تحظى A24 ببصمة ثقافية تتجاوز معظم استوديوهات الأفلام أو شركات الإنتاج. منذ أن فتحت أبوابها في 2012، غدت الشركة تُعرّف نوعاً معيناً من الأفلام والجماليات: غريبة، ديناميكية، ومستقلة بشراسة. يُشبَّه معجبوها بأعضاء طائفة. ويُوصف أسلوبها أحياناً بأنه النوع السينمائي المستقل بذاته.
غير أن أول إصدار لـ A24 كان باهتاً. فقد مرّ فيلم رومان كوبولا “A Glimpse Inside the Mind of Charles Swan III” مرور الكرام دون ضجيج يُذكر. كان فيلم هارموني كوراين “Spring Breakers” هو ما ساعد على التقاط روح الشركة وذاد عنها بطاقتها التعريفية: مؤلف سينمائي غريب يقترن بأصنام المراهقين، بيكينيات وأقنعة، تحولات نغمية، وموسيقى تصويرية مدروسة، ونجم كبار يأخذ منعطفات جامحة، ودفاوة معقّمة ضبابية. شقّت A24 طريقها أوّلاً عبر أفلام الرعب، لكنها رسّخت مكانتها بعلاقات مثمرة مع مخرجين أمثال آري أستر، ثنائي دانيلز، تاي ويست، الأخوان سفادي، الأخوان فيليبو، وأليكس غارلاند.
شهدت السنوات الأخيرة توسّع الشركة. في 2024، أصبح Civil War أكبر افتتاحية لها. في 2025، قدّمت A24 أكثر من 15 إصداراً، حيث غدا Marty Supreme أعلى إصداراتها تحقيقاً للإيرادات. وفي 2026، حطّم The Backrooms التوقعات لينتزع تاج شباك التذاكر من يد ثنائي سفادي/شالاميت، موسّعاً جاذبية A24 في سوق السينما المعاصرة. وبناءً على ذلك، فإنّ هذا الوقت بات أنسب من أي وقت لاستعادة 16 عاماً من السينما. هذه هي أفضل 30 فيلماً من A24:
30. A Ghost Story (2017)
يُمثّل فيلم A Ghost Story لديفيد لوري مثالاً مثالياً على الدور الذي اضطلعت به A24 في سينما الاستقلال في عقد 2010. يصعب تخيّل أي استوديو آخر (ربما باستثناء Neon) يوافق على تمويل قصة شبح (كيسي أفليك تحت غطاء سرير) يحوم في الشقة التي شاركها يوماً مع زوجته التي تجسّدها رووني مارا. بطبيعة الحال، يستخدم فيلم لوري الشبح وسيلة لاستكشاف الحزن والتجربة الإنسانية المشتركة.
رحلة عبر الزمان والمكان، A Ghost Story تجربة فريدة تستمد سردَها من التأمل والسمو. صدر بعد خمس سنوات على افتتاح A24 أبوابها، ولم يكن أول إصداراتها ولا أكثرها احتفاءً أو إشادة، لكنه واحد من أفضلها وأكثرها تفرداً. A Ghost Story فيلم تأملي يتحدى المشاهد، يجسّد الكثير مما يكرهه الناس عن السينما المستقلة. ويضم أيضاً على الأرجح أشهر مشهد لتناول فطيرة على الشاشة منذ American Pie.
29. Lean on Pete (2018)
بينما تحظى معظم أفلام A24 بحملات تسويق ذكية وبصمة ثقافية واسعة، يبقى Lean on Pete فيلماً لم يبتعد كثيراً عن الإسطبلات. عُرض لأول مرة في مهرجان البندقية السينمائي 2017 بمراجعات محترمة، لكنه ضاع وسط المنافسة القوية. وحين وصل إلى صالات العرض، كان فيلم The Rider لمخرجة صاعدة اسمها كلوي تشاو قد خطف كل الأضواء في أفلام الخيول لذلك العام. أعمال أندرو هيغ اللاحقة، لا سيما All of Us Strangers، ستحظى بحظ أوفر، لكن Lean on Pete يبقى قطعة محظوظة تجاهلها الجمهور من مسيرته.
يدور Lean on Pete حول تشارلي، مراهق ذو وجه مشرق، تتسم حياته الهشّة مع أبيه حسن النية لكن المتهور بمعنى جديد بعد لقاء صدفة مع مالك خيول سباق. يقبل وظيفة العناية بالحصان الذي يحمل اسم الفيلم، فيجد إحساساً بالإرادة والانتماء. حين تدفعه الظروف إلى اليأس ثم الفقر، ينطلق الفيلم في جولة جامحة عبر أمريكا المعاصرة، من السهول الكبرى إلى مدن الخيام في الشمال الغربي المطّل على المحيط الهادئ. إنه فيلم هادئ وجميل يصوّر القسوة الاقتصادية للحياة في الولايات المتحدة دون أن يتّسم بالوعظ أو المبالغة.
28. American Honey (2016)
في American Honey، استبدلت الكاتبة والمخرجة أندريا أرنولد الإسكان العام البريطاني بالطريق الأمريكي، لكنها أبقت عينها الحادة على تفاصيل الحياة اليومية. يقضي الفيلم وقتاً مع فرق بيع المجلات، مجموعات من الشباب يجوبون البلاد لبيع المجلات. وكأنه ابن عمومة أمريكي لفيلمها Fish Tank الذي يدور في إنجلترا، American Honey رحلة طريق طبيعية واسعة، عميقة التأثير، حزينة ومرحة في آن.
ستار شابة فقيرة في أوكلاهوما ترعى أطفالاً ليسوا لها لآباء مسيئين وغائبين. بعد أن تشاهد مجموعة من الشباب يرقصون في متجر كبير محلي، يُثار فضولها، وسرعان ما تنضم إليهم وهم يتنقلون من بلدة إلى أخرى يبيعون المجلات. يلتقط فيلم أرنولد توق الشباب والعجز الذي يفرضه غياب المال والموارد لاستثمار هذا التوق. ومثل كثير من صانعي الأفلام الأوروبيين، تُلقي أرنولد نظرة ثاقبة واسعة على المشهد الأمريكي وعلى الفقر الذي يعمّه. American Honey فيلم يبدو حقيقياً، سواء في اعتماده على ممثلين غير محترفين في الغالب، أو في الأنانية البشرية التي يصطادها على الشاشة. لكنه أدقّ في تصوير ألم الرغبة في شيء أكثر، وكيف تُبنى الأنظمة لاستدراج الشابات دون اكتراث كبير بالمخاطر التي تعرّضهن لها.
27. Krisha (2016)
انتقل تري إدوارد شولتز من متدرب لدى تيرينس مالك إلى أحد صانعي الأفلام البارزين في A24، وفيلمه الأول Krisha دليل على مفهوم A24: دراما نفسية مُصوّرة كفيلم رعب. حركة كاميرا دوّارة، ولقطات قريبة ضيّقة، وموسيقى تصويرية مشؤومة، تخلق تجربة هستيرية تدور وتضيق حتى لا يُحتمل التوتر.
استعان شولتز بممثلين غير محترفين، معظمهم من أقاربه، ليخلق نسخة ممزوجة من الواقع. إنه عيد الشكر، ودُعيت كريشا (التي تجسّدها خالة شولتز) إلى تجمع العائلة. التوتر محسوس، حتى وإن لم تتضح أسبابه فوراً، ويضعنا شولتز في منظور كريشا ويصعد الضغط. هذه تجربة مشاهدة قلقة، إذ يتسلل تشكيك العائلة وماضٍ مثير للخلاف إلى مجريات الأمور، بينما تُعدّ ديك روم مشوي بمثابة قنبلة موقوتة. Krisha دراما عائلية لاذعة، لكنها أيضاً على الأرجح أفضل فيلم رعب بثيمة عيد الشكر على الإطلاق.
26. The Disaster Artist (2017)
The Disaster Artist قصة مخرج يثق بذاته إلى حد الوهم، أخرجها مخرج سقط من الحُظوة، ومع ذلك يبقى الفيلم مضحكاً ودافئاً ومُمتعاً بلا حدود. The Room أحد أشهر الأفلام السيئة التي أُنتظرت على الإطلاق. يبدأ فيلم فرانكو بشهادات تتحدّث عن سحر روعة السوء الصادق في الفيلم، لكن The Disaster Artist يتحوّل سريعاً إلى تأهيل لوس أنجلوس ولحالمي هوليوود.
تلك الحلاوة تمنح The Disaster Artist توازناً جميلاً. لو كان مجرد هجوم على The Room لكان فظّاً. ولو كان فقط شهادة على حب الأفلام لغدا مُبتذلاً. بدلاً من ذلك، يدمج سيناريو سكوت نيوستادر ومايكل هـ. ويبر، المبني على كتاب غريغ سيستيرو وتوم بيسل غير الخيالي الصادر في 2013، بين الأمرين. إنه واحد من أفضل الأفلام عن صناعة الأفلام، يُبيّن كيف يصنع الوهم المشترك والثقة المطلقة بالعملية شيئاً سحرياً، حتى لو لم يكن جيداً تقنياً. تومي ويزو، المخرج ذو اللهجة الغامضة الذي يجسّده فرانكو، قد لا يكون ممثلاً أو كاتباً أو مخرجاً موهوباً، لكن بحقّه لقد صنع شيئاً استثنائياً.
25. Sing Sing (2024)
غالباً ما يكون Sing Sing خاملاً عاطفياً إلى حدّ يُنسيك أنك تشاهد فيلماً. دراما غريغ كويدار مستوحاة من “The Sing Sing Follies”، مقال مجلة صدر في 2005 عن برنامج Rehabilitation Through the Arts في سجن سينغ سينغ والمساجين الذين وجدوا فيه قدراً من السلوى. يمزج الفيلم بين ممثلين محترفين وسجناء سابقين شاركوا فعلياً في البرنامج، بينما يصوّر المساجين وهم يبتكرون ويؤدّون مسرحية “Breakin’ the Mummy’s Code”.
Sing Sing تصوير جميل ومتعاطف لقوة الفن والإبداع في الفداء. عميق الإحساس ومدعوم بأداءات قوية، هناك صدق وحسية ملموسة تتألق عبر المشاعر الخام في هذا الفيلم، إلى حدّ أن العناصر الأكثر دراماتيكية، مثل مسار كولمان دومينغو، تبدو أحياناً مُفتعلة أو اصطناعية مقارنة ببروفات البرنامج. دومينغو هو مرتكز الفيلم ورحلته، العاطفية والقانونية معاً، ترشد الفيلم. لكنه أداء كلارنس ماكلين، نسخة خيالية تحمل اسمه الحقيقي، هو ما يضاعف من قوة الفيلم ويُسقطه.
24. Zola (2021)
كان Zola ملحوظاً لأنه مبني على سلسلة تغريدات ولأنه كان جيداً فعلاً. كتب مؤلفون مشهورون روايات على تويتر والمدونات المصغّرة الأخرى، لكن لم تحظَ قصة مسلسلة باهتمام إلكتروني كما حظيت به #TheStory المؤلفة من 148 تغريدة لزولا. ترك برافو وكاتب السيناريو المشارك جيريمي أو. هاريس القصة المكونة من 148 تغريدة تنفتح كما حدثت على الإنترنت. وكما مصادره (التغريدات، لكن أيضاً مقال Rolling Stone “Zola Tells All: The Real Story Behind the Greatest Stripper Saga Ever Tweeted”)، يتخفّى Zola كملحمة فيروسية مُضحكة، لكنه في جوهره أكثر إزعاجاً وحزناً وعمقاً مما يوحي به هذا الوصف.
كانت آ’زيا “زولا” كينغ (تايلور بيج) تعمل بدوام جزئي كراقصة تعرّي في ديترويت حين قادها لقاء صدفة مع الراقصة ستيفاني (رايلي كيو) إلى رحلة طريق جامحة إلى فلوريدا. يفسح القناع الكوميدي لزولا المجال لصورة صادمة لاستغلال العاملات في الجنس والإتجار بهن. كما يدعمه طاقم قوي. بيج في الدور الرئيسي دليل مرحّ. كولمان دومينغو قبل أن يبلغ قمة الشهرة مُقلق، لكنها رايلي كيو في دور ستيفاني المُربكة والمُذهلة من تحظى بالدور الأبهر كضحية ومُيسّرة في آن. تسرق الفيلم بقلبه النابض المُجنون.
23. Aftersun (2022)
Aftersun واحد من عدة أفلام أولى واثقة رعتها A24 إلى نجاح كبير. حكاية شارلوت ويلز شبه الذاتية عن أب وابنته في عطلة في منتجع تركي في أواخر التسعينيات هي بمثابة خدعة سحرية. مدعومة بأداء مُلتزم ومُركّب من بول ميسكال، تعبر ويلز الزمان والمكان بينما تروي قصتها عبر الوحدات الزخرفية والكولاج.
Aftersun يحمل بصمة A24 في مظهره وإحساسه: دقيق، مُمعقّم قليلاً، مشحون عاطفياً وخام مع لحظات رقّة. ومع استقرار لغة الفيلم وإدراكنا أفضل لذلك الظلام الغامض الذي يطفو على الشاشة، يغدو Aftersun أكثر إثارة لأن السرد ليس سوى طريقة واحدة من طرق حكاية القصة. وإذا كانت تلك القصة المركزية بحد ذاتها مُدمّرة، فإن البنية المحيطة بها تضم نصيبها من الحرفية والرقة والفرح.
22. Civil War (2024)
أحد أعلى أفلام A24 إيرادات، فيلم Civil War لأليكس غارلاند فرّق الجمهور وله عيوبه بالتأكيد. بعض الحوار متعثّر، وهناك لحظة نحو النهاية تبدو مُفتعلة. لكن بينما ركّز معظم النقد على قرار غارلاند عدم إسقاط السياسة الأمريكية الراهنة على سرد الفيلم، فقد فهم غارلاند المهمة بوضوح: في Civil War، يحرم أمريكا من هستيرياها الراهنة ليُظهر أن الحرب الأهلية في أمريكا تبدو إلى حد كبير كما تبدو في أي مكان آخر.
بوصفها مصوّرة صحفية مُرهقة ومُحبَطة، قدّمت كيرستن دانست أداء العام. فاغنر مورا الممتاز زميلها الصحفي الذي تنضم إليه في رحلة طريق إلى واشنطن، وبقية الطاقم، بمن فيهم ستيفن ماكينلي هندرسون ونيك أوفلمان في دور الرئيس الديكتاتور، ممتازون على القدر نفسه. أما ظهور جيسي بليمنز الخاطف كقومي فاشي فلا يكاد يسرق المشهد. Civil War قصة مكثّفة من ملحمة. هو فيلم رحلة طريق ودراسة للصحافة المصوّرة بقدر ما هو فيلم حرب. سلاح الفيلم السرّي يكمن في كيف يفسح المجال لغرابة الحرب وابتذال الشر المُخيّم عليها، القتل العبثي، والانتقام المُبرّر كسياسة، واضطراب ما بعد الصدمة لدى دانست في الفصل الثالث، ليصنع شيئاً أكثر صدقاً ودقة مما يحصل عليه من تقدير.
21. High Life (2019)
بدأ فيلم Gravity لألفونسو كوارون اتجاهاً للمخرجين المحترمين نحو الخيال العلمي الجاد، وأُغلق هذا المسار بفيلم High Life الغريب لكلاير دينيس، الجنسي لكن غير الإيروتيكي. بينما تُعرف A24 بإطلاق صانعي أفلام جريئين، فقد غدت أيضاً موطناً للمؤلفين السينمائيين ذوي المشاريع غير التقليدية، و High Life واحد منهم. تترك دينيس الحياة المنزلية ما بعد الكولونيالية متّجهة إلى الفضاء الخارجي، فتقدّم واحداً من أغرب أفلام A24 وأكثرها حزناً.
High Life يدور حول مجموعة مجرمين يُرسلون إلى الفضاء ظاهرياً لاستكشاف ثقب أسود، لكن في الواقع لإجراء تجارب عليهم على يد عالمة يُجسّدها جولييت بينوش. في المركز روبرت باتينسون، الذي يُتمّم هنا جولته كممثل جاد بفيلم كئيب ومظلم ويُلاعب الجنون باستمرار. من “الصندوق” الذي يطلب الحميمية من كل رائد فضاء/فأر تجارب، إلى نقاشات حول التغذّر الشعري، High Life فيلم جاد، شاذّ، وجريء. إنه نوع الأعمال التي أُسّست A24 لرعايتها، وطاقم مفاجئ، فإلى جانب بينوش وباتينسون، هناك أندريه بنجامين من Outkast وميا غوث ملكة الصراخ المستقبلية، يجعل منه واحداً من أكثر التجمعات التمثيلية إثارة في العقد.
20. The Backrooms (2026)
أكبر نجاحات A24 حتى الآن بلمسة لطيفة بشكل مفاجئ وإحساس باقٍ. الانحياز للحداثة أمر واقع، فمن يدري أين سيجد The Backrooms نفسه في القوائم اللاحقة، لكن في الوقت الحالي يحظى فيلم كين بارسونز الأول بموقع مريح يستحقه بفضل المزاج والحرفية أكثر من أي ضجيج يدور حوله. قد يغضب المتشدّدون من احتلال هذا الاقتباس من سلسلة يوتيوب مرتبة أعلى من مؤلفين سينمائيين مرموقين ومرشحين أوسكار، لكن النتائج على الشاشة.
The Backrooms ظهور أول واثق بشكل مفاجئ من صانع أفلام شاب يلعب أوراق رعبه ببصيرة صائبة. إنه واحد من أكثر الأفلام فاعلية وإحكاماً في الإيقاع، سواء كانت رعباً أم لا، في عام شهد انتصارات كثيرة. لولا أصول الفيلم في البث الرقمي، لصعب تصديق أن The Backrooms لم يُصنع خصيصاً لـ A24. يشترك في الجماليات الضبابية الغريبة للشركة، ويُحمّل استعارات الرعب بلمسة أكثر دقّة من بعض الأفلام الأخرى التي بنت بها A24 مصداقيتها في “الرعب الرفيع”. إنه عمل مُحكّ، باقٍ في الذاكرة، لا يطيل البقاء أو يُكرر رسالته، وفي تفضيل فيلم يرضى بترك جمهوره يجلس في الجنون ويستلقي في إحساسه المتصاعد بالرعب شيء مُنعش.
19. Good Time (2017)
صنع الأخوان سفادي عملياً نوعاً فرعياً خاصاً بهم عن مخادعين مزعجين لكن محبوبين في سباقات مستحيلة ضد الزمن متصاعدة اليأس. قد يكون Marty Supreme لعام 2025 النسخة الأكثر سهولة وودّاً للأوسكار، لكن Good Time كان الدليل المُقدّم لهوليوود. كان روبرت باتينسون في مرحلة ما بعد Twilight، مرحلة التخلّص من صورة المراهق المُعبّد، وكان لـ A24 أكثر من يد في مساعدته على الانتقال إلى ممثل شرعي ومحترم، وانغمس كلياً في دور المجرم الصغير كوني.
في Good Time تبلورت كثير من سمات سفادي الأساسية: ممثل غير متوقّع ينحدر إلى الدناءة، وموسيقى تصويرية دافعة لدانيال لوباتين (المُعرف هنا باسم Oneohtrix Point Never)، ومرئيات مهلوسة، وخاسرين يغليون بالفشل واليأس، وعدالة كونية جامحة تضطرب. بجذرية وأصالة تخترقانه، قدّم Good Time للأخوين سفادي على هوليوود بقدر ما ثبّت باتينسون كموهبة تخفيها وجه جميل. مستخدماً الفوضى ككشّاف لكشف بطن الاقتصاد الأمريكي المتعفّن من الإهمال، Good Time واحد من أفضل حجج A24 على أن عروضها تجارب بقدر ما هي أفلام.
18. X/Pearl (2022)
بقدر ما تحتضن A24 المواهب الجديدة، هي أيضاً موطن لصانعي أفلام لم تعرف هوليوود ماذا تفعل بهم. مثال على ذلك تاي ويست، الذي قاده نجاحه المبكر في رعب كلاسيكي إلى تنقّل بين الاستوديوهات في منتصف عقد 2010. أنتجت A24 فيلم X، وهو فيلم رعب كلاسيكي أنجب واحدة من أكثر ثلاثيات العقد استباقية. وعليه، يُقسَّم هذا المدخل بين X وPearl، الجزءين الأولين من تلك الثلاثية.
X متعة في البساطة. في 1979، يحتمي طاقم تصوير في عقار تكساس ناءٍ لتصوير فيلم إباحي، أيقظوا دون قصد شيئاً في المُلاك. أما Pearl، الجزء السابق المُصوّر سرّاً، فينظر إلى العقار والأهوال التي شهدها خلال الحرب العالمية الأولى، مُقدّماً دراسة شخصية أكثر تفلّتاً تُضيء X وتعمّقه في آن. وبينما لا يبلغ الجزء الثالث MaXXXine ذرى سابقَيه، يبدو أن ويست وجد روحاً شقيقة في المصادفات السعيدة لدى A24. يصعب تخيّل قصة أخرى تذهب كلّها في اقتباس هالوين بثيمة إباحية وتُضاعف الرهان على تكريم لانهيار نفسي على غرار Repulsion.
17. Under the Skin (2014)
جوناثان غليزر لا يصنع الأفلام كثيراً، أربعة حتى 2025، لكنه حين يفعل، تكون عادةً مع A24. فيلمه الثالث وأول تعاون مع الاستوديو ساعد في وضع A24 على الخريطة. Under the Skin عمل غريب، أثيري، مؤثّر بشكل مفاجئ رغم محاولته الظهور بأقصى غرابة. إنه اقتباس حرّ جداً لرواية مايكل فابر، يتخلّى عن الفرضية لصالح المزاج، فريد ومُجرّد إلى حد البرود.
سكارليت جوهانسون امرأة غامضة تستدرج الرجال العزّاب إلى صحبتها لأغراض يُفضل تركها دون ذكر. إذ تجد نفسها في اسكتلندا الريفية، تمرّ بسلسلة لقاءات، تُعرض ضد خلفية جميلة لكن مُهيبة وصُوّرت بكاميرات مخفية، تستكشف الإنسانية بطرق خامّة ومُدهشة. خفيف الحبكة وثقيل الأجواء، كان Under the Skin فشلاً تجارياً ضخماً ونجاحاً نقدياً. ورغم استرداد نصف ميزانيته فقط في الصالات، يُعتبر على نطاق واسع واحداً من أفضل أفلام الرعب “الرفيع” وواحداً من أفضل أفلام حقبته، بينما تُعدّ الموسيقى التصويرية لميكا ليفي من أفضل ما أُنتج في القرن، إن لم تكن الأفضل على الإطلاق. Under the Skin هو بالضبط نوع الأفلام التي أُسّست A24 لصنعها: غامض، متحدٍّ، ومُستقصٍ بلا كلل في استكشافه للإنسانية.
16. Friendship (2025)
واحد من أحدث المداخل في هذه القائمة، Friendship امتداد طبيعي لعلامة فكاهة الإحراج التي اشتهر بها الكاتب والمخرج أندرو دي يونغ والنجم تيم روبنسون. بينما سيجد معجبو I Think You Should Leave Now الكثير مألوفاً، هناك أعماق إضافية في هذا التصوير لنمط رجالي معيّن لا يفهم تماماً لماذا لا يحبه أحد في حياته، حتى أحبّاؤه.
روبنسون هو كريغ المدير التسويقي، يعيش حياة رتيبة يتحمّله فيها زوجته وابنه. محاولة للتقرّب من مرؤوسيه تصطدم بغروره. إلى الحيّ يأتي أوستن، رجل طقس محلي بارد بلا جهد يُجسّده بول رود. تفتح صداقته كريغاً على عالم جديد، لكن كما في أعمال روبنسون، تؤدي محاولات هذا الرجل المُبتذلة لاستغلال كل موقف لإرضاء غروره، مدفوعة بحماس متفجّر وغياب تام للوعي الذاتي، إلى انهياره. وبقدر ما يكون رجل طفل روبنسون مبالغاً فيه، هناك يأس حقيقي ومعاش في كريغ كان سيُثير الشفقة لولا أنه بهذا القدر من الشراسة. هذا المزج بين العبثي والمُتحقّق بعمق هو ما يجعل Friendship مضحكاً ومُحرجاً إلى هذا الحد، وهو تصادم الكوميدي والواقعي ما يجعله ملائماً تماماً لـ A24. كما أن مشهد لحس الضفدع قد يكون أفضل تكثيف للحلم الأمريكي، أو على الأقل لما آل إليه.
15. Talk to Me & Bring Her Back (2023/2025)
مثل لكمة تاي ويست المزدوجة X وPearl، فيلمّا داني ومايكل فيليبو الأولان متشابهان في الجودة والأرضية الموضوعية إلى حدّ يُبرّر تقسيم هذا المركز بينهما. كلّ من Talk to Me الظهور الأول من 2023 وBring Her Back التالي وارثان لعقلية الرعب الرفيع، إذ يستخدمان الحزن نقطة انطلاق لمفاجئات القفز وللتعذيب الوجودي الأشدّ حدّة.
يستخرج الأخوان فيليبو الحزن كباب سحري إلى الرعب بطرق تبدو صادشة وجديدة، حتى وهما يعزفان على أنماط قديمة. في Talk to Me، يستخدم المراهقون يداً مقطوعة مسكونة للتحدّث مع الأموات كحفلة. في Bring Her Back، يُرسل شقيقان غير شقيقين إلى دار حضانة مشكوك فيها بعد وفاة أبيهما. تجمع القصتان قتامة لا هوادة فيها وتعاطف حتى مع أسوأ شخصياتهنّ وقراراتهنّ. وبعد صقل حرفتهما على قناتهما الرقمية، قدّم الثنائي الإخراجي الآن فيلمين مُنجزين تقنياً ومُتقنين صنعاً يُعدّان من أفضل أفلام العقد.
14. Uncut Gems (2019)
ربما لا يوجد مخرجان أكثر ملاءمة لجماليات A24، وأكثر استفادة منها، من الأخوين سفادي. جلبا صيغتهما المحمومة المُجنونة للمخادع الهارب إلى A24 مع Good Time وأعادا تشكيلها كقطعة تاريخية مرشحة للأوسكار لتيموثي شالاميت في Marty Supreme (وبدرجة أقل لذا روك في The Smashing Machine)، لكن Uncut Gems حيث أتقنا الصيغة. Uncut Gems فيلم يبهر كل مشاهده بشيء ما. الأداء الدرامي البذيء لآدم ساندلر. مقدمة اعتبار المنظار. ظهور نجوم كرة السلة المحترفة الخاطفة. ليس مُستغرباً أنّ الأخوين افترقا بعد هذا. كيف تُتابع فيلماً يبدو كنوبة هلع؟
يلعب ساندلر دور هاوارد راتنر، الجوهرائي القذر النمطي عند سفادي، الذي يعاني من إدمان قمار خطير. يضعه الأخوان سفادي على مسار كارثي إذ يحتاج لاستعادة جوهرة باهظة باعها لسداد ديون قبل أن ينفد الوقت. وعاجزاً عن تفادي أخطائه، يجد شخصية ساندلر نفسها في مواقف صعبة متعددة، ويُصوّر الأخوان كل ذلك كرحلة متوترة بشكل مُقلق لا نستطيع أن نحول عنها نظرنا. من المُثير أن نرى هاوارد ساندلر يستحم في نشوة الرهان، احتمال الفوز بما يكفي ليرسم بسمة غبطة على وجهه. كل لحظة في Uncut Gems تبدو وكأنها قد تنقلب إلى فوضى، إلى حدّ أنه حتى حين ينقلب إلى مأساة، يصعب ألا نبتسم باتساع بسمة هاوارد.
13. The Killing of a Sacred Deer (2017)
صنع يورغوس لانثيموس فيلمه الانكشافي الناطق بالإنجليزية مع A24 وعاد إلى الاستوديو لفيلم The Killing of a Sacred Deer التالي. سيتركه ليعمل في أفلام أخرى، لكنه وجد في A24 شريكاً مستعداً لهذا المزج الغريب العنيد بين الرعب والميثولوجيا. يبدو The Killing of a Sacred Deer كأنه يجري في حالة كابوس، حيث يقود منطق الحلم المشاهد والشخصيات بلا جهد إلى حالة لا تختلف عن شلل النوم.
كولين فاريل يلعب دور طبيب هادئ يبدو أنه يُرشد شاباً اسمه مارتن يُجسّده باري كيوهان. علاقتهما محرجة ومتقعّرة وغريبة، إذ يُكشف أن فاريل يتحمّل مارتن أكثر مما يحتضن اهتمامه. طبيعة علاقتهما، وكذلك المنطق الذي تتطوّر به، غامضة في البداية ثم مُرعبة. وبمناسبة ذلك، يبدو الطاقم، الذي يضم نيكول كيدمان وأليسيا سيلفرستون وبيل كامب، مسحوراً بالغرابة المعروضة. وحين يدور الفيلم نحو خاتمته المظلمة لكن الحتمية، يصعب ألا تشعر بالمثل.
12. Climax (2019)
قد تكون A24 موطن صنّاع الأفلام الفرادى غير التقليديين، لكن “السينمائي السيّئ” غاسبار نوو جاء إلى الاستوديو ليصنع ما يمكن اعتباره أكثر أفلامه سهولة. وصادف حساسية نوو وA24، ما ينتج بعيداً عن التقليدي. Climax مرتجَل إلى حد كبير، يضم ممثلين غير محترفين، لا يكشف عن مقدمة اعتباره إلا في منتصف الفيلم، ويتألف من لقطات طويلة غير مقطوعة لحوارات طبيعية يومية تتخللها أعمال عنف صريحة. أيضاً، أضواء وامضة. الكثير منها.
تدور أحداثه في 1996، يتابع Climax فرقة رقص في ليلتها الأخيرة من البروفة. حين يُخدّر السانغريا في الحفلة اللاحقة، تنحدر المجموعة إلى الجنس والمخدرات والجنون والعنف المُصمّت للآذان والكثير من النواح. قد يقدّم مخرج آخر هذا كفيلم “من فعلها؟”، لكن نوو ينغمس في الدوامة كاملة. إنها تجربة غامرة شكّلتها إلى حد كبير لقطة طويلة مدّتها 42 دقيقة والفوضى التي تنشأ عن حادثة التخدير. جزء مما يجعل Climax حسيّاً ومُقلقاً بهذا الشكل هو كيف تُقاطَع فترات طويلة من الفراغ بعنف متطرف وردود فعل لا يمكن التنبؤ بها. لا يزال نفع نوو المُميّز (الزمن يدمّر كل شيء) حاضراً، لكنه يفسح مجالاً للقطات طويلة متأنّية لسوفيا بوتيلا تلوي جسدها وتصرخ في الممرات بينما تتدلّى الألوان وينحني الزمن.
11. Midsommar (2019)
آري أستر أحد أبرز مواهب A24. أطلقت الشركة مسيرته الروائية وأصدرت كل أفلامه حتى الآن، بما في ذلك فيلمه الثاني. Midsommar واثق ومُنجز بشكل مفاجئ؛ وهو أيضاً مُفعم بالأفكار التي، خلافاً لآخر أعمال أستر، تندمج إلى حد كبير في منتج ربما يكون أطول مما ينبغي لكنه مُذهل في ما عدا ذلك.
يفتتح Midsommar بمأساة تُغني عن حبكة فيلم آخر، قبل أن تُقلع بشخصياتها، داني الحزينة وحبيبها المرير غير المُهتم كريستيان ورفاقه من طلاب الدراسات العليا، إلى السويد الريفية لمهرجان صيفي لا تغيب فيه الشمس. فيلم أستر مبني بإتقان، مكتوب ببصيرة، ومُصوّر بجمال، يتصاعد في توتره بينما يبتلع الرعب والهلوسة زوّار الجماعة تدريجياً. غدا Midsommar قطعة محورية في ما يُسمّى بحركة الرعب الرفيع، ولسبب وجيه. مُتقن الصنع بأداء رعد مُزلزل للروح من فلورنس بيوج، Midsommar رعب صريح وغير اعتذاري يستخدم الحرفية والعناية كسقالة لصور مفزعة ولقطات مُقلقة.
10. First Reformed (2018)
بحلول منتصف عقد 2010، بدا أن مسيرة بول شريدر في مرحلة الغروب. غرق في أفلام أكشن من الدرجة الثانية وتدخّلات استوديوهات، مع أفضل أعماله وأكثرها أيقونية، كتابة سيناريو Taxi Driver وإخراج Mishima: A Life in Four Chapters، تبدو خلفه. ثم في 2017، تسلل First Reformed من لوحة مهرجان البندقية المزدحمة إلى استحسان هامس. في زمن هذا الضجيج، ها هو فيلم بليغ وغريب التأمّل، متأمل وغاضب ومتطرّف. اتضح أن صانع الأفلام والناقد المُصعّب، المعروف بمنشوراته الاجتماعية الصريحة بوحشية، لا يزال لديه الكثير ليقوله.
كان First Reformed بداية جديدة لشريدر وعودة إلى الشكل. أطلق ثلاثية موضوعية جديدة تدور حول أكثر سماته بقاءً: الرجل الوحيد المعزول، الغالب خطر، يكتب في غرفة. في First Reformed، هذا الرجل هو القس إرنست تولر الذي يُجسّده إيثان هاوك، رجل دين لا تستطيع إيمانه أن تصمد أمام اليأس المُتعاظم الذي يغمره بينما تتضاءل رعيّته وتتحوّل أزمة إيمان زوجين بيئيين إلى أزمته الخاصة. في First Reformed، يجد شريدر بطلًا لطيفاً غير متوقع ويستخدمه لاستكشاف قضايا معاصرة للإيمان والحقيقة والثقة. هذا فيلم حزين بشكل مُطارد يجد جمالاً طبيعياً في فوران المخفوقات الغذائية بقدر ما يجده في خلفية شمال ولاية نيويورك.
9. Under the Silver Lake (2019)
لم يحظَ Under the Silver Lake بترحيب دافئ عند عرضه الأول. فيلم ديفيد روبرت ميتشل التالي لنجاح الرعب It Follows عُرض في كان، ودفعه استقبال فاتر إلى إصدار هادئ في 2019. العري المُفرط والفكاهة السوداء والحبكة الغامضة دعت لانتقادات بأنه مُتطفّل وتائه. لم يُصدر ميتشل فيلماً آخر لسبع سنوات. تجاهل ذلك الضجيج. Under the Silver Lake هو فيلم نوار لمُدخّن في لوس أنجلوس يصلح لكل العصور، إضافة مرحّب بها إلى سلسلة تمتد من Chinatown إلى The Big Lebowski.
أندرو غارفيلد يلعب سام، كسول طيب القلب لكن بلا هدف، يحزن على انفصال وربما يقرأ أكثر مما ينبغي في الأمور. سام مُؤامِر لطيف، يؤمن بأن وسائط الإعلام اليومية تحتوي رسائل خفية لأفراد مُحدّدين. حين تختفي جارته في الوقت نفسه تقريباً الذي يُعثر فيه على ملياردير ميت وتُسمم كلاب الحي، يبدأ سام بالبحث عن خيوط. يرى الأنماط بطبيعة الحال، وينطلق في رحلة عبر وجهي لوس أنجلوس المُشمِس والمظلم. من حيث النبرة، Under the Silver Lake بعيد جداً عن It Follows. بينما كان نجاحه في الرعب مظلماً ومُكتئباً ومتوتراً، فإن Under the Silver Lake خفيف، شارد، غبي أحياناً، ومُستسلم برفق. إنه فيلم لا ينبغي أن يعمل، ومع ذلك فهو واحد من أقوى عروض A24: فيلم مُمتع ولامع وجميل بقدر ما هو متحدّ ومظلم. وهو أيضاً، بطريقته المجنونة، عاد إلى الصلة بالواقع. مواضيعه، وجنون الارتياب المركزي لسام، تبدو أكثر مصداقية من أي وقت.
8. The VVitch (2016)
بعد عشر سنوات، لا يمكن إنكار قوة الرعب التي يمثّلها The VVitch. انفجر روبرت إيغرز على الشاشات مكتملاً تقريباً بهذه الحكاية الزاهدة، المشؤومة، المُطابقة لزمنها عن السحر في العهد البيوريتاني. في جوهره قصة عائلة مؤمنة تتآكلها العناصر (الخارقة) الطبيعية، The VVitch لا يكترث بمدّ يد العون للمشاهد. كل ما تراه على الشاشة يحدث فعلاً، حتى وإن لم يكن الإنجليزي القديم سهل الفهم دائماً.
أرسى The VVitch كثيراً من الصفات التي صرنا نتوقّعها من فيلم روبرت إيغرز. الأحداث راسخة في زمنها. المزاج مظلم، والعنف حين يأتي وحشي. طاقم يضم أنيا تايلور-جوي في ظهورها الأول ورالف إينسون غالاكتوس المستقبلي مليء بالعزيمة ومُقنع بحدّ الموت. قلة من الأفلام ترمز إلى نهج A24 كـ The VVitch. ساعد في تمييز العلامة ووضع A24 كموطن للمواهب المظلمة أصحاب الرؤى الذين لا يخشون اختلاف الطريقة. كانت النتيجة واحدة من أكثر أعمال الاستوديو تميّزاً وفيلماً محورياً في حركة الرعب الرفيع التي عرّفتها A24 إلى حد كبير.
7. Ex Machina (2015)
وبالحديث عن القوالب الكئيبة المظلمة والأجواء المعقّمة، فقد دخل Ex Machina لأليكس غارلاند المحادثة. كان غارلاند يتسكّع طويلاً حول هوليوود، أولاً ككاتب سيناريو خلف أفلام رعب أخرجها داني بويل، ثم كمنتج (Dredd) قبل أن يُخرج فيلمه الأول. وبالنظر إلى الوراء، غارلاند وA24 تطابق مثالي، ولا غرابة أنه يواصل العودة إلى الاستوديو.
Ex Machina واحد آخر من تلك الأفلام التي تُطلق مؤلفاً سينمائياً وتُعرّف علامة، ثبّتت A24 كمُنتجة مستقلة الأولى في عقد 2010. كان استباقياً واثقاً وآمراً، مدعوماً بأداءات رئيسية من دونال غليسون وأوسكار إسحاق وظهور مُبهر لأليسيا فيكاندر. غير اعتذاري في قتامته أو في مدى جرأته الفكرية. قلّة من الأفلام التقت باللحظة كما فعل Ex Machina، مستخدماً أحدث المؤثرات الخاصة، ومُعالجاً مواضيع ستُعرّف العقد التالي، ليغدو مرشح أوسكار مفاجئاً.
6. In Fabric (2019)
In Fabric لبيتر ستريكلاند فيلم مجنون، يُخفّف من جنونه أغلفته الزمنية وغرابة الجيالو. من بعض الوجوه، In Fabric لوحة ثنائية عن فستان مسكون تُروى عبر دمى متوحشة، وسوائل جسدية، وأوصاف منتجات باطنية، وأكثر من لمسة من العبث. من حيث القصة والأسلوب، In Fabric وA24 تطابق صنع في السماء.
يبدأ الفيلم بماريان جين-بابتيست في دور شيلا موظفة البنك التي يتطفّلون على عملها ويُهمّشها ابنها البالغ. عائدة إلى ساحة المواعدة، تزور متجراً وتختار فستاناً أحمر انسيابياً. ما يليه رحلة عبثية تجمع بين الكوميديا الاجتماعية وحلم الحمى الهذياني. هناك ما يكفي من الحوادث الغريبة غير المُفسّرة لتُغذي قناة يوتيوب، لكن أحد أكثر الجوانب رقّة في In Fabric هو كيف يُقاطَع الرعب المركزي بإهانات الحياة المحرجة والذوق الاجتماعي. غارق في تصوير سينمائي ضبابي السبعينيات، هذا فيلم فاخر بقدر ما هو غريب ومضحك.
5. Hereditary (2018)
باستثناء The VVitch، لا يرتبط فيلم رعب بـ A24 أكثر من ظهور آري أستر الأول Hereditary، ومنذ ذلك الحين تتشابك حظوظهما. كان ضجيج Hereditary بعد عرضه في المهرجان هائلاً، وركب تلك الموجة إلى نجاح في شباك التذاكر وإشادة نقدية. صيغة A24 المُتمثّلة في الاستثمار في مخرج أول ذي رؤية قوية وواضحة يجلب حرفية وأداءات ومواضيع “رفيعة” إلى صناعة النوع السينمائي، أثمرت مرة أخرى. Hereditary كلاسيكية رعب حديثة بأداء يستحق الجوائز من توني كوليت غدا معياراً نوعياً لامتياز الرعب.
على الرغم من كل هذا المكانة، يسهل نسيان مدى تماسك Hereditary بعد سنوات. واثق بشكل مفاجئ، محكم، مكثّف، متوتر، مُقلق، ومُرعب، يبقى فيلم أستر قطعة مُتقنة من سرد النوع السينمائي. جراحي في مفاجآته، مُطارد في تبعاته، لوحة ألوان Hereditary المصفّرة ووحدة بيت الدمى تتطابقان بسهولة مع علامة A24 المظلمة الكئيبة. دُعيت A24 بطائفة، لجمهورها المُخلص، ونوعاً سينمائياً للتشابهات النغمية والجمالية في أعمالها، وHereditary كان أحد الأفلام التي ثبّتتها كأبرد شركة إنتاج في هوليوود.
4. Everything Everywhere All at Once (2022)
احتضنت A24 ثنائيات إخراجية، عادةً أخوين مثل سفادي وفيليبو، لكن لم يُوصِل ثنائي الاستوديو إلى هذا الحد البعيد كثنائي دانيلز غير المُقرّبين، كوان وشاينرت. لم يكن لـ Everything Everywhere All at Once (EEAAO) أي سبب ليكون بهذا التحقيق والثقة، وكان النجاح مُذهلاً. قلّة من الأفلام بهذا الغرابة، هذا المزج بين خيال علمي ميتافيرسي وكونغ فو وكوميديا درامية مستقلة، كانت بهذا التماسك والتوازن والمتعة. وبما أنه الجزء التالي لظهور أول حيث قاد بول دانو جثة دانيال رادكليف المُنتنة مستخدماً انتصابه ما بعد الموت، فقد أبحر EEAAO أبعد مما تخيّل أحد.
غدا EEAAO أعلى أفلام A24 تحقيقاً للإيرادات (لفترة) وجتاح موسم الجوائز بزخم نادراً ما تراجع بعد إطلاقه الربيعي. كان 2022 عام ثروة سينمائية، لكن EEAAO كان مُبدعاً وفريداً وصاخباً أكثر من أن يُنكر. قد يختلف شعورك تجاه الفيلم نفسه. له بالتأكيد مُنتقدوه الذين لم يستجيبوا للتحولات النغمية أو خلط الأنواع. لا يزال دُعاة نقاء الأوسكار يغضبون من مشهد الفلجة، لكن لا يمكن إنكار قوة الفيلم أو اختراعه الصرف. كان إنجازاً رعدياً لـ A24 بعد عشر سنوات على تأسيسها، وقلّة من الأفلام أنسب لإثبات قيمة الاستوديو كمُروّج لسرد فريد عبثي كهذا.
3. Moonlight (2016)
لوهلة أولى، يبدو أول فيلم يفوز بـ A24 بجائزة أفضل فيلم نقيض EEAAO. حيث ذلك الفيلم واسع ومُمتد وصاخب، فإن Moonlight حميمي وتأملي وهادئ. كلاهما فيلمان ثانيان تجاوزا ما وعد به ظهورهما الأول، وكلاهما مأخوذ بمرور الزمن. وصل Moonlight في عام سينمائي أحبّ الناس فيه La La Land وكانت أجزاء ديزني التالية تقتل في شباك التذاكر. لذا فإنه شهادة لـ Moonlight لباري جينكنز أن قصة هادئة ولطيفة كهذه تستطيع أن تشقّ كل ذلك الضجيج.
اقتباس من مسرحية تاريل ألفين ماكراني غير المنشورة، Moonlight دراسة بلوغ تُروى عبر ثلاثية لوحات. يبدأ شيرون طفلاً يُلقّب بـ”ليتل”، يكافح المتنمّرين وإدمان أمه، ويتلصّص عليه الفيلم في حلقات مختلفة من حياته، مُصوّرة بجمال وأجواء لا تنتهي. فيلم هادئ وحميمي وضع على الشاشة هويات وصور نادرة في أفضل الأحوال في السينما الرئيسية، يبقى Moonlight عملاً سينمائياً يائس الجمال والرقة، تذكيراً بما يستطيعه هذا الوسيط وكم يمكن أن يبدو مُفاجئاً بعد كل هذا الوقت.
2. The Zone of Interest (2023)
يقول جوناثان غليزر الكثير دون أن يقول كثيراً في اقتباسه لقصة مارتن أميس. The Zone of Interest فيلم حرب مختلف جداً، بعيد عن الخطب الكبرى حول إبادة جماعية لا تزال هوليوود مأخوذة بها. نحن في 1943، وروودولف هوس قائد معسكر أوشفيتز قد أرسى لعائلته حياة أحلام بجوار مرافق الإبادة التي يساعد في إدارتها. يستحمون في النهر، ويحاولون إغراق المعاناة التي تكاد تكون دائماً في متناول السمع، ويخططون لمستقبل مُجيد.
ربما لم يُصوّر فيلم ابتذال الشر بدقة كما فعل The Zone of Interest. هذه قصة عن الإبادة والتواطؤ، وعن المقاومة والذاكرة، لا تضم عنفاً وتركّز بشكل شبه كامل على الإداري والمنزلي. إنه نوع الأفلام الذي يُصنع بفضل A24، ويُخبرنا أنه بعد عقود من إعادة حكي نفس الروايات حول الحرب العالمية الثانية، لم يجد غليزر شيئاً مهماً ليقوله فحسب، بل فعل ذلك بطريقة مختلفة بشكل حاسم. لا رفع لراية ولا تمجيد للحرب ولا حتى تبرير لها. فقط بعض أكثر تصاميم صوتية رعباً ارتُكبت على فيلم.
1. The Lobster (2016)
بالنظر إلى مدى إشادة عروض A24 وتجريبيتها أو جنونها التام، قد يبدو منح المركز الأول لـ The Lobster غريباً بعض الشيء. ومع ذلك، فإن انكشاف يورغوس لانثيموس الناطق بالإنجليزية وحش فريد تماماً، بارد، غامض، عبثي، ومُحطّم للقلب والروح بصدق. الفرضية وحدها كانت كافية لإثارة الفضول: في مستقبل عشوائي باهت، يُؤخذ العزّاب إلى الفندق لإيجاد شريك خلال 45 يوماً أو يتحولوا إلى حيوان.
إذا كان الفن حقاً كذبة تُدركنا الحقيقة، فإن The Lobster بكل أغلفته العبثية حزمة كبيرة من الحقيقة. مُركّزاً على الحاجة للتواصل في زمن صار فيه المواعدة الإلكترونية هي الافتراضي، يُعيد لانثيموس كسر القيم الاجتماعية والقواعد غير المكتوبة بطرق تكشف أكثر حاجات الإنسانية يأس
