبيعية. لقد لامس وتراً حساساً على الفور مع الجماهير، حيث قدم ليس فقط دراما عائلية مسلية، ولكن أيضاً رسالة قوية يمكن لكل عائلة تقريباً في ذلك الوقت أن ترتبط بها. هذا ليس يتعلق بالعاطفة كما كان Mrs. Miniver، بل هو فحص مدروس للحياة في عالم ما بعد الحرب. لقد هيمن على جوائز الأوسكار في ذلك العام، وحصل على سبعة تماثيل بما في ذلك جائزة أفضل فيلم ومخرج ثانية لـ Wyler.
صورته لأمريكا ما بعد الحرب، وتجارب الجنود العائدين، مؤثرة بقدر ما هي مصاغة ببراعة. بالاعتماد على تجاربه الخاصة في العودة من الحرب، يستخدم المخرج حياة ثلاث شخصيات وعائلاتهم لمعالجة العديد من المشاكل التي واجهها الأمريكيون في هذا الوقت. يظهر كيف يكافحون للتصالح مع حقائق العودة إلى نظام طبقي، بالإضافة إلى صدماتهم الجسدية والعقلية. لقد ولت الحياة العسكرية منذ فترة طويلة، ومعها الجدارة التي تسمح لأي رجل بالارتقاء في الرتب؛ يجدون أمريكا أكثر إرباكاً من تلك التي تركوها، والتي يبدو أنها لا تهتم كثيراً بتجاربهم. يكشف التصوير السينمائي ذو التركيز العميق والمحادثات المنظمة بدقة عن كل الخوف والألم الذي لا تستطيع الشخصيات التعبير عنه.
يؤكد تصميم الفيلم بالكامل على طبيعة الجميع؛ لا يوجد شيء مبهر أو أنيق بشكل مفرط في أي منه، مع مجموعات وأزياء تبدو مهترئة ومستخدمة. هذا الشعور يرسخ القصة؛ فمن خلال روابط العائلة والصداقة يتمكن أبطالنا من العثور على نوع من السلام في عالم لن يكون هو نفسه بالنسبة لهم أبداً. إنه استباقي بشكل غريب لفيلم تم صنعه بعد الحرب بوقت قصير، حيث يلتقط مزاج وشعور أمة بينما كان الجنود لا يزالون في خضم العودة من الخدمة. يستكشف الفيلم الصدمة والطلاق والإعاقة (يقدم المحارب القديم المعاق والممثل غير المحترف Harold Russell أداءً جديراً بالثناء حائزاً على الأوسكار) مما أثر بلا شك على العائلات في جميع أنحاء البلاد، ويتم تصويرها بصدق وتعاطف. لا يوجد الكثير من التلاعب الهوليوودي هنا.
عانى Wyler نفسه من فقدان معظم سمعه أثناء وجوده في الخارج، مما يزيد فقط من شعور الاحترام الذي يظهر به هذه الصراعات. حيث تم غرس Mrs. Miniver بشجاعة وتصميم سنوات منتصف الحرب، فإن The Best Years of Our Lives مشوب بمزيد من الكآبة والتعب. بالإضافة إلى حصول Wyler على إشادة نقدية وجوائز، يعمل كلا الفيلمين ككتابين جميلين لتجارب المخرج في الحرب العالمية الثانية.
2. The Heiress (1949)
كان لدى Wyler موهبة لاستخراج كل ذرة من الدقة والفروق الدقيقة من نجومه، ولم يتم التعامل مع هذا ببراعة أكثر من دراما عام 1949 الرائعة The Heiress. مقتبس من مسرحية لـ Rufus وAugust Goetz، والتي كانت بحد ذاتها مبنية على رواية Henry James بعنوان Washington Square، أصبحت وسيلة نجمة لأسطورة الشاشة Olivia De Havilland، التي جاءت في مسيرة ناجحة للغاية لها بعد عودتها من قائمة سوداء في عام 1946.
لقد نال إشادة عالمية لكل من نجمته ومخرجه، مما أغلق عقداً هائلاً لـ Wyler، ورسخ De Havilland كواحدة من أفضل النجوم في ذلك الوقت، وفوزها بجائزة أوسكار ثانية في هذه العملية. فوزها مستحق تماماً؛ إنها ساذجة ومثيرة للتعاطف بشكل مؤلم بدور Catherine Sloper، قبل هبوط مرير إلى صلابة وهي تخرج من حياتها المتميزة والمدللة إلى العالم الحقيقي. عيناها المعبرتان، ارتعاشات وجهها الطفيفة، لغة جسدها المتيبسة – كل ذلك يكشف الكثير من العمق لشخصيتها، ويجعل Wyler كل لحظة فعالة قدر الإمكان.
لقطاته الطويلة المصممة بدقة آسرة، مع حركات العين الطفيفة وخط رؤية الشخصيات التي تحكي الكثير من القصة مثل الحوار. كان الرجل سيداً في الإخراج، ويستخدم موقع القصر المذهل في القرن التاسع عشر بتأثير رائع. يحتوي على بعض أفضل الأمثلة على الزخارف الشائعة في جميع أنحاء قائمة أعماله – الاستخدام الذكي للسلالم ولقطات المرآة لنقل موضوعات القصة وتطور الشخصية. إنه يعرف متى يركز على شخصية لفترة كافية لتجعلك تفكر مرتين فيها، مع الحفاظ على توتر طفيف جداً خلال كل تفاعل يبقيك ملتصقاً بكل لحظة.
أزياء Edith Head رائعة أيضاً، حيث كسبت مصممة الأزياء الأسطورية أول جوائزها الثمانية من الأكاديمية. إنها تضفي أناقة على كل مشهد، مما يجعل الشخصيات تبدو أصلية على الرغم من اللمسات الميلودرامية الهوليوودية الواضحة. يغطي Wyler القصة بأكملها بقشرة ماكرة ومسلية من الرسمية. تتحدث الشخصيات بدقة شديدة، ويتم التعامل مع الأخطاء الاجتماعية دائماً بطريقة لائقة ومهذبة للغاية، مع المشاعر العميقة الموجودة في دقة كل أداء. كل عضو في طاقم العمل الصغير رائع. إنها واحدة من أرقى مجموعات الأداء التي أنتجها العصر الذهبي على الإطلاق، مع De Havilland كجوهرة متألقة في وسطها.
1. Roman Holiday (1953)
من بين جميع الأفلام التي أنتجها طوال مسيرته الطويلة والمتنوعة، كان لـ Roman Holiday القدرة الأكبر على البقاء. لا يزال يُعتبر أحد الأفلام الكوميدية الرومانسية المحددة للعصر الذهبي لهوليوود، وهو يجسد تماماً الجوهر السحري لما يدور حوله هذا النوع. في الوقت الحاضر، غالباً ما يتم السخرية من الأفلام الكوميدية الرومانسية بحق بسبب الكوميديا الكسولة والسيناريوهات المفتعلة. عندما تكون الأمثلة الذكية والأصلية نادرة جداً، من السهل أن ننسى أنه كان هناك وقت لم تكن فيه الأفلام الكوميدية الرومانسية تحظى بشعبية عالمية لدى الجماهير فحسب، بل كانت أيضاً مفضلة للنقاد. كانت غالباً ما تكسب ترشيحات متعددة لجوائز الأوسكار، وكان يقودها أكبر الأسماء في الصناعة.
كان Roman Holiday المزيج المثالي لكل ما يمكن أن يجعل هذا النوع رائعاً جداً. إنها قصة رومانسية في فئة خاصة بها – حكاية خرافية حديثة حيث يتم التعثر في الحب الحقيقي، ويمكن لقبلة أميرة أن تحول ضفدعاً لزجاً إلى أمير وسيم. مليئة بالسحر والعجب، ومصورة بلمسة من الحزن الصادق، إنها قصة عاطفية وعفوية ومثيرة، سواء كنا نكتشفها لأول مرة أو ننتظر بفارغ الصبر كل أفضل اللحظات (والتي ستكون كلها). نادراً ما كانت الرومانسية بهذه الرشاقة، ويجسد النجمان الرئيسيان ذلك تماماً.
من بين كل النجوم الذين ساعد Wyler في خلقهم، لا يوجد أحد مغناطيسي دون عناء مثل Audrey Hepburn. دفعها دورها المتميز في هوليوود إلى النجومية، مما أكسبها جائزة أوسكار وجعلها الممثلة الأكثر طلباً في الخمسينيات. جلبت أسلوبها المميز إلى دور الأميرة Ann، حيث سحرت الجماهير برشاقتها وكيمياءها السهلة مع Gregory Peck. أصر Peck الشهير على أن يضع Wyler اسم Hepburn بجانب اسمه على الملصق، لأنه كان مقتنعاً بأنها ستصبح نجمة وستفوز بالأوسكار.
في قصة تحرر ذاتي الإرادة، Hepburn هي تجسيد للجمال. ساذجة وطيبة القلب ولكن مع إرادة وتصميم قويين، تلعب كل ذلك بعجب حقيقي واسع العينين لدرجة أنه ليس لديك مشكلة في تصديق أنها ترى صخب روما لأول مرة في حياتها. إنها متعة معدية لقضاء الوقت في صحبتها. مثل فيلم بلوغ سن الرشد، تشرع في مغامرة في المجهول الكبير، وتعود إلى واجبها كشخص أقوى وأكثر حكمة. هذا الشعور بالواجب، تجاه منصبها وتجاه شعبها، لا يُنسى أبداً، ويبني واحدة من أكثر النهايات صياغة بدقة وإيلاماً في أي فيلم كوميدي رومانسي.
مقابلها، يمكن أن يكون Peck خارجاً للتو من فيلم نوار، فهو بائس ويائس في البداية. ببطء يتغير ويسحر بتجاربه، حيث تنقل عيناه المعبرتان المودة والإثارة والتعاطف الذي يغلي تحت السطح. يتمتع الاثنان برابطة سحرية ودائمة حقيقية ويعتمد الفيلم بأكمله على السهولة التي يلعبان بها.
لمسة Wyler الحذرة واضحة في كل مشهد، مما يحرك الأمور للأمام بوتيرة سريعة. كماليته الأسطورية مرتدية بخفة، كل لقطة محكومة ودقيقة، ومغمورة بدفء حقيقي. في قائمة أعمال مليئة بالأفلام الرائعة تقنياً، من السهل التغاضي عن الحرفة الدقيقة في Roman Holiday. مرتاح بنفس القدر مع المواقع المعاصرة والمساحات المصممة، يخلق Wyler عالماً مليئاً بالطاقة وفي وقته، ومع ذلك لا يزال خالداً. يتم تعزيز ذلك فقط من خلال التصوير السينمائي بالأبيض والأسود، الذي يسحر ويضفي على القصة جودة إضافية خالدة. تعج روما بالحياة والتاريخ والمغامرة. إنها حكاية خرافية قديمة قدم الزمن، كلها ملفوفة في إنتاج هوليوودي متلألئ – قصة أبدية للمدينة الخالدة. هذه الرومانسية الملكية هي التاج في مسيرة Wyler الاستثنائية.
