بينما نودع عاماً حافلاً بالأحداث التي منحتنا الكثير من اللحظات التي لا تُنسى، والعودات المبهرة، والمفاجآت السارة على الشاشة الكبيرة، حان الوقت لنختتم موسم الجوائز المكثف بحفل يحب الكثيرون كرهه، ويكره آخرون حبه، لكن من المستحيل تجاهله تماماً: حفل الأوسكار.
بالنظر إلى سجل الأكاديمية الحافل بالقرارات المثيرة للجدل، يصعب لوم المشاهدين العاديين وعشاق السينما المتحمسين على استقبال حفل الجوائز السنوي بلامبالاة؛ فهو يشبه موعد طبيب الأسنان الذي تحضره على مضض كل عام. لقد استحقّت الأكاديمية سمعتها السيئة بعد أن جعلت من تهميش المواهب اللامعة والأعمال الجريئة تقليداً سنوياً لصالح الأفلام التقليدية والمتوسطة. ورغم تراجع شعبية الحفل في العامين الماضيين (حيث وصل إلى أدنى مستوياته في 2021)، إلا أنه لا يزال يمثل صورة مصغرة لنرجسية هوليوود المتغطرسة؛ ليلة يستعرض فيها المشاهير على السجادة الحمراء، بينما يتبادل أباطرة الاستوديوهات والشركات الترفيهية التهاني بحصد نصيب الأسد من الجوائز.
قيل الكثير عن التحيز العرقي والثقافي للجنة التحكيم، إلى جانب بعض التغييرات الأخيرة المذهلة التي اقترحتها الأكاديمية، مثل توسيع قائمة ترشيحات “أفضل فيلم” لتشمل عشرة أفلام (مما يقلل من هيبتها) أو تقديم فئة “أفضل فيلم جماهيري” (وهي فكرة تم التراجع عنها سريعاً). كما لم تساعد التقارير العديدة عن الناخبين الذين اعترفوا، تحت غطاء السرية، بمشاهدة جزء فقط من الأفلام المرشحة في تحسين سمعة الجوائز.
لكن رغم كل علامات الاستفهام حول نزاهة النتائج، لا يزال ترشيح “أفضل فيلم” يعتبر تقديراً قيماً ومؤشراً جيداً على الاستقبال الجماهيري. وكما هو الحال في كل نسخة، طغت على قائمة هذا العام بعض الاستبعادات الصارخة، بما في ذلك الفيلم الحائز على السعفة الذهبية Titane، وأعمال مستقلة مثل Red Rocket وThe Green Knight، وعملان قويان لمؤلفين سينمائيين راسخين هما The French Dispatch وThe Tragedy of Macbeth. بدلاً من ذلك، علينا أن نكتفي بمزيج دون المستوى من إعادة الإنتاج، وأفلام السيرة الذاتية، والهجاء غير المكتمل، وهو ما يجعلنا نقدر القائمة التاريخية التي استمتعنا بها قبل عامين فقط. خذ هذه القائمة كدليل لمساعدتك في التنقل بين الجيد وتجنب السيئ، وهي أداة مفيدة بشكل خاص في عام أثبتت فيه الأكاديمية مرة أخرى أنها غير موثوقة. دون مزيد من اللغط، دعونا نستعرض كل مرشح لجائزة أفضل فيلم.
10. Don’t Look Up
يسارع الأشخاص الذين يرغبون في تشويه سمعة الأكاديمية إلى الإشارة إلى بعض الترشيحات الصادمة مؤخراً، مثل Green Book وBohemian Rhapsody وJoker وAmerican Sniper. ومع ذلك، فإن الخطيئة الكبرى لهذه الأفلام تكمن في كونها باهتة بشكل عدواني؛ فهي أعمال يمكن التخلص منها بسهولة وتغادر ذهنك بمجرد بدء شارة النهاية. لكن هذا ليس حال الهجاء الساخر للمخرج آدم مكاي. يجب إعطاء الحق لأصحابه، فالفيلم قد يكون كارثة بكل المقاييس، فهو بغيض جداً لدرجة لا تسمح بالاستمتاع به بشكل ساخر، وعميق جداً لدرجة لا تسمح بأخذه على محمل الجد، لكنه مثير للجدل بما يكفي لعدم تجاهله.
يتابع فيلم Don’t Look Up عالمي فلك يحاولان رفع الوعي حول مذنب يهدد بانقراض الحياة على الأرض. يحاول الفيلم بشكل سيئ توجيه انتقادات للحكومة ووسائل الإعلام من خلال استهلاك فكرته المبتذلة ودفع موضوعاته بفظاظة. كفيلم كوميدي، هو ليس مضحكاً؛ وكعمل فكري، هو بالكاد يقدم رؤية ثاقبة. لكن أسوأ ما فيه هو الغرور الذي يظهر طوال مدة عرضه. قد يظن المرء أن مكاي قدم شيئاً بمستوى فيلم Network للمخرج سيدني لوميت، وليس فيلماً مرشحاً لجوائز التوتة الذهبية.
حقيقة أن سيناريو Don’t Look Up قد تجاوز مرحلة العرض الأولى أمر محير، وأن يتسلل إلى هذه القائمة هو دليل إضافي على مدى انفصال لجنة تحكيم الأكاديمية عن الواقع.
9. Belfast
يقدم فيلم كينيث براناه نفسه كقصة بلوغ تدور أحداثها في فترة الاضطرابات المدنية والصراع السياسي في أيرلندا الشمالية في الستينيات، كما يراها صبي بروتستانتي في التاسعة من عمره. توفر الخلفية التاريخية للفيلم مساحة كبيرة لفحص تداعياتها الاجتماعية، لكن براناه لا يتعمق أبداً في جذور الصراع. وبالمثل، فإن ديناميكيات الأسرة التي تحرك الجزء الأكبر من القصة تترك الكثير مما هو مرغوب فيه، وغالباً ما تبدو مبتذلة وغير شخصية.
باعتباره الأحدث في اتجاه متزايد للأفلام التي تستخدم التصوير السينمائي بالأبيض والأسود كحيلة بصرية بدلاً من خيار فني واعٍ، فإن فيلم Belfast يبدو باهتاً تماماً. يبدو هذا الخيار سطحياً بشكل خاص عند مقارنته بأفلام متفوقة مثل The Tragedy of Macbeth، الذي يوظف صوره أحادية اللون ببراعة لاستحضار ظلال عالية التباين ولقطات قريبة ساحرة.
يبدو إشادة النقاد بفيلم Belfast غير مستحقة عند النظر في حسابات السيرة الذاتية للطفولة الأفضل بكثير (مثل Tree of Life وBoyhood وMid90’s) وقصص البلوغ (مثل The Florida Project وPetite Maman) التي حصلنا عليها في العقد الماضي فقط. ربما يكون الجانب الأكثر استحساناً في فيلم براناه هو أنه يمتلك على الأقل لياقة احتجازنا لأكثر من تسعين دقيقة بقليل، وهو أمر يستحق الشكر في هذه الأيام.
8. West Side Story
على ما يبدو، حتى أكبر فشل تجاري له حتى الآن لا يمكن أن يمنع الأكاديمية من تكريم فتاها المدلل. من المسلم به أن إعادة إنتاج ستيفن سبيلبرغ لفيلم West Side Story الحائز على جائزة أفضل فيلم عام 1961 كان من المحتمل أن يحصل على مكان في هذه القائمة قبل وقت طويل من انتهاء الإنتاج بالنظر إلى الأسماء المرتبطة به والموضوع. يدرس كلا الإصدارين من الفيلم الموسيقي عدم المساواة الطبقية والتوترات العرقية في أمريكا من خلال حروب العصابات وقصة حب غير محتملة محكوم عليها بالفشل منذ بدايتها.
على جبهات عديدة، يقوم المخرج المخضرم بتحسين الأصل -الذي لم يكن رائعاً في المقام الأول- ويجلب كل اللمعان والبريق الذي يمكنه حشده. تصميم الرقصات الحيوي والمشاهد المعقدة كلها في محلها وتؤتي ثمارها خاصة خلال التسلسلات الأوبرالية للفيلم. لكن على طريقة سبيلبرغ المعتادة، تثبت خياراته أنها مقنعة ولكنها ليست جريئة أبداً، مما يؤدي إلى استعراض قديم الطراز يثقله عظمته الخاصة. فيلم West Side Story الخاص به هو مجرد ضجيج بلا جوهر، إحياء عقيم يبدو أنه ينتمي إلى نفس الزمان والعصر الذي ينتمي إليه سلفه القديم.
لا مفر من حقيقة أن هذا الفيلم أخرجه رجل يبلغ من العمر 75 عاماً، وهو يبدو كذلك تماماً.
7. Nightmare Alley
على عكس معظم المرشحين الآخرين، يقدم أحدث أعمال غييرمو ديل تورو، في جوهره، قصة مقنعة تستحق أن تُروى. يغوص فيلم Nightmare Alley في الماضي ليسرد مغامرات ستانتون كارلايل، وهو محتال عصامي لديه موهبة في اقتناص الفرص المربحة، ويكسب عيشه من خلال التظاهر بأنه وسيط روحاني واستغلال يأس عملائه. يستحضر ديل تورو الجودة الحلمية والأجواء المزاجية التي اعتدنا عليها، ويستفيد بشكل جيد من المواهب النجومية المتاحة له مع أداءات قوية في جميع الجوانب.
يضفي المخرج أيضاً على نسخته الجديدة نفس السخرية اللاذعة التي ميزت المادة الأصلية. ومع ذلك، بينما يظل الفيلم الأصلي لعام 1947 محكم الإيقاع ومركزاً -ناهيك عن كونه أقصر بأربعين دقيقة- فإن نسخة ديل تورو الجديدة تطيل أمدها وتفقد زخمها تدريجياً خلال النصف الثاني. كفحص لاذع للفساد الكامن في أعماق المجتمع، ينجح Nightmare Alley بامتياز. من المؤسف أن الفيلم يواصل إضاعة إطاره المثير للاهتمام بتنفيذ باهت. هناك فيلم قوي مدته 100 دقيقة موجود في مكان ما داخل هذه الفوضى المتضخمة، وهو أمر كان يمكن إصلاحه ببعض التعديلات والمونتاج الإضافي.
6. King Richard
يجب على الجميع السعي للعثور على شخص في حياتهم يحبهم ويهتم بهم بنفس الطريقة التي تعتز بها هوليوود بأفلام السيرة الذاتية (حتى المتوسطة منها). يتميز سباق الجوائز هذا بتصوير درامي للأميرة ديانا، ولوسيل بول وديزي أرناز، وجوناثان لارسون، وعائلة غوتشي بأكملها، وهذا فقط في هذا العام. لا تظهر علامات تباطؤ على هذا الاتجاه المثير للغثيان، ويفترض أن ذلك يعود إلى حقيقة أنه يستمر في تحقيق النتائج والتماثيل بمعدل أعلى من أي نوع سينمائي آخر.
على الرغم من أنه لا يزال مقيداً بنفس الاتفاقيات القديمة المستخدمة، قد يكون فيلم King Richard هو الأكثر إلهاماً بين المجموعة. يسرد الفيلم صعود فينوس وسيرينا ويليامز الصاروخي من ناشئتين موهوبتين في المدرسة الثانوية إلى قمة التنس الاحترافي. يشير العنوان إلى والد الشقيقتين ومدربهما، الذي يوفر للزوجين فرصاً مهنية لا تقدر بثمن على الرغم من نشأتهما المتواضعة، ويغرس فيهما الدافع والالتزام والإيمان الراسخ. لا يكسر الفيلم أي قواعد جديدة ولكنه يعمل كعرض ترحيبي لويل سميث للتألق، وهو أداء مفاجئ قد يمنحه جائزة أفضل ممثل التي طال انتظارها.
5. CODA
يضعنا فيلم CODA (اختصار لـ “طفل لأبوين أصمّين”) في مكان روبي، فتاة في السابعة عشرة من عمرها تكافح لإيجاد توازن بين واجباتها كمترجمة فعلية لعائلتها والسعي وراء تطلعاتها الخاصة لتصبح مغنية. بحكم موضوعه المركزي، سيثير الفيلم حتماً بعض المقارنات مع فيلم من نفس النوع مثل Sound of Metal في العام الماضي. ومع ذلك، بينما صور الأخير الصمم بشكل أساسي من خلال العزلة الساحقة التي تنبع من منظور الشخص الأول، يدرس هذا الفيلم الصمم من خلال عدسة شخص خارجي وفي سياق تجربة مشتركة ومجتمع مترابط.
الالتزام بمخاطر منخفضة يصب في مصلحة الفيلم، مما يوفر مساحة إضافية لتطوير كل فرد في أسرة روبي واستكشاف الديناميكيات الدقيقة بينهم. في قائمة مليئة بالأعمال العاطفية القاحلة، هذا المرشح مهيأ ليبرز كخيار إجماعي لفيلم العام المفضل للجماهير، على الرغم من أن بعض المشاهدين قد يجدونه عاطفياً أكثر من اللازم حتى بمعايير الأكاديمية المعتادة. في أفضل حالاته، هناك حداثة منعشة في الطريقة التي يقترب بها الفيلم من موضوعاته مع تجنب معظم الكليشيهات المعتادة التي يتوقعها المرء. في أسوأ حالاته، يسير في مسارات مألوفة وإيقاعات قصصية تبدو أحياناً مفتعلة وبالكاد تكون رائدة. ومع ذلك، على الرغم من كل أوجه قصوره، فإن دفء CODA ورسالته المؤثرة تجعل من السهل تجاهل أي انتقادات قد يتركها لديك.
4. The Power of the Dog
منذ زمن بعيد، كانت أفلام الغرب الأمريكي بمثابة ملاذ هروبي إلى عصر كانت فيه للحياة أثمان، حيث كانت قيمة الفرد تتحدد بالدهاء وسرعة سحب المسدس. لقد منحنا هذا النوع السينمائي بعضاً من أكثر الرجال ذكورية أيقونية على الإطلاق، من رعاة البقر ذوي الحواجب المقطبة إلى الأبطال المناهضين الرواقيين. هذا التباهي بالرجولة المفرطة موجود بالتأكيد في أحدث أعمال جين كامبيون في كرسي الإخراج. ولكن مثل أي فيلم غربي تنقيحي جدير بالاهتمام، يقدم The Power of the Dog هذه السمات فقط لتفكيكها بعنف، بما في ذلك مفهوم النوع السينمائي للرجولة الذي تم تمجيده -وإن كان عفا عليه الزمن بشكل فظيع-.
يتبع الفيلم خطى الأعمال التأملية مثل Days of Heaven أو Beau Travail من خلال تكريس نفسه بالكامل للاستبطان بدلاً من الاستسلام لأي نوع من السرد المباشر. إيقاعه البطيء -الذي يثبت أنه خامل في بعض الأحيان- مضمون لإبعاد أولئك الذين يتوقعون رعاة بقر سريعي الزناد ومعارك بالأسلحة النارية، لكن هذا لا يعني أن الفيلم لا يترك أثراً. يكمن جوهر السرد في لعبة الواجهات والخدع الشائكة بين الشخصيات، وهي لعبة تلمح إلى ضغائن لم تُحل، وأجندات خفية، وصدمات باقية. يُقدم الانتقام بارداً، وThe Power of the Dog يلعب أوراقه بحذر، ويستدرج الجمهور إلى شعور زائف بالأمان قبل توجيه ضربة نهائية بارعة.
3. Licorice Pizza
إذا كان هناك شيء تعشقه هوليوود أكثر من أفلام الفترة الزمنية للسبعينيات، فهي تلك التي تدور أحداثها في مكة الترفيه. فيلم بول توماس أندرسون التاسع المنتظر يناسب الوصف في كلتا الحالتين. يتابع الفيلم مغامرات غاري، وهو طالب ثانوي جريء ومحتال بالفطرة، وألانا، امرأة تكبره بعشر سنوات تعوض خيبة أملها تجاه البلوغ من خلال لعب دور الرفيق لمغامراته الخفيفة.
كانت الفجوة العمرية في قصة حب الفيلم المركزية موضوعاً لنقاش حاد عبر الإنترنت وفي دوائر النقاد. يجب القول إن أندرسون يعامل علاقتهما المتدفقة، من واجبات المرافقة إلى الشراكات التجارية، كرابطة لم تولد من رغبة جسدية -ليس متبادلة على أي حال- بل من اعتماد عاطفي. تتماشى كلتا الشخصيتين بشكل جيد مع قائمة المخرج الطويلة من المتشردين الشباب الذين يكافحون لإيجاد توازنهم والذين يجدون في النهاية الراحة في روابط إنسانية غير محتملة. ضمن هذا الإطار، يبحث Licorice Pizza في موضوعات مشابهة لأفلام Boogie Nights وMagnolia وPunch-Drunk Love، لكنه يفعل ذلك دون الجدية والشعور بالإلحاح الذي ميز أعماله المبكرة. على أي حال، يبدو أحدث فيلم لأندرسون راضياً تماماً بالتماشي مع التدفق وإعادة خلق مكانه وزمانه الفريدين.
من السهل رفض Licorice Pizza كجهد ثانوي عند مقارنته بأي من روائع أندرسون. إنه بالتأكيد لا يصل إلى نفس الارتفاعات -على الرغم من أنه لكي نكون منصفين، لا يصل أي من المرشحين الآخرين إلى ذلك- ولكن حتى مع ذلك، فإن الفيلم هو منعطف مرحب به في مسيرته المهنية وآخر من سلالة الأفلام الكوميدية للبالغين ذات الميزانية المتوسطة التي تحتضر.
2. Dune
لم تكن أي من الإصدارات التجارية لهذا العام مضطرة لتحمل توقعات أثقل من أوبرا الفضاء للمخرج دينيس فيلنوف. الفيلم، الذي يمثل في أجزاء متساوية صراعاً سياسياً مثيراً وإدانة لاذعة لمخاطر الاستعمار والتعصب الديني، يتابع بول أتريدس، أمير شاب يتمتع بقوى استبصار، عند وصوله إلى كوكب أراكيس القاحل.
في مواجهة التحدي الشاق المتمثل في الارتقاء إلى مستوى واحدة من روايات الخيال العلمي الجوهرية في كل العصور، كان هناك الكثير على المحك في هذا المشروع لتقديم ليس فقط نسخة مرضية من المادة الأصلية ولكن ربما امتياز تجاري جديد محتمل. كان مخرج أقل شأناً سينهار بسهولة أمام احتمال حشر مجموعة Dune المحيرة من الشخصيات والتقاليد في فيلم واحد دون التضحية بالنطاق والتصوف الذي ميز الرواية. بعد كل شيء، فإن الرواية الأكثر مبيعاً لفرانك هربرت، التأملية والمناهضة للذروة عمداً، بالكاد تلتزم بالهروب المعتاد المليء بالحركة الذي اعتاد عليه الجمهور الحديث.
ولكن ضد كل الصعاب، حقق فيلنوف وفريقه الإنجاز غير المحتمل المتمثل في ابتكار مشهد بصري يسهل الوصول إليه لجذب حشود من المعجبين الجدد ولكنه مخلص بما يكفي لعدم تنفير القراء القدامى. على الرغم من أنه من المفارقات، فإن القرار في الوقت المناسب بتقسيم القصة إلى نصفين -والذي ثبت بكل المقاييس أنه القرار الصحيح- يجعل من الصعب تقييم مزايا الفيلم بشكل عادل دون رؤية الجزء التالي القادم أولاً.
1. Drive My Car
مقابل كل فيلم Parasite الذي تدافع عنه الأكاديمية بحق، هناك عدد لا يحصى من الأفلام الدولية الاستثنائية التي تمر دون أن يلاحظها أحد بشكل مأساوي. ولكن حتى الساعة المتوقفة تكون صحيحة مرتين في اليوم، وأصبح فيلم ريوسوكي هاماغوتشي مؤخراً أول إنتاج ياباني يخطف ترشيحاً لأفضل فيلم. قد لا يكون Drive My Car أفضل فيلم حصلنا عليه من الدولة الآسيوية مؤخراً (هذا الشرف يذهب لفيلم Shoplifters للمخرج هيروكازو كوري-إيدا)، أو أفضل اقتباس سينمائي لهاروكا موراكامي (انظر فيلم Burning للمخرج لي تشانغ-دونغ)، لكن إشادة النقاد العالمية به أكثر من مستحقة.
فيلم هاماغوتشي هو تأمل مهدئ حول الفقد، والحزن، والعديد من الآليات التي نلجأ إليها كعوازل عاطفية من أجل التعامل معها. يلقي الموت بظلاله الطويلة على السرد بأكمله، لكن الفيلم يشير إلى أن التمسك بأمور الماضي ليس مستحسناً ويدعونا للاعتراف بأخطائنا والتصالح مع عيوبنا مرة واحدة وإلى الأبد. يثبت الشفاء من خلال الفن -وبشكل أدق اقتباس مسرحي لمسرحية “العم فانيا” لتشيخوف- أنه علاجي للبطل بقدر الصداقة التي تزدهر بينه وبين سائق سيارته المعين.
فيلم هاماغوتشي مليء بمقتطفات من الحقيقة الباردة، وينسج بسلاسة عبر هذه الملاحظات الكبيرة دون أن يشعر المرء بالثقل. ليس من الشائع أن نرى فيلماً متعدد الطبقات ومتأملاً ذاتياً يتم الاعتراف به في هذه المرحلة. لكن حقيقة أننا نتعامل مع Drive My Car كاستثناء تاريخي من غير المرجح أن يفوز بالجائزة الكبرى يخبرنا عن حكم الأكاديمية السطحي أكثر من أي من أوجه قصوره.
